Саверей Рулант/Savery Roelandt(Барокко, анимализм)

1576-1639

 

Саверей Рулант — фламандский живописец, родом из Куртре, ученик своего брата, Якобса С., писавшего животных, птиц и рыб,один из основоположников анималистического жанра в нидерландской живописи.

Родился в Куртрее в 1576 году.

Учился у Яна Брейгеля Бархатного.

Вместе с некоторыми другими фламандскими художниками Рулант Саверей был приглашён императором Рудольфом II в Прагу.

В Праге Саверей работал с 1604 по 1612 гг., (т.е. в период наивысшего художественного расцвета) из них два года (1606-08) по указанию императора он рисовал и писал тирольские пейзажи.

Также Саверей работал по заказам императора Рудольфа, изображая биологические курьезы.

Известно, что пейзажные фоны его картин «Ноев ковчег», «Земной рай» были исполнены по зарисовкам с натуры .

После смерти императора, в 1612 году он уехал в Голландию, где начал работать на заказ, исполняя картины разного формата, но приблизительно той же, природной тематики.

Как видно, цветочные композиции Саверея построены по известной ранее схеме, которую использовал и Амброзиус Босхарт.

Надо отметить, что натюрморты Саверея гармоничнее по цвету, и более живописные, в сравнении со звездообразными, жесткими композициями букетов Босхарта того же периода.

Возможно, эта особенность живописного метода в сочетании с реалистической точностью возникла в результате общения Саверея с лучшими художниками Европы того времени при императорском дворе.

Цветы в интерпретации Саверея погружены в световоздушную среду, контуры их смягчены, пестрота колорита сгармонизирована за счет мягких переходов и светотени.

При этом сохраняется схема букета в нише с чередующимися крупными и мелкими цветами и листьями.

В дальнейшем творчестве Саверей продолжил развивать живописность и поэтичность жанра цветочного натюрморта.

Находясь у себя на родине, Рулант Саверей писал пейзажи, в которых обычно изображал северную природу, а потом, после своего путешествия по Тиролю и немецкой Швейцарии, воспроизводил исключительно горные лесистые местности с водопадами.

В художественных кругах высоко ценились его живые натурные альпийские наброски; так, Рембрант имел в своей коллекции альбом альпийских видов Саверея.

В своих ландшафтах он в изобилии помещал фигуры разных зверей и птиц, что давало ему повод называть такие картины «Земным раем», «Ноевым ковчегом», «Орфеем, усмиряющим животных звуками лиры» и т. д.

Верность рисунка, сильный, хотя и несколько условный вследствие избытка синеватых тонов, колорит и обдуманность композиции составляют достоинства этого художника.

 

Саверей писал и жанровые сцены, умел делать свои обычно небольшие по размеру полотна естественными и убедительными, включая в них, как правило, далекие горные планы, иногда вводя живописные руины.

Картины его встречаются во многих музеях, особенно богаты ими Венская и Дрезденская галереи.

В Эрмитаже находится одна работа Руланта Саверея «Орфей, прельщающий животных своей музыкой». Конец своей жизни провел в Утрехте.Умер Рулант Саверей в 1629г. в Утрехте.

По материалам: Википедия, Иллюстрированная энциклопедия моровой живописи. Савери на Artcyclopedia

Савицкий Константин Апполонович(Реализм, русский бытовой жанр)

1844-1905

 

Константин Апполонович Савицкий-(25 мая [6 июня] 1844, Таганрог, Таганрогское Градоначальство, Земля Войска Донского, Российская империя — 31 января [13 февраля] 1905, Пенза, Российская империя) — русский жанровый живописец, академик, действительный член Императорской Академии художеств, член Товарищества передвижных художественных выставок, педагог, первый директор Пензенского художественного училища имени Н. Д. Силивёрстова.

Отец советского живописца, академика Академии художеств СССР Г. К. Савицкого.

Родился в 1844 году в Таганроге в семье военного врача. Получил художественное образование в Императорской Академии художеств, посещая ее классы первоначально в качестве вольноприходящего слушателя, затем с 1864 года как полноправный академист.

За время обучения был награжден шестью малыми и большими серебряными медалями (за картину «Шарманщик» в 1868 году, за эскиз «Распятие Христа» в 1869 и за другие этюды и работы).

В 1870 году Савицкий получил большую поощрительную медаль за картины «Посещение больного сына» и «Часовой у порохового погреба» и, наконец, малую золотую медаль за исполненную по академической программе картину «Каин и Авель» в 1871 году.

Состоял с 1871 по 1873 год стипендиатом императора Александра II, совершенствовался в Париже.

После возвращения на родину в 1874 Савицкий написал свое первое значительное произведение «Ремонтные работы на железной дороге», эту картину приобрел известный меценат и собиратель произведений русского изобразительного искусства Павел Михайлович Третьяков.

