Мазаччо Гвиди/Masaccio Guidi(Раннее Возрождение)

1401-1428

Мазаччо (итал. Masaccio; устар. вариант — Мазаччьо, собственно Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (Гвиди), Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди; 21 декабря 1401, Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана — осень 1428, Рим) — знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто.

Родился 21 декабря 1401 в семье нотариуса в местечке Сан Джованни Вальдарно. Прозвище Мазаччо («Неуклюжий») художник получил за рассеянность и невнимание к событиям в обычной окружающей жизни.

Работал (нередко в сотрудничестве с Мазолино де Паникале) во Флоренции, а также в Пизе и Риме.

Один из крупнейших мастеров флорентийской школы, законодатель ренессансных традиций, реформатор живописи эпохи кватроченто, Мазаччо продолжил художественные искания Джотто, придавая изображениям невиданную ранее жизненную убедительность.

Симон, дед будущего художника (со стороны отца), был мастером художественного ремесла, изготовлявшим сундуки-кассоне и другие предметы мебели. Исследователи видят в этом факте семейную художественную преемственность, возможность того, что будущий живописец столкнулся с искусством и получил свои первые уроки у деда. Дед Симон был состоятельным ремесленником, имел несколько садовых участков и собственный дом.

Через пять лет после рождения Томмазо отец, которому было всего 27 лет, внезапно умер. Его супруга, бывшая на тот момент беременной, вскоре родила второго сына, которого назвала в честь отца — Джованни (впоследствии он тоже стал художником, известным под прозвищем Скеджа).

Оставшись с двумя детьми на руках, Якопа вскоре вторично вышла замуж, на сей раз за аптекаря Тедеско ди Мастро Фео — вдовца, имевшего двух дочерей.

Второй муж Якопы скончался 17 августа 1417 года, когда Мазаччо не исполнилось и 16 лет. После этого он стал старшим мужчиной в семье, то есть фактически её кормильцем.

Архивные документы сообщают о винограднике и части дома, оставшихся после смерти второго мужа Якопы, однако она ими не пользовалась и доходов с них не имела. Одна из сестёр Мазаччо впоследствии вышла замуж за художника Мариотто ди Кристофано.

Мазаччо рано переехал во Флоренцию. Исследователи предполагают, что переезд произошёл до 1418 года.

Сохранились документы, согласно которым мать Мазаччо снимала жилое помещение в районе Сан Никколо. Вероятно, мастерская, в которой работал художник, находилась где-то неподалёку.

Вазари утверждает, что его учителем был Мазолино, однако это ошибка. Мазаччо получил звание мастера живописи и был принят в цех 7 января 1422 года, то есть раньше Мазолино, принятого в 1423 году.

Кроме того, в его произведениях не видно никаких следов влияния этого художника. Некоторые исследователи считают, что в 1421 году он работал в мастерской Биччи ди Лоренцо, и приписывают ему терракотовый раскрашенный рельеф из церкви Сан Эджидио. Однако стилистика произведений этих художников слишком разная, чтобы говорить об их близком контакте. Тем не менее, в мастерской Биччи ди Лоренцо с 1421 года работал младший брат Мазаччо — Джованни (Скеджа).

Настоящими учителями Мазаччо были Брунеллески и Донателло. Сохранились сведения о личной связи Мазаччо с этими двумя выдающимися мастерами раннего Возрождения.

Они были его старшими товарищами, и к моменту созревания художника уже сделали свои первые успехи. Брунеллески к 1416 году был занят разработкой линейной перспективы, следы которой можно видеть в его рельефе «Битва св. Георгия с драконом».

У Донателло Мазаччо позаимствовал новое осознание человеческой личности, характерное для статуй, выполненных этим скульптором для церкви Орсанмикеле.

В искусстве Флоренции начала XV века доминировал стиль известный как «интернациональная готика».

Художники этого стиля создавали в своих картинах выдуманный мир аристократичной красоты, полный лиризма и условностей. В сравнении с ними произведения Мазаччо, Брунеллески и Донателло были полны натурализма и суровой жизненной прозы. Следы влияния старших друзей можно видеть в самой ранней из известных работ Мазаччо.

Наиболее ранние из достоверных работ художника ( полиптих в церкви Санта-Мария дель Кармине в Пизе, 1426, отдельные части Национальная галерея Лондон, Национальный музей и галерея Каподимонте, Неаполь, и другие собрания) отмечены энергичной светотеневой лепкой, острым ощущением пластической трехмерности фигур, стремлением к монументализированному обобщению форм.

В августе 1428 года в Риме Мазаччо, едва успев приступить к работе над фреской Голгофа в соборе Сан Клементе, неожиданно скончался (по одной из версий живописец был отравлен).

Несмотря на кратковременность жизненного пути и творчества Мазаччо, художник оказал сильнейшее влияние на новое зарождающееся искусство. Наиболее значительными из сохранившихся работ Мазаччо являются фрески. С искусством Мазаччо на смену средневековым традициям пришли черты новой грандиозной эпохи – Возрождения.

Мазаччо порвал с господствовавшими в живописи второй половины 14 столетия тенденциями декоративности и повествовательности. Он сделал решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, впервые дал воздушную перспективу и линию естественного горизонта.

Вместо напыщенной декоративной красочности в картинах и фресках художника появилась сдержанная и гармоничная цветовая гамма.

Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения и, в частности, на творчество Пьеро делла Франческа и Микеланджело. Трагично, что столь блестящий живописец умер, не дожив до тридцати лет.

По материалам: Wikipedia, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Photos of five frescoes attributed to Masaccio, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика., Biography of MASACCIO on Web Gallery of Art.

де Мадрасо и Агудо Хосе/Jose de Madrazo y Agudo

1781–1859

Хосе́ Мадра́со и Агу́до (исп. José de Madrazo y Agudo; 22 апреля 1781, Сантандер — 8 мая 1859, Мадрид) — испанский художник, представитель неоклассицизма.

Хосе учился в Мадриде в Королевской Академии Сан-Фернандо в 1797-1798 годах у Космо де Акуда и затем в 1799-1801 годах у Грегорио Ферро, который в начале девятнадцатого века был ректором Академии Сан-Фернандо и преподавал стиль и технику живописи Антона Рафаэля Менгса.
В 1803 году Мадрасо уже получил свою первую ученую степень.

Благодаря дону Фернандо Ла Серна, который был назначен послом во Франции, в этом же году молодой художник получает возможность продолжать учебу во Франции.
Мадрасо приезжает в Париж, где в течение двух с половиной лет учится в Высшей Школе изящных искусств, становясь одним из любимых учеников Жака — Луи Давида, который особенно восхищался его строго неоклассическим «Христом в доме Анания» (Jesús en casa de Anás, 1805, Мадрид, Прадо).

В студии Давида Хосе познакомился и подружился с Огюстом Домеником Энгром.
Во Франции, под королевским патронатом Карла IV, Мадрасо выполнил роспись «Смерть Лукреции» и другие полотна на сюжеты из классической греко-римской истории.
Получив правительственную стипендию от нового короля Испании Хосе I (Жозефа Бонапарта), Мадрасо в 1806 году переезжает в Рим в сопровождении Энгра, где и завершает свое обучение в Академии Святого Луки.
2 сентября 1809 Мадрасо женился в Риме на Изабель Кунц и Валентини, дочерью немецкого художника из Силезии Тадеуша Кунца.

Это событие стало началом рождения целой династии художников Мадрасо. Двое сыновей Хосе и Изабель, Федерико (9 февраля 1815 —10 июня 1894) и Луис (27 февраля 1825 — 9 февраля 1897) тоже были живописцами.

Другие сыновья были: Педро де Мадрасо — историком искусства и критиком, чьи работы включают исследования собрания музея Прадо, и Хуан де Мадрасо (1829 — 7 марта 1880) – архитектором.
Их внуки – Раймондо и Рикардо – тоже стали художниками.
В 1813 году король Карл IV назначает Мадрасо придворным живописцем, и эта должность остается за художником при переходе власти к королю Фернандо VII после завершения наполеоновской войны в Испании.
Творческая индивидуальность Мадрасо была сформирована именно в Риме, что художник доказал большим успехом своих работ «Смерть Вириатуса» (Мадрид, Прадо) и «Спор между греками и троянцами по поводу тела патрициев» (Палаццо del Quirinale в Риме), написанные в годы учебы в Академии Святого Луки.

Он также написал портреты нескольких известных итальянцев, например, скульптора Антонио Кановы и живописца Томмазо Камуччини.
В 1818 году Мадрасо вернулся в Испанию, и практически сразу был назначен директором отделения цвета и композиции в Академии Сан-Фернандо.

Художник оставался преданным принципам неоклассицизма в теме и стиле своих произведений и стал ярым «проповедником» творчества Ж.-Л. Давида наряду с такими художниками, как Хосе Апарисио (José Aparicio) и Хуан Антонио Рибера (Juan Antonio Ribera).
В 1823 году Мадрасо был назначен директором Академии изящных искусств Сан-Фернандо.
Кроме того, одной из главных задач, поставленных перед художником, стала реорганизация Национального музея Прадо в Мадриде.
В 1834 году Мадрасо руководил каталогизацией коллекции королевской живописи, создав литографские репродукции картин основной коллекции.

Художник впервые ввел технику литографии в Испании.
4 августа 1836 года, согласно королевского указа от 20 июля, он был избран членом правления, ответственным за руководство музея.
9 февраля 1837 года был учрежден Совет музея, куда, кроме Мадрасо, вошли первый придворный живописец Висенте Лопес, скульптор Франциско Элиас, секретарь, бухгалтер и еще два члена, помогающие Мадрасо в выполнении его задач. В королевском указе от 12 августа 1838 года Королевский музей был передан генеральной инспекции королевской семьи, которая и должна была назначать директора.

Неделю спустя, 20 августа, Мадрасо был назначен директором музея Прадо, на этой должности он прослужил с 1838 по 1857 год.
Мадрасо писал, в основном, картины на религиозные и исторические темы. Его стиль искусствоведы характеризуют крайней театральностью, а исторические темы еще и патриотическим восторгом, свойственным его учителю Давиду.

Историк Рамирес Домингес описывает Мадрасо, как «самодовольного и холодного творца с напыщенными преувеличениями и шовинистическими взглядами».
За год до смерти Мадрасо написал большую картину «Св. Франциск Ассизский в экстазе у ног Богородицы» (около 1858-1859) для монастыря капуцинов Эль-Пардо.

Умер художник 8 мая 1859 года в Мадриде в возрасте 78 лет.

Источники: Википедия, Энциклопедия испанской живописи, Энциклопедия музея Прадо.

де Мадрасо и Гаррета Раймундо/Raimundo de Madrazo y Garreta(Академический классицизм)

1841–1920

Раймундо де Мадрасо и Гаррета (исп. Raimundo de Madrazo y Garreta; 1841, Рим — 1920, Версаль) — испанский художник, представитель реализма. Обучался живописи у своего отца.

Раймундо – представитель известной династии де Мадрасо, младший сын Федерико де Мадрасо и Кунц.

Он родился в Риме, где отец продолжал обучение после окончания Академии в Мадриде.

Начинал Раймундо обучение под руководством своего отца в Королевской Академии Сан-Фернандо в Мадриде, затем по семейной традиции уехал в Париж, где учился у Леона Конье (Leon Cogniet, 1794-1880).

Казалось, он будет продолжать семейную традицию академической живописи.
Однако в связи с влиянием бельгийского художника Альфреда Стивенса и своего шурина, Мариано Хосе Бернардо Фортуни и Марсаля, а также парижской художественной среды, Раймундо Мадрасо поменял свои приоритеты.

Вместо исторической живописи (например, «Прибытие в Испанию тела апостола Святого Иакова (Arrival in Spain of the Body of the Apostle St James, 1858) или «Ataulfo» (1860)) художник стал писать небольшие жанровые сцены и портреты.
Кстати, Мадрасо называют учителем французских художников Леона Бонна (Léon Bonnat, 1833-1922) и Жюля ЛеБланка Стюарта (Julius LeBlanc Stewart, 1855-1919).

Раймундо жил в Париже и Нью-Йорке, поэтому он был очень и стал далек от испанской художественной жизни. Он, как и Мариано Фортуни был в числе тех испанских художников, которые не участвовали ни в одной национальной выставке, по этой причине испанское государство никогда не приобретало их картины.

В 1882 году Мадрасо вместе с художниками — итальянцем Джузеппе Де Ниттисом и бельгийцем Альфредом Стивенсом, а также владельцем галереи Жоржем Пети стал соучредителем Международной выставки, направленной на поддержку иностранных художников в Париже.

В картинах Раймундо Мадрасо чувствуется влияние рококо и японского искусства. Жанровые сцены, как и женские портреты художника, относят к ярким примерам остроумной и элегантной жанровой живописи, с мягкими тонами и деликатными позами.

Художник изображает изысканный идеал аристократических кругов и буржуазии, показывая явь и иллюзии утонченной и чувственной жизни. Иногда картины Мадрасо называют «Парижским сералем». Сераль (франц. sérail, от турецкого saray — дворец) — дворец турецкого султана. Иногда сералем называли внутреннюю, женскую, часть дворца, то есть гарем.

Американские коллекционеры платили большие деньги за картины Мадрасо. Например, Александр Терни Стюарт купил картину «Дама с попугаем», «Карнавал» (1878) был приобретен Л. Вольфом, а «Девушки у окна» (1875) была куплена миллионером Вандербильтом.

Кстати, две последние из названных картин в настоящее время находятся в музее Метрополитен в Нью-Йорке.

Благодаря испанским коллекционерам, например, Рамону де Эрразу (умер в 1909 году) картины Раймундо появились и в Испании.Хорошая коллекция картин художника имеется в музее Прадо.

де Мадрасо и Кунтц Федерико/Federico de Madrazo y Kuntz

1815–1894

Федерико де Мадрасо и Кунц (исп. Federico de Madrazo y Kuntz; 9 февраля 1815, Рим — 10 июня 1894, Мадрид) — испанский художник XIX века, известный преимущественно как исторический живописец и портретист.

Федерико де Мадрасо — представитель художественной династии Мадрасо. Его отец, Хосе де Мадрасо и Агудо, был также художником.

Художниками были и брат Федерико Луис и сын Федерико Раймундо.

Мать Федерико была немкой, что отражено в его полной фамилии. Дочь Федерико Сесилия — супруга художника Мариано Фортуни и мать дизайнера одежды Мариано Фортуни и Мадрасо.

Федерико получил начальное художественное образование под руководством отца, затем он учился в студии Альберто Листа, и впоследствии поступил в королевскую Академию изящных искусств Сан Фернандо, где изучал живопись у ведущих испанских неоклассических живописцев Хуана Антонио де Риберы и Хосе Апарисио.
Еще посещая классы Академии Сан-Фернандо, в 1829 году Мадрасо написал свою первую картину «Воскресение Христово» (The Resurrection of Christ, 1829), которая была приобретена королевой Марией Кристиной.

Вскоре после этого он написал «Ахилл в своей палатке» (Achilles in his Tent), а затем представил на конкурс в Академию «Воздержание Сципиона» (The Continence of Scipio), что обеспечило членство в Академии с формулировкой «за заслуги».
При оформлении дворца Виста Алегре художник заинтересовался портретным жанром.
Картина Федерико «Святой Дух» (1831) принесла ему статус академика в Академии Сан-Фернандо
В 1832 году Федерико Мадрасо отправился в Париж, где учился у Франца Винтерхальтера. В этот период написаны портреты барона Тайлера и своего друга художника Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres, 1780—1867). Есть сведения, что во время своего пребывания в Париже, Мадрасо работал именно в студии Энгра.

В 1835 году вместе со своим братом Педро Федерико основал художественный журнал El Artista.
В 1837 испанский художник получил заказ на выполнение картин для галереи в Версале, он нарисовал «Годфрей де Буйон провозглашается королем Иерусалима» (Godfrey de Bouillon proclaimed King of Jerusalem).
Затем художник отправился в Рим, где работал над многими картинами религиозного и светского характера и, конечно, портретами.

В Италии художником были написаны картина «Мария Кристина в одежде монахини у постели Фернандо III» (Maria Christina in the Dress of a Nun by the Bedside of Ferdinand III, 1843), портреты королевы Изабеллы, герцогини Медина-Коэль, графини де Вильчес (1845-1847) и ряда испанских аристократов.

Некоторые из этих работ были выставлены на национальной выставке 1845 года.
В Риме Мадрасо познакомился с немецким художником Иоганном Фридрихом Овербеком (Johann Friedrich Overbeck, 1789—1869), основателем группы Братство назарейцев, это общение повлияло на творческую манеру художника.
Проведя два года в Риме, Мадрасо вернулся в Испанию.

С 1842 года он стал активно творить и заниматься преподавательской деятельностью, поддерживая связь с коллегами-художниками, которые, как и он, получили образование во Франции и Италии, среди которых иожно отметить каталонского художника Хоакина Эспалтера.
Федерико Мадразо и Кунтц считается одним из представителей новейшего подъема испанской живописи после долгого упадка.

Произведения художника отличаются правильностью рисунка, блеском колорита и мастерским приемом письма, они были известны не только в Испании, но и в других странах.

С 1859 года Мадрасо становится профессором мадридской Академии художеств , в этом же году ему присвоенои звание «королевского придворного живописца».
После смерти отца, художника Хосе де Мадрасо и Агудо, в мае 1859 года, Федерико Мадрасо становится его преемником на посту директора музея Прадо и избирается президентом Академии Сан-Фернандо.

В 1873 году с появлением вакантного места в связи с кончиной художника Шнорра, Мадрасо был избран иностранным членом Академии художеств в Париже.
Семья Мадрасо подарил Испании целую плеяду деятелей искусства.
Один из братьев Федерико — Луис (27 февраля 1825 — 9 февраля 1897), стал, как и он – художником.
Правда, он известен только по одной своей работе «Похороны Святой Цецилии» (Burial of Saint Cecilia, 1855).
Второй брат — Хуан (1829 — 7 марта 1880) был архитектором, а еще один брат — Педро, был искусствоведом и критиком, изучающим коллекцию музея Прадо.
Сыновья самого Федерико — Раймундо (24 июня 1841 — 15 сентября 1920) и Рикардо (7 февраля 1852 — 18 августа 1917) Мадрасо и Гаррета пошли по стопам отца и деда и стали тоже художниками.
В последние годы своей жизни Федерико де Мадрасо писал преимущественно жанровые картины, милые по содержанию и весьма изящные по исполнению.
Скончался художник 11 июня 1894 года в Мадриде.

Творческое наследие Федерико Мадрасо включает многочисленные портреты испанской знати, исторические и религиозные полотна.
Из исторических картин наиболее известны:
Провозглашение Готфрида Бульонского королем Иерусалима 23 июля 1099 года
Финал битвы при Чериньоле 28 апреля 1503 года (Гонсало Фернандес де Кордоба, известный как «Великий капитан», созерцает труп командующего французской армией Луиса де Арманьяка, герцога Немурского)

Источники- Википедия, зарубежные энциклопедии.

Мазерель Франс/Masereel Frans(Символизм, графика)

1889–1972

Франс Мазерель (или Мазереель; нидерл. Frans Masereel) — бельгийский художник, представитель левого экспрессионизма, мастер больших графических циклов-«романов».

Родился в Бланкенберге (Западная Фландрия) 30 июля 1889. Учился в гентской Академии художеств (1907—1908). С 1909 жил в Англии, Германии, Швейцарии, но преимущественно во Франции. Трижды (в 1935—1937 и 1958) посетил СССР.
создал цикл антивоенных газетных рисунков.

В годы Первой мировой войны сблизился в Женеве с Роменом Ролланом, присоединившись к группе писателей-антимилитаристов.

Создал цикл антивоенных газетных рисунков, которые помещал в журнале «Лист» («La Feuille») и других периодических изданиях левого толка, выработав свой графический язык, основанный на сильных черно-белых контрастах и столь же броской и риторичной «черно-белой» символике социального добра и зла.

Излюбленной его техникой стала ксилография.

Используя близкие экспрессионизму и другим течениям начала XX века художественные приёмы (фантасмагоричность образов, гротеск, угловатый, геометризованный рисунок, динамичное построение композиции, резкий контраст чёрного и белого), а также литературную фабулу, традиционные символы и аллегории, Мазерель создавал серии ксилографии («романы в картинках») со стремительным, подобным смене кадров, развитием сюжета.

Увлечённый стихийным напряженным ритмом современного города, Мазерель прослеживал жизнь в нём своего героя, раскрывал трагический конфликт человеческой личности с буржуазным обществом, выражал своим творчеством сознательный протест против насилия и эксплуатации, стремился осознать место человека и гуманистических ценностей в современном мире («Крестный путь человека», 1918; «Мой часослов», 1919; «Город», 1925; «Созидание», 1928; «Пляска смерти», 1941).

Выступал и как художник книги (иллюстрировал произведения Барбюса, Цвейга и др.); известнейшая его работа в этой области — эпико-лирические иллюстрации к «Жану-Кристофу» Ромена Роллана (1925—1927).

Мастер широкого профиля, активно работал как станковист (живопись маслом, акварели, штучные гравюры), художник театра и кино, живописец-монументалист, создавал эскизы для керамики, но во всех этих областях (в отличие от своих «романов» и лучших иллюстраций) не поднялся над средним уровнем умеренного модернизма, сперва «ангажированного», затем все более лирически-созерцательного.

Искусство Мазереля оказало влияние на творчество многих европейских мастеров 1-й половины 20 века и сыграло большую роль в формировании новых образно-выразительных средств критического реализма.

Умер Мазерель в Авиньоне 3 января 1972.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика., А. Луначарский о Ф. Мазереле, В. Раздольская, Мазерель, (Л.-М., 1965); Кантор А. М., Творчество Франса Мазереля, в сборнике: Современное изобразительное искусство капиталистических стран, М., 1961;

Мазолино да Паникале/Masolino da Panicale(Проторенессанс)

1383-1447

Мазолино или Мазолино да Паникале (итал. Masolino da Panicale; род. около 1383, Паникале (в долине р. Арно) — около 1440) — прозвище, под которым известен итальянский живописец Томмазо да Кристофоро-Фини.

Родился в городке Паникале в 1383 году в семье маляра. Собственно, настоящее имя Томмазо ди Кристофоро Фини.Ученик Лоренцо ди Бартолуччо Гиберти. Работал в Эмполи, во Флоренции, в Венгрии, с 1428 года в Риме, в 1432 в Тоди, а также в местечке Кастильоне д’Олона (близ Варезе, севернее Милана).

Вазари сообщает, что в пору учёбы в Риме Мазолино декорировал зал дома (росписи не сохранились) Орсини на Монте Джордано. Однако эту же работу Вазари в другой главе своих «Жизнеописаний…» приписывает Джоттино.

Первым подлинным фактом из биографии Мазолино является аренда им в 1422 году дома во Флоренции. В январе следующего, 1423 года, Мазолино был принят Корпорацию врачей и аптекарей (Arte dei Medici e degli Speziali), куда входили также художники.

Чуть раньше, в 1422 году, в корпорацию был принят Мазаччо. 1423 годом датируется «Мадонна Смирение» (Художественная галерея, Бремен), написанная Мазолино, вероятно по поводу брака между представителями семей Бони и Карнезекки.

Это произведение ещё очень тесно связано со стилистикой поздней готики, но жесты персонажей уже более естественны, взяты из повседневной жизни, сами фигуры поданы более монументально, приземлённо.

«Мадонна Смирение» из Уффици относится исследователями к более раннему периоду (1415—1420), до того, как Мазолино начал совместную работу с Мазаччо. Несмотря на явные отсылки к мотивам поздней готики и элегантному стилю Лоренцо Монако, Мазолино демонстрирует знакомство с новым течением искусства — об этом свидетельствуют светотеневая моделировка и цветовое решение «Мадонны Смирение».

По словам Вазари в церкви Санта Мария дель Кармине Мазолино рядом с капеллой Распятия изобразил фигуру святого Петра (она была уничтожена в 1675 году). Работа получила всеобщее одобрение и послужила причиной заказа художнику в той же церкви декорации капеллы Бранкаччи.

В истории искусства Мазолино занимает видное место, как один из двигателей возродившейся итальянской живописи по пути к прогрессу, еще не отделавшийся от некоторой сухости и наивности последних джоттистов, но воспроизводивший наблюденное в действительности с большей решительностью и свободой, чем его предшественники, и стремившийся к драматизму и грации.

Из произведений, которые приписывались ему в прежнее время, принадлежащими несомненно ему признаются теперь только фрески в хоре коллегиальной црк. Кастильоне ди Олонна (сцены из житий св. Стефана и св. Лаврентия и сюжеты, относящиеся до Богородицы), в крестильнице того же городка (эпизоды из истории Иоанна Предтечи) и в капелле Бранкаччи, в црк. C.-Мариа дель Кармине во Флоренции («Адам и Ева в земном раю» и «Апостол Петр, воскрешающий Тавифу»). Некоторые художественные критики признают, кроме того, за его работу стенную роспись небольшой капеллы в базилике св. Климента в Риме («Сцены из жития св. Екатерины Александрийской», «Благовещение» и пр.) — фрески, исполнителем которых Вазари называет Мазаччьо.

Мазолино и Мазаччо часто работали вместе; и хотя Мазолино был старшим по возрасту, художник испытывал столь сильное воздействие искусства Мазаччо, что специалисты нередко затрудняются определить долю участия каждого из них в совместных работах.

Из двух художников Маэолино был более тонким — мягкие черты лиц и более теплое сочетание красок в трактовке его одежд обнаруживают руку мастера.

Прозвища Мазолино и Мазаччо, обозначающие Малый Фома и Большой Фома, возможно, отражают стремление заказчиков разграничить индивидуальности этих живописцев.

После ранней смерти Мазаччо Мазолино да Паникале вернулся к стилю интернациональной готики, в русле которого живописец начинал свою творческую деятельность. Точные данные о дате смерти художника неизвестны. Предположительно, Мазолино да Паникале умер в 1447 году.

Лучшей работой Мазолино да Паникале многие искусствоведы считают фреску «Философы Александрии» (1428-1430, Сан Клементе, Рим).
Другие работы живописца Мазолино да Паникале:
«Пьета» (Музей Энгра, Монтобан);
«Успение» (Национальный музей, Неаполь);
«Мадонна» (1423, Художественная галерея, Бремен);
«Святые Иоанн, Мартин, Петр и Павел» (собрание Джонсона, Филадельфия);
«Благовещение» (1430, собрание Кресс и Гольдман, Нью-Йорк);
«Распятие» и «Успение» (1435, Ватиканская пинакотека).

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Catholic Encyclopedia (1913)/Masolino da Panicale, Энциклопедия мирового искусства, Masolino da Panicale at Panopticon Virtual Art Gallery, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Мазуровский Виктор Викентьевич(Батальная живопись)

1859–1944

Мазуровский Виктор Викентьевич — российский художник польского происхождения, мастер экспрессивных батальных сцен.
Родился в 1859 году в Варшаве.

В 1876-1878 годах Мазуровский получил первоначальное художественное образование в Варшавском рисовальном училище.

С 1879 года продолжил обучение в Императорской Академии художеств, сперва вольноприходящим слушателем, а затем и полноправным академистом.

Обучался живописи у известного художника-баталиста Богдана Павловича Виллевальде.

Во время обучения в Академии Мазуровский получил две золотые медали за картины: «Атака кавалерийским разъездом черкесов у деревни Бела в 1877 году» и «Дело лейб-гвардии гусарского полка при Телише 3 октября 1877 года». Вместе с академическими наградами молодому баталисту было присвоено звание классного художника первой степени.

По окончании Академии для Мазуровского была учреждена стипендия российской армии, которая помогла художнику в 1890-х годах отправиться за границу с целью совершенствования в живописи.

По возвращении из Европы Мазуровский исполнял должность штатного художника при Генеральном Штабе русской армии. Он посещал военные части и формирования, исполнял заказы военного командования по батальному жанру.

Получил известность как автор сцен Русско-турецкой войны (1877–1878), а также исторических сражений Петровской и Наполеоновской эпох.

Писал также сцены охоты и пейзажи Петербурга. В 1890–1900-е участвовал в выставках «Независимых» и Санкт-Петербургского общества художников. Провел персональные выставки в варшавской галерее Zachęta (Zachęta Narodowa Galeria Sztuki; 1885, 1901, 1913), а также во Львове (1894) и Кракове (1896). Работы репродуцировались на почтовых открытках.

В 1904–1905, во время Русско-японской войны, состоял при дивизионе конных разведчиков штаба главнокомандующего, создав обширный цикл зарисовок военных действий и армейского быта в Манчжурии.

Серия, составляющая около 70 работ, в 1907 была показана на выставке в Петербурге, а затем, по просьбе императора Николая II, – в Царском Селе. Некоторые работы были воспроизведены на изделиях Императорского фарфорового завода. Тогда же (1907) стал одним из основателей Польского общества любителей изящных искусств в Санкт-Петербурге.

После возвращения в Петербург наступил самый плодотворный период в творчестве Виктора Викентьевича Мазуровского. Художник создает исторические картины «Атака лейб-гвардии Конного полка на французских кирасир в сражении под Фридландом 2 июня 1807 года», «Дело казаков Платова под Миром 9 июля 1812 года» и ряд других произведений.

В 1907 написал ряд картин, посвященных революционным волнениям в Петербурге и Варшаве, в том числе картину «Очистка площади», которая попала в поле зрения цензуры и была арестована полицией на выставке Санкт-Петербургского общества художников в Пассаже.

В годы I Мировой войны опять в качестве художника был на фронте, создав выразительные образы русской кавалерии и пехоты.

В 1917 вернулся в Петроград, где до 1924 работал художником в Военном музее (ныне Военно-исторический музей артиллерии, инженерных войск и войск связи).

В 1924 выехал в Польшу по праву уроженца этой страны. В том же году провел в Варшаве персональную выставку (галерея Zachęta), на которой, среди прочего, показал работы, связанные с Советско-Польской войной 1919–1920 годов.

В 1927 уехал в Италию и до 1939 жил в Риме. С 1936 состоял там членом Общества польских художников «Капитолий». Продолжал писать исторические батальные сцены и военные парады, а также портреты и жанровые сцены. Исполнил серию пейзажей Туниса. В 1936 провел в Риме персональную выставку.

В 1939 вернулся в Польшу. Во время Варшавского восстания (1944) был убит на улице выстрелом в голову солдатами русской дивизии СС «РОНА». Одновременно была убита и его жена – пианистка Ядвига Ивановская-Залеская (состояли в браке с 1911).

Работы хранятся во многих музейных коллекциях, в том числе в ГРМ и ГТГ.
По материалам: Википедия, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Смирнова Т. Польские общества в Санкт-Петербурге. Конец XIX – начало ХХ века. СПб., 2013.

Маковский Владимир Егорович(Реализм, бытовой жанр)

1846–1920

Владимир Егорович Маковский (26 января (7 февраля) 1846, Москва — 21 февраля 1920, Петроград) — русский художник-передвижник, живописец и график, педагог, мастер жанровой сцены; академик (1873), действительный член петербургской Академии Художеств (1893).

Брат Константина Егоровича Маковского. Владимир Маковский родился в семье видного деятеля искусств Е. И. Маковского, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

Мать Владимира — Любовь Корнилиевна (урождённая Моленгауэр). Брат художника Маковского Константина Егоровича.

В пятнадцать лет Владимир Маковский написал жанровую картину «Мальчик, продающий квас» (1861).

С 1861 по 1866 Владимир учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у продолжателя Венециановской школы С. К. Зарянко, Е. С. Сорокина и самого В. А. Тропинина. Училище Владимир закончил с серебряной медалью и званием классного художника III степени за работу «Литературное чтение».

В 1869 за картину «Крестьянские мальчики стерегут лошадей» Маковский получил звание «классного художника первой степени с золотой медалью Виже-Лебрень за экспрессию».

С рождением в 1869 году первого ребёнка, сына Александра, у Маковского проявляется интерес к детской тематике («Крестьянские мальчики», «Пастушки», «Ночное», «Возвращение с ночного»). Картина «Игра в бабки» стала первой картиной Маковского, купленной П. М. Третьяковым для своей галереи, что означало признание его как художника.

В 1870 выступил в числе основоположников «Товарищества передвижников». Жанровые картины Владимира Маковского принадлежат к числу наиболее типичных, хрестоматийных образцов искусства «передвижников».

Его ранние, гладко написанные, небольшие по формату композиции добродушно-анекдотичны, посвящены заботам и нехитрым радостям «маленького человека». Таковы, в частности, картины «В приемной у доктора» (1870) и «Любители соловьиного пения» (1872-73). Часто посвящал свои композиции различным социальным типажам («Церковный сторож», 1866; «Шарманщик», 1879, и др.), в т. ч. деревенской детворе («Игра в бабки», 1870; и др.).

Со временем в тонких психологических мизансценах Маковского все явственней проступала тема «униженных и оскорбленных» («Посещение бедных», 1874, Третьяковская галерея).

В 1873 за картину «Любители соловьев» Маковский был произведён Академией художеств в академики. Картина была выставлена на Всемирной выставке в Вене, где привлекла всеобщее внимание.

Фёдор Достоевский писал о ней: «…если нам есть чем-нибудь погордиться, что-нибудь показать, то уж, конечно, из нашего жанра… в этих маленьких картинках, по-моему, есть даже любовь к человечеству, не только к русскому в особенности, но даже и вообще».

В это же время он написал 21 жанровую картину для альбома «Эпизоды Севастопольской жизни 1854—1855 годов».

В 1872 он стал членом Товарищества передвижных художественных выставок. С самого начала был одним из наиболее деятельных членов Товарищества, участвовал почти во всех выставках, а с 1874 года его избрали членом правления.

Самые качественные свои вещи Маковский написал в 1880-90-х годах: это и острые, на грани гротеска, социальные драмы, лучшей из которых является «Крах банка» (1881) — многофигурная композиция с взбудораженными людьми, скандально, отчаянно или с жуликоватой ухмылкой реагирующими на неожиданную весть о финансовой катастрофе, и печальные новеллы о выходцах из деревни, которых всасывает в себя мрачный и жестокий город («Свидание», 1883; «На бульваре», 1886-1887), и, наконец, совсем простые по сюжету, но в высшей степени трогательные лирические сценки («Объяснение», 1889-1891).

С 1882 по 1894 Маковский преподавал в МУЖВЗ. В 1892 году ему присвоили звание профессора. Вплоть до 1894 года он жил и работал в Москве в доме Дворцового ведомства у Каменного моста близ Храма Христа Спасителя, для росписи которого сделал несколько эскизов.

В 1893 был избран профессором Академии художеств и в связи с этим в 1894 году переехал в Петербург.

С годами в творчестве мастера четко проступили не только социально-созерцательные и социально-критические черты, но и открытые симпатии к леворадикальному движению.

С 1894 по 1918 Маковский преподавал в петербургской Академии художеств, куда его пригласили на должность руководителя жанровой мастерской в Высшем художественном училище.

В 1895 он был назначен ректором Академии. Учениками Маковского были А. Е. Архипов, В. Н. Бакшеев, Е. М. Чепцов, В.А.Кузнецов. С 1905 года — действительный статский советник.
Целый ряд своих произведений он посвятил «новым людям», вставшим на путь борьбы с существующим строем.

Этапной в данном плане явилась «Вечеринка» (1875-97), где впервые в русской живописи был изображен революционный кружок, буквально у нас на глазах оформляющийся из дружеской компании, собравшейся для обсуждения «проклятых вопросов». Тема продолжена в картинах «Осужденный» (1879), «Оправданная» (1882), «Допрос революционерки» (1904).

Из романтического идеала или аллегории назревающая революция превратилась в произведениях Маковского в повседневный процесс. Наиболее социально-эпатажные из его вещей иной раз запрещались цензурой (подобно картине «Ходынка. Ваганьковское кладбище», 1896-1901).

Совершив в 1896 поездку на Волгу, написал цикл образов народного дна, близких «босяцким» темам молодого М. Горького. Однако общественная актуальность не сопровождалась большими художественными успехами: к началу 20 века живопись Маковского становилась все более вялой, тусклой, лишенной прежнего лиризма. Успешно выступал также как портретист («Художник И. М. Прянишников», 1883; и др.), книжно-журнальный иллюстратор и педагог (с 1882 преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества, а затем — в Академии художеств).

Умер Владимир Маковский 21 февраля 1920 и был похоронен в Петрограде на Смоленском кладбище.

По материалам: Википедия, Энциклопедия русской живописи, Работы художника на сайте,  Маковский, Владимир Егорович в библиотеке «Старатель», Работы художника на АртЭнциклопедии.

Маковский Владимир Егорович(Реализм, бытовой жанр)

1839–1915

Маковский Константин Егорович (2 июля(20 июня) 1839—30(17) сентября 1915) — русский художник, присоединившийся к передвижникам. Многие из его исторических картин, например «Наряд русской невесты» (1889), демонстрируют идеализированный взгляд на жизнь в России в предыдущие столетия. Является также представителем академизма.

Творчество и жизнь Константина Маковского, одного из самых талантливых отечественных живописцев второй половины XIX столетия, весьма многогранны. Однако прежде всего у широкого круга зрителей представление о нем связано с яркими картинами из жизни патриархальной Руси.

Родился художник в Москве, старшим сыном в семье российского деятеля искусств и художника-любителя, Егора Ивановича Маковского.

Егор Маковский был основателем «Натурного класса», художественного училища, которое потом стало известно как Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Брат художника Маковского Владимира Егоровича.

Среди друзей семьи были Карл Брюллов и Василий Тропинин. Все дети Егора Ивановича стали выдающимися художниками (см. Маковский).

Позднее Константин писал: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу».
Живописец стал создателем совершенно особого предметно-образного стиля, воплощенного в полотнах так называемого боярского цикла (1880–1900-е годы), столь самобытного и убедительного, что эти картины знают в различных странах.

Но еще мало кому известно, что самобытность, своеобразие и убедительность картин, которые можно отнести к тому национальному направлению, которое получило название «русский стиль», напрямую связаны с его истинной страстью — художественным собирательством, которым Маковский увлеченно занимался на протяжении всей своей жизни.

В 1851 году Константин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где он стал первым студентом, легко получая все доступные награды.

Его учителями были М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкий, С. К. Зарянко, все — ученики Карла Брюллова. Склонность Маковского к романтизму и декоративным эффектам можно объяснить влиянием Брюллова.

Маковский избрал самостоятельный путь в отличие от своих братьев . В 1858 году, оставив Москву и родной дом, он отправился в Санкт-Петербург, где поступил в Императорскую Академию художеств

С 1860 года он участвовал в выставках Академии с такими картинами как «Исцеление слепых» (1860) и «Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова» (1862).

В 1863 году Маковский, вместе с 13 другими студентами, выбранными для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии, отказался писать картину на тему Скандинавской мифологии и покинул Академию, не получив диплом.

Маковский присоединился к артели художников, возглавляемой Иваном Крамским, создавая картины повседневной жизни (Вдова (1865), Продавец сельди (1867) и т. д.).

В 1870 году он стал одним из основателей «Товарищества передвижных художественных выставок» и продолжал работать над картинами, посвящёнными повседневной жизни. Он выставлял свои работы как на выставках Академии, так и на передвижных художественных выставках.

Значительные изменения в его стиле произошли после путешествия в Египет и Сербию в середине 1870-х. Тяготея к характерному для передвижников жанру, Маковский постепенно начал склоняться в сторону легкого успеха, которого достигал с помощью изображения эффектных сюжетов, не отличавшихся ни вдумчивостью, ни глубиной содержания.

Такова созданная под впечатлением от путешествия в Египет картина «Возвращение священного ковра из Мекки в Каир» (1876), представлявшая пышное религиозное шествие в восточном городе. Бытовая экзотика, яркость типов, этнографическая точность, звучность колорита лишь усиливают внешнее впечатление, заслоняя собой правду жизни.

В 1880-х он стал модным автором портретов и исторических картин.Историческая живопись Маковского, его так называемые боярские жанры, отвечали духу официальной народности и псевдорусскому стилю, распространенному в искусстве 1880-90-х годов. «Свадебный пир в боярской семье XVII столетия» (1883), «Поцелуйный обряд» (1895), «Смерть Иоанна Грозного» (1888) интересны, скорее, с этнографической точки зрения: художник тщательно выписывает костюмы персонажей, аксессуары, детали бытового окружения.

На Всемирной выставке 1889 г. в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара».

Он был одним из самых высоко ценимых и высокооплачиваемых российских художников того времени. Многие критики-демократы рассматривали его как предателя идеалов Передвижников, создающего, как Генрих Семирадский, поразительные но поверхностные работы, тогда как другие видели в нём предвестника Русского импрессионизма.

Его мастерская на Дворцовой площади в Санкт-Петербурге была чрезвычайно популярна среди светской публики, а модные идеализированные портреты, явно приукрашивающие модель, очень ценились.

Блестяще передавая обстановку, наряды, дорогие ткани и меха, художник старался представить портретируемых в самом выигрышном свете, соблюдая при этом точное сходство, но не вникая в психологические характеристики моделей. По выражению И. Н. Крамского, в этих портретах «цвета подобраны, как букет».

В 1915 году он участвует в учреждении Общества возрождения художественной Руси, наряду со многими другими художниками своего времени.

Маковский стал жертвой несчастного случая (в его экипаж врезался трамвай) и скончался в 1915 году в Санкт-Петербурге.

Он возвращался в свою васильеостровскую мастерскую на извозчике. Лошади испугались трамвая, нового вида транспорта, и рванули, перевернув коляску.

Константин Егорович выпал из этой коляски, получив удар головой о мостовую, который вызвал очень серьёзное ранение, потребовавшее операции.

После операции он пришел в себя, но сердце не выдержало слишком сильной дозы хлороформа. Константин Егорович умер, не приходя в сознание. Так оборвалась 74-х летняя блестящая жизнь, полная трудов, радостей и успеха.

Похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры.

По материалам:Wikipedia , Энциклопедия русской живописи. Статья:Русские художники.Семья Маковских. Маковский Константин Егорович, Статья Надежды Большаковой «Константин Маковский — коллекционер»,Работы художника на сайте.

Малевич Казимир

1878–1935

Русский художник, теоретик искусства и философ. Родился в Киеве 11 (23) февраля 1878 в семье выходцев из Польши.

В 1895–1896 учился в Киевской рисовальной школе Н.И. Мурашко; приехав в 1905 в Москву, занимался в студии Ф.И.Рерберга.

Жил в Москве (до 1918) и Ленинграде. В его работах первой половины 1910-х годов, все более определился стиль кубофутуризма, «Точильщик (Принцип мелькания)», 1912, «Лесоруб», 1912–1913.

Из трагикомического бурлеска о крушении старого и рождении нового миров возник замысел знаменитого Черного квадрата. Эта простая геометрическая фигура на белом фоне — своего рода апокалиптический занавес над прежней историей человечества, и призыв к строительству будущего.

C 1923 художник возглавляет Госинститут художественной культуры (Гинхук). Власти относятся к деятельности Малевича все с большим подозрением (его дважды, в 1927 и 1930, арестовывают).

Опасаясь за судьбу своего наследия, в 1927, во время заграничной командировки, мастер оставил значительную часть своих картин и архива в Берлине (позднее они легли в основу фонда Малевича в амстердамском Городском музее).

Начав свой творческий путь с натурализма, Малевич «примерил» к себе импрессионизм, футуризм, а затем кубизм. Поняв, что всё это «мáло» и не способно в полной мере отразить открывшееся ему знание о бытии и понимание искусства, художник изобрел абсолютно новое направление в живописи — супрематизм, в котором основными доминантами живописи были признаны форма и цвет.

Используя разноцветные геометрические фигуры как универсальные инструменты, Малевич получил возможность создавать композиции, глубина и выразительность которых были безграничны и зависели лишь от восприятия зрителя.

Стремясь познать суть искусства и сделать осязаемой границу между небытием и явью, он, шагнув в будущее, создал «Черный квадрат» — картину, которая уже много десятилетий удивляет, настораживает, заставляет думать и напряженно всматриваться, стремясь отыскать за темной завесой точку, где окончание всего перерождается в начало.

Кто-то создает картины, известные и понятные миллионам, а кто-то творит для избранных. Полотна Малевича известны многим, но понятны единицам. Одних они пугают, других завораживают, у третьих вызывают недоумение. Но никого не оставляют равнодушными.

После жизни — не точка, но многоточие…

Словно следуя законам супрематизма, биографы разложили жизнь художника на разноцветные простые составляющие: родился в многодетной семье, трижды женат, состоял в различных творческих сообществах, создал немало картин, написал несколько книг.

А за этой элементарной мозаикой — безграничная глубина, простор для изысканий искусствоведов, философов и рядовых почитателей искусства.

Прожив насыщенную событиями и исканиями жизнь, Казимир Малевич оставил после себя больше, чем творческое наследие, подарив ученикам и потомкам абсолютно новую идеологию творчества.

Он будто растворился в собственных творениях, поставив своей смертью не точку на жизненном пути, но многоточие в творчестве.

Умер Малевич в Ленинграде 15 мая 1935.

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”.

Мандер Карел ван/Carel van Mander(Маньеризм)

1548-1606

Карел ван Мандер (Carel van Mander) (1548, Мёлебеке — 11 сентября 1606, Амстердам) — известный нидерландский живописец, создатель исторических и религиозных композиций, жанровых и декоративных картин в духе маньерuзма.

Родился будущий художник в мае 1548 г. в деревне Мёлеебеке, расположенной между городами Куртре и Брюгге. Он происходил из старинного дворянского рода, и многие его предки еще в XIII в. занимали в стране высокие духовные должности.

Отец его, Корнелис ван Мандер, был старшиной и сборщиком податей в деревне Розенбеке, а также гражданином и областным советником города Куртре. Заметив литературные наклонности сына, родители оттдали его в латинскую школу в Тильте, где он показал хороошие успехи в изучении грамматики и синтаксиса.

Затем Карел воспитывлсяя у учителя-француза в Генте под присмотром своего дяди Франсуа ван Мандера. Наконец, для завершеения художественного образования юноша был отдан в учение сначала к искусному живописцу того времени Лукасу де Хееру (Хере), а в 1568-1569 гг. — к не менее известному мастеру Питеру Влерику.

В 1570 г. он вернулся в родной город Мёлебеке и посвятил себя драматургии и поэзии.
В 1573 г. Мандер предпринял путешествие в Италию и побывал во Флоренции. В Терни Мандер получил заказ на фреску на тему варфоломеевской ночи в память об убитом в ее ходе Гаспаре де Колиньи. Эта фреска из палаццо Спадо частично сохранилась до настоящего времени. В Риме Мандер познакомился и подружился с Бартоломеусом Шпрангером.

В 1573-1577 годах жил в Риме, в 1583 Карел ван Мандер стал одним из основателей первой нидерландской художественной академии в Харлеме.

В 1577 г. Мандер работал в Базеле, позднее переехал в Кремс и далее в Вену, где вместе с Хансом Монтом работал над триумфальной аркой по случаю прибытия в город императора Рудольфа II в июле 1577 г.

Посетив Нюрнберг, Карл ван Мандер вернулся в Мёлебеке, однако из-за религиозных преследований меннонитов, к которым принадлежал Мандер и его семья, был вынужден бежать в Харлем, где в дальнейшем прожил 20 лет.

С 1580 г. начался самый плодотворный период в творческой жизни Мандера. Он пишет обнаженные фигуры Адама и Евы, картину «Потоп», создает надгробную композицию для Франсуа ван Мандера.

Происходят изменения и в личной жизни художника. Увлекшись красивой 18-летней деревенской девушкой, Карел женится на ней и переезжает в Куртре. Здесь он выполняет заказ на алтарную картину с двумя створками. Но в 1582 г. в связи с эпидемией чумы Мандер вместе с женой и новорожденным сыном Питером вынужден был переехать в Брюгге, а затем в Харлем.

В 1583 обосновался в Харлеме, основав там (вместе с Х.Гольциусом и К.Корнелисом) Академию искусства. Писал маньеристические пейзажи, жанры и аллегорико-мифологические картины (Сад любви, 1602, Эрмитаж, Петербург).

Учеником Карела ван Мандера в Харлеме был Франс Халс.

В 1604 переехал в Амстердам.
В Голландии художник, получивший к тому времени большую известность, много работает гризайлью. Он пишет картины на религиозные, исторические и бытовые сюжеты. Mander, Carel van) (1548-1606),

Для художественных методов нидерландского искусства того времени и творческого периода живописи Карела ван Мандера характерны резкая конкретизация и приближение к натуре. Романизм, несмотря на его весьма широкое распространение в Нидерландах, в последней четверти 16 столетия несет в себе все признаки вырождения.

Чаще всего романизм выступает в маньеристическом, придворно-аристократическом аспекте и представляется внутренне опустошенным. Симптоматично и другое — все большее проникновение в романистические схемы жанровых, чаще всего натуралистически понятых элементов, эта тенденция отчетливо проявляется в творчестве Карела ван Мандера.

Как теоретик искусства и живописец, автор исторических, мифологических и жанровых композиций, в зрелый и поздний периоды своего творчества Карел ван Мандер примыкал к маньеризму.

В 1604 г. Карел ван Мандер, вдохновлённый примером Вазари, написал своё самое известное произведение — «Книгу о художниках», первый искусствоведческий труд в Северной Европе. Первая часть представляет собой стихотворное обращение к обучающимся живописи. В нём Мандер не даёт конкретных практических рекомендаций, однако на высоком литературном уровне рассматривает основные принципы искусства.

Вторая часть «Книги» содержит биографии античных живописцев и известных итальянских мастеров, например, Джотто ди Бондоне, Сандро Боттичелли и Андреа Мантенья. Есть в «Книге» и нидерландские и немецкие художники: Гертген тот Сант Янс, Рогир ван дер Вейден, Лукас ван Лейден, Иероним Босх, Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший и Питер Брейгель Старший. На биографические исследования Карела ван Мандера вдохновило собрание биографий живописцев Джорджио Вазари.

В третьей части своей «Книги о художниках» Карел ван Мандер даёт подробный комментарий к важнейшему источнику мифологических сюжетов голландской живописи — «Метаморфозам» Овидия.
«Книга О художниках» была написана на голландском языке и впервые напечатана в 1604 г. В 1764 г. она была переведена на ново голландский и с тех пор выдержала много изданий.

Заканчивая свой труд, Карел ван Мандер писал: «Пора снова взяться за кисти и посмотреть, не удастся ли и мне самому создать что-нибудь порядочное».
Художник не оставил шедевров в своём наследии, но он сумел умно и талантливо рассказать о творчестве других, более замечательных живописцев.

Мандер воспитал достойную смену в лице своего выдающегося ученика Франса Халса, а также собственного сына Питера ван Мандера и внука Мандера III — художников, внесших довольно значительный вклад в искусство Дании, ставшей для них второй родиной.Умер Мандер в Амстердаме 2 сентября 1606.

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Мане Эдуард/Edouard Manet(Импрессионизм)

1832-1883

Французский художник, один из основателей импрессионизма.

Мане родился в Париже 23 января 1832 года, в семье высокопоставленного чиновника. Его отец, прочивший сыну карьеру в области права, категорически возражал против его художественных исканий.

Чтобы избежать изучения права, Мане не без труда достигает с отцом соглашения на обучение в мореходной школе и после провала на вступительных экзаменах получает разрешение отплыть в учебное плавание в тропические страны. Буйство красок и экзотика тропиков окончательно утверждают в юноше желание заниматься искусством. Его этюды, привезенные из путешествия позволили получить согласие отца на поступление в Школу изящных искусств.

С 1850 года Мане учится в Париже в мастерской французского художника-академиста Томаса Кутюра, не приветствовавшего новаторские стремления в живописи своего ученика. В период обучения у Кутюра Мане изучает и копирует картины старых мастеров Германии, Италии и Голландии.

Мане привлекают каждодневные бытовые сцены: старые нищие, уличные мальчишки, коррида. Решая вопрос реалистичности, он применяет прямую и смелую технику живописи. В 1863 году его знаменитый «Завтрак на траве» (Музей Орсэ, Париж) был выставлен в Салоне отверженных, где художники, отвергнутые в официальном Салоне могли продемонстрировать свои полотна. Творчество Мане привлекло к себе немедленное и широкое внимание публики, но было жестоко атаковано критиками.
Мане становится центральной фигурой в споре между академическим и мятежными направлениями искусства своего времени.

В 1864 году в официальный Салон приняты две его картины, а в 1865 году он выставил свою «Олимпию» (1863, Музей Орсэ), которая вызвала бурю протестов в научных кругах, по причине неортодоксального реализма.

Вскоре художник присоединился к молодой группе французских импрессионистов, включавшей Дега, Моне, Ренуара, Сислея, Писсарро и Сезанна, которые находились под влиянием искусства Мане, и которые, в свою очередь, повлияли на него, особенно в использовании более легких цвета и акцентов на воздействие света.

С 1870 по 1871 Мане служил офицером во французской армии во время франко-прусской войны. Он получал признание лишь в конце жизни, когда его портреты стали пользоваться большим спросом. В декабре 1881 года по рекомендации своего старого друга, занимавшего пост министра изобразительного искусства, Мане вручили орден Почетного легиона.

В 1882 году в Салоне выставлена одна из его лучших картин, Бар в Фоли-Бержер. Мане умер в Париже 30 апреля 1883 года.
По материалам: Wikipedia. Работы художника на сайте , посвящённом его творчеству,  Работы художника на сайте.

Мантенья Андреа/Mantegna Andrea(Кватроченто)

1431-1506

Андреа Мантенья (итал. Andrea Mantegna, ок. 1431, Изола-ди-Картуро, Венето — 13 сентября 1506, Мантуя) — итальянский художник, представитель падуанской школы живописи.

В отличие от большинства других классиков итальянского Ренессанса, писал в жёсткой и резкой манере.
Мантенья родился около 1431 г. в итальянском местечке Изола-ди-Картура близ Венеции, в семье дровосека.

В 1441 г. был усыновлен знатоком древностей и художником Франческо Скварчоне. Учился изобразительному искусству, а также латыни у Скварчоне, который пробудил в нём интерес к античности.

В 1445 г. был записан в цех живописцев Падуи.
Испытал воздействие творчества Донателло, Андреа дель Кастаньо и живописи венецианской школы.

В возрасте 17 лет Мантенья в суде добился независимости от Скварчоне и с тех пор работал как самостоятельный художник. В молодости испытал влияние флорентийской школы, в частности Донателло.

В 1453 г. Мантенья женился на дочери Джакопо Беллини Николосии (Николозе).

В 1460 г. он становится придворным художником у герцогов Гонзага и остаётся в этой должности до своей смерти. В 1466-1467 художник посетил Флоренцию и Пизу, в 1488-1490 — Рим.

В росписях “Камеры дельи Спози” в замке Сан-Джорджо (1474) художник, добиваясь визуально-пространственного единства интерьера, осуществил идею синтеза реальной и “нарисованной” архитектуры.

Иллюзионистические эффекты этих росписей, в частности, имитация круглого окна в потолке, предвосхищают аналогичные поиски Корреджо. Суровым духом римской античности проникнута серия монохромных картонов Андреа Мантенья с “Триумфом Цезаря” (1485-1488, 1490-1492, Хэмптон-корт, Лондон).

Среди поздних произведений Мантеньи — аллегорико-мифологические композиции для кабинета Изабеллы д’Эсте (“Парнас” или “Царство Венеры”, 1497, Лувр, Париж), цикл монохромных картин, в том числе “Самсон и Далила” (1500-е годы, Национальная галерея, Лондон), исполненное драматизма и композиционной остроты полотно “Мертвый Христос” (около 1500, Галерея Брера, Милан).

В своей живописи он следовал традиции флорентинца Мазаччо, но отдавал предпочтение более стойкой темпере, как это было принято у мастеров Венеции.
Мантенья скончался 13 сентября 1506 г. в Мантуе. Его прах покоится в базилике Сант-Андреа.
Искусству Мантенья, ведущего мастера падуанской школы, присущи героическое, проникнутое пафосом утверждения достоинства человеческой личности мироощущение, приверженность к четкой архитектонической композиции.

Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок (росписи капеллы Оветари в церкви Эремитани в Падуе, 1449-1455, почти полностью погибли в 1944; алтарь церкви Сан-Дзено Маджоре в Вероне, 1457-1459, хранится там же, отдельные части — в Лувре, Париж, и Музее изящных искусств, Тур).

Андреа Мантенья был незнатного происхождения, но усыновленный и обученный простым малоизвестным живописцем, он стал одним из самых значительных художников своего времени.

Стиль Андреа Мантенья, как и стиль других ренессансных мастеров, сформировался под воздействием древнегреческой и древнеримской скульптуры. Многие из его произведений действительно исполнены как гризайль — живописная имитация мраморного или бронзового рельефа.

Живописец Андреа Мантенья был также новатором в области гравюры, и его эстампы на античные темы позднее оказали влияние, в частности, на Дюрера. Графические работы Мантеньи (цикл гравюр на меди “Битва морских божеств”, около 1470), почти не уступающие его живописи по чеканной монументальности образов, сочетают скульптурную пластичность с нежностью штриховой моделировки.

Андреа Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 столетия: увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей, передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу как средство создания на плоскости иллюзии пространства.

Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Brief bio of Mantegna from Web Gallery of Art.

Маньяско Алессандро/Magnasco Alessandro(Барокко)

1667-1749

Алессандро Маньяско (4 февраля 1667, Генуя — 19 марта 1749, Генуя) — итальянский художник, живописец, видный представитель барокко, мастер генуэзской школы.

Родился в Генуе в 1667 году. Учился у отца, живописца Стефано Маньяско, и в Милане у Франческо Аббьяти; испытал влияние Сальваторе Розы, Калло, мастеров генуэзской школы.

Маньяско работал главным образом в Милане, с 1735 года в Генуе.
В работах Маньяско заметны эмоциональность генуэзской живописи, романтизм искусства Сальватора Розы, гротескность образов Жака Калло, драматизм Аббиати.

В то же время его художественная манера индивидуальна и неповторима, в картинах знаменитого итальянца отразилось его своеобразное мировосприятие.

Художник Алессандро Маньяско писал отмеченные “демоническим” сарказмом жанровые сцены из жизни цыган, солдат, монахов, во многих из которых фигурки людей теряются среди грандиозных, проникнутых внутренним движением, экспрессивных пейзажей (“Вакханалия”, “Привал бандитов”, “Горный пейзаж”, 1710-1720-е годы, все картины — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Пейзаж с прачками”, Национальный музей и галерея Каподимонте, Неаполь).

Исполненные энергичным мазком, решенные в тусклом, мерцающем колорите с преобладанием коричневых и оливковых тонов, они проникнуты трагическим ощущением ничтожности человека перед лицом мироздания.

Творчество Маньяско охватывает самые разные жанры: он писал портреты, картины на религиозные и античные мотивы, но больше всего его интересовали пейзажи и жанровые сцены. К 1720-м гг. относится цикл его картин, рассказывающих о монастырском быте («Трапеза монахинь», ГМИИ, Москва; «Похороны монаха», Музей западного и восточного искусства, Киев).

Размеренность и рутина монастырских обычаев превращается у Маньяско в мрачную комедию. Гротескны фигуры монахов и монахинь, их пропорции деформированы и непомерно вытянуты, жесты и позы подчеркнуто аффективны.

Полотна исполнены в темно-коричневых и зеленовато-серых тонах; немногие яркие пятна в гамме темных оттенков лишь подчеркивают мрачность монастырской действительности.

Благодаря контрастам и яркой гротескности, делающим произведения Маньяско ироничными, герои его работ вызывают у зрителя чувство жалости. Почти карикатурны персонажи в картинах, населенных разбойниками, бродягами, контрабандистами.

Пейзажи и марины Маньяско отмечены динамикой, природа пронизана ощущением внутреннего движения. Зритель видит, как стремительно волны накатывают на берег, как ветер гнет ветви деревьев, как быстро бегут по небу облака («Пейзаж с прачками», Каподимонте, Неаполь; «Горный пейзаж», 1720-е., Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Проповедь св. Антония Брешианского», прежде — собрание Гайгер, Венеция; «Морской пейзаж», 1730-е, частное собрание, Италия). Человек в пейзажах Маньяско — лишь маленькая частичка природы, живущая среди одухотворенной стихии моря, леса, гор.

В некоторых произведениях Маньяско прослеживается совершенно иная тенденция: пейзаж в них играет второстепенную роль и выступает в качестве декоративного панно («Светская компания в саду», Палаццо Бьянко, Генуя).

Произведения Маньяско выполнены энергичными ударами кисти, колорит — мерцающий, с преобладанием коричневых и оливковых тонов. Творчество его проникнуто трагически-обнаженным ощущением ничтожества человека перед лицом слепых сил и социальной действительности.

Характерны приемы гротеска, неожиданные контрасты. Динамичность выразилась и в живописной технике: художник использовал особый метод нанесения мазков поверх окончательного слоя. Успешно работал в разных жанрах, но более всего его привлекали пейзажи и бытовые сцены.

Писал типичные жанровые сцены из жизни солдат, монахов, цыган. Чаще всего персонажи изображал на фоне архитектуры, римских арок, писал романтические виды городов.

Часто сотрудничал с другими живописцами, вписывая фигуры в чужие архитектурные и пейзажные антуражи, например, в пейзажи Себастьяно Риччи.