В середине 1870-х годов художник вступил в число членов Товарищества передвижных художественных выставок и с тех пор стал их постоянным участником.
Главные произведения Константина Аполлоновича Савицкого, изображающие различные сцены из русского национального быта: «Рыбаки» (1875), «Встреча иконы» (1878), «Темные люди» (1882), «Поймали беглого» (1883), «Спор на меже» (1884), «Панихида на кладбище» (1885), «Отправка новобранцев на войну» (1888) и «У мирового судьи».

Благодаря этим картинам художника, экспонировавшимися на выставках Товарищества передвижников, творчество Савицкого стало широко известным различным слоям российского общества.

Савицкий писал преимущественно многофигурные жанровые картины, безупречные в композиционном отношении; тяготел к пленэрной живописи; создавал также офорты и литографии.

В своих картинах Савицкий ярко запечатлел противоречия и драматические стороны народной жизни, народные типы и характеры.

В 1891-1897 годах Савицкий занимался преподавательской деятельностью в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

В 1895 году петербургская Академия удостоила художника звания действительного члена Академии художеств.

 

В 1897 году Константин Аполлонович Савицкий, уже как академик, был назначен директором открывшейся в Пензе рисовальной школы, позже преобразованной в художественное училище.

Его соратниками и учениками были И. С. Горюшкин-Сорокопудов, Г. Н. Горелов, Г. К. Савицкий, К. Ф. Юон и другие художники.К. А. Савицкий возглавлял Училище до момента своей смерти 31 января (13 февраля) 1905 года.

Похоронен на Митрофаниевском кладбище в Пензе.
По материалам: Википедия

Савольдо Джованни Джироламо/Savoldo Giovanni Gerolamo(Возрождение)

около 1480 — после 1548

 

Джованни Джироламо Савольдо (итал. Giovanni Girolamo Savoldo ок. 1480, Брешия — 1548, Венеция) — итальянский художник эпохи Возрождения,представитель классицизирующего направления в искусстве Возрождения, мастер религиозной картины, сближенной с бытовым жанром.

Представитель брешианской школы, формировался под влиянием Джорджоне и Тициана.

Он стремился к выразительной непосредственности образов, тяготея к светотеневым и цветовым контрастам.

Ранние годы:
Точной даты и месяца рождения художника не найдено. Появление на свет и первые художественные навыки связывают с Ломбардией и городом Брешия.

Практически не известно, где и у кого он учился, а также, какими были первые произведения.

К первоначальному периоду творчества относят работу в городах Парма и Флоренция, а в последнем найдена запись за 1508 год о принятии художника в гильдию художников.

Мог изучать произведения Леонардо да Винчи и Микеланджело, ибо они были бесспорными авторитетами того времени во Флоренции.

В Венеции:
В Тоскане не удержался и около 1520 года поселился в Венеции. Работал там практически всю жизнь, оставаясь чрезвычайно индивидуальным художником, несмотря на влияние работ Лоренцо Лотто и Джорджоне, особенно в колористических гаммах собственных картин.

В первые годы венецианского периода не терял внимания и интереса к произведениям фламандских художников, картины которых так цепляли венецианских вельмож из-за присущей им необычности сюжетов, художественной манеры и ярких, «глубоких» краскок.

Сторонником фламандских художников был также Антонелло да Мессина, который некоторое время работал в Венеции и чье влияние на местных художников было весьма значительным.

О знакомстве Савольдо с произведениями фламандских художников свидетельствуют две ранние композиции «Искушения Святого Антония», где художник весьма искусно сочетал художественные находки венецианских и фламандских мастеров.

Но влияния местной художественной школы преобладали, прежде всего — картины Джорджоне и Лоренцо Лотто.

Популярный в то время Джорджоне привил венецианским художникам поэтическую недосказанность, тягу к своеобразному, местному идеалу красоты и к поискам собственных колористических гамм.

Некоторое время быть популярным художником в Венеции значило писать картины в стилистике Джорджоне, что и делали на раннем этапе Себастьяно дель Пьомбо, Тициан, Пальма Веккьо Старший, сам Савольдо.

Венецианцы отличались настоящим увлечением тканями и коврами арабского востока. Особым спросом пользовались ткани красного цвета, а венецианский пурпур стал характерной местной приметой.

Очарование тканями, особенно необычных цветов и с эффектами бликов, было присуще и Савольдо.

Часто главные персонажи его картин выделены именно роскошными одеждами экзотических тканей — белая накидка Марии Магдалины (Лондонская Национальная галерея), «Святой Матфей» (Музей Метрополитен, Нью-Йорк), ангел в картинной галерее Боргезе, даже аскет Святой Антоний в варианте композиции из Москвы.

В Милане:
По свидетельству Паоло Пино, художника пригласили на работу в Милан, где он написал четыре картины. Одна из них — Евангелист Св. Матфей. Последнее полотно удивляет двумя центрами освещения и необычным освещением самой фигуры Матфея, что позднее подхватят Караваджо и его последователи в 17 веке.

Последние годы:
Вероятно, последние годы художника прошли в Венеции, но он продолжал работать и в территориально близких к ней провинциальных городах.

В 1533 году Савольдо написал «Мадонну с четырьмя святыми» для церкви Санта-Мария-ин-Органо в городе Верона.

В 1537—1538 годах работал в родном Брешии. К последнему периоду творчества относятся необычная по колориту «Мария Магдалина» и композиции на тему «Поклонение пастухов».

В творчестве позднего Джироламо Савольдо, глубоко переживавшего временное разорение родной страны в годы войны с Камбрейской лигой, кратковременный подъем Венеции после 1516 года, а затем общий кризис, охвативший Италию, весьма своеобразно и с большой силой выявились трагические противоречия искусства Возрождения.

Длительность кватрочентистских традиций, характерная для несколько провинциальной жизни террафермы (до начала 16 века), заметное влияние живописи северного Возрождения с ее внешне якобы прозаической повествовательностью, тягой к жанровости и интересам к психологической жизни простых людей в творчестве Джироламо Савольдо

органически сплавились с принципами ренессансного гуманизма и помогли создать художнику один из весьма демократических вариантов реалистического ренессансного искусства, во многом предвосхищающий искания мастеров первой трети 17 столетия.

Венецианцы 16 века не отличались ни благодарностью, ни памятью о местных мастерах.

Эпидемии чумы, гибель в море или на войне и политические неурядицы не способствовали ни мемуарной литературе, ни благодарной памяти.

Среди забытых художников оказались Марко Базаити, Джорджоне, Лоренцо Лотто. Горькую судьбу забытых мастеров разделил и Савольдо, точная дата смерти которого не сохранена.

По материалам:Википедия.

Саврасов Алексей

1830–1897

Алексей Кондратьевич Савра́сов (1830—1897) — русский художник-пейзажист, один из членов-учредителей Товарищества передвижников, автор хрестоматийного пейзажа «Грачи прилетели».
Художник родился 12 мая (24 мая по новому стилю) 1830 года в Москве, в семье купца третьей гильдии Кондратия Артемьевича Саврасова. Отец и сын некоторое время писали свою фамилию через «о» — Соврасов (в частности, А. К. Саврасов — так писал свою фамилию до середины 1850-х годов)[1].

Осенью 1857 года 27 летний Алексей Саврасов женился на 31 летней Софье Карловне Герц (1826—1895) — сестре учившегося вместе с ним художника Константина Герца, а также сестре известного в то время археолога и историка искусства Карла Герца. В браке родилось четверо дочерей и один сын. Одна умерла в детском возрасте от скарлатины, другая умерла новорождённой в Ярославле (1871), две другие — Вера (род. 1861) и Евгения (род. 1867). В конце 1876 году их брак распался[1]. Жена уехала от него с дочерьми Верой и Евгенией в Санкт-Петербург к родной сестре Аделаиде Герц. В 1895 г 19 июля она умерла, похоронена в монастыре Троице-Сергиевой Приморской Пустыни в 20 км от СПб около ж/ст. Сергиево.

В 1887—1888 гг в Москве Алексей Саврасов сожительствовал с Верой Ивановной Киндяковой, нарисовал в ее квартире несколько картин.

С 1893 г ок.в Москве Саврасов жил с Екатериной Матвеевной Моргуновой (ок. 1856 — ок. 1920), с которой прожил 4 года до конца жизни[1]. У них родились двое детей — сын Алексей и дочь Надежда.

В ранней юности у будущего художника обнаруживаются способности к живописи. Вопреки желанию отца, который мечтал приспособить сына к «коммерческим делам», мальчик в 1844 поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился в классе пейзажиста К. И. Рабуса и которое окончил в 1854 году.

Летом 1854 года Саврасов работает у Финского залива под Петербургом, а на осенней выставке в Академии художеств показывает две картины, «Вид в окрестностях Ораниенбаума» и «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума», за которые ему было присвоено звание академика.

В 1871—1875 годах, живя и работая по большей части в Москве, Саврасов участвует в экспозициях Товарищества передвижных художественных выставок, в 1873−1878 — в академических выставках. Его картины также появляются на всемирных выставках — венской 1873 года и парижской 1878 года, а также на всероссийской выставке в Москве в 1882.