Умер Алессандро Маньяско в родном городе Генуе 12 марта 1749 года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс, UAB”Bestiary”,2008г.,  Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,Краткая художественная энциклопедия. Искусство стран и народов мира, том 2, М.,1965.

Мариески Микеле/Marieschi Michele(Ведута и Каприччо)

1710-1743

МАРИЕСКИ (Marieschi) Микеле — итальянский живописец из Венеции,рисовальщик и гравер родился в 1710 году в семье гравёра.

Первые художественные навыки получил в семье, работая под руководством отца.

Приобрел известность в 1730-е в Венеции после смерти Л. Карлевариса и, подобно Карлеварису, начинал как художник-сценограф.

В 1736 он был приписан к гильдии венецианских живописцев.Работал также в Германии (Саксония).

Как и Каналетто и Гварди, искусство которых сильно повлияло на формирование его стиля, писал виды городов, главным образом, Венецию, часто — непраздничную, будничную.

Он не принадлежал к наиболее прославленным художникам-пейзажистам Венеции, как Каналетто или Франческо Гварди, чью славу мощно поддерживали творческая производительность и соответствие вкусам иностранных меценатов.

Хорошо разбирался в перспективе, работал как театральный декоратор.

На раннем этапе творчества рисовал фантастические пейзажи городов на основе зарисовок реальной архитектуры.

Позже охотно рисовал реальные пейзажи Венеции. В период между 1735 и 1741 годами найдены записи о его регистрации в гильдии художников Венеции.

Сохранились свидетельства о его свадьбе, где одним из свидетелей был художник из Венеции — Гаспаре Дицциани. Известно, что он много занимался гравюрой, используя технику офорта.

В городских пейзажах художника Микеле Мариески пространство площадей, виды Большого канала Венеции переданы документально точно и в ракурсе угловой перспективы.

Таковы, например, его картины-ведуты моста Риальто, который художник часто писал с разных точек зрения, варьируя композиционное построение картин, но всегда выстраивая его по законам сценографии.

В полотнах “Мост Риальто и набережная дель Карбон” (Санкт-Петербург, Эрмитаж), “Мост Риальто” (Бристоль, Музей искусств), “Мост Риальто с палаццо деи Камерленги” (Милан, частное собрание) присутствуют архитектурные кулисы, четко ограничивающие вид, намеченный оптической камерой.

Неглубокое и замкнутое пространство открывается с угловой точки зрения, образуя “подиум”, “сцену” и “декорационный задник”, которым последовательно вторят более темный первый план и более светлые по колориту дальние.

В ведутах Микеле Мариески, как и в произведениях Луки Карлевариса, ощущаются аналитическое начало и описательность, подчиненные общему декоративному решению.
В отличие от классически уравновешенных композиций Визентини, Венеция Микеле Мариески субъективна и романтична. Мариески преувеличивает размеры зданий, иногда изменяя пропорции, как он это делает с собором Сан Марко и палаццо Дожей, которые в его гравюрах становятся невероятно огромными.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. ,Работы художника на Wikimedia Commons,  Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.,Работы художника на сайте,  Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Марк Франц/Marc Franz(Экспрессионизм)

1880–1916

Франц Марк (8 февраля 1880, Мюнхен, Германия — 4 марта 1916, Верден, Франция) — немецкий живописец еврейского происхождения, яркий представитель немецкого экспрессионизма.

Наряду с Августом Маке, Василием Кандинским и другими являлся участником и главным организатором художественного объединения «Синий всадник».

Франц Марк родился в 1880 году в Мюнхене в семье профессионального пейзажиста Вильгельма Марка.В 1899 году Марк поступил на философский факультет Мюнхенского университета, но после службы в армии туда не вернулся.

В 1900 году он был принят в Мюнхенскую Академию художеств, где учился до 1903 года у Габриэля фон Хакля и Вильгельма фон Дица.Историческая живопись, на которую делался упор в академии, как и насаждаемый ею натурализм, не были интересны художнику.

Марк сумел найти свой стиль и свои сюжеты к середине первого десятилетия ХХ века, и этому в немалой степени способствовала внезапная поездка Марка на полгода в Париж в 1907 году.

Марк дважды (в 1903 и 1907 году) посещает Париж, где знакомится с французским постимпрессионизмом и, в частности, с живописью Гогена и Ван Гога, которая оказывает на него значительное влияние.

После второй поездки в Париж художник начинает серьёзно изучать анатомию животных, с тем, чтобы наиболее по́лно воплотить своё ви́дение природы в живописи.

Излюбленным мотивом Франца Марка становятся изображения животных в синих, красных, желтых и зеленых тонах на фоне условных пейзажей.

В январе 1910 года Марк впервые встречается с Августом Маке, а в сентябре того же года вступает в «Новое мюнхенское художественное объединение» (нем. Neue Künstlervereinigung München).

Несмотря на это, с лидером объединения — русским абстракционистом Василием Кандинским — он встречается лишь в феврале 1911 года.

Уже в декабре, вместе с Маке и Кандинским, Марк откалывается от «Нового мюнхенского художественного объединения» и организует собственную группу «Синий всадник».

В одном из интервью 1930 года Кандинский рассказал, почему возникло такое название: оба основателя любили синий цвет, кроме того, Марк любил лошадей, а Кандинский бега. В конце 1911 года редакция альманаха открыла в одной из галерей выставку картин В. Кандинского, Ф.Марка, А. Макке и др., которая положила начало объединению «Синий всадник».

Некоторые из картин художника демонстрировались с декабря 1911 по январь 1912 года на первой выставке «Синего всадника» в галерее Тангаузер в Мюнхене, ставшей фронтом немецкого экспрессионизма.

Кроме того, Марк принимает участие в работе над альманахом своей художественной группы.

В 1912 году он знакомится с Робером Делоне, чей стиль, наряду с итальянским футуризмом и кубизмом, стал следующим источником вдохновения для художника. В 1912 году, не приняв кубизм и футуризм, Марк полностью переключается на создание своих абстракционистских работ.

Широко известны серии его картин animals—particularly о лошадях и deer—in о лесных животных, в которых он пытался выразить свое восхищение чудом природы. В своих работах (например, «Синие лошади», 1911, Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota) он использовал и ломаные линии, и стилизованные кривые, и блестящий нереальный цвет.

Со временем живопись Марка становится всё более абстрактной, рваной и блочной (яркий пример — одна из самых известных его картин под названием «Судьба животных» (нем. Tierschicksale, 1913).

С началом Первой мировой войны еврей Франц Марк ушёл добровольцем на фронт и, уже разочаровавшись в этой мировой войне, был убит осколком снаряда в ходе Верденской операции в возрасте 36 лет, так и не реализовав до конца свои творческие планы.

Зрелая живопись Марка зачастую изображает животных в естественной обстановке (олени, лошади, лисы и т. д.), которые, по сравнению с человеком, казавшимся художнику безобразным, представлялись как высшие, чистые существа.

Поздние работы Марка характеризуются яркой палитрой в сочетании с кубистическими образами, резкими и жёсткими цветовыми переходами, подчас создающими тревожное и апокалиптическое настроение.

К таким работам относится и картина «Судьба животных», получившая наибольшую известность и ныне демонстрирующаяся в художественном музее Базеля, Швейцария

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс, UAB”Bestiary”,2008г., Музей Франца Марка, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Подробная биография художника, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Франц Марк: галерея работ хкдожника.

Марк и Марко Висенте/Vicente March y Marco

1859–1927

Испанский художник(27 декабря 1859, Валенсия — 31 марта 1927).Обучался Висенте в Школе изящных искусств Сан-Карлос у художников Гонзало Сальва (Gonzalo Salvá y Simbor, 1845-1923) и Франсиско Доминго Маркес (Francisco Domingo Marqués, 12 марта 1842 –22 июля 1920).

В 1876 году Марк участвует в конкурсе на получение стипендии для обучения в Италии. Для конкурса художник написал картину «Высадка в Валенсии Франциска I после поражения при Павии» (Desembarco en Valencia de Francisco I tras la derrota de Pavía), но занял только второе место.

Поощряемый своим учителем Доминго Маркесом Висенте в 1887 году на свои средства отправился в Рим в компании с художником Константином Гомесом и Сальвадором (Constantino Gómez y Salvador, 1864-1937).

В Риме Висенте устроил свою мастерскую рядом с Дворцом патрициев на улице Маргутта.
Студия сразу же стала местом встреч и общения большой группы испанских художников, в основном из Валенсии, проживающих в Риме.

С теми, кто был завсегдатаем дома художника, Висенте дружил всю жизнь.

Среди них – художники Поведа, Пейро, Пуиг Рода, Педро Серрано (Pedro Serrano), Санчес Барбудо (Sánchez Barbudo), Мануэль Муньос Казас (Manuel Muñoz Casas) и братья Бенллюр (Benlliure).

В Риме Марк и Марко учился в Академии Киджи.
Кроме этого, он много путешествовал, побывал в Венеции и Неаполе, вместе с братьями Бенллюр Висенте ездил в Ассизи – город, расположенный в провинции Перуджа, регион Умбрия. В этом городе родился Святой Франциск.

Еще он посетил город Субиако в провинции Лацио в аббатстве Святого Бенедикта, этот город известен своими священными гротами Сакро Спесо и тем, что это первый город в Италии, где в 15 веке были напечатаны книги.

Не раз приезжал Висенте в маленький средневековый город Антиколи Коррадо под Римом, расположенный вокруг высокого холма. В этом городке жил его друг и коллега Мариано Барбасон.

В Риме Висенте, как и все представители испанских художественных кругов, культивировал в своем творчестве в основном итальянские традиционные темы семнадцатого и восемнадцатого веков.

Позже, после поездки в Марокко и Египет художник обратился в своих жанровых картинах к марокканским и восточным сценам.

В 1881 году Марк представил на региональной выставке в Валенсии картину «Визит в студию» (Una visita al estudio) и выиграл серебряную медаль.

С 1888 года художник регулярно выставлялся в Берлине и Мюнхене, получив там несколько наград. В 1893 году его акварель «Паук» ( La Hilandera) получила серебряную медаль на Международной выставке в Риме.
В Италии Висенте женился, но после нескольких лет брака, в 1903 году, художник оставил Рим и вернулся на родину, в Испанию, где поселился на вилле Реал-де-Бенигатим, в пригороде города Шатива, где жил его брат Рафаэль, фармацевт, и семья его жены.

Там художник продолжал писать свои картины до самой своей смерти 31 марта 1927 года.

Испанское правительство наградило Висенте Марк и Марко званием Рыцарь ордена Карлоса III.

Основная часть творческого наследия художника находится в Германии, Бельгии, Бразилии, Англии, США, Аргентине, Франции и Швеции, совсем мало картин находится в Испании, в основном, у частных коллекционеров и наследников семьи художника.

Однако сохранилось немало отличных фотографий, поскольку Висенте был сам большим поклонником фотографии.

В марте 1994 года в итальянском городе Субиако была проведена ретроспективная выставка картин художника.

Марке Альбер/Markout Albert(Реализм, городской пейзаж)

1875—1947

Альбер Марке (фр. Albert Marquet, 27 марта 1875, Бордо — 13 июня 1947, Париж) — французский художник-постимпрессионист, близкий к фовистам.

В 1890-1895 гг. учился в Париже в Школе декоративных искусств, а с 1895 по 1898 г. — в Школе изящных искусств в мастерской Г. Моро.

В годы учебы у Моро Марке сдружился с А. Матиссом, А. Мангеном, Ж. Руо, Ш. Камуэном. Чуть позже у него завязались близкие отношения с М. Вламинком, Р. Дюфи, А. Дереном и О. Фриезом.

После смерти Моро учиться в школе стало совершенно неинтересно, поэтому Марке и его друзья покинули учебное заведение, даже не написав программную работу, имея в кармане лишь удостоверение учителя рисования начальной школы.

Марке навсегда сохранил теплые чувства к учителю, соединившему культ профессионализма с широтой взглядов.

Марке писал портреты, интерьеры, натюрморты, пейзажи, среди которых — виды моря, изображения гаваней и портов. В созданных художником пейзажах конца 1890 — начала 1900-х гг. заметно сильное влияние импрессионистов, в частности А. Сислея («Деревья в Бийанкуре», ок. 1898, Музей Искусств, Бордо).

Некоторое время(в середине 1900-х годов) был близок к фовистам, дружил с Матиссом и Дереном, его работы экспонировались на групповой выставке в Осеннем салоне 1905. Занимался книжной иллюстрацией (роман Ш.-Л. Филиппа «Бюбю с Монпарнаса», 1903).

Его пейзажам, написанным в этот период, свойственна колористическая насыщенность, характерная для живописи фовистов, но в то же время в них заметны пространственные отношения, цвета распределялись по своей интенсивности в зависимости от плановой компоновки изображения («Гавань в Ментоне», 1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Регата в Фекане», 1906, Музей современного искусства, Париж).

Марке всегда привлекало море, в которое он был влюблен с детства. Еще ребенком он подолгу наблюдал за кипучей жизнью порта, смотрел на изменчивую, но всегда прекрасную стихию.

К 1907 г. Марке отошёл от экспрессивности фовистского метода и выработал собственный стиль, отличавшийся использованием более тонких и спокойных красочных оттенков. Художник очень точно разбирался в цветовом построении, в ритме силуэтов и характере изображавшегося явления.

Он виртуозно передавал спокойную поверхность моря и легкую воздушную дымку облачного дня («Везувий», 1909, ГМИИ, Москва), влажную атмосферу, пропитывавшую силуэты береговых построек и парусных лодок («Порт в Онфлёре», 1911, ГМИИ, Москва

Преобладающая часть работ Марке — пейзажи, чаще всего связанные с Сеной, а также взморья и гавани; городские виды, в том числе — Парижа. Их отличает крайняя простота изобразительных средств и, вместе с тем, изысканная выразительность.

Оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре).

Марке очень часто обращался к образу Парижа. Его городские пейзажи отличаются глубоко прочувствованным отношением к природе, но в то же время им свойственна отстраненная созерцательность авторской позиции, как будто художник смотрит с возвышения на спокойно текущие воды Сены, мосты, перекинутые с одного берега на другой, на прямые линии городских улиц («Набережная Бурбон зимой», 1908, ГМИИ, Москва).

Сена, которую живописец называл «единственной рекой Франции», играла большую роль в его парижских пейзажах. Она почти всегда оживлена движущимися по ней баржами и лодками. Марке писал реку-труженицу, и в то же время образ Сены в его исполнении очень поэтичен.

Художник оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре).
Впечатления от путешествий по Франции, странам Европы, Тунису, Алжиру, Марокко вылились в целый ряд полотен («Порт в Роттердаме», 1914, Музей современного искусства, Париж; «Алоэ в Сиди-Бу-Саиде», 1923, частное собрание Париж; «Гаврский порт», 1934, частное собрание, Париж).

В Нормандии Марке написал одну из лучших своих работ — «регата в Меллерей» (1927, Музей искусств, Бордо). Убедительно и реалистично изобразил художник движение серовато-желтой Сены по которой плывут две лодки под белыми парусами.

В североафриканском цикле пейзажей Марке центральное место занимает морской пейзаж. Море глазами Марке то бурное и грозное, накатывающее на берег пенистыми волнами («Буря в Ла Гулетт», 1926, Музей искусств, Бордо), то тихое и спокойное («Алжирский порт», 1943, Музей искусств, Бордо).

Очень точно художник передает атмосферу Северной Африки (Туниса, Алжира и Марокко),светлую и солнечную красоту природы этих стран. Если в изображениях Парижа преобладают сиренево-серые оттенки, то Восток у художника — белый.

Он пишет белые крыши и стены домов, белые террасы и заборы. Большинство картин, посвященных Северной Африке, пронизаны неповторимым солнечным светом. Марке писал Северную Африку и в пасмурные дни, и тогда его пейзажи становились похожими на фантастический пустынный мираж.

Во время Второй мировой войны Марке вернулся из очередного путешествия на родину, но вскоре, ему пришлось покинуть Париж.

В 1945 году Марке с женой вернулись в Париж. Но болезнь, начавшаяся в Африке, не отступала.

После ряда операций, перенесенных через два года после возвращения, художник почувствовал себя лучше и даже вновь принялся за работу, написав восемь новых картин.Но это были его последние картины.

В последние годы парижской жизни Марке много болел, почти не вставал с постели. Скончался Марке 13 июня 1947 года в Париже, где и был похоронен.

Альбер Марке умел как никто другой писать парижские каменные набережные и мосты, грифельные парижские крыши, узкие очаровательные улочки.

Его стихия –камень и вода, серая Сена и серый остров Ситэ с Дворцом правосудия, собором Парижской богоматери и Префектурой полиции.

Главное у него – это неповторимое парижское небо в серые пасмурные дни, кодра Париж очаровывает,и по-настоящему завлекает.

Он ушел, но оставил нам всем свой неповторимый мир – свои произведения, свои города, полные воздуха и особенного, ни с чем не сравнимого света.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Работы художника на сайте,  Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. , Работы художника в музеях мира, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Маркетти Людовико(Ludovico Marchetti)

1853–1909

Людовико Маркетти, итальянский художник. Родился в Риме 10 мая 1853 года.

Он получил художественное образование в мастерской испанского художника Мариано Фортуни.

В 1878 году в возрасте 25 лет,Людовико Маркетти уехал во Францию. Здесь он продолжил своё обучение и начал выставляться в Парижском салоне, а также в выставочных залах Берлина и Мюнхена.

Как и многие его современники, Маркетти специализировался на исторических картинах — сценах из ушедшей эпохи.

Маркетти остался в Париже вплоть до своей смерти, 20 июня 1909 года.

Мартинес Кубелльс Сальвадор/Salvador Martínez Cubells

1845–1914

Испанский художник и реставратор, специализировался в историческом жанре и традиционной костумбрийской живописи.
Его первым учителем был отец — художник Франческо Мартинес Яго (Francesco Martínez Yago). Юноша учился в мастерской отца, а позже поступил в Академию де Сан-Карлос в Валенсии.
Среди ранних работ Сальвадора можно назвать такие картины, как «Танцы фермеров» (Baile de labradores) и «Визит жениха» (La visita del novio). Обе работы были приобретены для частной коллекции маркизом дель Кампо, а первая картина еще была представлена на национальной выставке 1864 года.
К раннему периоду творчества относятся также картины «Возвращение с турнира» (La vuelta del torneo, Музей изящных искусств Валенсии) и «Гусман эль Буэно бросает кинжал во время осады Тарифа» (Guzmán el Bueno arrojando su daga en el cerco de Tarifa, Музей современного искусства, Мадрид).
В 1867 художник написал картину «Los Carvajales», которая была куплена графом Пинохермосо, и историческое полотно «Ранение дона Хайме при завоевании Валенсии» (La herida de don Jaime en la conquista de Valencia), которое было представлено на художественной выставке в Арагонии в 1868 году.
Нужно отметить, что Мартинес Кубелльс принимал постоянное участие в Национальной выставке изящных искусств с 1864 и 1889 год, представив там в общей сложности 60 своих картин.
При этом не раз художник удостаивался наград на Национальной выставке – бронзовая медаль в 1871 году, серебряная медаль в 1876 году, золотая медаль – в 1881, 1884 и 1887 годах.
В 1909 году Мартинес выиграл золотую медаль на международной выставке в Мюнхене.
Но в историю испанской живописи Мартинес Кубелльс вошел, прежде всего, как искусный реставратор.
В 1869 году художник выиграл конкурс в отдел реставрации музея Прадо, которым руководил в то время Антонио Гисберт (Antonio Gisbert). Более двадцати лет художник трудился в реставрационной мастерской музея под руководством Франсиско Санс Кабота и Федерико де Мадрасо. Занимаясь реставрацией произведений искусства, Мартинес стал рассматриваться в качестве главного эксперта по живописи того времени.
Он даже основал Школу реставраторов, которая просуществовала до начала ХХ столетия.
Искусствоведы среди важных реставрационных работ Мартинеса отмечают восстановление холста Мурильо «Святой Антонио Падуанский» (San Antonio de Padua) в 1874 году. Картина была похищена из собора Севильи, была обнаружена в Нью-Йорке и возвращена на родину, благодаря торговцу произведениями искусства Уильяму Шаусу. За реставрацию этой картины Мартинес был награжден медалью Общества изящных искусств Академии Сан-Фернандо и получил признание города Севильи.
Кроме этого, Мартинес восстановил несколько картин Эль Греко, которые сейчас находятся в Доме-музее художника в Толедо, и «Черные картины» Гойи, которые находились в Quinta del Sordo.
Художник также принимал участие в украшении церкви Сан-Франсиско эль Гранде в Мадриде в составе группы художников под руководством Карлоса Луиса Риберы. Мартинесу принадлежат работы «Раны Святого Франциска» (La impresión de las llagas de san Francisco), «Евангелисты Марк и Лука» (Los evangelistas san Marcos y san Lucas), а также входная арка в храм и часть центрального купола.
Художник являлся членом Академии Сан-Фернандо, членом испанской Ассоциации писателей и художников, был профессором Школы искусств и ремесел в Мадриде.
Среди наград, которые получил Мартинес от правительства Испании — Большой Крест Изабеллы Католической, Почетный орден Карлоса III, звание рыцаря и Орден Сан-Мигеля.
Художник много времени посвящал портретному жанру, снискав популярность среди аристократии Мадрида.
Сын художника — Энрике Мартинес Кубелльс и Руис (Enrique Martínez Cubells y Ruiz, 1874-1947) тоже посвятил свою жизнь живописи.
Источники- Википедия, зарубежные энциклопедии.

Марэ-Мильтон Виктор(MARAIS-MILTON Victor)

1872–1944

Художник родился на берегах Сены неподалеку от Парижа.

Он учился в мастерской Жоншэра; значительное влияние на него оказало творчество Эрнста Мейссонье.

Начав карьеру во французской столице, он вскоре переехал в пригород Севр, где и провел жизнь, практически не покидая мастерской и работая исключительно над сюжетами из приватной жизни кардиналов и епископов.

Впервые представив свои картины на парижском Салоне в 1898 году, Марэ-Мильтон через 10 лет становится его постоянным экспонентом.

Работы мастера пользовались успехом в Монте-Карло, Лондоне, Соединенных Штатах.

Согласно семейному преданию, художник умер в начале 1944 года, не перенеся потрясений военных лет.

Занимательные, вызывающие легкую улыбку и глубокое зрительное удовольствие произведения Марэ-Мильтона можно найти в собраниях Европы и США.

Мас и Фондевила Аркадио/Arcadio Mas y Fondevila

1852–1934

Испанский живописец, основатель школы испанского люминизма.
Аркадио родился в семье портного, отец вскоре увидел, что у сына художественные наклонности, поэтому отдал его учиться в Школу искусств и ремесел в Барселоне, известную, как Школа Ллотья (La Escuela Llotja).

Юноша учился у каталонского художника, ярого поклонника назарийцев Клаудио Лорензале (Claudio Lorenzale, 1816-1889) и Антонио Каба (Antonio Caba Casamitjana, 1838-1907).

В 20 лет Мас впервые принял участие в выставке в зале Ассоциации искусств в Барселоне. В 1873 году художник отправился в Мадрид, он посетил музей Прадо и выставлялся в зале столового серебра Мартинеса, часть его работ в 1874 году приобрел король Альфонсо XII.

В 1875 году Мас выиграл стипендию Фортуни городского совета Барселоны, которая позволила ему продолжить обучение в Италии.

Между 1876 и 1886 годами Аркадио посетил Венецию, Рим, Неаполь и остров Капри. В эти годы художник принял участие в нескольких групповых выставках.
Во время пребывания в Италии Аркадио познакомился с работами итальянского художника Доменико Морелли (Domenico Morelli, 4 августа 1826 — 13 августа 1901), которые повлияли на позднее творчество самого Маса.

Вернувшись из Италии в Каталонию, Мас по приглашению своего друга, художника Хоана Роиха и Соле (Joan Roig i Sole, 1835 — 1918) посетил приморский город Ситгес. Эта поездка стала началом для создания Школы люминизма в этом городе.

Само понятие люминизма (от итальянского Lumiene — жизнь света) было введено в живопись бельгийским художником Эмилем Клаусом (Emile Claus, 27 сентября 1849 – 14 июня 1924).

Тенденция к увлечению люминизмом объединила таких художников, как Хоаким де Миро и Аргентер (Joaquim de Miró y Argenter, 1849-1914), Антонио Алмиралл и Ромагоса (Antonio Almirall y Romagosa) и Хоан Батлле и Амелл (Joan Batlle y Amell, 1855-1927).

В 1887 году Мас принимал участие в Национальной выставке изящных искусств в Мадриде и получил там медаль за свою картину «La processó de Corpus a Sitges». Эта же работа участвовала в Универсальной выставке в Барселоне 1888 года. В 1894 году картина Маса «Озеро Неми» (El llac de Nemí) получила медаль на выставке изобразительных искусств в Барселоне, а в 1896 году на этой же выставке медали была удостоена картина художника «Divendres Sant» (Пятница).

В 1895 году Мас вместе с каталонским художником — постимпрессионистом и символистом, поэтом и драматургом Сантьяго Русиньолем (Santiago Rusiñol i Prats, 25 февраля 1861 — 13 июня 1931) совершил поездку в Мадрид.

Позже с тем же Русиньолем , а также с художником, декоратором и критиком Мигелем Утрилло (Miquel Utrillo i Morlius, 16 февраля 1862 — 20 января 1934) и графиком Макари Оллером (Macari Oller, 1900-1900) Мас путешествовал по Гранаде с целью проиллюстрировать некоторые статьи Русиньоля для известной каталонской газеты «Авангард» (La Vanguardia).

В 1899 году художник стал членом Общества художников Святого Луки.
В 1900 году в галерее Ровира в Барселоне прошла первая персональная выставка Маса, которая представила художника, прежде всего, как мастера пастели.

Доказательством популярности Маса служит тот факт, что еще в 1895 году Пикассо копировал его картины с обнаженными моделями. В это же время Мас работал в качестве иллюстратора над книгой «Иллюстрированная энциклопедия Каталонии».
Благодаря пожертвованию американца Чарльза Диринга, Мас в 1913 году расписал портал Святой Екатерины в приходской церкви города Ситгеса.

В 1928 году он создал фреску в зале Святого Георгия во дворце Генералитета в Каталонии.

В 1932 году художник провел еще одну персональную выставку, на этот раз в художественной галерее Пинакотека.

Умер художник в 1934 году в возрасте 82 лет.

По случаю пятидесятой годовщины со дня его смерти, в 1985 году, в музее Марисель в Ситгесе была проведена большая ретроспективная выставка Аркадио Маса и Фондевила.

Массейс Квинтен/Massys Quentin(Северный Ренессанс)

1465 или 1466-1530

Квентин Массейс (Квинтен Метсейс нидерл. Quinten Massijs, Quinten Matsys/Metsys; 10 сентября 1465/1466, Лёвен, Южный Брабант — 13 июля/16 сентября 1530, Антверпен) — нидерландский художник, один из крупнейших представителей Антверпенской школы живописи.

Его живопись знаменует в нидерландском искусстве переход от поздней готики к Возрождению.

По свидетельству биографа Карела ван Мандера (1548 — 1606), он родился в семье кузнеца в старинном брабантском го­роде Лувен (Левен). Точная дата рождения художника неизвест­на: в одних случаях упоминают 1465 год, в других — 1466. В новейшем искусствоведении вторая дата встречается чаще.

Учился, вероятно, у Альберта Боутса. В 1491 вступил в антверпенскую гильдию художников и открыл собственную мастерскую. Работал в Антверпене до самой смерти в 1530.

Испытал влияние Рогира ван дер Вейдена, Дирка Баутса, Альбрехта Дюрера.

В стремлении сочетать принципы нидерландского и итальянского Возрождения Массейс обращался и к творчеству Леонардо да Винчи, в частности, к его гротескным штудиям.

Стремился к синтезу принципов нидерландского и итальянского Возрождения.

Работал в Антверпене, писал большие алтарные картины и жанровые сцены морализирующего содержания, в которых проявился его интерес к реальному жизненному началу — портретным характеристикам, бытовой обстановке, пейзажной среде.

Оказал сильное влияние на нидерландских и немецких мастеров XVI в.

Наиболее ранние из дошедших до нас произведений Массейса – Алтарь св. Анны (1507–1509, Брюссель, Королевский музей изящных искусств) и Алтарь св. Иоанна – обнаруживают черты зрелого стиля мастера.

К ним близки две версии Мадонны с Младенцем (Лондон, Национальная галерея; Брюссель, Королевский музей изящных искусств). Влияние Леонардо да Винчи проявилось в гибких позах и гротескно-преувеличенной мимике персонажей поздних произведений художника, таких, как Гротескный женский портрет (ок. 1513, Лондон, Национальная галерея).

Массейс работал также вместе с Патиниром, он написал несколько мелких деталей в его пейзажах, входящих в алтарную композицию Искушение св. Антония (1515–1524, Мадрид, Прадо).

Тяготение к жизненным, полнокровным образам особенно полно проявилось в портретах Массейса, персонажи которых обычно изображены на фоне бытовой обстановки (портрет Эразма Роттердамского, Национальная галерея, Рим), и в одном из первых произведений нидерландского бытового жанра — картине “Меняла с женой” (1514, Лувр).

Исследователи творчества Массейса относят портреты к его лучшим произведениям. Именно в этом жанре стремление художника возвеличить образ человека, показав его в естественной, жизненной обстановке нашло наиболее наглядное вы­ражение.

Воздействие творчества Массейса сказалось в работах многих нидерландских и немецких художников 16 века.

Массейс испытал сильное влияние Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера; люди на его портретах обычно предстают на фоне лесного или горного пейзажа, подобного тому, какой можно видеть на картине Мона Лиза.

Существуют и другие указания на влияние Леонардо: некоторые из сатирических рисунков Массейса похожи на леонардовские карикатурные головы стариков и старух, названные гротесками.

Согласно преданию, Массейс был кузнецом, который собственными силами получил образование, стал живописцем и музыкантом. Выдающийся мастер в области реалистического портрета, он славился высокой безупречной техникой.

Художниками стали и сыновья Квентина Массейса — Корнелис Массейс и Ян Массейс.

По материалам:Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Массейс Ян/Jan Massys(Маньеризм)

1509–1575

Ян Массейс (Jan Massys, Matsys или Metsys; ок. 1509, Антверпен — 1575, там же) — фламандский художник-маньерист.

Первоначальное художественное образова­ние Ян Массейс (сын художника Квентина Массейса) получил в мастерской от­ца и, возможно, помогал ему в создании не­которых поздних работ.

В 1531 году, после смерти отца, он вместе со своим младшим братом Корнелисом, вступил в антверпенскую Гильдию живописцев.