В конце 1870-х Саврасов тяжело заболевает алкоголизмом, в его творчестве все более становятся заметны мрачные мотивы. Последние годы художник провел в нужде. «В последние годы, когда А. К. Саврасов уже окончательно спился, он иногда появлялся в мастерской в рубище», — вспоминает В. Гиляровский в книге «Москва и москвичи». Художник умер 26 сентября (8 октября) 1897 года в Москве в больнице для бедных.
Важнейшие работы:
«Грачи прилетели»
«В Кунцеве»
«Вид в Ораниенбауме»
«Лосиный остров в Сокольниках»
«Лесная дорога в Сокольниках»
«Печерский монастырь близ Нижнего Новгорода»
«К концу лета на Волге»
«Жатва»
«Вечер»
«Близ Сухаревой башни»
«Радуга»
«Просёлок»

Сальвиати Франческо/Salviati Francesco Cecchino(Маньеризм)

1510-1563

 

Сальвиати Франческо — прозвище итальянского живописца, настоящее имя которого было Франческо ди-Микеланджело де-Росси, ученика Буджардини, Баччо-Бандинелли, Рафаэля да-Брешиа и Андреа  дель-Сарто.

Итальянский художник-марьенист Франческо Сальвиати (Франческо де Росси) родился во Флоренции в семье ткача в 1510 году.

Учился в мастерской у Андреа дель Сарто. В молодые годы пользовался покровительством кардинала Джованни Сальвиати, по приглашению которого в 1530 году прибывает в Рим.

В 1538 году принимает заказ своего патрона на участие в росписи церкви Сент — Джованни Деколлато. Фреска «Встреча Марии и Елизаветы», выполненная им, несёт в себе черты влияния ватиканских росписей Рафаэля.

Эта первая большая работа принесла художнику известность. В знак признательности принял фамилию своего покровителя.

В 1539 году Франческо Сальвиати предпринял поездку в Венецию, в 1540-е годы живёт и работает преимущественно во Флоренции и Риме.

В 1556—1557 годах художник посетил Фонтенбло, где его стиль снискал ему признание.

Франческо Сальвиати был одним из самых выдающихся мастаров фрески своего времени.

Его стиль изящен, а композиции, включающие множество фигур, сложны и тщательно выстроены.

К числу лучших работ художника в этой области можно отнести роспись Зала аудиенций Палаццо Веккьо во Флоренции (1543—1544), посвящённую истории жизни римского полководца и диктатора Фурия Камилла и являющуюся аллегорией правления Козимо Медичи.

Франческо Сальвиати был также прекрасным портретистом.Но в ряде портретов Сальвиати — «Неизвестный с письмом» (Уффици), «Неизвестный» (Рим, галерея Корсини), «Мужской портрет» (Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) — его герои предстают перед нами на нейтральном фоне в почти случайной, мгновенно схваченной позе, как бы оставшись наедине с собой погруженными в меланхолическую задумчивость; иногда они рассеянно разворачивают письмо или сжимают в руках перо.

Строгость, почти монохромность колорита, в котором серые или оливковые тона фона сочетаются с темными тонами одежды, острая, беспокойная изломанность резко отчеканенной линии силуэта подчеркивают интенсивность и противоречивую сложность внутренней жизни, тонкую психологическую выразительность болезненно-задумчивых лиц.

Иногда Сальвиати достигает такой необычной остроты и конкретности трактовки образа рядового современника, что его портреты могут найти аналогии только у художников венецианской террафермы.

Так, портрет Андреа Бандини (Филадельфия, собрание Джонсон), в котором внутренняя утонченность, лихорадочное беспокойство сочетаются с бюргерской обыденностью облика, вызывает в памяти портреты Морони.

Большая острота передачи внешнего облика, мгновенно схваченной ситуации и одновременно внутренний драматизм характеризуют и один из наиболее искренних и интимно-непосредственных портретов мастера — его поздний автопортрет (1550-е годы; Уффици).

Портреты Сальвиати убедительно свидетельствуют о неоднородности маньеризма, о том, что в искусстве феодально-католических центров рядом с официальным направлением сохраняются реалистические тенденции, частичный интерес к рядовому современнику, к внутреннему миру человека.

Позднее, во второй половине 16 века, эти тенденции вызывают сложение жанра интимно-психологического автопортрета. Но в целом эти устремления постоянно подавлялись господствующими принципами придворной культуры, не могли найти почвы для широкого развития.

Скончался Сальвиати в Риме в 1563 году.

Основные работы:
-Триумф Камилла. 1543—1545; Флоренция, Палаццо Веккьо
-Милосердие. 1554—1558; Флоренция, Галерея Уффици
-Мужской портрет. Ок. 1550—1555; Лос-Анджелес, Музей Пола Гетти
-Портрет молодого человека. Ок. 1550; Гонолулу, Академия искусств
-Портрет молодого человека. 1548; Вена, Музей Лихтенштейна
-Неверие Св. Фомы. 1543—1547; Париж, Лувр
-Брут, Муций Сцевола и Камилл. Флоренция, Палаццо Веккьо
-Встреча Марии и Елизаветы. 1538; Рим, Церковь Сент — Джованни Деколлато
-Триумф Камилла. 1543—1545; Флоренция, Палаццо Веккьо
-Милосердие. 1554—1558; Флоренция, Галерея Уффици
-Мужской портрет. Ок. 1550—1555; Лос-Анджелес, Музей Пола Гетти
-Портрет молодого человека. Ок. 1550; Гонолулу, Академия искусств
-Портрет молодого человека. 1548; Вена, Музей Лихтенштейна
-Неверие Св. Фомы. 1543—1547; Париж, Лувр
-Брут, Муций Сцевола и Камилл. Флоренция, Палаццо Веккьо
-Встреча Марии и Елизаветы. 1538; Рим, Церковь Сент — Джованни Деколлато

По материалам: Википедия, Энциклопедия мировой живописи, Картины Франческо Сальвиати.

Сайнс Казимиро/Casimiro Sainz Saiz(Бытовой жанр,пейзаж)

1853-1898

 

Казимиро Сайнс — испанский художник, известный своими пейзажами, жанровыми сценами и портретами.Казимиро был последним из десяти детей в семье ветеринарного врача Франсиско Сайнса Мартинеса и его жены Игнасии Мантекон Сайс.

Вскоре после рождения Казимиро (мальчику исполнилось всего одиннадцать месяцев) его мать умерла от холеры. Малыш оказался на попечении старших сестер. Мальчик посещал деревенскую школу, где научился читать и писать. Уже в раннем возрасте Казимиро проявил интерес к рисованию.

Его учитель, заметив талант мальчика, время от времени дарил ему карандаши и бумагу, что было лучшей наградой для маленького Казимиро.В 1866 году, в возрасте 13 лет, отец отправил Казимиро в Мадрид. Там жила его старшая сестра Марна, вышедшая замуж за Мигеля де Ойеса, державшего бакалейную лавку. В этой лавке на улице Барквилло мальчик и стал работать.

В столице он начинает брать уроки рисования.Старшая сестра, обратив внимание на рисунки брата, которые считала «милыми» договорилась о занятиях у художника по фамилии Браво, который и научил Казимиро основным азам рисунка.Первые три года своего пребывания в Мадриде юноша совмещал работу в магазине с занятиями рисунком.

Но из-за проблем со здоровьем Казимиро был не в состоянии продолжать работать и вернулся к Матаморос. Биографы пишут, что появление опухоли на левом бедре сказалось не только на физическом, но и на психическом здоровье юноши. Эта опухоль, появившаяся после удара при падении, стала не только причиной его хромоты, но и причиной ранней смерти.

Вернувшись в родительский дом, юноша дал волю своей любви к живописи, он сутками с восторгом рисовал, забывая и поесть, и даже лечиться.В семнадцать лет Казимиро получил грант от муниципалитета города де Сантандера на учебу. В 1870 году он возвращается в Мадрид и поступает в Школу искусств и ремесел (la Escuela de Artes y Oficios), в 1870 и 1871 годах уже завоевывает награды и принимает участие в выставках.

В 1872 (или 1873) году Казимиро поступает в Академию искусств Сан Фернандо, продолжая получать стипендию в 750 песет. Чтобы поступить в Академию, нужно было выполнить рисунок обнаженного мужчины с натуры, Казимиро справился с этим испытанием с легкостью.
Среди его учителей были профессора Висенте Пальмароли (Vicente Palmaroli) и Карлос де Хас (Carlos de Haes), бельгиец по происхождению.В Академии Сайнс подружился с Мануэлем Фернандесом Карпио, и эта дружба продлилась долгие годы.

Во время своего студенчества Казимиро не только исправно посещает занятия в классах, но и постоянно выезжает на этюды в сады Каса де Кампо дель Моро и регулярно посещает Музей Прадо, где изучает, копирует и восхищается великими художниками прошлого.Как будто предчувствуя, что его жизнь будет короткой, Казимиро ежедневно уделяет много часов рисованию.

Между 1875 и 1881 годами художник часто меняет местожительства, живет в Мадриде, Толедо, Авиле, Сеговии и Сантандере.
Началом профессиональной карьеры Сайнса можно считать 1876 год, когда его работы были приняты к участию в Национальной выставке изобразительных искусств во Дворце Фуэнте Кастеллана-Пабеллейн.Картина «Отдых» (El descanso) выиграла бронзовую медаль и была приобретена государством за 750 песет для Музея искусств Контемпорнео.

Кроме пейзажей, художник весьма успешно писал жанровые картины и портреты.
Но именно в конце 1870-х друзья стали обращать внимание, что Сайнс все чаще становится раздражительным.Его большой друг Мануэль Фернандес Карпио, который делил с Казимиро студию, вспоминал, что Сайнс плохо спал, ходил с осунувшимся лицом и красными глазами.