Возглавив отцовскую мас­терскую, Ян Массейс стал одним из наиболее преуспевающих художников Антверпена,обретшим свой стиль после долгого подражания отцу, однако в 1543 году инквизиция заподозри­ла его в тайных симпатиях к протестан­там.

Яна Массейса изгнали из города, и пятнад­цать лет он прожил в Италии и Фран­ции.

Вынужденный покинуть родину из-за преследований инквизиции, Ян Массейс в 1550 году поселился в Генуе, где стал придворным художником адмирала Андреа Дориа.

Художника считают «первым нидерландским маньеристом», к которому он, вероятно, приобщился, бу­дучи в Италии.

Самой известной работой Яна Массейса является «Лот и его дочери», хранящаяся в городском музее Коньяка.

Вернувшись в родной город в 1558 году, он пережил самые трудные годы нидерландской революции и национально освободительного движения и умер в Антвер­пене в 1575 году.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907),Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.

Матвеев Андрей Матвеевич(Русский портретный жанр)

1701–1739

Матвеев Андрей Матвеевич(1701, место рождения неизвестно − 23 апреля 1739, Петербург) — русский художник, один из основателей портретного жанра в русской живописи.

Родился в 1701 году, место рождения неустановлено. Петр Великий, заметив талант юного художника, послал Андрея Матвеева учиться художественному мастерству в Европу.

С 1716 года Андрей Матвеев в течение одиннадцати лет жил в Голландии и Фландрии. Поначалу Матвеев обучался живописи у голландского художника Карела де Моора, позже в 1723-1727 годах учился в Антверпенской академии художеств.

По возвращению в Россию уже после смерти первого российского императора, Матвеев был принят в штат Живописной команды Канцелярии от строений.

С 1731 года Андрей Матвеевич Матвеев возглавил команду живописных мастеров и стал главным художником русского императорского двора в Санкт-Петербурге. Как руководитель Живописной команды Матвеев принимал участие во многих архитектурных проектах.

Под его руководством проводилась роспись интерьеров Петропавловского собора, оформлялся живописный декор триумфальных ворот, созданных в честь прибытия в Санкт-Петербург императрицы Анны Иоанновны и многие другие работы в области монументальной живописи.

Помимо росписей соборов, церквей и императорских дворцов, Матвеев писал аллегорические картины и замечательные портреты, на которых изображены: император Петр I, князь Иван Алексеевич Голицын и его супруга Анастасия Петровна Голицына, русский врач итальянского происхождения Анаретти и другие сановные лица.

Наиболее известная работа Матвеева — «Автопортрет с женой» (существует альтернативная атрибутировка произведения как портрет Антона Ульриха Брауншвейгского и Анны Леопольдовны), созданный в 1729 году.

Среди немногих сохранившихся работ Матвеева естественной непринуждённостью композиции и правдивостью индивидуальных характеристик выделяются также портреты конца 1720-х годов (И. А. и А. П. Голицыных, оба — 1728, собрание Голицыных, Москва).

Художник свободно владел принципами создания композиций в барочном духе, его картины отражают теплоту, серьёзность, сдержанность. Такая манера письма была характерна для живописи XVIII века.

Замечательный русский художник рано ушел из жизни, Андрей Матвеевич Матвеев умер в 1739 году в Петербурге.

Творчество Андрея Матвеева и его работа по созданию национальной школы живописи имели огромное влияние на развитие русского искусства, на подготовку таких живописцев, как И. Я. Вишняков и А. П. Антропов.

По материалам:Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г,

Матиллья и Марина Сегундо/Segundo Matilla y Marina

1862–1937

Испанский художник-пейзажист и акварелист(1862, Мадрид — 1937, Барселона).Сегундо родился в Мадриде, а вырос и жил в Каталонии.

Он учился изобразительному искусству в Академии искусств Барселоны под руководством импрессиониста Антонио Каба (Antonio Caba y Casamitjana, 1838-1907).

Матиллья специализировался в живописи ландшафтов и морских пейзажей. Под влиянием творчества пейзажиста Елисео Майфрена (Eliseo Meifrén y Roig,1859-1940)

Сегундо любил изображать закаты.
Художник участвовал в Международных выставках в Барселоне в 1891, 1894, 1896 и 1898 годах, на первой из этих выставок он был награжден Почетной грамотой.

В 1897 году он участвовал в Парижском Салоне, удостоившись Почетного упоминания.

В 1918 и 1919 годах картины Матилльи экспонировались на Национальных выставках в Барселоне.
В 1914 году в Барселоне прошла первая персональная выставка художника, на которой были представлены сто пятьдесят работ, включая портреты, пейзажи и марины.

В следующем, 1915 году, в зале Вильчес в Мадриде состоялась еще одна выставка-продажа. Два портрета и несколько морских пейзажей были приобретены Музеем современного искусства Мадрида.

В эти же годы большая часть творческого наследия Матилльи была приобретена музеями и частными коллекционерами Америки.

Художник преуспел в качестве художника-портретиста, но известность ему принесли все же пейзажи, в основном, морские.

Критики особо отмечают пейзажи, написанные в Кадакесе, Ампурдане и Порто-де-ла-Сельва.
Они написаны «с потрясающим реализмом, в них природа контрастирует с группами фигур, которые изображены в движении с чрезвычайным динамизмом».
Среди учеников Матилльи следует назвать его племянника, художника Хоакима Терруэллу (Joaquim Terruella Matilla, 1891-1956), и известного каталонского художника Антонио Росселя Алтимира (Antonio Rosell Altimira, 1906-1977).

Сегундо умер в 1937 году в возрасте 75 лет.

Картины художника находятся в музее Прадо в Мадриде и Национальном музее искусства Каталонии в Барселоне.

В 1942 году состоялась мемориальная выставка Матилльи в галерее Палларес в Барселоне

Матисс Анри Эмиль Бенуа

1869— 1954

Матисс Анри Эмиль Бенуа — французский живописец, график и скульптор.

Родился 31 декабря 1869 г. в Ле-Като (Пикардия), умер 3 ноября 1954 г. в Симьезе близ Ниццы.

Учился в Париже, в академии Жюлиана (с 1891 г.) у А. В. Бугро, в Школе декоративных искусств (с 1893 г.) и в Школе изящных искусств (1895— 1899 гг.) у Г. Моро.

Как и большинство учеников живописца того времени, копировал произведения старых французских и голландских мастеров.

Испытал влияние неоимпрессионизма (главным образом П. Синьяка), П. Гогена, искусства Арабского Востока, в известной мере — древнерусской иконописи (одним из первых на Западе оценил её художественные достоинства; в 1911 г. посетил Москву).

В 1905—1907 гг. Матисс становится лидером нового художественного направления — фовизма. Начиная со второй половины 1900-х гг. он находит свой стиль, который характеризуется лаконичным рисунком, контрастным сочетанием немногих цветовых зон (панно «Танец» и «Музыка» для особняка С. И. Щукина в Москве, оба 1910 г.) или богат оттенками одного основного тона, полупрозрачными и не скрывающими фактуру холста («Мастерская художника», 1911 г.).

В работах Матисса второй половины 10-х гг. заметно воздействие кубизма («Урок музыки», 1916— 1917 гг.); произведения 20-х гг., напротив, отличаются непосредственностью, колористическим многообразием, мягкостью письма (серия «Одалиски»).

В 30—40-х гг. художник сочетает открытия предыдущих периодов, декоративность фовизма с аналитически чётким построением композиции (фриз «Танец» в Музее Барнеса, 1931—1932 гг.) и с тонко нюансированным цветовым строем («Ветка сливового дерева», 1948 г.).

Постоянные мотивы в его творчестве — танец, идиллические сцены, узоры ковров и тканей, плоды, вазы и статуэтки («Красные рыбы», 1911г.; «Натюрморт с раковиной», 1940 г., и др.). Матисс предпочитает оперировать линией — тонкой, иногда прерывистой, иногда долгой и круглящейся, прорезающей белый или чёрный фон (серия «Темы и вариации», 1941 г.; иллюстрации к «Стихам» С. Малларме, к «Пасифае» де Монтерлана, к «Стихам о любви» П. де Ронсара).

В 40-х гг. художник часто прибегает к технике аппликаций из цветной бумаги (серия «Джаз», 1944— 1947 гг.). К скульптуре Матисс обращался с начала 1900-х гг., но особенно часто в 20— 30-х гг. (рельеф «Обнажённая женская фигура со спины», 1930 г.).

Его последняя работа — оформление интерьера (в том числе витражи) «Капеллы чёток» в городке Ване близ Ниццы (1953 г.).

Маэлья Перес Мариано Сальвадор/Mariano Salvador Maella Pérez

1739–1819

Испанский живописец, один из ведущих художников эпохи Просвещения.
Мариано родился в Валенсии в 1739 году. Первые уроки искусства он брал у своего отца, малоизвестного валенсийского художника второго класса с таким же именем — Мариано Сальвадора Маэльи, который, заметив тягу сына к рисованию, послал его для дальнейшего обучения в Мадрид.
В Мадриде Маэлья изучал скульптуру у Филиппе де Кастро, который работал в неоклассическом стиле.
В 1752 году Мариано поступил в королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо, где учился в классе профессора живописи Антонио Гонсалеса Веласкеса, на чьей дочери, Марии Гонзалес Веласкес, он женился в 1767 году.
После окончания учебы в 1757 году по воле отца художник планирует поездку в Америку.

Но в начале 1758 года, благодаря финансовой поддержке семьи и трем премиям в различных конкурсах Академии, Маэлья совершает поездку в Рим, где изучая творения великих классиков, укрепляет свои академические пристрастия.
Итальянский период его учебы также богат успехами в различных конкурсах, в которых он представлял свои новые работы, за что периодически получал финансовую поддержку от Академии.
По возвращении в Мадрид в конце 1764 или начале 1765 года, Маэлья начинает свою профессиональную карьеру.
В мае 1765 года художник получает от Академии благодарность за успешную практику в итальянской столице и избирается академиком.
Он начинает сотрудничать с группой художников под руководством Менгса над оформлением нового королевского дворца в Мадриде.

В Королевском дворце Маэлья выполнил декоративные фрески «Время открытия Истины» (El tiempo descubriendo la Verdad), «Геркулес с Добродетелью и Пороком» (Hércules ante la Virtud y el Vicio), «Апофеоз Адриана» (La apoteosis de Adriano) и «Союз главных добродетелей» (La unión de las Virtudes Cardinales).
Менгс оказал на художника большое влияние, развивая его интерес к неоклассицизму. В течение 1768 года Маэлья даже заменяет Менгса во время его отъезда в классе живописи в Академии Сан-Фернандо.
Карьера Маэльи развивалась успешно во всех направлениях и была стремительной.
13 февраля 1771 он назначается преподавателем Академии.

Двадцать лет спустя, 11 ноября 1792 года, он добивается поста директора отделения живописи Академии, «выторговав» себе эту должность в январе 1794 года, после смерти своего тестя Антонио Гонсалес Веласкеса, который ее занимал. И, наконец, в 1795 году он избирается на должность директора Академии, которую будет занимать в течение трех лет (1795-1798).
Успешно складывается и карьера во дворце.
18 февраля 1774 Маэлья был назначен придворным живописцем, с этого момента его основная творческая деятельность была направлена на службу монархии.
В 1799 году он уже был назначен на должность первого придворного живописца (Pintor de Cámara) с окладом в 50.000 реалов в год, что было верхом успеха для любого художника в Испании в начале 19 века.
Хотя вознаграждения короля были постоянными и высокими, творческая работа художника была хоть и обширной, но физически тяжелой.
Он работает над различными фресками для украшений королевских дворцов без остановок, постоянно участвует то в оформлении главной Королевской резиденции, то дворцов Эль-Пардо и Эскориала.

В 1775 году Маэлья вместе с Байеу получает заказ на восстановление ветхого полотна Хуана де Боргоньи в монастыре собора в Толедо.
Байеу вместе с Маэльей были двумя самыми известными и уважаемыми художниками во дворце после ухода Менгса. И, хотя между ними существовала определенная конкуренция, по случаю общей работы, такой, как монастырь собора Толедо или коллегия «Ла Гранья», они находили общий язык.

Кроме того Маэлья оформляет Коллегию Де ла Сантисима Тринидад-де-ла-Гранха и свод собора Бурго-де-Осма.
Со временем, он оставляет фресковую живопись и занимается исключительно станковой,
после ухода Менгса став официальным портретистом королевской семьи. Среди его работ —
многочисленные портреты Карла III, два портрета инфанты Карлоты Хоакины, детские портреты Фернандо VII.
Кроме того, в Королевском доме Маэлья (опять же совместно с Байеу) занимался фабрикой королевских шпалер, с 1783 года занимая пост координатора производства.

В 1799 году Маэлья удостаивается еще одной должности – главного хранителя и реставратора королевских коллекций.

Художник процветал во всех смыслах, хоть и приходилось периодически отбиваться от жесткой конкуренции «клана Байеу».

Маэлья мог до конца жизни  купаться в лучах славы, но в дело вмешалась политика, сделав первого художника королевства «злоумышленником».
Все дело в том, что в 1808 году в Испании произошла смена власти. Когда Людовик XVI был казнен на гильотине в 1793 году, Испания объявила войну новой французской республике, но потерпела поражение.

В 1808 году войска Наполеона вступили в Испанию, и испанская корона стала потеряла свою власть. Король Фернандо VII был смещен, к власти пришел брат Наполеона Бонапарта – Жозеф Бонапарт, именовавший себя Хосе I.
В Испании началась война, возникло партизанское движение, а Маэлья проявил к новому монарху лояльность, мало того 11 апреля 1809 он назначается придворным живописцем нового короля, хоть и со снижением зарплаты. Он даже 11 марта 1811 года примет заказ на изготовление испанского Королевского ордена, о чем ему вскоре тоже напомнят.В 1813 году французские силы были подавлены, и год спустя Фернандо VII вновь взошел на испанский трон.

Естественно, Маэлья сразу же впал в немилость за свой «ошибочный» выбор. Маэлья понимал, что его поведение должно привести к политическому и творческому поражению. Это не замедлило случиться!
Обвиненный в офранцужевании искусства, Маэлья был освобожден от всех должностей и отправлен «на отдых» с пенсией в 12,000 реалов в год. Новый фаворит короля – художник Висенте Лопес и Портанья (Vicente López y Portaña), ученик Маэльи, заменил своего учителя и на посту первого придворного живописца, и на посту директора Академии Сан-Фернандо.

Причем большинством голосов Академии мандат директора был оставлен за Маэльей, тогда король в сентябре 1815 года назначил Лопеса директором Академии своим указом.

В последние годы из-за своего «падения» и возраста художник практически не работал, выполнив лишь декоративные украшения для приходской церкви Виллабалте.
Забытый всеми и одинокий он умер в Мадриде 10 мая 1819 года в возрасте 80 лет.
Маэлья считается самым крупным представителем испанской эпохи Просвещения, хотя в отличие от передовых позиций Гойи, Маэлья, как и Байеу, сформировал всего лишь хороший вкус у следующего поколения. Он творил в различных жанрах и техниках — фреска, портреты, религиозная живопись и производство гобеленов. Как гравер, он проиллюстрировал виньетки, опубликованные с работами Франсиско Кеведо в 1772 году.

Источники:Википедия, Энциклопедия мировой живописи.

Мейер Луи Йохан Хендрик

1809–1866

Голландский живописец,ученик Питера Джорджа Вестенберга (1791-1873) и Яна Виллем Pieneman (1779-1853).
В молодости он работал с пейзажистом Джозефом Jodocus Moerenhout.
С 1827 по 1830гг. Мейер учился в Париже, после этого он провел еще на три года в Амстердаме.
В свои молодые годы Йохан Хендрик особенно любил живопись.
С 1839 по 1841 произошли изменения в его работе, и он начал писать морские пейзажи, иногда с исторической обстановкой (например, завоевание Палембанга, 1857г. Амстердам).

Этими картинами он и создал себе международную репутацию.

В 1842 году в Париже, где он к тому времени поселился, он получил золотую медаль за картину пожара на судне «Индия» и «Рыбак на побережье Нормандии» (эти картины сейчас в

розыске).

Йохан Хендрик Луи Мейер был одним из самых популярных морских живописцев своего времени.

В некоторых из его картин, море изображено как молчаливый герой, как успокаивающей элемент жизнь человека, беспомощного существа против сил природы.

ван дер Мейлен, Адам Франс

1632–1690

Адам Франс ван дер Мейлен(нидерл. Adam Frans van der Meulen; крещён 11 января 1632 год, Брюссель — 15 октября 1690 год, Париж) — фламандский художник, работавший во Франции.
Ученик Питера Снайерса в Брюсселе, сумевший превзойти своего учителя. Отсюда, вскоре после окончания своего учения, был вызван в Париж, где сделался придворным живописцем Людовика XIV и сопровождал его во всех походах.

Французский меценат Кольбер пригласил этого художника к себе, поместил его в своём доме и заказывал ему много картин, а также представил его королю Людовику XIV.
Художник сопровождал короля в походах и писал с натуры города, осаждаемые тогда французами.
Был хороший бытовой живописец и пейзажист, но преимущественно проявлял свой талант в баталических картинах.

Писал охоту, лагеря, осады, сражения и с особенным искусством лошадей.
Прославленный Лебрен выдал за него свою племянницу. Многие художники гравировали с картин ван дер Мейлена; все его большие сюжеты были вытканы на парижской Гобеленовой мануфактуре.
Его произведения отличаются вообще естественностью и оживленностью композиции, прекрасным рисунком, свободойю исполнения и теплотой колорита.

Наиболее известные в их числе — стенная живопись в Версальском дворце и в Инвалидном доме (ныне в Артиллерийском музее) в Париже, картины: «Въезд Людовика XIV в Аррас», «Осада Маастрихта», «Въезд в Динант» и др., в Луврском музее. Работы М. имеются, кроме того, в Мюнхенской, Брюссельской, Кассельской, Дрезденской и других галереях.

В Императорском Эрмитаже их шесть: эпизод из Шотландской междоусобной войны 1650-1651 гг., эпизоды из войн Людовика XIV во Фландрии, путешествие Людовика XIV и пр.
Писал охоту, лагеря, осады, сражения и с особенным искусством лошадей.

С 1673 г. был членом корол. Франц. академии.

Его брат, Питер, был скульптором, и жил в Англии.

Мелдолла Андреа/Meldolla Andrea(Маньеризм)

1510-1563

Андреа Мелдолла (итал. Andrea Meldolla), известный как Андреа Скьявоне или просто Скьявоне, то есть «далматинец», «славянин» (итал. Andrea Schiavone, Il Schiavone, хорв. Andrija Medulic, между 1510 и 1515, Дзара, Далмация — 1 декабря 1563, Венеция) — итальянский живописец и гравёр венецианской школы.

Сын гарнизонного командира в городе Дзара (хорват. Задар) в Венецианской Далмации, семья происходила из городка Мелдолла в Эмилии-Романье. Учился Андреа Мелдолла в Дзаре и Венеции.

Сложился как художник под влиянием Пармиджанино и итальянского маньеризма, впоследствии испытал воздействие Тициана и Тинторетто (несколько его картин приписывались последнему).

Рано умерший Мелдолла не успел полностью раскрыть свое дарование, и все же его вклад в развитие венецианской живописи достаточно заметен.

Мелдолла испытал на себе известное влияние Пармиджанино, однако основная направленность его деятельности определялась следованием искусству позднего Тициана и прямыми воздействиями на него Тинторетто.

В ранний период искусство Мелдолла отличала известная идилличность настроения в передаче жанрово трактованных мифологических сцен («Диана и Актеон»; Оксфорд). Позже в его мифологические композиции, а также евангельские (к этому кругу тем он обращается реже) приобретают более беспокойный и драматический характер.

Мелдолла много внимания уделял разработке пейзажной среды, в которую он помещает героев своих произведений. Чувство полной волнения стихийной жизни могучей природы—замечательное качество работ зрелого Мелдолла («Юпитер и Ио», Эрмитаж; «Суд Мидаса», Академия, Венеция).

Раскрытие людских характеров, трагической остроты конфликтов между ними Мелдолла удавалось с меньшей глубиной и силой обобщения, чем позднему Тициану или Тинторетто.

При всем интересе к этим проблемам Мелдолла не смог освободиться от несколько внешних приемов драматизации образа, а в некоторых случаях от излишней повествовательной аллегоричности (например, аллегорический триптих «Природа, Время и Смерть»; Венецианская Академия).

Фрески работы Андреа Мелдолла в венецианском Палаццо Дожей были в 1574 году уничтожены пожаром.

Живопись и гравюры Андреа Мелдолла представлены в крупных музеях Европы и США, картина художника «Лот с дочерьми» хранится в Государственном Эрмитаже.

Скончался Андреа да Мелдолла 1 декабря 1563 года в Венеции.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,  Андреа Скьявоне, Музей Пола Гетти, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.      Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.,Birmingham Museum & Art Gallery — Biography of Andrea Schiavone,   Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Мелендес Луис/Luis Egidio Meléndez(Натюрморт)

1716–1780

Луис Мелéндес (исп. Luis Egidio Meléndez de Rivera Durazo y Santo Padre; 1716, Неаполь — 1780, Мадрид) — итало-испанский художник XVIII века, продолжатель лучших традиций мастеров испанского натюрморта.

Отец Луиса, Франсиско Диас Ривера Мелендес (1682—1758), был художником-миниатюристом родом из Овьедо. Вместе с братом Мигелем Хасинто Мелендесом, тоже художником-потртетистом, они перебрались в Мадрид. Карьера Мигеля сложилась достаточно удачно: он поселился в столице, где впоследствии писал портреты королевской семьи. Франсиско же в 1699 году отправился в Италию и поселился в Неаполе, который в то время принадлежал испанской короны.

Франсиско Мелендес, несмотря на службу в испанской пехоте, не забывал искусство. Он женился на Марии Хосефе Дураццо и жил в Неаполе почти 20 лет. В 1716 году Мария Хосефа родила мальчика, которого назвали Луисом. В 1717 году отец вместе с семьёй вернулся в Мадрид.
Обучение:
Художественное образование Луис Мелендес получил в мастерской отца и в мастерской художника Луи Мишеля ван Лоо (1707—1771). После восшествия на испанский престол герцог Анжуйский сделал этого француза своим придворным художником. Довольно раскованная художественная манера ван Лоо с примесью модного рококо присутствует и в ранних произведениях Луиса Мелендеса. В 1737-48 гг. Луис Мелендес зачастую копировал портреты королевской семьи кисти ван Лоо для отправки ко дворам других европейских монархов.

В 1744 году в Мадриде основали Королевскую академию искусств Сан-Фернандо. В её руководство попали ван Лоо и Мелендес. Несмотря на господствующее в эпоху классицизма разделение жанров на высокие и низкие, руководство Королевской Академии искусств Сан-Фернандо приветствовало создание испанскими художниками непрестижных во Франции натюрмортов.

К этому периоду относится и автопортрет Луиса Мелендеса с академическим рисунком натурщика в руке, созданный в 1746 году (ныне — Лувр, Париж). Из-за конфликтов в академии отец (Франсиско Мелендес) был лишён должности профессора. Академию в 1748 году был вынужден оставить и Луис Мелендес. Начался бедственный в финансовом плане период.
Четыре года в Италии:
Чтобы набраться художественного опыта, Луис Мелендес перебрался в Италию, где находился четыре года (1748—1752). В этот период в Мадриде произошёл пожар в королевском дворце.

Сгорели древние рукописи и богослужебные книги королевской капеллы. Было приказано восстановить часть рукописей, и у художников в Мадриде появилось новое поле для приложения сил и способностей. Отец уговорил сына вернуться из Италии в Мадрид, чтобы принять участие в восстановлении рукописей и их миниатюр.
Возвращение в Испанию:
В 1753 году Луис Мелендес вернулся в Мадрид. Среди интересных работ художника — натюрморты с изображением растений и овощей Испании, созданные для принца Астурийского. Луис Мелендес создал сорок четыре натюрморта, большинство которых ныне — достояние музея Прадо. Благодаря этим произведениям он и вошёл в историю искусства Испании XVIII века.

Мелендес относился к работе над своими натюрмортами с глубоким пиететом. Он не писал чего-либо величавого. В своих произведениях художник пытался простыми средствами передать поэзию обыденных вещей. В Испании его называли «Испанский Шарден» (El Chardin hispano).Но карьера художника у него не задалась.
Луису довольно долго не удавалось получить официальное назначение служить при дворе.

В петиции 1760 года «на должность придворного художника» Мелендесу было отказано, несмотря на его ранние работы и заслуги. Он даже написал несколько религиозных произведений, но после 1760 года перешел только к натюрморту, хотя он считался декоративным жанром, который не требовал заказов, и, следовательно, был невыгодным для художников без королевского покровительства и поддержки Академии.

Между 1759 и 1772 годами Мелендес создал примерно 44 натюрморта для частного музея истории, принадлежащего принцу Астурийскому, позже ставшему королем Карлом IV Испанским.

Из этих картин 39 полотен находятся сейчас в музее Прадо, работы Мелендеса редко можно найти за пределами Испании (только в Национальной галерее в Лондоне и парижском Лувре).

Несмотря на талант, Луис Мелендес большую часть своей жизни прожил в бедности, в 1772 году в письме королю с очередной просьбой о службе, он писал, что все его состояние составляют только принадлежащие ему карандаши.

Перед тем, как художник умер в 1780 году, он жил в полной нищете.

Меллор Уилиям(William Mellor)

1851-1931

Уильям Меллор — Йоркширский художник пейзажа.

Он родился в Барнсли, Великобритания.

Меллор много путешествовал и был вдохновлен пейзажами Северного Уэльса и Йоркшира.

Его пейзажи легко узнаются, и как правило это летние пейзажи или раннеосенние, изображающие английскую сельскую местность.

Отличительной чертой картин Меллора является тщательное и тонкое изображение деревьев и листвы, потоков солнечного света, в котором купается природа.

Он был одним из немногих художников, кто так хорошо видел и умел показать щедрую красоту природы.

Мельби Антон Даниэль Герман/Melbye, Anton Daniel Hermann

1818–1875

Даниэль Герман Антон Мельби(Melbye, Anton Daniel Hermann) — 1818, Копенгаген — 1875, Париж -датский художник, выдающийся морской историк , график, художник, музыкант и строитель лодок, брат художников Фрица Melbye и Вильгельма.

Работал преимущественно как художник-маринист.

Он был старшим из трех братьев Melbye и известным морским художником. Изначально он хотел быть моряком, но отказался от этой амбиции из-за плохого зрения.

Кроме того, позднее он отказался от обучения как кораблестроитель, решив вместо того, чтобы стать морским художником.

В 1838 году он поступил в Академии художест в Копенгагене.

Он получил частные уроки из Кристоффер Вильгельм Eckersberg, и был одним из нескольких его учеников, которые посвятили себя морской живописи.

Он показал свои работы в первый раз в 1840 году, вызвав немедленную реакцию со стороны общественности.

Его ранние картины были по стилю морские картины Eckersberg, которые характеризуются повышенной спокойностью и ясным цвет, но Melbye вскоре перешел к более международным, романтическим стилям.

Жил в Париже (1847—1858), путешествовал в Марокко (1843—1846). ). Позднее работал в Копенгагене, Гамбурге, Париже.

Он выставлялся с 1840 Charlottenborg в Копенгагене, с 1847 по в салоне Paris, 1862 в Лондоне и Гамбурге, в Берлине в Академии и в Брюсселе.

В 1864 году награждён орденом французского Почетного легиона.

Писал главным образом морские виды, свободно владея пленэрной живописью (Морской вид, 1843, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Любил передавать эффектные сцены разбушевавшейся морской стихии, таинственного ночного освещения (Море ночью, 1865, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Изображал военные сражения на море в духе голландских мастеров (Морское сражение в Кеге-Бугт в 1677 году, 1855, Копенгаген, Гос. музей искусств).

Мастерство художника-мариниста проявилось в акварелях и рисунках Мельби (Парусники в море, 1845; Сельский пейзаж с рекой и луной, 1865, обе — Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Работы художника — картины и рисунки — находятся в коллекциях многих музеев, в том числе Копенгаген, Бремен, в Кунстхалле в Гамбурге, Стокгольме, Гренобль, Сент- Санкт-Петербург, Хельсинки.

Мельци Франческо/Melzi Francesco(Ренессанс)

1493-1570

Франческо Мельци (итал. Francesco Melzi, ок.1491, Милан — между 1568 и 1570, Ваприо д’Адда, провинция Милан) — итальянский живописец ломбардской школы, ученик Леонардо да Винчи и его главный творческий наследник.

Родился в Милане.Происходил из благородного рода. Франческо Мельци был знаком с Леонардо ещё с детства.

В 1506 году пятнадцатилетним юношей поступил в мастерскую Леонардо, сопровождал учителя в Риме в 1513 и Париже в 1517 году.

В этой поездке Леонардо сопровождал и кардинал Луиджи Аррагонский.
По его воспоминаниям, седовласый старик Леонардо уже не мог работать из-за паралича руки, а его миланский ученик (им мог быть только Мельци) писал под руководством Леонардо так хорошо, что его работу нельзя было отличить от кисти великого учителя.

Леонардо гордился мастерством своего ученика и вместе с ним создал несколько полотен.

Некоторые полотна, приписывавшиеся ранее Леонардо, сейчас считаются работами Мельци, к примеру, знаменитая «Коломбина» из Эрмитажа.
После смерти своего наставника 2 мая 1519 г. Мельци остался его наследником в соответствии с завещанием от 25 апреля 1519 г.

Как следует из записей слуги Леонардо Баттиста де Вилланис от 10 августа 1519 г., до своего возвращения в Италию Франческо Мельци ещё некоторое время состоял на службе у короля Франции.

В Италию наследник Леонардо вернулся знаменитым и получил приглашение ко двору герцога Альфонсо д’Эсте.

Будучи состоятельным человеком, Мельци писал не очень много.

Скончался Франческо Мельци в Ваприо д’Адда в 1570 году в своём фамильном имении Ваприо д’Адда в миланской провинции.

Наследники Франческо Мельци быстро распродали наследие Леонардо да Винчи, которое художник так берег. Часть наследия великого Леонардо была из-за этого утеряна навсегда.

Хоть Вазари и не упоминает о таланте живописца, Ломаццо, отмечает Мельци, как выдающегося миниатюриста, а в 1523 году, Бендедеи (посол в Милане) в письме к Альфонсу – Герцогу Феррарскому упоминает о Мельци, как о талантливом художнике.

При всём при этом, как видно из многих источников , художник был любимым и лучшим учеником Леонардо, самым оригинальным и самым талантливым.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Статья о художнике Светланы Блейзизен, Flora by Francesco Melzi at the State Hermitage Museum in Saint Petersburg, Russia.