Карпио обратился к сестре, жившей в столице, и посоветовал отправить отдохнуть Казимиро домой в Матаморосу, где жили братья Мануэль Модест.Летом 1878 года у Сайнса стали явно проявляться признаки психического заболевания, и ему пришлось вернуться домой в Матаморос в надежде на выздоровление.В 1879 году умирает отец художника.

В родном городе Казимиро прожил до 1881 года, улучшил состояние здоровья и активно работал, написав многие из своих известных пейзажей.
Поездки домой были самым плодотворным периодом в творчестве художника. За эти годы Сайнс написал и самые известные свои жанровые полотна. Только к национальной выставке 1881 года у художника были готовы пять новых картин.

Сайнс участвовал в этой выставке и получил вторую премию.Казимиро поправил здоровье и вернулся в Мадрид в 1884 году, поселившись у сестры Лауры. Он сразу же принял участие в выставке Общества писателей и художников (the Society of Writers and Artists), получив хорошие отзывы.С этого момента художник не знал экономических проблем, поскольку предоставил исключительное право продажи своих работ знаменитому арт — дилеру Педро Бошу.

Но в 1886 году из-за разногласий с Бошем и его непосильных условий Сайнс расторг договор. Бош очень выгодно продавал картины художника, но платил ему очень мало по сравнению с выставленной ценой, кроме того часто опаздывал с выплатами.Художник Д. Виченте Кутанда, большой друг Казимиро, вспоминал, что в 1879 году художник продал одну из своих известных работ «Флорист» через Боша и получил он банка Иберии 50 долларов, причем выплачивались они художнику в несколько этапов по 3-5 долларов.

Затем он узнал, что картина была перепродана королеве Марии Кристине за пять тысяч песет. Естественно, это приводило художника в раздражение, вызывало гнев и новые срывы в психическом состоянии. 1 января 1886 года художник переезжает в студию на улице Маласака, но через несколько месяцев Казимиро, который не в состоянии платить за квартиру, выселяют из нее решением суда.

По рекомендации доктора Симарро из Матамороса Казимиро снова отправляют домой к братьям.Уже становится традицией, что посещение дома превращается в активный творческий период для художника. Сайнс много работает, окруженный любовью близких, и не думая, как добыть себе средства на пропитание.

Но в конце 1887 года Казимиро снова возвращается в Мадрид, ему хочется быть в эпицентре художественной жизни, не отставать от новых веяний в виде модернизма. При этом художник часто уезжает в Сантандер, потом вновь возвращается в Мадрид, эти постоянные переезды и душевное неспокойствие вновь приводят к психическому кризису.21 февраля 1890 года Сайнс был помещен в психиатрическую больницу доктора Эсквердо в Карабанчеле.

Совет округа Кунчила выделил ему пенсию в 1800 песет в год, которая была использована для оплаты пребывания в больнице.
В этом же, 1890 году, 5 мая на ежегодной Национальной выставке одна из картин Сайнса получает Серебрянную медаль. Известный критик Федерико Баларт отметил, что картина художника была одной из лучших на этой выставке

.Вторая выставка изобразительных искусств, открытая 22 октября 1892 года, была последней выставкой, в которой принимали участие работы Сайнса.
В последние годы болезнь мешала художнику заниматься творчеством. Хотя доктор Эсквердо настоятельно советовал приобрести пациенту краски и кисти, но сам художник категорически отказывался.Умер Казимиро Сайнс и Санс от гнойной инфекции ноги в августе 1898 года в возрасте 45 лет в совершенной нищете, забытый и семьей, и друзьями. Директор санатория доктор Эксвердо сказал, что его смерть была тихой и спокойной.

Похоронен был Сайнс на кладбище в городке Поп рядом с Карабанчелем. Стараниями друга художника Карпио, который решал все вопросы на уровне Министерства культуры Испании, 15 августа 1922 года останки художника были перенесены в Рейнос. Четыре носильщика с черными повязками в сопровождении гражданской гвардии пронесли гроб с останками через весь город.23 сентября 1923 года в городском парке Рейноса был установлен памятник скульптура Викторио Мачо, часть денег была предоставлена муниципалитетом города, остальные — собраны благодаря частным пожертвованиям.

Местная газета «Cantebrico»20 августа 1922 года вышла с заголовками «Рейнос отдает долг памяти великому художнику».Как обычно и бывает в нашей жизни, известие о его смерти «взбудоражило» художественную общественность. Уже в следующем, 1899 году, Общество изящных искусств провело ретроспективную выставку художника, на которой было представлено 107 картин Сайнса.

Выставку посетили сама королева Испании Мария Кристина и принцесса Изабель, что стало «сигналом» к возвращению имени художника в ряд известных мастеров испанской живописи конца 19 века.

К 100-летию со дня рождения художника ретроспективные выставки Сайнса прошли по всей Испании, особенно, в его родной Кантабрии.

Санз Рикардо

1959–….

Художник Ricardo Sanz — родился в городе Сан-Себастьян, что в Испании, в конце 1950-ых годов, в семье, которая была тесно связанна с миром искусства. Дед его владел настоящей галерей искусств и имел дружбу с большими художниками своей эпохи, такими как Zuloaga, Sorolla, Vazquez Díaz. Свою неподдельную любовь к живописи дед передал и своему внуку, который в сужденное ему время решил основательно постичь художественные основы. Его самым первым учителем в художестве был José Camps, опытный художник.
Далее, после получения диплома по специальности Истории в Университете Deusto, Ricardo Sanz переехал в Мадрид, где отучился на курсах Истории Искусства. В столице он ознакомился с большой коллекцией музея Прадо, с работами великих мастеров, таких как Van Dyck, Velázquez, Rembrandt, художников 19-го столетия.

 

Впоследствии Ricardo Sanz вошёл в круг ведущих современных художников Испании. Так как портрет и фигура были тем самым, что интересовало Ricardo в живописи больше всего, то в дальнейшем он познакомился с такими художниками как Revello de Toro, Torrents Lladó, Macarrón, Vicente Maeso. Они обогатили его художественное воображение и дух, обучая разнообразным способам художественной работы на самом высоком уровне.
Еще чуть позже Ricardo Sanz жил в Париже, в котором увлёкся художниками-импрессионистами, полюбив их за присущую им спонтанность и специфический колорит. Если в ранний период живописи Ricardo Sanz властвовали мягкие спектры серых, фиолетовых, сиреневых цветов, сформировавшие вкусы художника под влиянием характерной природы севера Испании, его родного города, то со временем Ricardo перешел к более интенсивной в цветах живописи, в которой большое значение имеет сила и чистота красочного мазка.

Начиная с 1982 года, Ricardo много раз выставлялся в Мадриде, Париже и Сан-Себастьяне, получая многочисленные награды. Их перечислять не буду…

Многие критики изобразительных искусств сходятся во мнении, что Ricardo Sanz — художник с заглавной буквы. Отмечают его особенность, которая присуща далеко не всем художникам – он в каждый мазок вкладывает свою душу, в каждую картину вкладывает частичку своей жизни, полностью посвященной Искусству.

Сано ди Пьетро/Sano di Pietro(Кватроченто)

1406-1481

Сано ди Пьетро, собственно Ансано ди Пьетро (итал. Sano di Pietro; 1405, Сиена — 1481, там же) — итальянский живописец Позднего Проторенессанса и Раннего Возрождения,сиенская школа.

Сано ди Пьетро был разносторонним художником.

Он занимался станковой живописью, книжной миниатюрой, фреской и росписями таволетта для Биккерны.

В 1428 году он был принят в Арте дель Питтори — сиенскую гильдию художников одновременно с Джованни ди Паоло и Сассеттой.

Документы этого периода свидетельствуют, что Сано ди Пьетро работал рука об руку с Сассеттой, которого большинство специалистов считает его учителем.

Сассетта был примерно на десять лет старше Сано, и судя по всему их связывали не просто профессиональные, но дружеские отношения.

Во всяком случае так можно понять из нескольких известных фактов: в 1428 году Сано ди Пьетро раскрашивал и золотил крестильню сиенского баптистерия, созданного по проекту Сассетты, в 1432 году помогал ему в работе над алтарной картиной «Снежная мадонна», а после смерти Сассетты, которая случилась во время работы над фресками Порта Романа, Сано ди Пьетро дописал за него фреску «Коронование Марии» (1458-1466), и «Святой Франциск» (Сиена, Пинакотека).

Сано пользовался большим почетом и уважением в родном городе, и возглавлял процветающую мастерскую, мастера которой, впрочем, повинны в том, что не все работы, вышедшие из ее стен, одинаково высокого качества.

В своем творчестве Сано ди Пьетро стремился сочетать утонченную линеарность Сассетты с пластичностью Доменико ди Бартоло.

Первой подписанной и датированной работой Сано является «Полиптих Благословенного Джованни Коломбини» (1444), основная часть которого ныне хранится в Пинакотеке Сиены, а пределла в парижском Лувре.

В 1445 году Сано и Доменико ди Бартоло написали фреску «Коронование Марии» в сиенском Палаццо Пубблико, в 1449 году Сано ди Пьетро создает «Триптих св. Блеза» (Сиена, Пинакотека), а в 1458 году «Полиптих Монтемерано».

 

Сано ди Пьетро создал цикл картин, посвященный сюжетам из жизни святого Бернадина, включая известную «Проповедь св. Бернадина на площади Сиены» (1445, Сиена, музей собора).