Мемлинг Ханс/Memling Hans(Северный Ренессанс)

около 1433-1494

Ганс Мемлинг(нем. Hans Memling, нидерл. Jan van Mimmelynghe, лат. Johannes Memmelinc или Memlinc; 1433/1435, Зелигенштадт — 11 августа 1494, Брюгге) — крупнейший фламандский живописец второй половины XV века.

Продолжая позднеготическую живописную традицию, Мемлинг в религиозных картинах с тонко разработанными интерьерными и пейзажными фонами испытал влияние итальянской живописи Возрождения.

Уроженец Гессена, он работал главным образом в Брюгге, где имеется музей его имени.

Ханс Мемлинг предположительно родился в 1433году в Германии, где и начал свое обучение.

О молодых годах Мемлинга сведений немного. Предположительно началам ремесла он обучался в бенедиктинском аббатстве в Зелингенштадте.

Считается, что он сформировался как художник в Кёльне: в его творчестве прослеживается влияние утончённого Стефана Лохнера. Около 1459—1460 он приехал в Нидерланды.

Вероятно, Мемлинг учился у Рогира ван дер Вейдена в Брюсселе, однако документальных свидетельств об его ученичестве не сохранилось. Но несомненно влияние ван дер Вейдена на художника: Мемлинг часто повторял в своих произведениях композиционные решения ван дер Вейдена.

В 1466 году Мемлинг переезжает в Брюгге, где в 1467 году вступает в гильдию Святого Луки.

Примерно с 1468 по 1486 год он был первым художником города, пользовался широкой популярностью и получал много заказов как от сограждан, так и от иностранцев, высоко его ценивших.

Под руководством Ханса Мемлинга работала целая мастерская, из которой выходило много картин.

Жил на Синт-Йорисстрат в квартале живописцев. Был женат на Анне Фалькенаре (ум. 1487) и имел троих сыновей: Яна, Корнелиса, Николаса. Умер в 11 августа 1494 года, похоронен на кладбище церкви Св. Гислена.

Ханс Мемлинг завершил развитие голландской живописи XV века.

Он унаследовал от своих предшественников живой интерес к миру и новые изобразительные средства — искусство построения пространства, светотень, а также замечательные секреты голландской живописной техники.

Работы Мемлинга отличаются удлинённостью и грациозностью фигур, изяществом линейных ритмов, светской праздничностью колорита, основанного на мягких контрастах красных, синих, блёкло-зелёных и коричневых тонов.

Точностью и строгостью воссоздания облика модели выделяются портреты Мемлинга (мужской портрет, Маурицхёйс. Гаага).

Одно из известнейших поздних произведений Мемлинга — рака Святой Урсулы (1489). Реликварий резного дерева в виде капеллы в готическом стиле, украшенный сценами из жизни святой был заказан аббатиссой женского монастыря в Брюгге.

Композиции боковых стенок реликвария — шесть эпизодов печальной легенды об Урсуле, действие разворачивается на фоне пейзажа.

Крышка раки украшена миниатюрами в форме тондо, такие вставки встречаются у мозельских реликвариев.

Мемлинг первым на севере Европы стал изображать портретируемых на фоне пейзажа.

Его кисти принадлежат известные изображения брюггских горожан, которые некогда являлись створкой диптиха, где донатор запечатлён в момент молитвенного обращения к мадонне.

Художник умел придать человеческим чертам мягкость и нежность, а тип композиции, где портретируемый помещался на фоне пейзажа погрудно в трёхчетвертном повороте, стал на долгое время образцом, которому следовали итальянские и нидерландские художники.

Оставаясь около тридцати лет верным раз и навсегда выбранному стилю, Мемлинг был продолжателем традиций таких мастеров Северного Возрождения, как Ян ван Эйк и Рогир ван дер Вейден.

Однако впоследствии его влияние продолжалось ограниченное время и только в пределах одной страны: по словам Фридлендера, «последующие поколения расценили его произведения как бледные и невыразительные».

Вновь открыл живопись Мемлинга Фридрих Шлегель, поставив его произведения в один ряд с выдающимися картинами немецкой школы.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Менцель Адольф/Menzel Adolph(Реализм)

1815—1905

Адольф фон Менцель(нем. Adolph Friedrich Erdmann von Menzel, 8 декабря 1815, Бреслау — 9 февраля 1905, Берлин) — немецкий художник, один из лидеров романтического историзма.

Родился в Бреслау (ныне Вроцлав, Польша) 8 декабря 1815.

В 1830 году переехал с семьей в Берлин. Первой художественной школой стала для Адольфа литографическая мастерская отца.

Став в 1833 году кормильцем семьи после смерти отца, он брался за любую работу: делал обеденные меню, пригласительные билеты и прочее.

Адольф недолго (всего 6 месяцев) посещал классы академии художеств в Берлине и был почти самоучкой. Впервые сделался известен в 1833 году тетрадью рисунков, исполненных пером и изображавших «Жизнь художника».

Выдвинулся как мастер повествовательных графических циклов (серии гуашей, запечатлевших германо-русский придворный Праздник Белой Розы – 1834, Эрмитаж, Петербург, и литографий Достопримечательности бранденбургско-прусской истории, 1834–1836).

Создал огромную графическую летопись правления Фридриха II, опубликованную (литографски или ксилографически) в виде иллюстраций к Истории Фридриха Великого Ф.Куглера (1840), собранию сочинений самого Фридриха (1846–1857), а также в серии Обмундирование армии Фридриха Великого (1845–1857).

Все эти работы заставили Менцеля углубиться в изучение эпохи Фридриха Великого.
Воспроизводя её с полной исторической точностью, превосходной характеристикой положений и действующих лиц, реалистической правдой и высоким техническим мастерством, он составил себе громкое имя у своих соотечественников преимущественно картинами на темы, взятые из этой эпохи.

Параллельно Менцель создал целый ряд картин, воспроизводящих придворную атмосферу со столь же живой непринужденностью (Концерт в Сан-Суси, 1852, Картинная галерея Государственных музеев, Берлин; и др.).

В 1840-е годы Менцель начинает писать с натуры. Возникает целый ряд пейзажей, портретов, которые были впервые показаны в 1906 году на выставке Менцеля в Национальной галерее в Берлине и резко изменили сложившееся мнение о его творчестве.

В 1850-х годах Менцель написал, кроме того, несколько картин библейского содержания, достоинству которых в большинстве случаев вредила их излишняя реалистичность, после чего снова выказал свой талант с полным блеском в великолепной «Коронации Фридриха-Вильгельма I в Кёнигсберге» (1861—65; в берлинском королевском дворце), в «Отъезде короля на войну, 30 июля 1870 г.» (1871; в берлинской Национальной галерее), в «Бальном ужине» (1878), в «Разговоре короля с дамой на придворном балу» (1880), в «Религиозной процессии в Гаштейне»(1880), в «Площади д’Эрбе, в Вероне».

Охотно писал и более демократичные городские жанры (Театр Жимназ, 1856; Будничный день в Париже, 1869), стал пионером индустриальной темы в немецком искусстве (Железная дорога Берлин – Потсдам, 1847; Железопрокатный завод, 1875)— самой замечательной из всех картин художника, изображающей внутренность железопрокатного завода во время работы на нём.

Тонкий мастер романтической светописи, предвосхитил искусство импрессионизма, в том числе в своих приватно-интерьерных образах, отмеченных особой лирической задушевностью (Комната с балконом, 1845; Спальня художника, 1847; все работы – там же; Сестра художника в гостиной, 1847, Новая пинакотека, Мюнхен).

Помимо упомянутых произведений, Менцель исполнил много других, менее значительных жанровых картин, рисунков пером, композиций для политипажей, акварелей и гуашей. С 1856 года он состоял профессором и членом Берлинской академии художеств.

В 1898 был удостоен дворянского звания.За долгие годы жизни Менцель побывал в Австрии, ездил по Рейну, Дунаю, был на Балтийском море, в Голландии, Италии, объехал всю Германию.

Путешествия служили ему источником сюжетов для рисунков, жанровых полотен, пастелей. В этих работах уже не было той поэтичности и взволнованности, которые были присущи его ранним работам.

Менцель работал более двадцати лет (1863—1885) над серией гуашей и акварелей, объединённых в «Детский альбом».

В нём собраны сценки повседневной жизни, изображения животных, птиц и т. д. Последние годы жизни он посвятил графике, хотя на протяжении всего творческого пути не расставался с карандашом: только в Национальной галерее в Берлине есть свыше пяти тысяч его рисунков.

В 1880—1890 гг. Менцель обращается к образу старости, он изображает портреты стариков и старух, ищет психологическое выражение этого состояния.

9 февраля 1905 года на девяностом году жизни Менцель скончался. Императорским двором ему были устроены очень пышные похороны, каких удостаивались лишь генерал-фельдмаршалы.

Искусство Менцеля получило признание далеко за пределами Германии. Крупнейший русский критик-демократ В. Стасов называл его «одним из самых великих художников».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,  Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”, 2005г.,    Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника на сайте, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2006г.

Месонье Эрнест/Meissonier Jean-Louis-Ernest(Жанровая живопись, графика)

1815—1891

Жан Луи Эрнест Месонье(фр. Jean-Louis-Ernest Meissonier, 21 января 1815, Лион — 21 февраля 1891, Париж) — французский живописец и график, мастер жанровой и батальной живописи.

Биография художника:

Месонье родился в бедном семействе в 1815 г. в Лионе, очень рано выказал любовь и редкую способность к искусству.

Явившись 19 лет от роду в Париж, развивал свой талант копированием картин старинных живописцев в Луврской галерее, преимущественно голландских мастеров, и короткое время учился у Л. Конье, но вообще образовался сам, не подвергшись влиянию ни одного из корифеев тогдашней французской живописи.

Похоронен в Пуасси (департамент Ивелин), где был мэром с 1846 года.

Творчество художника:

Вначале, чтобы добывать себе средства к жизни, Месонье занимался рисованием иллюстраций к разным книгам, например к Библии, «Всеобщей истории» Боссюэ, «Неистовому Роланду» Ариосто, романам Бернардена де Сен-Пьера, и уже в этих работах выказал легкость, с какой давалась ему композиция, основательное знакомство с натурой и изящную законченность исполнения.

Принявшись потом за кисти и краски, стал писать картины в духе старинных голландцев, по большей части незначительного размера, изображающие домашние сцены, преимущественно с фигурами в костюмах прошедшего столетия, и отличающиеся превосходной характеристикой, мастерским рисунком, удивительной тонкостью и, вместе с тем, сочностью кисти, но в которых стремление художника блистать совершенством техники преобладает над идеей и серьёзностью содержания.

Одна из первых картин Месонье (писанных чаще всего на дереве)«Игра в шахматы» (1841)сразу выдвинула его из ряда французских живописцев.

Продолжая, в последующих картинах брать сюжеты из интимного быта старых времен Франции, довольствуясь попрежнему композициями из одной или из немногих фигур и не пускаясь ни в передачу сильных душевных движений, ни в комизм, он все выше и выше развивал свою технику и благодаря ей приобретал все большую и большую славу.

Из его произведений разве только два действительно драматичны:
«Брави» (1852),
«Поединок» («La Rixe», 1855 в котором, к тому же, фигуры крупнее обыкновенного).
Наполеон III при Сольферино, 1863
Среди прочих, более спокойных бытовых картин Месонье, наиболее замечательны:
«Живописец в своей мастерской» (1843),
«Игра в пикет»,
«Три друга»,
«Игра в кегли» (1843, повторение 1865),
«Курильщик»,
«Воскресный день» (1850),
«Лютнист» (1851),
«Ожидание»,
«Любитель картин»,
«Бретер» (1857);
«Кузнец» (1861),
«Всадник перед шинком» (1862) и некоторые другие.
«Сцена на баррикадах»,
«Большая кавалерийская атака»,
«Наполеон III при Сольферино» (1863; в Люксембургской галерее Парижа),
очень выразительный «Наполеон в походе 1814 г.»,
«Генерад Десе в рейнской армии»,
«Моро и начальник его штаба при Гогенлиндене».
Иллюстрировал Человеческую комедию Бальзака.

Офорты:

Кроме картин Месонье неоднократно выставлял в парижских салонах портреты, в которых однако его талант отражается не особенно ярко.

Занимаясь также гравированием, он создал несколько офортов собственной композиции, замечательных по мастерству рисунка и деликатности исполнения.

Офорты с его картин известны также в исполнении гравёра Жюля Жакмара.

В 1890 предпринял обновление Национального общества изящных искусств, стал его президентом. После его смерти на этот пост был избран Пюви де Шаванн, вице-президентом — Роден.
Пользовался всеобщим почетом, был осыпан всякими отличиями и состоял с 1861 г. членом Французского института; умер в Париже в 1891 г.

Никогда произведения художников не достигали при их жизни таких громадных цен, за какие продавались картины Месонье, получившего, напр., за «Кавалерийскую атаку» и за «Наполеона I в 1814 г.» по 300 000 фр., а за «Наполеона III при Сольферино» 200 000 фр. (впоследствии эта картина была перепродана её первым владельцем за 850 000 фр.

Одним из его учеников был Франсуа-Луи Франсэ.

Метсю Габриель /Metsu Gabriel(Барокко, Бытовой жанр)

1629-1667

Габриель Метсю (нидерл. Gabriel Metsu; январь 1629, Лейден — (похоронен) 24 октября 1667, Амстердам) — голландский художник, мастер жанровой, портретной и исторической живописи.

Габриэль Метсю родился в январе 1629 года в Лейдене в семье художников.

Продолжил художественное образование (как и Стен) у Николауса Кнюпфера в Утрехте. Учился у Герарда Дау.

До 1657 г. почти без перерыва проживает в Лейдене, где становится в 1648 г. одним из основателей гильдии святого Луки, затем переезжает в Амстердам. С 1644 года имя Метсю упоминается в Актах многих объединений художников Лейдена.

Метсю был очень талантливым художником, рано сформировавшимся, и плодотворно работавшим долгие годы. Для его творчества характерно обилие сюжетов и стилей написания работ.

Влияние Доу выражается в фигурах курильщиков, ученых, охотников и служанок, которых Метсю изображал на протяжении всей своей жизни («Химик», Париж, Лувр; «Охотник», 1661, Гаага, Маурицхёйс).

В его ранних работах на исторические темы отражены в основном мифологические, аллегорические и библейские сюжеты и чувствуется влияние школы Рембрандта.

В работах после 1650 г. Метсю обращается к городским и жанровым сценам из повседневной жизни голландских обывателей.

В эти годы Метсю пишет свои лучшие произведения: тонкие жанровые сцены, в которых ковры, столы, ткани и другие предметы служат лишь основой для великолепных упражнений в живописной виртуозности; порой Метсю достигает шероховатой фактуры, подобной Вермеру.

Лица и позы персонажей отражают тонкий психологизм происходящего. Легкая светотень оживляет традиционные темы («чтение письма», «легкие завтраки», «уроки музыки»). Среди шедевров Метсю следует назвать «Завтрак» (Амстердам, Гос. музей), «Офицер, пишущий письмо» (Монпелье, музей Фабра), с замечательным эффектом света свечи, «Урок рисования» (Лондон, Нац. гал.), напоминающий картины Терборха, «Чистильщица яблок», «Гуляка» (1655, Париж, Лувр), с замечательным по живописи красным ковром, «Милостыня» (Кассель, музей), где пейзаж обладает той же легкостью, что и в «Зеленом рынке в Амстердаме» (Париж, Лувр).

Затем Метсю постепенно утрачивает простоту и деликатность, свойственные его работам, заменяя их более четкой фактурой и декоративной сложностью («Визит», 1661, Нью-Йорк, музей Метрополитен).

Этим периодом следует датировать несколько замечательных переходных картин, близких по стилю Вермеру («Больной ребенок», Амстердам, Гос. музей; «Урок музыки», Лондон, Нац. гал.), и знаменитые произведения из собрания Бейта в Блессингтоне («Написанное письмо», «Полученное письмо»).

Те же черты присущи и группе работ, которые исполнены под сильным влиянием Терборха и которые можно сравнить с лучшими интерьерными сценами Питера де Хоха, Вреда и Янсенса (два женских образа из Парижа, Пти Пале; удивительная «Noli me tangere», 1662, Вена, Музей истории искусств; и др.).

Тенденция к перегруженности и тщательности овладевает художником в 1660-е («Торговка», «Продавец птиц», 1662, Дрезден, Картинная гал.)
В Лучших своих работах художник совершенствует манеру рисунка Яна Стена, Яна Вермеера и Питера де Хоха, придаёт ей выражение более глубокой чувственности и в то же время более спокойного настроения.

Жанровые картины художника Габриеля Метсю, в которых заметно влияние Рембрандта ван Рейна, Герарда Терборха, Яна Вермеера Делфтского, отмечены естественностью композиции, живой непосредственностью и интимной человечностью образов.

Повседневная жизнь голландских бюргеров любовно воссоздается в них с помощью тёплой тональной гаммы с изысканными контрастами световых пятен, тонко разработанных светотеневых эффектов, виртуозной передачи фактуры предметов и тканей (“Больной ребенок”, около 1660, Рейксмузеум, Амстердам; “Торговец птицей”, 1662, Картинная галерея, Дрезден).

Метсю был выдающимся мастером натюрморта, однако, до нашего времени дошли только два натюрморта художника (принадлежность кисти мастера других натюрмортов, в частности из Оксфорда и Лейдена, в настоящее время вызывает сомнение) — «Мертвый петух» (Мадрид, Прадо) и «Натюрморт с селедкой» (Париж, Лувр), в которых художник великолепно воплощает идеал поэтического спокойствия, к которому всегда стремились голландские живописцы.

В конце жизни, находясь под влиянием лейденской школы живописи, большое значение придаёт мастерству деталировки, особенно в изображении роскошных тканей, которые при этом должны были выглядеть гладкими и блестящими.

Габриэль Метсю скончался 24 октября 1667 в Амстердаме, где и был похоронен.

Творческое наследие Метсю, удивительного и неповторимого мастера голландской живописи трудно переоценить Его картины всегда полны тонких лирических намеков, дающих возможность проникнуть в жизнь голландского среднего класса XVII века. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Габриель Метсю в Rijksmuseum,  Голландская и фламандская живопись из Эрмитажа , каталог выставки из музея искусств Метрополитен , который содержит материал по Метсю (кат. №. 18)

Мёнстед Педер Морк

1859–1941

Monsted Peder Mork (1859–1941), Педер Морк Мёнстед — мастер пейзажа, один из ярких представителей «золотого века» датской живописи , родился 10 декабря 1859 года в восточной части Дании, близ города Гренаа.

Живописи обучался в Оргусе, затем в копенгагенской Академии художеств (1875–1879), где его педагогами были Андриес Фритц, Юлиус Экснер и Нильс Симонсен. Через год Мёнстед покинул академию, чтобы учиться в живописной школе Петера Северина Кроера, позже отправился в Париж, где занимался в мастерской Адольфа Вильяма Бугеро.

Мастерство художника совершенствовалось во время многочисленных путешествий — по Европе, Северной Африке и Ближнему Востоку. Пейзажи Педера Мёнстеда, посвященные преимущественно изображению полей, лесов и сельских видов, пользовались большой популярностью и принесли художнику заслуженный успех. Работы художника демонстрировались на выставках в Шарлоттенбурге, а также в Парижском и Мюнхенском салонах.

Пейзажи Монстеда располагают к длительному созерцанию. Вместе с художником зритель любуется миром, прекрасным во всех своих проявлениях, столь узнаваемым и, вместе с тем, словно скрывающим тайну. Умер 20 июня 1941 года (в возрасте 81 года), Фреденсборг, Дания. Работы художника хранятся в музеях Аальборга и Баутзена (Дания).

Микеланджело Буонаротти

1475–1564

Микеланджело родился 6 марта 1475 г. в тосканском городке Капрезе , в семье Лодовико Буонарроти, городского советника.

В детстве воспитывался во Флоренции.

В 1488 г. Микеланджело против воли своего отца поступает учеником в мастерскую художника Доменико Гирландайо и занимается там в течение года.

Год спустя, Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни.

Некоторое время Микеланджело живёт во дворце Медичи, фактического хозяина Флоренции, который покровительствовал ему за его таланты.

После смерти Медичи в 1492 г. Микеланджело возвращается домой.

В 1496 г. кардинал Рафаэлле Риарио покупает мраморного «Купидона» Микеланджело и приглашает художника для работы в Рим.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса но и на всю дальнейшую мировую культуру.

По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. . Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи. Основные его работы Мадонна Дони (1503–1506),

Потолок Сикстинской капеллы 1508–1512, «Страшный суд» (1534–1541),

РаспятиеСвятого Петра (1542–1552),

Обращение Святого Павла (1542–1545).

Скончался Микеланджело 18 февраля 1564 г. в Риме.

Перед смертью он продиктовал завещание со всей свойственной ему немногословностью: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным».

Милле Жан Франсуа

1814–1875

Жан Франсуа Милле́ (фр. Jean-François Millet, 4 октября 1814 — 20 января 1875) — французский художник, один из основателей барбизонской школы.
Милле родился в семье зажиточного крестьянина из маленькой деревушки Грюши на берегу пролива Ла-Манш близ Шербура. Его художественные способности были восприняты семьёй как дар свыше. Родители дали ему денег и позволили учиться живописи. В 1837 г. он приехал в Париж и два года занимался в мастерской живописца Поля Делароша (1797—1856). С 1840 г. молодой художник начал выставлять свои работы в Салоне.

В 1849 г. художник поселился в Барбизоне и прожил там до конца своих дней. Тема крестьянской жизни и природы стала главной для Милле. «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин», — говорил он о себе.

«Сборщицы колосьев»
Тяжесть труда крестьян, их нищета и смирение отразились в картине «Сборщицы колосьев» (1857 г.). Фигуры женщин на фоне поля согнуты в низком поклоне — только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья. Вся картина наполнена солнцем и воздухом. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.

Картина «Анжелюс» (1859 г.) показала, что Милле способен передать в своих работах тонкие эмоциональные переживания. В поле застыли две одинокие фигуры — муж и жена, заслышав вечерний колокольный звон, тихо молятся об умерших. Неяркие коричневатые тона пейзажа, освещённого лучами заходящего солнца, создают ощущение покоя.
1859 году Милле по заказу французского правительства написал полотно «Крестьянка, пасущая корову». Морозное утро, иней серебрится на земле, женщина медленно бредёт за коровой, её фигура почти растворилась в утреннем тумане. Критики назвали эту картину манифестом бедности.

В конце жизни художник под влиянием барбизонцев увлёкся пейзажем. В «Зимнем пейзаже с воронами» (1866 г.) нет крестьян, они давно ушли, бросив пашню, по которой бродят вороны. Земля прекрасна, печальна и одинока. «Весна» (1868—1873 гг.) — последняя работа Милле. Полная жизни и любви к природе, сияющей яркими красками после дождя, она закончена незадолго до смерти художника
20 января 1875 года художник в возрасте 60 лет скончался в Барбизоне и был похоронен близ деревни Шалли, рядом со своим другом Теодором Руссо.

Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу и делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив. Художник подбирал цвета для своих картин, стремясь не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.

Живописное мастерство, стремление без прикрас показать деревенскую жизнь, поставили Жана Франсуа Милле в один ряд с барбизониами и художниками реалистического направления, работавшими во второй половине XIX в.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г. Official website of the workshop of Jean-François Millet, Barbizon in France.

Мираллес — Дарманин Хосе/José Miralles — Darmanin

1851–1912

Испанский живописец, старший брат художника Энрике Мираллеса-Дарманина (Enrique Miralles Darmanin, 1855-1900). Родился в Валенсии, в городке Валль Д’Уксо-Кастеллон. Окончил Школу изящных искусств Сан Карлос в Валенсии, где учился у живописца Франсиско Доминго и Маркеса (Francisco Domingo y Marques, 1842-1920). После окончания Школы продолжил обучение в Риме и Париже. В Париж вызвал и младшего брата, считается одним из его учителей. Хосе сотрудничал с известным арт-дилером Адольфом Гупилом. Свое творчество посвятил жанровой живописи, часто изображал военных и мушкетеров, а также цирковых артистов и музыкантов. Писал Хосе также картины на религиозные темы и пейзажи. Тема цирка принесла художнику популярность, поскольку его работы печатались в журналах, например, в «Paris mutual». Художник экспонировал свои работы в Обществе акварелистов, музее Пети и Обществе испанских художников в Париже. Критики называли Мираллеса — Дарманина «способным летописцем жизни и обычаев того времени». Умер художник в Париже (по другой версии – во время поездки в Рим) в 1912 году в возрасте 61 года.

Михайлов Григорий Карпович(Исторический и бытовой жанр)

1814—1867

Михайлов Григорий Карпович — выдающийся русский живописец , ученик Венецианова и К. Брюллова.
Крепостной господ Демьяновых, получивший вольную за 2000 рублей и к концу жизни вполне преуспевающий в финансовом отношении человек, после смерти которого при Академии художеств была учреждена стипендия его имени.

Григорий Карпович Михайлов родился в семье крепостного в 1814 году в окрестностях Можайска Московской губернии.

Получил вольную, в возрасте двадцати лет познакомился с Алексеем Гавриловичем Венициановым.

Стал писать жанровые сценки и интерьеры под руководством Венецианова, посещал в качестве вольноприходящего слушателя классы Императорской АХ.
В 1836 Михайлов поступил в Академию художеств, обучался в классе исторической живописи у Карла Брюллова по 1842 год.

Во время обучения Михайлов был награжден медалями: в 1838 году за рисунок с натуры — малой серебряной, в 1839 за картину «Прометей» — малой золотой, в 1841 — большой серебряной. В 1842 году за академическую программную работу на сюжет греческого мифа «Лаокоон с детьми в борьбе со змеями» (эскиз — в Третьяковской галерее) Михайлов был удостоен большой золотой медали; он получил аттестат на звание классного художника первой степени и право пенсионерской поездки за границу.

В Неаполе исполнил копии с картин «Несение креста» Хусепе де Риберы и «Мадонна» Сассоферрато.

С середины XIX века Михайлов работал в Испании, где исполнил множество замечательных копий с полотен Рафаэля, Тициана, Мурильо, Креспи, Сурбарана, Веласкеса и других мастеров.

В Мадриде по заказу американского посла в Испании живописец выполнил 175 рисунков на темы Священного писания, которые затем были гравированы в Америке.

Одна из лучших картин художника — «Девушка, ставящая свечу перед образом», находится в Государственной Третьяковской галерее.

Михайлов писал также портреты (портрет Аполлона Николаевича Майкова, собрании Фабрициуса, Петербург). В 1855 за работы, выполненные за границей, Михайлов был удостоен звания академика исторической живописи.

По возвращении в Санкт-Петербург преподавал в Императорской Академии художеств.

В 1861 году Михайлов исполнил картину «Моление о чаше» на звание профессора, в том же году был избран в Академии художеств адъюнкт-профессором. В 1862 году Григорий Карпович Михайлов уехал для постоянного проживания в Ревель.

Умер в 1867 году на мызе Шлосс-Фаль в Эстляндской губернии. В 1878 была учреждена стипендия имени Григория Карповича Михайлова. Работы художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия русской живописи ”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Мишалон Ашил Этна/Michallon Achille-Etna(Реализм, пейзаж)

1796-1822

Мишалон Ашил Этна(22 октября 1796г,Париж-24 сентября 1822г,Париж)-французский живописец, мастер пейзажа.

Ашил Этна Мишалон родился 22 октября 1796 года в Париже в семье известного французского скульптора Клода Мишалона (1751-1799).

В 1817 он был первым художником, удостоенным Римской премии за исторический пейзаж , премии, установленной в 1816 по инициативе Пьера-Анри де Валансьен у которого Мишалон был студентом.

Он также учился у Жака-Луи Давида и Жан-Виктора Бертена.

В период с 1818 по 1821 год работал в Италии. В своих немногочисленных этюдах художник Мишалон демонстрировал многообещающее развитие и самобытный талант.

Вслед за К. Берне Мишалон изучал эффекты натурного письма, но его живопись не имела той тщательности, которая была присуща произведениям живописцев ушедшего XVIII столетия.

Мишалон писал свободно, легко, пытаясь фиксировать все оттенки цветов, передавать то настроение, которое создавалось самой природой .

В период с 1780год и по 1830 год Мишалон являлся одним из самых известных художников-пейзажистов Франции.

Художник не успел полностью раскрыть свой талант, однако, в историю мировой живописи он вошел не только как один из замечательных пейзажистов, но и как один из учителей Камиля Коро, который пришел к нему в мастерскую в 1821 году учеником.

Наиболее известные произведения Ашила Этна Мишалона: «Вид Колизея в Риме», Лувр, Париж; «Вид Неаполя с высоты Везувия», Лувр, Париж.

24 сентября 1822года в результате непродолжительной болезни Ашил Этна Мишалон скоропостижно скончался в Париже, где и был похоронен.

Художнику было только 26 лет.Смерть оборвала карьеру одного из самых многообещающих пейзажных живописцев своего поколения.

Ашил Этна Мишалон, несмотря на свою раннюю смерть, внес заметный вклад в развитие пленэрной мировой живописи.  Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Биография на сайте арт-дилера.

Модильяни Амедео/Modigliani Amedeo(Модерн)

1884—1920

Амедео (Иедидиа) Клементе Модильяни (итал. Amedeo Clemente Modigliani; 12 июля 1884, Ливорно, Италия — 24 января 1920, Париж, Франция) — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века,

яркий представитель экспрессионизма.

Родился 12 июля 1884 в Ливорно. Первые уроки живописи получил в школе Габриэле Микеле, который был учеником Джованни Фаттори.

Затем посещал школу рисования при Академии художеств Флоренции, где преподавал сам Фаттори.

Первые его работы – Дорога в Сальвиано, Сидящий мальчики др. – привлекли к его творчеству ценителей живописи.

Уже тогда было понятно, что искусство этого художника уникально и не похоже ни на что другое.
В начале 1906 он приехал в Париж, где занялся поисками современного художественного языка.

Несмотря на то, что он не хотел жить во Франции, здесь, как нигде больше, развивалось изобразительное искусство. Испытал влияние П.Сезанна, Тулуз-Лотрека, П.Пикассо, фовизма и кубизма, но в итоге выработал собственный стиль, для которого характерен богатый и плотный цвет.

Модильяни учился в академии художеств, много и напряженно работал, участвовал в выставках и салонах, занимался живописью и скульптурой. Но критики и знатоки живописи не хотели замечать.

Модильяни писал только портреты и обнаженную натуру.

В ноябре 1907 Модильяни познакомился с доктором Полем Александром, который снял для него студию и стал первым коллекционером его работ.

Художник стал членом группы Независимых и в 1908 и 1910 выставлял свои работы в их салоне.

С началом Первой мировой войны многие друзья Модильяни покинули Париж.

Художника угнетали перемены в жизни, безработица, нищета. В это время он встретил английскую поэтессу Беатрис Гастингс, с которой прожил два года.

Модильяни был дружен с такими разными художниками, как Пикассо, Хаим Сутин и Морис Утрилло, а также со многими коллекционерами и деловыми людьми.

В 1914 году Модильяни познакомился с Леопольдом Зборовским, ставшим его истинным другом и ангелом хранителем на долгие годы.

Зборовский был самым необычным и бескорыстным из всех парижских галеристов того времени.

Он первым почувствовал талант Модильяни и проявлял к нему необычайную, трогательную терпимость и заботу.

Долгие годы Збровский был покровителем художника и поддерживал его творчество.
Особенно полно раскрылся талант Амедео Модильяни в портретном жанре.

Он считал, что человек — наивысшее создание природы и человеческое лицо есть самое прекрасное что есть на свете.

Нельзя не отметить тот факт,что но он никогда не делал портреты на заказ, а подчинялся только собственным желаниям. Писал портреты лишь тех людей, которых хорошо знал и которых хотел писать.

Среди тех, кто удостоился быть запечатленным рукой мастера, были: Диего Ривера, Пабло Пикассо, Хаима Сутина, Макс Жакоба, Жана Кокто и др.

В 1917 году Модильяни, в то время уже очень больной и склонный к алкоголизму, познакомился с Жанной Эбютерн, ставшей его спутницей в последние годы жизни.

В следующем году Зборовский организовал персональную выставку художника в галерее Берты Вейль. Она не имела успеха, но вызвала скандал несколькими изображениями обнаженной натуры: их сочли неприличными, и по требованию полиции полотна были сняты.

Тем не менее некоторые французские и иностранные коллекционеры проявили интерес к работам Модильяни.

В 1918 художник поехал на Лазурный берег для отдыха и лечения и пробыл там некоторое время, продолжая упорно работать.

При жизни Амедео Модильяни имел всего лишь одну персональную  выставку своих работ.

Амедео Модильяни скончался в возрасте тридцати шести лет от туберкулезного менингита в парижской клинике Шарите, отверженный, на пороге своего признания.
Это случилось 24 января 1920.

Утром следующего дня Жанна Эбютерн покончила с собой.На рассвете, в четыре часа утра беременная Жанна выбросилась из окна шестого этажа и разбилась насмерть.Оба были похоронены на Кладбище Пер Лашез.

На могильной плите, установленной на месте захоронения художника и его верной спутницы помещены две надписи:
«Амедео Модильяни, художник. Родился в Ливорно 12 июля 1884 года. Умер в Париже 24 января 1920 года. Смерть настигла его на пороге славы». А рядом еще надпись «Жанна Эбютерн. Родилась в Париже в апреле 1898 года. Умерла 25 января 1920 года. Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним.»

Он умер молодым, но исполнил, чего желал, — заметил скульптор Жак Липшиц, вспоминая слова Амедео о том, что единственное к чему стремился художник – это прожить жизнь, пусть короткую, но насыщенную.»

На аукционе в галерее Сотбис 21 июня 2004 года самым дорогим оказалось полотно Модильяни 1918 года «Мальчик в голубом пиджаке.» Оно было продано за 11, 2 млн. долларов – в два раза больше объявленной цены.

В работах Модильяни сочетаются чистота и утонченность стиля, символизм и гуманизм, языческое чувство полноты и безудержной радости жизни и патетическое переживание мук всегда неспокойной совести.

На вечере, посвященном Амедео Модильяни, был показан знаменитый фильм французский «Монпарнасс 19», в котором проникновенно сыграл роль художника гениальный французский актер Жерар Филипп.

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Works art PubHist, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г, ., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г , Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Статья о художнике Юлии Корольковой, Еврейские влияния Модильяни.

Мозес Хендрик(Henrik Moses )

1968–…..

Родился Henrik Moses в 1968 году в Нидерландах. Сфера его интересов: искусство, психология, философия.
Про свой гиперреализм карандашом художник Henrik Moses говорит: «Реализм не есть подражание натуре, это её демонстрация, увеличительное стекло окружающих вещей, сквозь которое мы имеем возможность увидеть и оценить красоту окружающего мира, которую зачастую не замечаем».
Искусство для него означает очень много. Это не только лишь окно в мир внешний , с помощью которого он может выразить свой внутренний мир, но и жизненный путь, пролегающий за этим окном. Путь, который ведёт художника к его собственным размышлениям, чувствам. Когда он рисует, то не только фокусируется на том, что делает, но и на том, что чувствует. Это сродни медитации – отличный способ на какое-то время остаться один на один с самим собой, своими чувствами, попробовать поучиться у них. Художник считает, что мы не обязаны постоянно говорить зрителю через восприятие нашего искусства. Мы можем научить зрителя слышать через него.
Henrik Moses выбрал своим изобразительным средством графитный карандаш, потому что он чёрный! Это он так шутит. А если серьезно, он любит черно-белые изображения. Плюс, графит очень контролируем, настолько, что можно использовать самые мелкие детали, контролировать каждое движение руки. Еще художник любит графит за его большую универсальность, он может сделать намного больше, чем любой другой карандаш. И не менее важное в графите – его мягкость. Графит не повреждает бумагу, позволяя рисовать красивые, тёплые серые, мягкие и гладкие оттенки, которые есть обязательная часть реалистичного рисунка.
В создании рисунка Henrik Moses использует сетку. С её помощью процесс переноса фотографии на бумагу отнимает гораздо меньше времени и значительно упрощается. От руки он делаю эскизы и зарисовки, в большей мере для удовольствия или учебы. Но для очень качественной работы он использую сетку. Оплаченные работы он делает более тщательно, потому что клиенту должно все понравиться.
Самым трудным в работе художник считает фоны. Очень много надо терпения, чтобы закрашивать большие площади.

Henrik дает молодых художникам совет… Рисунок –творческий процесс, относится к нему надо серьезно. Графит очень-очень разнообразен, раскрывайте его свойства в полной мере. Более подробно прорабатывайте детали, даже если не сможете все их воспроизвести. Сравнивайте чаще, рисуйте линии более внимательно. И не ожидайте от себя слишком многого, но и ни в коем случае не ленитесь. И будьте амбициознее! Помыслитее, что вы являетесь самым лучшим художником, и действуйте. Наслаждайтесь от творческого процесса, и относитесь к нему всерьёз.

Мозер Эрнст Кристиан/Ernst Christian Moser(Бытовой жанр)

1815–1867

Австрийский жанровый художник и портретист.
Эрнст родился в семье часовщика.

С 1828 года учился живописи в Венской Академии изящных искусств у портретиста и гравера Иоганна Эндер (Johann Ender, 1793-1854) и художника-пейзажиста Йозефа Мёссмера (Josef Mössmer, 1780-1845).

Среди других педагогов Эрнста биографы называют живописцев Леопольда Купельвизера (Leopold Kupelwieser,1796–1862), Фердинанда Георга Вальдмюллера (Ferdinand Georg Waldmüller, 15 января 1793 — 23 августа 1865) и Себастьяна Вегмайера (Sebastian Wegmayer, 1776-1857).

Во время учебы Мозер получил несколько грантов и наград Академии, среди которых именные призы Гунделя и Лампи.

С 1840 года Мозер под руководством Йозефа Туннера преподавал в Академии пейзажного рисования (Landschaftlichen Zeichenakademie) в своем родном городе Граце.Мозер был плодотворным художником, он создал много портретов и жанровых картин, которые считаются яркими работами периода Бидермейер.

В его картинах часто большое внимание уделяется пейзажу.

Большинство портретов, написанных художником, до сих пор находится в частной собственности, большая коллекция картин находится сейчас в Новой галерее Граца.

Часть этих работ была приобретена после мемориальной выставки Мозера, организованной музеем в 1968 году.

Молль Карл

1861–1945

Карл Молль (нем. Carl Moll; 23 апреля 1861, Вена — 13 апреля 1945, Вена) — австрийский художник эпохи югендстиля.
Биография:
Молль учился в венской Академии изобразительных искусств в 1880—1881 годах. у Христиана Грипенкерля. Позднее стал учеником и ассистентом художника-пейзажиста Эмиля Якоба Шиндлера. После смерти Шиндлера в 1892 году Молль женился на его вдове и тем самым стал отчимом его дочери Альмы.

В 1897 году Молль становится одним из соучредителей Венского сецессиона. Участники Сецессиона проводили в Вене выставки современного искусства, по инициативе Карла Молля в 1903 году в Вене была основана «Современная галерея», носящая сейчас название Австрийская галерея Бельведер.

В 1905 году Карл Молль вместе с несколькими художниками из группы Густава Климта вышел из состава Венского сецессиона. Как руководитель Галереи Митке Молль занялся продвижением творчества Климта. Он организовывал выставки с участием художников из других стран, благодаря Моллю в Вене впервые появились работы Винсента ван Гога.

В 30-е годы Молль проявил себя как убеждённый национал-социалист. После аншлюса Австрии гитлеровской Германией в 1938 году падчерица Молля Альма Малер-Верфель была вынуждена бежать из Австрии со своим мужем еврейского происхождения, поэтом Францем Верфелем. Несколькими днями позже Молль забрал из Галереи Бельведер пять картин, которые Альма передала в её распоряжение, от имени своей дочери Марии Эбершталлер. Самую ценную из картин — «Летнюю ночь на пляже» Эдварда Мунка, Молль позднее продал Галерее. В соответствии с австрийским Законом о реституции после длительного судебного разбирательства эта картина была передана 9 мая 2007 года законной наследнице Альмы Малер-Верфель Марине Малер.
Гибель:
В 1945 году, когда советские войска входили в Вену, Карл Молль вместе со своей дочерью и её мужем покончил жизнь самоубийством на своей вилле. Он похоронен на венском Гринцингском кладбище.
Значение:
Молль получил признание благодаря своим крупноформатным цветным литографиям и ксилографиям. Стиль его поздних пейзажей изменился от плоскостной живописи, свойственной Сецессиону, к большей пространственности, а в поздние годы Молль всё больше сближался с экспрессионизмом.

Монгрелл и Торрент Хосе/Jose Mongrell y Torrent(Бытовой жанр,портрет)

1870–1937

Испанский живописец, художник-монументалист, скульптор и плакатист.

Учился в Школе изящных искусств Сан-Карлос в Валенсии в мастерской известных живописцев Игнасио Пинасо Камарленча (Ignacio Pinazo Camarlench, 11 января 1849 – 18 октября 1916) и Хоакина Соролльи и Бастиды (Joaquín Sorolla y Bastida, 27 февраля 1863 – 10 августа 1923).

Со студенческих лет Хосе стал участвовать в многочисленных выставках и экспозициях в Валенсии, в Мадриде и Барселоне, поэтому после окончания Школы имя художника было уже достаточно известно в художественных кругах.

Первый крупный художественный успех был связан с афишей корриды, созданной в 1897 году для традиционной ярмарки Сан-Хайме в Валенсии.

Монгрелл и Торрент открыл в Валенсии мастерскую на площади Моссен Сорелль (Mossén Sorell), позже художник переехал с семьей жить в приморский городок Куллера в своей родной провинции, где прожил шесть лет.

В 1920-х годах Хосе Монгрелл и Торрент получил место профессора живописи в Школе изящных искусств Сан-Хорхе в Барселоне, в этом городе художник жил до конца жизни.

В Барселоне Хосе участвовал в престижных проектах по росписи и созданию фресок в административных зданиях города.

Например, по поручению президента провинции Барселона, графа Монтсени, расписал Зал приемов во Дворце генералитета Каталонии в Барселоне, выполнил мозаики в стиле модерн для арки главного входа рынка Колумбуса и на фасаде Северного вокзала.

Главное место в его творчестве занимала портретная и жанровая живопись.

Хосе, например, написал портреты таких известных личностей того времени, как король Альфонс XIII и доктор Оливе.

Но основной темой его картин была все же родная Валенсия – ее люди, традиции и повседневная жизнь.

Все искусствоведы пишут о том, что картины художника «наполнены светом и теплом, чувством юмора, а главное – любовью к родному краю».

Картины валенсийской темы Хосе всегда с успехом представлял на различных национальных и международных выставках.

Художник успешно работал в области рекламы, создавая плакаты и афиши для различных фирм и учреждений.

Интересный факт, афишу традиционной ярмарки, которая состоялась в июле 1912 года, в 1971 году решили переиздать по случаю столетия со дня проведения первой ярмарки.

Одной из популярных тем, которые художник постоянно разрабатывал в плакатах, была коррида.
Умер Хосе Монгрелл и Торрент в 1937 году в Барселоне в возрасте 67 лет.

Еще при жизни художника многие его картины были приобретены различными испанскими картинными галереями и музеями.

Так, работы Монгрелла хранятся в Национальном музее керамики, Музее предметов роскоши искусства «Гонзалес Марти», в музее Сан V в Валенсии.

Впрочем, историки отмечают, что, несмотря на огромный художественный талант, искусство Монгрелла всегда находилось, как бы в тени, его земляка, учителя и коллеги Хоакина Соролльи.

Моне Клод

1840–1926

Оскар Клод Моне (фр. Oscar-Claude Monet, 14 ноября 1840, Париж — 5 декабря 1926, Живерни) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.
Биография:

Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и продолжил семейное дело. Юность Моне, как он сам отмечал впоследствии, по существу, была юностью бродяги. Он проводил больше времени в воде и на скалах, чем в классе. Школа ему, по натуре недисциплинированному, всегда казалась тюрьмой. Он развлекался, разрисовывая голубые обложки тетрадей и используя их для портретов своих учителей, сделанных в весьма непочтительной, карикатурной манере, и в этой забаве вскоре достиг совершенства. В пятнадцать лет Моне был известен всему Гавру как карикатурист[3]. Он настолько упрочил свою репутацию, что со всех сторон его осаждали просьбами сделать карикатурные портреты. Изобилие подобных заказов и недостаточная щедрость родителей внушило ему смелое решение, которое шокировало его семью: за свои портреты Моне брал по двадцать франков.

Приобретя этим путём некоторую известность, Моне вскоре стал «важной персоной» в городе. В витрине единственной лавки художественных принадлежностей гордо красовались его карикатуры, выставленные по пять-шесть в ряд, и когда он видел, как перед ними в восхищении толпятся зеваки, он «готов был лопнуть от гордости». Часто в витрине той же лавки Моне видел помещённые над его собственными произведениями морские пейзажи, которые он, подобно большинству своих сограждан, считал «омерзительными». Автором пейзажей, внушавших ему «крайнее отвращение», был Эжен Буден, и, ещё не зная этого человека, возненавидел его. Он отказался познакомиться с ним через владельца лавки, но однажды, зайдя в неё, не заметил, что в задней половине находится Буден. Владелец лавки воспользовался случаем и представил ему Моне как молодого человека, у которого такой большой талант к карикатуре.

«Буден тотчас же подошел ко мне, — вспоминал Моне, — похвалил меня своим мягким голосом и сказал: я всегда с удовольствием смотрю на ваши рисунки; это забавно, легко, умно. Вы талантливы — это видно с первого взгляда, но, я надеюсь, вы не остановитесь на этом. Всё это очень хорошо для начала, но скоро вам надоест карикатура. Занимайтесь, учитесь видеть, писать и рисовать, делайте пейзажи. Море и небо, животные, люди и деревья так красивы именно в том виде, в каком их создала природа, со всеми их качествами, в их подлинном бытии, такие, как они есть, окружённые воздухом и светом».

Но, признавался сам Моне, призывы Будена не имели эффекта. В конечном счёте этот человек понравился Моне. Он был убеждённым, искренним, но Моне не мог переварить его живопись, и когда Буден приглашал его с собой поработать на открытом воздухе, Моне всегда находил повод вежливо отказаться. Настало лето; Моне, устав сопротивляться, наконец сдался, и Буден охотно взялся за его обучение. «Глаза мои наконец раскрылись, — вспоминал Моне, — я по-настоящему понял природу и в то же время научился любить её».

Семнадцатилетний Оскар Моне не мог найти лучшего учителя, потому что Буден не был ни доктринёром, ни теоретиком. Он обладал восприимчивым глазом, ясным умом и умел передать свои наблюдения и опыт простыми словами. «Все, что написано непосредственно на месте, — заявлял он, например, — всегда отличается силой, выразительностью, живостью мазка, которых потом не добьёшься в мастерской». Он считал также нужным «проявлять крайнее упорство в сохранении первого впечатления, так как оно — самое правильное», и в то же время настаивал, что «в картине должна поражать не одна какая-либо часть, а все в целом».

Буден, однако, был человеком скромным и не предполагал, что его уроков будет достаточно для того, чтобы наставить Моне на верный путь. Он обычно говорил: «Работая в одиночестве, нельзя достичь цели, разве что при очень больших способностях, и всё же… всё же искусство не создается в одиночку, в провинциальном захолустье, без критики, без возможности сравнения, без твёрдого убеждения». После шести месяцев подобных увещаний, несмотря на мать, которая начала серьёзно беспокоиться по поводу компании сына, считая, что он погибнет в обществе человека с такой плохой славой, как Буден, Моне объявил отцу, что желает стать художником и поедет учиться в Париж. Отец Моне не был решительно настроен против этой идеи, тем более, что мадам Лекадр, тётка Моне в Гавре, сама немного рисовала и разрешила племяннику в свободное время работать в её мастерской (там Моне обнаружил маленькую картинку Добиньи, которой так восхищался, что тётка ему её подарила). Хотя родители Моне видели талант своего сына, они отчасти не хотели, а отчасти и не имели возможности оказывать ему материальную поддержку. В марте 1859 года отец Моне написал в муниципальный совет, надеясь, что для Моне сделают то же, что в своё время сделали для Будена:

«Имею честь сообщить вам, что сын мой Оскар Моне восемнадцати лет, проработав с господином М. Очардом [учитель рисования в колледже, бывший ученик Давида], Вассером и Буденом, выдвигает свою кандидатуру на звание стипендиата изящных искусств города Гавра. Его естественные наклонности и развитой вкус, которые он решительно сосредоточил на живописи, обязывают меня не мешать ему следовать своему призванию. Но так как у меня нет необходимых средств, чтобы послать его в Париж для занятий в мастерских известных художников, я прошу вас оказать мне любезность и благосклонно принять кандидатуру моего сына…». Два месяца спустя совет рассмотрел это прошение, а также посланный одновременно натюрморт и отверг просьбу, опасаясь, что «естественные склонности» Моне к карикатуре «могут отвлечь молодого художника от более серьёзных, но менее выгодных занятий, которые одни лишь заслуживают муниципальной щедрости».

Не ожидая даже ответа, отец Моне разрешил ему кратковременную поездку в Париж, для того, чтобы сын мог посоветоваться с другими художниками и побывать в Салоне, который должен был закрыться в июне. Перед отъездом Моне получил от некоторых любителей картин, посещавших Будена, рекомендательные письма к различным более или менее известным художникам.

Вскоре после прибытия в Париж Моне прислал Будену свой первый отчёт. «Пока я ещё смог побывать в Салоне только один раз. Труайоны великолепны, Добиньи кажутся мне по-настоящему прекрасными. Есть несколько красивых Коро… Я побывал у нескольких художников. Начал с Армана Готье, который рассчитывает в ближайшее время видеть вас в Париже. Вас ожидают все. Не оставайтесь в этом городе хлопка, не падайте духом. Я заходил к Труайону, показал ему два моих натюрморта, и по поводу их он мне сказал: „ Ну что ж, мой милый, с цветом у вас всё будет хорошо; в целом он создаёт верное впечатление. Но вам нужно серьёзно позаниматься, всё, что вы сейчас делаете, — очень мило, но делаете вы это слишком легко; этого вы никогда не потеряете. Если вы хотите послушаться моего совета и серьёзно заняться искусством, начните с поступления в мастерскую, где работают над фигурой, пишут натурщиков. Учитесь рисовать — это то, чего вам всем сегодня не хватает. Послушайтесь меня — и вы увидите, что я прав. Рисуйте сколько сможете, никогда нельзя сказать, что рисуешь достаточно. Однако не пренебрегайте и живописью: время от времени выезжайте за город, делайте этюды, прорабатывайте их. Делайте копии в Лувре. Заходите почаще ко мне, показывайте всё, что сделали; побольше мужества, и вы добьётесь своего“. И, — прибавляет Моне, — мои родители разрешили мне остаться на месяц-другой в Париже, следуя совету Труайона, который настаивает, чтобы я основательно занялся рисованием. „Таким образом, — сказал он мне, — вы приобретёте навык, вернётесь в Гавр и сможете писать хорошие этюды за городом, а зимой приедете в Париж, чтобы устроиться здесь окончательно“. Родители мои одобрили это»[8].

Моне спросил Труайона и Можино, куда бы они рекомендовали ему поступить. Оба высказались за Кутюра, но Моне решил не слушаться их совета, потому что ему не понравились работы Кутюра. Вместо этого Моне посещал собрания в «Кабачке мучеников», где нашёл то, чего ему недоставало в Гавре: воодушевляющую компанию и оживлённые споры. По истечении двух месяцев Моне решил остаться в Париже на неопределённое время. Родители, пожалуй, согласились бы на это, если бы он не отказался поступать в Школу изящных искусств. Отец прекратил выплачивать ему содержание, и Моне был вынужден жить на свои сбережения, которые ему пересылала тётка.

В 1860 году Моне был призван в армию и попал в Алжир, но там он заболел брюшным тифом, финансовое вмешательство тётушки помогло художнику откупиться от воинской повинности, и он вернулся домой уже в 1862 году[9]. Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи. Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.

Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 году («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла 28 июня 1870 года стала женой художника. У них родилось два сына: Жан (1867 год) и Мишель (17 марта 1878 года).
После начала франко-прусской войны в 1870 г. Моне уезжает в Англию, где знакомится с работами Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. Весной 1871 года работам Моне было отказано в разрешении на участие в выставке Королевской академии. В мае 1871 года он покинул Лондон, чтобы переехать жить в Зандам, в Нидерландах, где он написал двадцать пять картин (и где полиция подозревала его в революционной деятельности). Он также в первый раз съездил в соседний Амстердам. После возвращения во Францию в конце 1872 года Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»). Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в 1874 году. Знаменитый критик Леруа так писал об этой выставке: «На ней не было ничего, кроме впечатленчества».
С декабря 1871 по 1878 год Моне жил в Аржантей, селе на правом берегу реки Сены близ Парижа, популярном для воскресных прогулок парижан, где он написал некоторые из наиболее известных его работ. В 1874 году он на короткое время вернулся в Голландию.

В 1878 году Моне переехал в деревню Ветей. 5 сентября 1879 года Камилла Моне умерла от туберкулёза в возрасте тридцати двух лет. Моне изобразил её на смертном одре.

В 1883 году купил дом в Живерни. В 1892 году Моне женится во второй раз, на Алисе Ошеде́.

Ещё до этого Алиса помогает художнику вести хозяйство и воспитывать детей от первого брака. В 1893 году Моне вместе с Алисой уезжает в местечко Живерни в Верхней Нормандии, в 80 км к северо-западу от Парижа. Алиса умерла в 1911 году. Художник пережил и своего старшего сына, Жана, умершего в 1914 году.

Монье Жан-Лоран/Mosnier Jean-Laurent(Портретный жанр)

1743–1808

Монье Жан-Лоран (Mosnier Jean-Laurent) – французский художник, живописец-портретист и миниатюрист при дворе российского императора Александра I.

Родился в 1743 году в Париже, изучал искусство миниатюрной живописи в парижской Академии Святого Луки, проявил недюжинные способности и в 1776 году был назначен придворным портретистом королевы Марии-Антуанетты — выполнил ряд портретов королевы Марии-Антуанетты.

В 1786 году сопричислен к французской академии художеств.

В 1788 году за портреты скульптора Шарля-Антуана Бридана и художника Луи Лагрене Старшего (последний находится в Парижском училище изящных искусств) Монье был избран в действительные члены французской Королевской Академии.

Помимо ряда привилегий и утверждения в общественном статусе, он получил хорошую возможность представить свое искусство в луврских Салонах.

Во Франции на протяжении почти всего XIX века имя мастера встречалось довольно редко. Краткие сведения о нем появились в справочных изданиях лишь с восьмидесятых годов этого столетия.

В начале XX века на родине Монье был известен, прежде всего, миниатюрными работами, популярными у коллекционеров.

На выставке 1906 г. в Парижской национальной библиотеке присутствовали изображения «Неизвестной дамы, сидящей с книгой на канапе» (время создания не известно, Лувр), «Мужчины в шейном платке» (1784, Лувр), «Герцогини де Фитц-Джеймс» (1781, Лувр), а также авторское повторение последнего портрета (время создания не известно, Лувр). Представленные произведения способствовали популярности Монье как миниатюриста.

В 1790 году Монье эмигрировал в Лондон, в Англии художник регулярно представлял свои картины на выставках британской Королевской Академии. Многие работы Монье этого периода (маркиза Дж. Твидальского, 1794, частное собрание, виконтессы А.-Е. Филдинг 1794, частное собрание) свидетельствовали о его постепенной адаптации к английской портретной школе. Мастер постепенно начал использовать природные мотивы, отсутствовавшие в его работах парижского периода.

В 1796 переехал в Гамбург, где в 1799 был написан портрет А. С. Муравьевой-Апостол с сыном Матвеем и дочерью Екатериной (Государственный Русский Музей) и парный к нему портрет И. М. Муравьева-Апостола с дочерью Елизаветой (Новгородский объединенный музей-заповедник).

Его приезд был замечен местными мастерами портретного жанра, в том числе Ф.- О. Рунге. В мастерской Монье работала известная датская художница Ф. Лайшинг.

В Россию Монье прибыл после 1795 года в эпоху потрясений Великой французской революции, писал портреты лиц петербургского высшего общества: императрицы Елизаветы, членов семьи Строгановых.

Монье быстро занял достаточно влиятельное положение в Санкт-Петербурге. Его по праву можно считать одним из ведущих придворных мастеров раннего александровского времени.

Художник проработал в Петербурге шесть лет: недолго, но плодотворно, получив уважение в придворных и академических кругах российской столицы

В 1802 году Монье был избран академиком Императорской Академии художеств, в 1806 году удостоен звания профессора.В 1806 году Строганов пригласил живописца на пост педагога портретного класса.

Помимо художественных достоинств, подтвержденных статусом действительного члена Французской и Петербургской академий, положения придворного художника императрицы Елизаветы Алексеевны и королевы Марии-Антуанетты, графу граф неоднократно отмечал «попечительность и трудолюбие» портретиста.

В 1807 году Советом академии было принято решение о разделении руководства портретным классом между С.С. Щукиным и Ж.-Л. Монье на равные части.

Оба мастера представляли две линии развития академического портрета. Немногословность творчества Щукина, его точное следование натуре дополнялись свойственной Монье зрелищностью.

Художник является автором портретов короля Людовика XVI, императрицы Елизаветы Алексеевны, принца Людвига Прусского, графа Павла Александровича Строганова, княгини Елизаветы Борисовны Шаховской, графини Софьи Владимировны Строгановой, романиста Августа Генриха Лафонтена, астронома и политического деятеля Жана-Сильвена Байи, князя Александра Львовича Нарышкина, адмирала барона Джорджа Родни и других влиятельных лиц.

Портреты Жан-Лорана Монье можно встретить в музеях и частных собраниях Франции, Великобритании, России, Германии, Испании, США и других стран.Автопортрет художника, написанный в 1786 году, является достоянием Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге.

Монье скончался 10 апреля 1808 года в Санкт-Петербурге в возрасте 65 лет.

По многочисленным признаниям современников, Монье является одним из создателей эталонного придворного портрета начала XIX столетия, светского по форме и содержанию.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,   Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г , , Работы художника в музеях мира,  Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Диссертация Клементьевой Е.Б. «Жан Лоран Монье в России»2004г.

Мор Антонис/Mor van Dashorst Antonis(Маньеризм)

(около 1519-1576 или 1577)

Антонис Мор (Антонио Моро, Антонис ван Дасхорст Мор, нидерл. Mor van Dashorst, Anthonie; ок. 1519, Утрехт, Нидерланды — между 1576 и 1578, Антверпен) — нидерландский портретист XVI века, работавший при дворах Испании, Италии, Англии.

Биография:
Родился в Утрехте.

Учился у живописца Яна ван Скореля (нидерл. Jan van Scorel), нидерландского мастера, известного тем, что он был первым голландским художником, понявшим важность обучения в Италии и попытавшимся познакомить Нидерланды с высоким итальянским Ренессансом.

Когда папа Адриан VI Утрехтский, в прошлом — воспитатель императора Карла V в 1524 году был избран на свой пост, Ян ван Скорель отправился с ним в Рим в качестве придворного художника. Предположительно, Мор ездил вместе с ним.

В 1547 году Мор был принят в члены гильдии св. Луки в Антверпене, вскоре после этого он привлек внимание кардинала Николаса Перрено де Гранвеллы, епископа Аррасского, фактического наместника Габсбургов в стране и известного мецената.

Он стал его постоянным покровителем и представил императору Карлу. Художник легко вписался в атмосферу двора.

Стал часто путешествовать по различным дипломатическим и художественным поручениям (в этом он окажется предшественником Рубенса).

Был придворным портретистом кардинала Гранвеллы и испанского короля Филиппа II.

В 1550-1553 Мор посетил Испанию и Италию, в 1554 — Англию, в 1559-1560 — вновь Испанию.

В Лиссабоне, Мор написал портрет португальской королевы Катарины и ее детей. Позже он возвратился в Мадрид и написал изображения германских родственников правящей династии.

В преддверии подготовки свадьбы Филиппа II и Марии Тюдор он отправляется в Англию, увозя с собой портрет жениха в латах, написанный Тицианом. В Лондоне он создает свой шедевр — портрет Марии Кровавой, за который, как предполагают, ему было присуждено рыцарское достоинство.

В английский период Мор создал ещё несколько работ, стиль которых так совершенен, что относительно них часто возникает сомнение в авторстве, не принадлежат ли они более прославленному Гольбейну, также работавшему в Британии в тот период.

Правда, считается, что как колорист Мор не был так тонок и ясен.

После смерти Марии художник вместе со вдовым Филиппом возвратился обратно в Испанию, где прожил несколько лет.

Со временем он возвратился на родину — возможно, из-за трудностей, возникших у него с испанской инквизицией, возможно, из-за личной ссоры с испанским королем, с которым, они были друзьями.

В 1555 г. Мор работал в Брюсселе, где в год отречения Карла V от престола написал портрет юного «Герцога Оранского в доспехах» со взглядом одновременно энергичным и мечтательным, а также очаровательный портрет Александра Фарнезе, гордого одиннадцатилетнего мальчика, с рукой на рукояти шпаги (1557, Парма, Нац. гал.).

В этот же период появляется портрет «Филиппа II в доспехах» (существует в нескольких вариантах), который должен был увековечить победу при Сен-Кантене.

В августе 1559 г. Моро посетил Испанию в составе королевской свиты, но пробыл там не больше года и написал портреты Пежерона, шута графа Бонавенте (Мадрид, Прадо) и инфанты Хуаны, сестры Филиппа II и юной вдовы принца Бразильского (1559).

В 1560 г. Моро вновь посетил Утрехт, где встретил своего наставника Яна ван Скореля, старческий облик которого он изобразил в медальоне-обманке (1560, Лондон, Общество антикваров).

В те же годы художник написал «Портрет карлика кардинала Гранвелла» (Париж, Лувр) и «Ювелира» (1564, Гаага, Маурицхёйс).

Утрехт всегда был любимым городом художника, который он покидал только для исполнения официальных заказов.

В 1568 и 1569 г. Моро снова провёл несколько месяцев в Лондоне, как о том свидетельствуют датировки некоторых английских портретов.

Однако, деятельность художника после 1570 года ни в каких документах тргр времени не отражена.

Известно только, что за несколько месяцев до своей кочины Моро написал портрет своего друга, нумизмата Хуберта Голциуса (1576, Брюссель, Кор. музей изящных искусств).

Живопись:
От своего учителя ван Скореля Мор взял сухую, реалистичную и при этом пластичную манеру, которая была свойственна мастерам-портретистам Северного Возрождения.

Он отражал телесность модели с очевидностью и осязательностью, писал плотно, и тщательно выписывал аксессуары.

Знакомство с итальянским искусством обогатило его творческие приемы, но контакты с итальянским культурным климатом не притупили ни жесткость его кисти, ни реалистическую конкретность.

Его лицам свойственен глубокий психологизм, реалистичность в передаче характера, без каких-либо элементов идеализации.

Он предпочитал холодную палитру без вспыхивающих цветов, создавая в своих полотнах настроение сдержанное и замкнутое.

Испанские искусствоведы называют Мора отправной точкой великой школы портретистов испанского двора.

Пути развития придворного портрета определила сдержанная манера этого художника, предложенные им иконографические схемы и приемы, призванные концентрировать интерес на модели, и не рассеивать внимание на антураж.

Он прививает испанскому портрету приемы живописи своей родины — в изображениях монархов исчезает пространственная среда, остается один темный фон.

Акцентируется сильное и живое в модели, на нейтральном фоне выделяется суровая телесность.

Другая особенность творчества художника — любование предметами, тщательность воспроизведения мельчайших ювелирных украшений, аксессуаров, которая придает глубокую документальность. Она тоже станет традиционной.

Испанские художники, работавшие при дворе Филиппа II, на творчество которых повлияла манера Мора: Хуан Пантоха де ла Крус, Алонсо Санчес Коэльо.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г ,Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Статья C.Пономарева. «Портреты испанских королей XV—XIX вв.»
Работы художника в музеях мира.

Моралес Барбудо Сальвадор Санчес/Salvador Sánchez Morales Barbudo

1857–1917

Испанский художник.
В 11 лет Сальвадор поступил в среднюю школу в Хересе.С ранних лет он имел склонность к искусству.В 1869 году юноша окончил среднюю школу и поступил в институт в своем родном городе, но через два года после смерти отца, Сальвадор поступил в мастерскую реставратора Педро Вера (Pedro Vera), решив посвятить себя целиком живописи.

В 1875 году в возрасте 19 лет, благодаря спонсорской помощи Хосе Хуана Фернандеса де Вильявисенсио, маркиза дель Кастильо, юноша переехал в Севилью, где поступил в Школу изящных искусств.

Параллельно с учебой в Академии Сальвадор брал уроки у художника Хосе Вильегаса Кордеро (José Villegas Cordero, 1844 – 9 ноября 1921), который стал другом Барбудо на многие годы.
В 1878 году Барбудо, чтобы завершить свою профессиональную подготовку, отправился в Мадрид, где прожил около четырех лет. Художник работал в музее Прадо, где продемонстрировал свое мастерство.
В 1881 году на Международной выставке в Севилье художник выиграл бронзовую медаль за свою картину «Зал фехтования в семнадцатом веке» (Una sala de esgrima en el siglo XVII), которая была очень высоко оценена критиками и куплена герцогом Фернаном Нуньесом.
В 1882 году художник, опять же при поддержке своего покровителя маркиза дель Кастрильо, отправился вместе со своим учителем и другом Вильегасом в Рим. Сальвадор был так очарован атмосферой Вечного города, что решил поселиться там надолго. Италия стала основной темой его картин. В Риме Сальвадор женился, его избранницей стала Елена Моничелли.
До 1884 года Барбудо специализировался в жанре исторической живописи, но разочаровавшись из-за отсутствия успехов в этой области, художник сосредоточился на изображении интерьеров и бытовых жанровых сценах в стиле Мариано Фортуни (Mariano José María Bernardo Fortuny y Marsal, 11 июня 1838 – 21 ноября 1874). Кстати, критики отмечали, что художник изображает исторические интерьеры с большой точностью.

Он показал свой талант рисовальщика, изящное использование композиции и цвета во всех своих картинах.
Работы Барбудо часто экспортировались в Англию, где его изображение итальянских местных обычаев было очень популярно у местных коллекционеров.
В 1884 году художник принял участие в Национальной выставке со своей картиной «Последняя сцена «Гамлета»» (La última escena de Hamlet).

Он получил второй приз, а картина была приобретена художественным музеем Барселоны.
В 1892 году Барбудо был награжден Крестом короля Карлоса III. В 1895 году художник впервые выставился на французском Салоне.
В 1909 году на выставке в Мюнхене и на Всемирной выставке в 1911 году Барбудо был удостоен «Почетного упоминания».
О художнике были написаны большие статьи в журналах «La Ilustración Española y Americana», «La Italia Industrial» и «Vita d’Arte», в которых говорилось, что он «неутомимый труженик», что «различные темы блестяще отображает, благодаря своему неисчерпаемому вдохновению».

Барбудо умер в Риме 28 ноября 1917 года в возрасте 60 лет. После его смерти итальянское государство конфисковало все наследие художника.
Картины художника рассеянны по всему миру, потому что он много своих произведений продал в Америке и Европе.

Работы Барбудо представлены в крупнейших музеях Испании — музее Прадо в Мадриде и музее в Барселоне, а также в музеях США и Европы. Представлен художник в коллекциях Кармен Тиссена и Исаака Фернандеса Бланко в Буэнос-Айресе, а также в Национальном музее изящных искусств в Сантьяго де Чили.
В 1997 году искусствовед Хуан Родригес Пардо организовал большую ретроспективу работ Барбудо в его родном городе Херес, одна из улиц которого носит имя художника.
Источники- Википедия, зарубежные энциклопедии.

Морган Фредерик/Frederick MORGAN

1847–1927

Фредерик МОРГАН  — английский художник-портретист
Морган получил широкую известность благодаря своим сентиментальным жанровым картинам, изображающим детей и животных в сельской местности. Его картины пользовались большой популярностью еще при жизни художника и часто публиковались в журналах.В этом же стиле работал его друг Arthur John Elsley.
Родился Frederick Morgan в 1847 году в Лондоне. Первые азы живописи получил от своего отца-художника John Morgan, затем была школа искусств в Эдинбурге. Первый показ работ Frederick произошел довольно рано.
Работу «Репетиция» Frederick Morgan, отправил на выставку в Королевскую академию художеств, в шестнадцать лет. К удивлению юного художника картина была не только выставлена на выставке, но куплена одним коллекционером.
В течение следующих трех лет Frederick Morgan работал в Алесбери в фотоателье, зарабатывал тем, что рисовал портреты клиентов, для которых фотографий было недостаточно. Frederick Morgan стал получать многочисленные заказы на написание портретов, после показа своих работ в других фотоателье. Хорошей школой стали годы, приведенные в фотоателье, которые научили Frederick пристальному вниманию к деталям.
Одновременно с работой в фотоателье Frederick Morgan начал писать картины с изображением бытовых сцен из жизни детей. Не случайно популярность Frederick Morgan возрастала, на картинах бытового сентиментального жанра дети счастливы и жизнерадостны, а в написанных портретах подчеркнуты детали индивидуальных особенностей лица.
Frederick Morgan в 1872 году женился на художнице Alice Havers. От этого брака у Morgan было трое детей. Старший сын стал художником и часто выставлял свои картины в Королевской академии художеств под именем Val Havers.
Второй брак художника подарил Frederick Morgan ещё двоих детей, один из которых также стал художником.
Пятеро детей и любимые жены постоянно вдохновляли художника в творчестве, особенно в теме счастливого детства и материнства.
Frederick Morgan умер в 1927 году.

Морено Карбонеро Хосе/José Moreno Carbonero

1858–1942

Испанский художник(28 марта 1858, Малага — 15 апреля 1942, Мадрид).
Специализировался на портретной и исторической живописи. Историки считают Карбонеро самым известным художником Малаги и одним из последних великих художников-портретистов девятнадцатого века.
Морено родился в квартале Перчель в городе Малага. С самого раннего детства мальчик был увлечен живописью.

В 1868 году, в возрасте 10 лет, он уже поступил в Школу изящных искусств Сан Тельмо в Малаге, где учился у художников Хосе Денис Бельграно (José Denis Belgrano, 8 апреля 1844 – 12 февраля 1917) и Бернандо Фернандеса (Bernardo Ferrándiz y Bádenes, 1835–1885).
В возрасте 12 лет, в 1870 году, Хосе принял участие в конкурсе искусств в Малаге и выиграл золотую медаль. В этом же году молодой художник продал свою первую картину под названием «La Posada de la Corona» за тысячу песет.
В 1873 году Хосе отправился в Марокко, где написал серию тематических картин из африканской жизни в манере Мариано Фортуни.
В 1874 году Морено Карбонеро принял участие в национальной выставке искусства и выиграл серебряную медаль, а в 1876 году на той же выставке – бронзовую медаль.
В 1875 году художник был удостоен стипендии Мариано Фортуни для дальнейшего обучения в Европе.
В этом же году Хосе отправился в Париж, где учился в мастерской Жан-Леон Жерома и познакомился с известным арт-дилером Адольфом Гупилем.

В 1881 году художник в качестве пенсионера переехал в Рим. В 1881 году Хосе прислал из Рима для участия в национальной выставке картину «Принц Дон Карлос де Виана» (El príncipe don Carlos de Viana, 1881, музей Прадо, Мадрид) и выиграл приз.
Когда к середине 1880-х годов художник вернулся в Испанию, он продолжал активно работать.
В 1887 году премии национальной выставки была удостоена картина «Преобразования герцога Гандия» (La Conversión del Duque de Gandía, 1884, музей Прадо).
После 1892 года Хосе Морено Карбонеро был приглашен преподавать в Королевской Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде в качестве профессора натуралистического рисунка. Среди его учеников были молодой Пабло Пикассо, Сальвадор Дали и Хуан Грис.

Хосе Морено Карбонеро был известен, прежде всего, как академический художник, репутацию ему создали исторические картины, при этом, художник являлся любимым портретистом королевской семьи и аристократии.

Будучи профессором Сан-Фернандо, художник был награжден Орденами королей Альфонсо XII, Карлоса III и королевы Изабеллы.

Работал художник и в монументально-декоративном жанре. Для церкви Сан-Франсиско эль Гранде в Мадриде, вместе с Алехандро Феррантом и Антонио Муньос Дегрейном, Карбонаро написал фреску «Нагорная проповедь» с использованием модернистско-символистских образов.
Художнику поступало немало заказов из различных учреждений. В 1888 году им была написана картина «Вход Руджеро да Фьоре в Константинополь» (Entrada de Roger de Flor en Constantinopla) для испанского Сената. В 1910 году правительство Аргентины заказало Карбонеро картину на тему истории основания Буэнос-Айреса.

В конце 19 – начале 20 века художник активно выставлялся. В 1888 году он был удостоен главного приза на выставке в Ватикане, художник принимал участие в международных выставках в Мюнхене и Вене.
В 1889 году Карбонеро получил вторую медаль на Всемирной выставке в Париже, в 1890 году – Большую золотую медаль на Международной выставке в Будапеште, в 1891 году — Почетный диплом на Международной выставке в Берлине, и два года спустя, в 1893 году — медаль на Международной выставке в Чикаго.
На родине состоялись большие персональные выставки Карбонеро в Мадриде – в Академии изящных искусств Сан-Фернандо, Обществе друзей искусства и художественном объединении Гиль Кастро.

Художник умер в 1942 году в возрасте 84 лет.

После смерти, его тело было перевезено в Малагу, где художник был похоронен на кладбище Сан-Мигель.

В 1958 года в саду Пуэрта Оскура в Малаге был установлен памятник Карбонеро, созданный скульптором Мариано Бенллюр.

Именем художника названа улица в историческом центре Малаги.

В коллекции Музея изобразительных искусств Малаги находится более 30 произведений художника.

Картины художника есть в экспозициях музея Прадо в Мадриде и художественного музея Севильи.

В музее Берлина экспонируется картина Карбонеро «Приключения Жиля Бласа» (Una aventura de Blas Gil).
Источники- Википедия, зарубежные энциклопедии.

Моретто Алессандро да Брешиа/Moretto da Brescia(Ренессанс)

около 1498-1554

Алессандро Бонвичино или Буонвичино, известен под прозвищем Моретто, Арапчонок (итал. Alessandro Bonvicino, итал. Il Moretto, между 1490 и 1498, Брешия — 22 декабря 1554, там же) — итальянский художник, работал в Брешии и Венеции.

Знаменитый итальянский художник Алессандро Бонвичино (Буонвичино), известный также под прозвищем Моретто («Арапчонок», «Маленький мавр»), родился в городке Ровато под Брешией, и длительное время работал в Брешии.

Его учителем был Фьораванте Феррамола (по другим сведениям — Винченцо Фоппа, среди его наставников упоминаются также Тициан, Джакопо Пальма и Джироламо Романино).

Испытал влияние Лотто и Тициана; работал в Брешии, а также в Бергамо (1529), Милане, Вероне (1540-1541).

В 1521 расписывал вместе с Романино Капеллу Сакраменто кафедрального собора Брешии, в 1522—1524 работал в Падуе. У него были также совместные работы с Лоренцо Лотто и Флориано Феррамолой.

Творчество Алессандро Бонвичино по прозвищу Моретто, идущее в русле классических традиций, отличает мягкая серебристость колорита, несколько провинциальная тяжеловесная, серьезная торжественность, не лишенная, однако, лиричности («Мадонна со святыми»; Франкфурт).

Эта черта, более заметная во второстепенных персонажах его композиции, представляет наибольшую ценность в больших картинах (фигура служанки в картине «Христос в Эммаусе»).

Значителен вклад Моретто в развитие ренессансного портрета.

Его «Мужской портрет» (Национальная галерея, Лондон) — один из первых портретов в рост.Наиболее известна его картина «Святая Иустина с донатором и единорогом», находящаяся в Венском музее истории искусств.

Написал несколько портретов известной куртизанки Туллии д’Арагона, в том числе — в образе Саломеи (пинакотека Брешии).

В произведениях Моретто, одного из ярких мастеров брешианской школы живописи, часто органично соединяются портрет, пейзаж и бытовой жанр, а жизненная конкретность и непосредственность образов сочетаются с безмятежно мечтательным настроением (“Аллегория веры”, 1540-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Христос в Эммаусе”, около 1533, Пинакотека Тозио Мартиненго, Брешия; “Портрет молодого дворянина, 1526, Национальная галерея, Лондон).

Работы Моретто отличаются серебристо-светлой красочной гаммой, плавностью и спокойствием композиционных ритмов. Умер Алессандро Моретто 22 декабря 1554 года в Брешии.

Работы Моретто находятся в музеях Франкфурта, Берлина, Лондона, Будапешта, Нью-Йорка, Лос-Анджелеса и др. Картина «Аллегория Веры» (ок. 1530) — в собрании Эрмитажа.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907г., Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира.

Моризо Берта

1841–1895

Биография
1841 Родилась Берта Моризо в Бурже в семье высокопоставленного государственного чиновника
1858 Мать решает, что Берта должна обучаться живописи
1860-1862 Учится у Коро
1864 Первая выставка в Салоне
1868 Путешествует по Испании
1874 Выходит замуж за Эжена Мане, брата Эдуарда Мане
1874-1886 Выставляет картины на всех выставках импрессионистов
1878 Рождение дочери Жюли
1881-1883 Парижский дом Берты становится местом встреч и собраний художников
1892 Смерть Эжена
1895 Умирает от гриппа в Париже

Описание

Берта Моризо написала более 300 картин. Главными героями ее произведений были женщины и дети, включая родных — сестру и ее многочисленное семейство, а также дочь Жюли, чей образ художница создавала неоднократно.

В развитии таланта Берты Моризо несомненная заслуга принадлежит ее матери, которая смогла разглядеть талант дочери в самом раннем возрасте. Берту и ее сестру Эдму отдали в обучение к Коро.

Гениальный пейзажист заставлял девочек писать вне студии и выезжать в поисках подходящей натуры из Парижа. Летом 1862 года все семейство было вынуждено трястись на спинах мулов, потому что девушек нельзя было оставлять без присмотра во время путешествия через Пиренеи. Отец сестер — высокооплачиваемый государственный служащий — построил для дочерей студию в саду и вместе с женой часто развлекал зашедших в гости художников и музыкантов.

Берта Моризо испытывала влечение к Эдуарду Мане. Он увековечил ее образ в своей картине 1869 года «Балкон». Мане становится ее другом и наставником, а впоследствии Берта Моризо выходит замуж за его брата Эжена. После замужества Берта собирает собственный кружок. В ее новый дом часто приходят писатели и художники, среди которых Дега, Кайлебот, Моне, Писсарро, Уистлер, Пюви де Шаванн, Ренуар и Малларме.

Вне всякого сомнения, происхождение Берты Моризо давало ей ряд преимуществ перед другими менее обеспеченными женщинами. Однако ей надо было проявить недюжинную решимость, чтобы примкнуть к имрессионистам в 1874 году. Несмотря на женоненавистнические настроения, царившие в художественной среде, Берта Моризо сумела доказать, что является прекрасным художником и настоящим профессионалом. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Berthe Morisot at the WebMuseum,  Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.

Морланд Джордж

1763-1804

Джордж Морланд, мастер жанровых сцен, замечательный пейзажист и анималист, известен в истории искусства XVIII века как певец английской деревни.

Наследник реалистических традиций голландской живописи, он был первым художником в Англии, писавшим сцены из крестьянской жизни. Современник Дж. Рейнолдса и Ж. — Ж. Руссо, Ф. Шиллера и И. — В. Гете, Морланд жил в эпоху начинающегося кризиса идей Просвещения и зарождающегося романтизма в искусстве. В своем творчестве художник проходит путь от жанровых работ нравоучительного характера к картинам тревожного, чувственного состояния природы.

Сравнительно короткая жизнь Морланда (он прожил всего 41 год) полна драматических событий, безудержных страстей. Самобытный художник и в то же время бесшабашный гуляка, игрок, искатель приключений, он неизменно будоражил воображение современников. Вскоре после смерти художника вышли в свет четыре пространные монографии с описанием его беспутной жизни, которые сейчас читаются как увлекательные художественные произведения, напоминая английские романы второй половины XVIII века. Однако, несмотря на обилие красочных, комических эпизодов, перед нами трагический персонаж, одиночка, посвятивший жизнь борьбе за свой путь в искусстве.

Морланд родился в 1763 году в обедневшей дворянской семье. Его отец и дед были художниками. Глава семейства установил жесткую дисциплину для своих домашних, ограничив до минимума их контакт с внешним миром. Отчасти это объясняется внешними причинами: Англия второй половины XVIII века славилась разбойничьими притонами и кабаками, опасно было выходить на улицу, — но в большей степени это происходило из-за характера отца. Основное внимание отец уделял Джорджу, художественные способности которого проявились уже в раннем детстве. В возрасте десяти лет в 1773 году он показывает свои рисунки в Академии художеств, в 1775-1776 — в Свободном обществе художников. В мастерской отца юноша ознакомился с основами ремесла, приобрел привычку к регулярному труду.

Профессиональные навыки молодого художника в годы учебы формировались довольно своеобразно благодаря искусственно созданной изоляции. Например, большая часть его учебных занятий состояла в копировании знаменитых произведений итальянской, французской, голландской школ, попадавших в мастерскую отца на реставрацию. Более всего его привлекали работы Хоббемы, Рейсдаля, Остаде, Поттера, Дюжардена. Кроме того, художник проявлял интерес к миру домашних животных. Он лепил фигурки лошадей, свиней, собак из глины, делал анатомические штудии. Анатомию лошади он изучил по гравюрам Д. Стаббса, копируя листы и надписывая названия костей. И это в пору, когда в английской живописи доминировали жанр портрета и тип пейзажа классического характера. Минуя систему академического образования, Морланд к восемнадцати годам становится художником оригинального склада. В это же время гнетущая обстановка в доме становится все невыносимей, и художник уходит из дома.

Наслаждаясь обретенной волей, он погружается в атмосферу веселых кутежей, свободного творчества, но вскоре становится жертвой ловких дельцов и кредиторов. Его призрачная свобода оказывается под угрозой долговой тюрьмы. Женитьба на сестре известного гравера У. Уорда ненадолго улучшает его положение. Лучше всего он чувствует себя на природе, среди своих друзей-собутыльников из низов общества — жокеев, кучеров, трактирщиков. Несмотря на беспорядочность образа жизни, он много работает, развивая свою природную наблюдательность. В период с 1781 по 1788 год Морланд сближается с известными граверами Д. Р. Смитом и У. Уордом и, очевидно, по их совету, поддавшись обаянию Хогарта, создает ряд полотен для воспроизведения в гравюре. Художник работает в несколько слащавой элегантно-салонной манере, избирая сюжеты нравоучительного характера. Особенно популярной из его серий была «Летиция» рассказывающая о судьбе соблазненной дочери фермера, а также картины на крестьянскую и детскую темы: «Валентинов день» (1787), «Дети, играющие в солдаты», «Мальчики, ворующие фрукты» (1786 — 1787). Работы этого периода отличаются тщательностью рисунка, живописной законченностью. Колорит выдерживается в блеклых пастельных тонах. Несмотря на некоторую сусальность трактовки, принятую в произведениях такого типа, художник вводит в композицию острохарактерные детали, свидетельствующие о зорком глазе. Спрос на произведения Морланда увеличивается. Он получает заказов больше, чем может исполнить. В 1788 году он становится членом Объединенного общества художников. Но растущая слава мало трогала художника. Например, он никогда не показывал сам свои картины на выставках — об этом заботились владельцы. Больше того, около 1788 года Морланд, возможно, устав заниматься нежеланным делом, удаляется в сельскую глушь, где живет среди крестьян, цыган и пишет их в привычной обстановке.

Из произведений этого периода наиболее известны «Глоток вина», «У двери трактира» и особенно «Лошади в конюшне», «Внутренний вид конюшни», построенные на контрасте плохо освещенного помещения и потоков солнечного света снаружи. Один из лучших пейзажей этого времени — «Приближение грозы» (1791), хранящийся в Эрмитаже. Здесь сконцентрировались лучшие черты искусства Морланда: живое восприятие природы, прекрасное колористическое чутье, свободная живописная манера. Серию картин на цыганские мотивы открывает полотно 1789 года, написанное для полковника Стюарта — «Цыгане, разжигающие костер». Человек в этих картинах еще не противопоставляется природе, как это происходит в произведениях позднего периода.

Новая манера живописи Морланда, более раскованная, динамичная, в соединении с характерной тематикой, как, например, в пейзажах со сценами цыганских кочевий, старых скотных дворов, означала не только естественное завершение поисков художника. В усилении эмоционального начала, в стремлении к живописности, в выборе «некрасивых» сюжетов заметны признаки начинающейся реакции на каноническую систему классицизма. Основой истинного творчества теперь становится не подражание, а оригинальность. Становится популярной концепция художника как одинокого гения. Морланд был среди тех, кто не только творчеством, но и жизнью принадлежал к плеяде ранних провозвестников романтизма. В самом деле, нежелание Морланда общаться с коллегами объясняется его стремлением к оригинальности, а тяга художника к кочевой жизни, в уединении с природой представляется подобием знаменитых в конце XVIII века «живописных путешествий» по затерянным уголкам Англии, имевших огромное значение в становлении романтизма. Его жанровые и пейзажные композиции, пронизанные глубоко личным мироощущением, отражают основные положения новой эстетики «живописного». Он изображает огрубевших от работы крестьян, старых рабочих лошадей с торчащими ребрами, непородистых собак, свиней, разрушенные постройки, корявые деревья, а после 1799 года — кораблекрушения, контрабандистов. Произведения Морланда зрелого периода часто считались незаконченными, неотделанными. Однако широкая, почти эскизная манера зрелого мастера, свободный смелый мазок стали теми стилистическими приемами, которые были призваны выразить ощущение изменчивого, неповторимого в сюжете.

В 1799 году уже тяжело больной художник, скрываясь от кредиторов, переселяется на побережье. Он пишет картины из жизни моряков, рыбаков, контрабандистов, изображает сцены кораблекрушения, спасения утопающих. Но силы уже изменяют художнику, его живопись утрачивает прежнюю динамику и выразительность, картины приобретают глянцевитую, однообразную поверхность. Конец художника печален — он умирает в долговой тюрьме.

Наследие Джорджа Морланда огромно — за 20 лет работы он создал около 4000 картин, то есть писал по 200 картин в год и по четыре полотна в неделю. Однако известно и большое число подделок — настолько ценились произведения этого своеобразного мастера. В настоящее время произведения Морланда хранятся во многих музеях мира. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Artcyclopedia: Morland, George, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.

Моро Гюстав/Moreau Gustave(Символизм)

1826-1898

Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) (6 апреля 1826, Париж — 18 апреля 1898, Париж) — французский художник и график, представитель символизма.

Родился в Париже 6 апреля 1826 года, в семье архитектора. Учился в Школе изящных искусств в Париже у Теодора Шассерио и Франсуа-Эдуара Пико.

Его полотна, акварели и рисунки были посвящены в основном библейским, мистическим и фантастическим темам. Его живопись оказала огромное влияние на фовизм и сюрреализм.

Во время двух путешествий в Италию (1841г. и с 1857г. по 1859г.), художник посетил Венецию, Флоренцию, Рим и Неаполь, где изучал искусство Ренессанса — шедевры Андреа Мантенья, Кривелли, Боттичелли и Леонардо да Винчи.

Моро изучал и копировал полотна и фрески знаменитых мастеров.

Моро был прекрасным знатоком старого искусства, почитателем древнегреческого искусства и любителем ориентальных предметов роскоши, шёлка, оружия, фарфора и ковров.

С 1849 года Гюстав Моро начинает выставлять свои работы в Салоне — выставке живописи, скульптуры и гравюры, ежегодно проводившейся с середины XVII века в Большом салоне Лувра.

Осенью 1859 года Моро возвращается домой и знакомится с молодой женщиной – Александриной Дюре, работавшей гувернанткой недалеко от его мастерской. Они проживут вместе более 30 лет.

После смерти Александрины в 1890 году художник посвящает возлюбленной одно из своих лучших полотен — “Орфей у гробницы Эвридики”, 1891.

На протяжении 1860–х годов произведения Моро пользуются огромным успехом и популярностью. Критики называют художника Гюстава Моро спасителем жанра исторической живописи.

На протяжении нескольких лет, вплоть до 1876 года, Моро не выставлялся в Салоне и даже отказался участвовать в украшении Пантеона.

Когда, наконец, художник вернулся в Салон, то представил две картины, созданные на один сюжет, — сложное для восприятия полотно, написанное маслом, «Саломея» и большую акварель «Явление», неодобрительно встреченную критикой.

Почитатели творчества Моро восприняли его новые работы как призыв к раскрепощению фантазии.

Он стал кумиром писателей-символистов, среди которых были Гюисманс, Лоррен и Пеладан.

В течение всей жизни Моро писал фантастически пышные, мастерски исполненные в духе символизма композиции на мифологические, религиозные и аллегорические сюжеты, лучшие из которых — “Эдип и сфинкс”, 1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; “Орфей”, 1865, Музей Лувр, Париж; “Саломея”, 1876, Музей Орсе, Париж; “Галатея”, 1880, Музей Гюстава Моро, Париж.

Гюстав Моро был тесно связан с движением символизма; входившие в него художники отказались от объективности и натурализма представителей импрессионизма.

В 1888 году его избрали членом Академии изящных искусств, а в 1892 году 66-летний Моро стал руководителем одной из трех мастерских Школы изящных искусств.

Его учениками были молодые художники, прославившиеся уже в XX веке, — Жорж Руо, Анри Матисс, Альбер Марке.

В 1890-х здоровье художника резко ухудшилось. Он подумывает о завершении своей карьеры и возвращается к своим незаконченным картинам.

Одновременно Моро приступает к работе над своим последним шедевром – “Юпитер и Семела”, 1894-1895.

Моро хотел сохранить свои работы для будущих поколений и не желал, чтобы после смерти его наследие оказалось рассеянным по всему свету.

Художник превратил два верхних этажа дома, купленного его родителями еще в 1852, в экспозиционное пространство и завещал государству дом со всеми находившимися там произведениями и всем содержимым квартиры.

Экспозиция музея в основном состоит из незаконченных работ художника и черновых набросков.

Это придает уникальность и необычность коллекции, ощущение незримого присутствия великого мастера.

На данный момент музей насчитывает около 1200 холстов и акварелей, 5000 рисунков, которые экспонируются с учетом пожеланий их автора.

Моро умер от рака 18 апреля 1898 года и был похоронен на кладбище Монпарнас в Париже в одной могиле с родителями.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс, UAB ”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”. Национальный музей Густава Моро-официальный сайт.

Морони Джованни Батиста/Moroni Giovanni Battista(Чинквеченто)

1525-1578

Джованни Баттиста Морони, также Джамбаттиста Морони (итал. Giovanni Battista Moroni, ок.1522, Альбино, провинция Бергамо – 5 февраля 1578, Бергамо) – итальянский художник, один из крупнейших портретистов XVI века.

Родился около 1525 в Альбино, провинция Бергамо. Учился в Бреше у Моретто , работал в Бреше и Тренто, а с конца 1540-х годов – в Бергамо, также в Альбино, Вероне, Милане.

В еще большей степени, чем Моретто, тяготел к уравновешенным, спокойно-созерцательным образам, проявлял полное равнодушие к маньеризму. Испытал влияние Л.Лотто, Дж.Савольдо и Тициана.

Два кратких срока пребывания Морони в Тренто совпали с двумя заседаниями Тридентского собора (1546–1548 и 1551–1553), к этому периоду относятся работы художника в алтаре собора Санта-Мария Маджоре в Бергамо.

Тогда же он познакомился с Тицианом (легенда XIX в. об ученичестве у Тициана в настоящее время не подтверждается). Испытал влияние Лоренцо Лотто и Джироламо Савольдо.

Написал немало религиозных картин (алтарь с Богоматерью во славе, четырьмя отцами церкви и Иоанном Евангелистом, 1551, церковь Санта Мария Маджоре, Тренто; Тайная вечеря, 1565–1569, церковь Санта Мария Ассунта, Романо ди Ломбардия; и др.), однако в историю вошел как один из немногих мастеров итальянского Ренессанса, которые сделали главной своей специальностью портрет.

Выполняя многочисленные заказы провинциального дворянства и буржуазии, выступил как крупный новатор жанра, изображая не замкнутые в себе фигуры, а человека, погруженного в живую среду бытового пространства и времени.

Создавал композиции в полный рост (либо более скромные, поколенные и поясные), отмеченные непринужденной естественностью поз и жестов, сдержанным, серовато-серебристым колоритом, оживленном отдельными яркими цветовыми акцентами.

Часто дополнял образы символическими аксессуарами (типа архитектурных руин, колонн и т.д.).

Портреты Морони, мастера брешианской школы, исполнены в сдержанной цветовой гамме, отличаются проницательностью характеристики, простотой композиции, естественностью облика модели (“Портной”, 1560-е годы, Национальная галерея, Лондон; “Портрет мужчины”, 1560-е годы, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Джованни Морони не только, подобно своему учителю Алессандро Моретто, сохраняет приверженность к реалистическому методу, но его портреты представляют собой значительный и своеобразный вклад в реалистическую линию развития искусства позднего Возрождения.

Для портретов Морони зрелого периода, начиная с 1560-х годов, характерна правдивая и точная передача облика и характера представителей почти всех социальных прослоек городов тогдашней террафермы (“Портрет ученого”, “Портрет Понтеро”, “Портрет портного” и др.).

Джованни Батиста Морони был весьма востребованным портретистом в Бергамо.

Художник оказал воздействие на творчество фра Гальгарио и Пьетро Лонги. Его учеником был Джованни Паоло Каванья.

Лучшей коллекцией картин Морони располагают Лондонская национальная галерея и галерея Уффици, портреты, написанные художником Джованни Батиста Морони, хранятся также во многих других музеях мира.

Среди его лучших картин – П.Секко Суардо (1563, Уффици, Флоренция), А.Наваджеро (1565, Галерея Брера, Милан), 29-летний дворянин (1567, Галерея Академии Каррара, Бергамо), парные портреты супругов Спини (начало 1570-х годов, там же).

Известнейшее произведение Морони – задумчивый Портной (ок. 1570, Национальная галерея, Лондон), ранний образец «безымянного», чисто жанрового портрета, получившего особую популярность в эпоху барокко.

Необходимо отметить, что художник интересовался старинной живописью и часто  копировал некоторые произведения («Мадонна» Джованни Беллини, Бергамо,частное собрание).

Масштабный характер полнофигурных портретов Морони (на них часто изображаются и люди скромного социального происхождения) ставит художника в ряд ведущих представителей этого жанра живописи в 16 веке.

Скончался Джованни Батиста Морони 5 февраля 1578 года в Бергамо.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Paintings by Moroni, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.,  «Giovanni Battista Moroni«. Catholic Encyclopedia. New York: Robert Appleton Company. 19, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы Морони в музеях мира.

Мунк Эдвард/Munch Edward(Модерн)

1863-1944

Эдвард Мунк (норв. Edvard Munch; 12 декабря 1863, Лётен, Хедмарк — 23 января 1944, Экели, близ Осло) — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства.

Один из первых представителей экспрессионизма.

Его творчество повлияло на современное искусство. Творчество Мунка охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни.

Эдвард Мунк родился в норвежском городе Лётен, в семье военного врача, 12 декабря 1863 года.

Слабый и болезненный от рождения Эдвард теряет мать в пятилетнем возрасте: она умирает от туберкулеза в 1868 году.

Самым близким человеком для мальчика становится старшая сестра Софи. Но и она умирает от туберкулеза в 15 лет, в 1877 году. Эти трагедии, пережитые в раннем детстве, накладывают отпечаток на характер, психику и всё творчество Эдварда Мунка.

В 1879 году Мунк поступил в Высшую техническую школу в Осло, но вскоре перешёл в Государственную академию искусств и художественных ремёсел.

Сначала его преподавателем был скульптор Миддльтун, а с 1882 года — живописец Кристиан Крог.

Дебют молодого художника состоялся в 1883 году: на второй Осенней художественной выставке в Осло была представлена его картина «Девушка, подкладывающая в печь дрова», выполненная в реалистическом духе, под явным влиянием Крога.

В 1886 году Мунк получил возможность совершить поездку в Париж, где посетил восьмую и последнюю выставку импрессионистов.

Тогда же он создал свою первую широко известную картину, «Больная девочка», в которой нашли отражение болезнь и смерть Софи Мунк.

Первая персональная выставка художника состоялась в 1889 году. Затем он уехал в Европу благодаря стипендии, жил в Париже и Берлине.

В Германии Мунк выставлялся вместе с местными художниками, но его картины спровоцировали скандал, так что его выставка была закрыта досрочно.

Позднее многие из этих художников вошли в Берлинский сецессион. Там же Мунк близко сошёлся с польским писателем Станиславом Пшибышевским и его женой норвежкой Дагни Пшибышевской.

Последняя на несколько лет стала музой Мунка. Она позировала ему для многих известных картин, включая «Мадонну», «Вампира», «Ревность», «Поцелуй».Летом 1889 семья Мунка арендовала маленький домик в Осгордстранде на берегу Ослофьорда, место которое впоследствии стало отправной точкой в творчестве Мунка и в его жизни.

В этом же году он купил собственный дом в Осгордстранде и возвращался туда почти каждое лето более 20 лет.

Это было место, куда он стремился когда он был заграницей или чувствовал себя уставшим или истощённым.

В конце 1890-х Мунк работал над циклом картин, получившим название «Фриз жизни — поэма о любви, жизни и смерти».

В него вошли работы, объединённые тематикой любви, женственности, страха, отчаяния и смерти. Многие из этих картин Мунк в течение жизни создавал в нескольких вариантах, снова и снова возвращаясь к одной и той же теме.

Например, «Мадонна» и «Больная девочка» существуют в пяти экземплярах каждая. В 1893 году Мунк создал «Крик» — своё самое известное произведение. «Крик» считается знаковым событием экспрессионизма; Мунку удалось передать охвативший героя ужас чисто художественными средствами: цветовой гаммой и извивающимися линиями, в центре которых находится герой.

В 1896 году на выставке в Париже Мунк впервые был обласкан критикой.

Его начали называть основателем экспрессионизма — нового направления в живописи. Мунк успешно продал несколько картин.

Состояние здоровья и психики художника продолжали ухудшаются, он купил уединенный дом в Осгордстранде. До 1906 года дом стал пристанищем от людей и собственных страхов художника.

Тема, ставшая центральной в творчестве Эдварда Мунка, – взаимоотношения мужчины и женщины.

Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, колдунья, властная мать-смерть.

Большинство картин Эдварда Мунка 1890-1910-х годов входит в незавершенный цикл “Фриз жизни”.

Острая выразительность присуща графическим работам Мунка, блестящего мастера ксилографии, офорта и литографии (автопортрет, литография, 1895). В дальнейшем творчестве Мунк обращался к монументальной живописи, писал сцены городской жизни, мажорные по цвету пейзажи.

В 1899 году начался долгий бурный роман Мунка с Таллой Ларсен. Мунк оказался не готов стать супругом, а предательство любимой повергло его в жестокую депрессию.

К осени 1908 года паранойя и галлюцинации на много месяцев загнали  Мунка в психиатрическую лечебницу доктора Якобсона, но художник продолжал творить и там.

Слава и признание, пришедшие к зрелому Мунку, знаменуются чередой триумфальных выставок в Европе.

В 1915 году он принял участие в международной выставке в Сан-Франциско. Мунк путешествовал, а затем истощенным возвращался в Норвегию, чтобы создать новый шедевр полный боли и страсти, любви или страха…

Больной, почти ослепший, Эдвард Мунк отшельником провёл последние годы жизни в собственном доме в норвежском городке Экели.

Разобрав и систематизировав свои картины, гравюры и литографии, и завещав их городу Осло, Эдвард Мунк умер в возрасте 80 лет, 23 января 1944 года.

Самая известная работа Мунка — картина «Крик». Существует четыре её экземпляра, написанных между 1893 и 1910 годами.

Первоначально картина называлась «Отчаяние». Охваченный ужасом человек с этой картины стал одним из самых узнаваемых образов в искусстве.

В частных руках остаётся только один вариант картины (1895); он был продан 2 мая 2012 года на аукционе Sotheby’s за 119,9 миллиона долларов.

На тот момент это было самое дорогое произведение искусства, когда-либо проданное на открытом аукционе.

В Осло находится открытый в 1963 году музей Мунка, из которого 22 августа 2004 года двумя вооружёнными преступниками были похищены полотна «Крик» и «Мадонна».

В мае 2006 года трое обвиняемых в краже были приговорены к тюремным срокам, а в августе полиции удалось обнаружить работы. За время нахождения в руках похитителей оба полотна получили повреждения: на них присутствовали царапины и следы от влаги, холсты были надорваны.

По словам представителя музея, пятно в углу на картине «Крик» останется заметным. «Реставраторы не хотели производить никаких необратимых действий», — сообщили в музее, добавив, что в будущем, возможно, появятся методы, позволяющие вывести пятно с картины.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, «Эдвард Мунк» (англ.) на сайте Internet Movie Database, Сайт художника, Munch at artcyclopedia,   Exhibition «Edvard Munch L’oeil moderne»—Centre Pompidou, Paris 2011.

Мунье Эмиль(Emile MUNIER)

1840–1895

Эмиль Мунье – замечательный французский художник, мастер жанровой живописи, родился 2 июня 1840 г. в семье художника по тканям. Жил и работал в Париже.

Его отец, Пьер Франсуа, был драпировщиком на Национальной мануфактуре Гобеленов, где позднее трудился и Эмиль со своими двумя братьями, также ставшими впоследствии талантливыми художниками-живописцами.

Мунье посещал курсы рисунка, живописи, анатомии и химии. Продолжая работать, начал серьезно изучать академическую живопись и стал большим поклонником Вильяма Адольфа Бугеро (William Bouguereau), талант и мастерство которого служили одним из главных источников его вдохновения.

К 1869 г. молодой художник уже получил три медали в де Бо-Арц и выставлялся в Парижском салоне.

В 1871 г. он оставляет работу на мануфактуре и полностью посвящает свое время творчеству, преподает живопись в классах для взрослых.

А в 1872-м знакомится наконец с самим Вильямом Бугеро, и тот приглашает его учиться к себе в студию.

Очень скоро к нему приходит успех. Теперь Мунье – известный художник. Его полотна, трогательные и нежные, будто излучают свет и доброту.

Главные герои – симпатичные босоногие детишки, юные девушки, забавные котята, собачки. Однако это не просто сентиментальность.

Во всех милых жанровых сценках отражена глубокая личная драма художника.

Совсем молодой умерла от тяжелой болезни его любимая жена Генриетта, оставив ему сына, не достигшего и годовалого возраста. Именно его, Эмиля Анри, изображает Мунье в своих ранних работах.

И не случайно так часто обращается к теме материнства. Он пишет для тех, кто любит детей и ценит домашний уют.

Творчество мастера привлекло внимание американских коллекционеров, супругов Чепмен, которые перевезли в Новый Свет большую коллекцию его работ.

Скончался Эмиль Мунье 29 июня 1895 г. в возрасте 55 лет, похоронен на Монпарнасском кладбище.

Его называли «самым вдохновенным певцом босоногой Франции»…

Большая часть коллекции картин Эмиль Мунье в настоящее время хранится в Музее искусств г. Нью-Орлеана.

Муньос Дегрейн Антонио/Antonio Muñoz Degrain

1840–1924

Испанский художник популярного в середине 19 века, так называемого, эклектического стиля, смешивающего романтизм с модернизмом.
По родительскому решению Антонио с 12 лет начал изучать архитектуру в Академии Сан-Карлоса в Валенсии, но вскоре отказались в пользу живописи. Он был учеником художника Рафаэля Монтесинос (Rafael Montesinos), хотя искусствоведы утверждают, что его учеба была практически самообразованием.

В Академии Муньос Дегрейн подружился с Франсиско Доминго Маркесом (Francisco Domingo Marqués), который позже изобразит его в своей мастерской.
Стоит отметить, что Муньос Дегрейн рано стал выставляться, он регулярно принимал участие в Национальной выставке изящных искусств с 1862 по 1915 год. Его успех на этих выставках, бывших значительными событиями художественной жизни, способствовал быстрорастущей карьере художника.
Уже в 1862 году дебютант удостоился почетного упоминания, в 1864 году Антонио получил бронзовую медаль за картину «Vista del Valle de la Murta» (Вид на долину Мурта).
В 1867 году за пейзаж «Paisaje del Pardo al disiparse la niebla» (Пардо и рассеивающий туман) художник удостоился серебряной медали, и в 1871 году за картину «La oración» (Молитва, Музей Прадо) получил аналогичную награду.
В 1870 году друг художника — Бернардо Феррандис приглашает Дегрейна для украшения потолка созданного в Малаге – столице Андалусии, театра Сервантеса. Позже этот город станет для художника второй родиной.
В Малаге Муньос женился и в 1879 году стал преподавать в Королевской Академии изящных искусств Сан-Тельмо, развивая малагскую школу живописи.Художника считают своим учителем целое поколение андалузских художников, среди которых был и молодой Пикассо.

Золотая медаль Национальной выставки 1881 года за картину «Отелло и Дездемона» (Музей Chiado, Лиссабон) позволила Муньосу Дегрейну получить от правительства грант и совершить давно желаемое путешествие в Италию, где художник посетил Рим, Тоскану и Венецию.

Именно в Италии Муньос Дегрейн создал свою самую известную картину «Los amantes de Teruel» (Любовники Теруэля, 1884, Музей Прадо), которую искусствоведы считают шедевром испанской живописи девятнадцатого века. Художник послал эту работу из Рима на очередную выставку изобразительных искусств 1884 года и получил Золотую медаль.
С этого момента наступает период успеха и признания, Муньос получает немало государственных званий и наград.
Художник становится кавалером ордена Изабеллы Католической, Крестов Карлоса III и Альфонсо XII, в 1910 году на Национальной выставке ему вручается медаль «За честь и достоинство».
В 1898 году, после смерти профессора кафедры пейзажа Академии Сан-Фернандо в Мадриде Карлоса де Хаса (Carlos de Haes), Муньоса приглашают занять эту должность.

В 1899 году художник переезжает в столицу, получает назначение, а в 1901 году становится президентом Академии, с этой должности он подал в отставку в 1912 году. Среди его учеников самым известным стал Эдуардо Мартинес Васкес (Eduardo Martínez Vázquez).
Кроме того, Муньос Дегрейн был избран президентом Общества изящных искусств Мадрида и занимал должность советника Министерства средств массовой информации.
На фоне такой большой общественно-педагогической нагрузки художник продолжал творить, и его картины пользовались успехом и на международных выставках, таких как Международная выставка в Филадельфии (1876), выставки в Мюнхене (1883) и Чикаго (1893).
В 1913 году Муньос проявил невиданную щедрость и подарил большую коллекцию своих работ в музеи двух самых любимых своих городов — Валенсии и Малаги. Уникальная коллекция картин на темы «Дон Кихота» была подарена Национальной библиотеке в Мадриде.
Муньос Дегрейн вошел в историю испанской живописи, в основном, как пейзажист, хотя в его творческом наследии есть немало жанровых и исторических картин.
После поездки в Иорданию Муньос создал ряд картин на религиозные темы (Пещеры пророков (Grutas de los Profetas), Иоанн Креститель у Иордана (San Juan Bautista en el Jordan), Иисус в Тибериаде (Jesus en el Tiberiades) и др.). Кроме того, художник принимал участие в украшении церкви Сан-Франсиско эль Гранде, где написал «Погребение Христа».
Тем не менее, главным жанром творчества Муньоса был пейзаж. Хочется отметить, что большинство пейзажных видов было написано художником в студии по памяти, без использования каких-либо предварительных эскизов и рисунков.

Муха Альфонс/Mucha Alphonse Maria(Арт Нуво Модерн)

1860—1939

Альфонс Мариа Муха(чеш. Alfons Maria Mucha; 24 июля 1860, Иванчице, Моравия, Австро-Венгрия — 14 июля 1939, Прага, Протекторат Богемии и Моравии) — чешско-моравский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн».

Родился Альфонс Мария Муха в городке Иванчице 24 июля 1860 года в Южной Моравии, недалеко от Брно, в семье небогатого судебного чиновника Ондрея Мухи, отца шестерых детей от двух браков.

Матерью художника была Амалия Муха, дочь богатого мельника.

По окончании гимназии он пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка.

Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре — вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.
В 1879 году Муха был замечен и приглашён в Вену в художественные мастерские Каутский-Бриоши-Бургхардт, в качестве художника театральных декораций.
Художественное образование получил в Брно.

После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887 году переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси, наиболее известные художественные школы своего времени.

Однако, в том же 1887 году граф Куэн-Беласси покончил с собой. Муха остался без средств к существованию. Ему пришлось прервать системные занятия живописью и зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек.

Его мастерская находилась над кондитерской мадам Шарлотты (в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом). Впрочем, иногда случались и серьёзные заказы.

Так, в 1892 году Муха проиллюстрировал многотомный труд «Сцены и эпизоды из истории Германии», французского историка Шарля Сеньобоса.

Обращение к великим людям и великим событиям не только германского, но и общеевропейского прошлого обогатило художника ценным опытом, который впоследствии пригодился ему при работе над своим самым знаменитым творением — «Славянской эпопеей».

Поворот в судьбе моравского гения наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар.

Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра.

За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения.

Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы.

В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.).

От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие — «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах…

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная.

Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения.

В этом же стиле были выполнены и литографии Мухи, иллюстрировавшие «Ильзу, принцессу Триполийскую» Робера де Флёра… В отличие от тревожных картин современных ему мастеров — Климта, Врубеля, Бакста — произведения Альфонса Мухи дышат спокойствием и негой.

В 1895 году Муха входит в круг символистов «Салон ста» (Salon des Cent), группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие.

В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг.

Начиная с 1897 года он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер.

В 1900 году Муха принимает участие в отделке павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже. Это событие побудило его заинтересоваться историей славян, что в дальнейшем привело к созданию цикла «Славянская эпопея».

В 1906 году Муха женился на своей ученице Марии Хитиловой (в семье родились дочь Ярослава и сын Иржи, позднее — известный журналист, писатель, сценарист, умер в 1991 г.).

Одновременно он принимает предложение Американского общества иллюстраторов и переезжает в США, где жил и работал до 1910 года и считался крупнейшим художником современности.

Муха преподавал в Художественном институте Чикаго, а в 1908 году создал декорации для Немецкого театра в Нью-Йорке…

Однако, несмотря на громкий успех (Муха снискал себе славу портретиста и автора обложек иллюстрированных журналов), тамошняя жизнь тяготила его своим коммерционализмом, и он не порывал с мечтами вернуться в Чехию.

К тому времени он решил, что его прежнее творчество исчерпало себя и задумывался о создании грандиозного цикла эпических картин на тему истории славян.

Альфонс Муха стал очень знаменит еще при жизни, в конце 19 века работы Муха экспонировались во всех основных столицах Европы и в США.

После окончания первой мировой войны Муха вернулся на родину. После провозглашения в 1918 году республики, Альфонсу Муха было поручено изготовление первых чехословацких почтовых марок, денежных знаков и государственного герба.

С середины 1920-х годов Муха резко меняет направление своего творчества.

В 1928 году Муха заканчивает свою «Славянскую эпопею» и дарит её городу Праге. Вследствие того, что в тогдашней Праге не нашлось галереи, которая могла бы разместить её всю целиком, она временно экспонировалась в Дворце ярмарок, а после войны была помещена в замке в городке Моравский Крумлов (доступна для осмотра с 1963 года).

К концу его жизни интерес к нему был потерян: в Чехословакии 1930-х годов (период расцвета функционализма), а также в социалистический период его творчество считалось устаревшим и чрезмерно националистическим.

Патриотизм художника (не столько моравский или чешский, сколько общеславянский) был настолько известным, что власти гитлеровской Германии включили его в список врагов III Рейха — несмотря даже на весьма значительный вклад Альфонса Мухи в немецкую культуру.

После захвата Праги в марте 1939 года, Гестапо несколько раз арестовывало престарелого художника и подвергало допросам, в результате чего он заболел пневмонией и скончался 14 июля 1939 года.

Альфонс Муха был похоронен на Вышеградском кладбище. В Праге расположен музей Альфонса Мухи.

По материалам: Wikipedia, , Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс, UAB”Bestiary”,2008г. Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. Работы Альфонса Мухи, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Официальный сайт фонда А. Мухи,

Мурильо Бартоломео Эстебан/Bartolome Esteban Murillo(Барокко)

1618–1682

Бартоломео Эстебан Мурильо(1 января 1618, Севилья –3 апреля 1682, Севилья)-испанский живописец эпохи барокко, глава севильской художественной школы.

Бартоломе Эстебан Мурильо был последним в блестящей плеяде испанских живописцев реалистов XVII столетия. Его деятельность завершает золотой век испанской живописи, представленный именами Хусепе Риберы, Франсиско Сурбарана, Диего Веласкеса. Мурильо самый младший из них.

Ему суждено было завершить дело, начатое его старшими современниками. Именно он первым из перечисленных мастеров заставил остальную Европу взглянуть на испанскую живопись золотого века как на эталон совершенства.
Мурильо родился в семье севильского цирюльника, был крещен в Севилье, где прожил всю жизнь.

Мальчик рано остался сиротой и воспитывался в семье своей тетки, которая и отдала его в обучение к Хуану де Кастильо, испанскому художнику, писавшему в духе испанских романистов XVI века.

Вначале Бартоломео работал в его сухой, жесткой манере, пока в город не приехал П. де Мойя, привезший туда стиль ван Дейка. Это наглядно показало юноше неудовлетворительность манеры его учителя.
Желание отделаться от неё и вообще усовершенствоваться привело его в Мадрид, куда Бартоломео приехал на пять лет в 1640 году.

Здесь молодой художник познакомился со своим земляком Веласкесом, благодаря которому получил возможность копировать полотна Тициана, Рубенса и Ван Дейка в богатейших королевских собраниях живописи (хотя предположения относительно его поездки в Мадрид не получают документального подтверждения).

Уже в ранних произведениях Мурильо, отмеченных влиянием караваджизма, религиозные сцены представлены как события из народной жизни.
В 1645 г. художник вернулся в Севилью и сразу же получил свой первый крупный заказ — цикл из 11 картин для францисканского монастыря.

В настоящее время полотна разделены между разными собраниями: «Кухня ангелов» (Лувр, Париж), «Сан-Диего д»Алкала» (Академия Сан-Фернандо, Мадрид), «Смерть св. Клары» (Картинная галерея, Дрезден). Для этого цикла характерна некоторая неловкость композиции, трактовка освещения в духе тенебризма (т.е. построенного на резких контрастах света и тени).

Трактовка сюжетов опирается на почти средневековую религиозную концепцию, где объективная реальность совершенно естественно и даже наивно соединяется с чудом. Примечательно, что Мурильо брал натурщиков и натурщиц для своих фигур святых из народа.

Этот цикл из 11 полотен принес художнику неожиданную славу.
Испытав в юности влияние Сурбарана, Мурильо занимался религиозной живописью, писал портреты и сцены из жизни бедняков, но славу принесли ему полотна на сюжеты из жизни Богоматери.
Большое место в творчестве Мурильо занимают жанровые сцены. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором изображающих жизнь севильских «оборвышей».

Главные герои этих произведений — симпатичные дети в лохмотьях, которые с аппетитом уплетают фрукты, забавляются с животными, торгуют на улице и играют. В отличие от многих работ Мурильо на религиозные темы его лучшие жанровые картины абсолютно не сентиментальны, в них видна острая наблюдательность художника.

И вместе с тем эти картины проникнуты острым лиризмом и добротой.
С 1650-х годов живописная манера Мурильо меняется, становится более мягкой и легкой. Художник насыщает свои работы золотистой светотенью, его произведения становятся более живописными (особенно пейзажные фоны).
В 1660 году Мурильо принял участие в создании Академии художеств в Севилье и стал ее первым президентом.

В Академии впервые официально было введено изучение нагого человеческого тела. Из непосредственных учеников Мурильо можно назвать — М. Осорио, С. Гомеса и Вильявисенсио, а из подражателей — А.-М. де Тобара и X. де Вальдес Леаля.
С открытием Академии начинается расцвет творчества художника. Помимо «свободного творчества», Мурильо продолжает выполнять многочисленные заказы монастырей, орденов и храмов. В 1665—66 гг. для церкви Санта-Мария ла Бланка в Севилье художник исполняет декоративный ансамбль, ставший одним из величайших шедевров мастера.
В 1665 г. Мурильо принимается за серию крупных фигур святых, заказанную монастырем капуцинов Севильи (Провинциальный музей изящных искусств, Севилья).
В 1650-е—70-е гг., выполняя различные заказы, художник создает целую серию «Непорочных зачатий».

В 1674 году Мурильо закончил цикл из 8 картин для капеллы госпиталя Ла Каритад в Севилье, начатый в 1671 году. Три картины остались на своем первоначальном месте, остальные рассеяны по разным музейным коллекциям.
В 1675—76 годах Мурильо написал больше 20 картин для капуцинского монастыря Севильи.
В 1678 г. он исполнил несколько картин для севильской больницы «de los Venerables Sacerdotes», в том числе «Богоматерь во славе» (Лувр).
В 1682 г. Мурильо, не покидавший со времени своей поездки в Мадрид Севилью, приехал в Кадикс, чтобы исполнить для местного монастыря капуцинов большую алтарную картину «Обучение св. Екатерины».

Трудясь над картиной, художник, по неосторожности, свалился с подмостков и сильно расшибся. Он немедленно отправился назад, в Севилью, где 3 апреля того же года умер вследствие полученных переломов. Картина в Кадисе была дописана его учеником Осорио.
Всего искусствоведы насчитывают свыше 450 произведений Мурильо (по Куртису — 481, по Лефору — 478). Самые большие коллекции картин художника хранятся в музее Прадо в Мадриде и в Музее изящных искусств в Севилье.

После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать. Общий уровень мастерства резко упал, художники работали под влиянием итальянских, французских и немецких живописцев.
В Испании время от времени появлялись выдающиеся мастера, но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.

Слава Мурильо бросила на долгое время глубокую тень на Риберу, Сурбарана и даже Веласкеса.

Его называли испанским Рафаэлем, что означало высочайшую похвалу для художника в XVII и XIX веках.

В конце XIX века кумир был низвергнут, но во второй половине XX века с него была снята опала.

Однако и прежде, и теперь Мурильо оставался самым загадочным, а потому и наименее изученным из творцов золотого века.

Он редко датировал свои работы, о его жизни известно крайне мало.
Источники:Википедия, Энциклопедия музея Прадо.

Мэттьюз Родни/Rodney Clive Matthews(Фэнтази Арт)

1945-

Родни Мэттьюз — современный английский художник-фантаст, живёт и работает в Англии.

Родни Мэттьюз родился 6 июля 1945 года в посёлке Поултон, Северный Сомерсет, Англия. (Paulton, North Somerset, England) Его родителями были Уилфред Джек Мэттьюз и Милдред Мей Мэттьюз .

После окончания школы в 1959 году, Родни  Мэттьюз непродолжительное время, работал вместе с отцом.

В 1960 году он попытался поступить в Колледж Искусств Западной Англии в Бристоле и был принят на основании небольшой подборки рисунков птицы в карандаше.

Курс включал изучение графики, калиграфии, натюрморта, рисование натурщиков. Это был коммерческий курс, предназначенный для тех, кто собирался заниматься рекламой.

На Западе Англии Родни  Мэттьюзу посчастливилось найти наставника Энтони Росситера, известного живописца английских пейзажей и особенно пейзажей Северного Сомерсета.

После окончания колледжа начал свою карьеру в крупном бристольском рекламном агентстве «Ford’s Creative».

В 1970 году Мэттьюз создал свое художественное товарищество «Пластмассовая Собака».

Во время работы в «Пластмассовой Собаке» Родни  Мэттьюз  создал несколько цветных эскизов к книге Толкиена «Властелин колец», которые попались на глаза Питера Ледебоера, босса успешного международного издательства «Big O».

Ледебоер отобрал четыре работы Родни  Мэттьюза , которые были впоследствии изданы как постеры. Отчисления от продаж этих постеров помогали Родни Мэттьюзу   продержаться в тяжёлые времена.

Пластмассовая Собака» в конечном счёте закончила своё существование в 1976 году, позволив Родни  Мэттьюзу  сконцентрироваться на работе над постерами для издательства «Big O».

В 1977 году Родни  Мэттьюз  встретил Карин Дрешер, также художницу и иллюстратора, они поженились и в 1980 году у них родился сын Эндор, в этом же году умирает отец Родни  Мэттьюза .

Вскоре после этого, в 1983 году уже можно заметить, что христианские образы всё чаще и чаще появляются в его работах.

В 1985 году в течении трёх недель картины Родни  Мэттьюза  демонстрируются в галерее Langton недалеко от Kings Road в Лондоне.

В этом же году семейство  Мэттьюзов  переезжает на Север Уэльса.

Некоторые из его картин были написаны здесь («Stronghold», «Rivendell» и «The Walled Kingdom») и являются отражением местного пейзажа, более бурного и гористого, чем его родной Сомерсет.

Родни Мэттьюз в течение 30 лет работал в качестве внештатного дизайнера и иллюстратора фэнтези, научной фантастики и сказки.

Он оформлял обложки детских книг и книг для взрослых, рисовал эскизы для сериалов и видеоигр и в этом жанре был признан одним из лучших мастеров.

Среди проиллюстрированных Мэттьюзом книг — произведения Толкина и «Алиса в стране чудес» Л. Кэрролла.

Работы художника выставлены в Britain’s foremost illustrators gallery, галерее Chris Beetles в лондонском Вест-Энде.

Персональные выставки работ Мэттьюза проходили не только на родине, но и в Швейцарии.

По материалам: Wikipedia, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Официальный сайт художника , Rodney Matthews’ Gallery on Inside Your ART.