Кроме сиенских заказов мастерская Сано ди Пьетро работала над множеством заказов из небольших городов, например, полиптих 1471 года для церкви Бадиа э Изола, алтарь для собора в Пиенце, полиптих для церкви Санта Кристина в Больсене и т. п.

По материалам: Википедия, Сайт работ художника

Сантос Торроэлья Анхелес/Angeles Santos Torroella

1911–2008

Испанская (каталонская) художница.
Анхелес родилась 7 ноября 1911 в Порт Боу.Анхелес была старшей из восьми детей сотрудника по финансовым вопросам казначейства Джулиана Сантоса Эстевеса и его жены Аурелии Торроэлья.

Один из братьев Анхелес – Рафаэль Сантос Торроэлья (1914-2002) стал тоже художником и художественным критиком.

Девочка получила религиозное воспитание, с детства она увлекалась рисованием. Между 1912 и 1921 годами семья часто переезжала в связи с назначениями отца.

Детство Анхелес провела в Риполи, Эль Портусе, Фрегенеде и Ла Хонкуэре и Вальядолиде.

В Вальядолиде девочка стала посещать колледж французских доминиканцев.

В 1924 году семья Анхелес переехала, теперь в город Айамонте, где девушка продолжила обучение, став пенсионеркой школы Рабынь Святого Сердца в Севилье.

В этой школе она стала серьезно учиться рисованию.

В 1927 году семья переехала в Вальядолид, затем в Сан-Себастьян и Барселону, где Анхелес стала брать частные уроки живописи.

Наставником девушки был итальянский художник Челлино Перроти (Cellino Perroti).

В октябре 1928 года девушка уже участвовала в коллективной выставке художников в Вальядолиде. Художник Франсиско Гутиэррес де Коссио (Francisco Gutiérrez Cossío) был впечатлен ее картинами и посоветовал родителям продолжать обучение Анхелес живописи для того, чтобы она стала художницей.

С 1928 года познавшая успех художница часто встречается с писателями и художниками.

Среди новых знакомых художницы были в основном литераторы. Анхелес познакомилась с поэтами Федерико Гарсиа Лоркой (Federico García Lorca, 1898—1936), Хорхе Гильеном (Jorge Guillen, 1893 — 1984) и будущим лауреатом Нобелевской премии (1956) Хуаном Рамоном Хименесом (Juan Ramon Jimenez, 1881-1958), который написал ее словесный портрет- эссе в своей книге «Испанцы трех миров».

Позже среди друзей художницы появились художники — пейзажист Аурелио Гарсиа Лесмес (Aurelio García Lesmes, 1884 – 25 марта 1942) и Сальвадор Дали (Salvador Dalí, 11 мая 1904 — 23 января 1989), а также чилийский поэт Висенте Гарсиа Уидобро Фернандес (Vicente García-Huidobro Fernandez, 10 января 1893 -2 января 1948).

В 1929 году Анхелес принимает участие в IX осеннем Салоне художников в Вальядолиде с картиной «Мир» (Un mundo) и производит очередное прекрасное впечатление. Испанский писатель Рамон Гомес де ла Серна (Ramón Gómez de la Serna, 1888 –1963), увидев картины Сантос приехал специально в Вальядолид, чтобы познакомиться с молодой художницей.

В конце 1929 года Анхелес кардинально меняет свой художественный стиль.

В 1930 году она переехала с семьей в Сан-Себастьян. Здесь художница знакомится с художником Карлосом Рибера Санчесом (Carlos Ribera Sanches, 1906 — ?), приехавшим в город в этом же году после окончания Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, и Иесусом Оласагасти (Jesus Olasagasti Irigoyen, 20 декабря 1907 — 5 августа 1955).

Возможно, благодаря знакомству со многими известными художниками Испании, в 1931 персональная выставка художницы состоялась в Париже.

В 1931 и 1932 годах художница мало занимается живописью.

Тем не менее, она продолжает участвовать с работами предыдущих лет в групповых выставках испанских художников в Копенгагене, Питтсбурге и Венеции.

В 1933 году семья Сантос переехала в Барселону. В этом городе она заводит дружбу с художниками Хуаном Тейксидором и Игнасио Агусто.

В 1935 году в Барселоне проходит персональная выставка Анхелес.

Во время работы выставки художница познакомилась со своим будущим мужем – каталонским художником Эмилио Грау Сала, который учился в Академии художеств в Барселоне, а с 1932 года продолжал учебу в Париже.

15 января 1936 года Анхелес и Эмилио поженились. Пара воспользовалась приглашениями друзей Эмилио – художника Густау Джили и испанского поэта, литературного критика Гильермо де Торре (Guillermo de Torre, 1900 – 14 января 1971) и его жены аргентинской художницы и художественного критика Норы Борхес (Leonor Fanny Borges Acevedo, 4 марта 1901 – 20 июля 1998) и с началом гражданской войны переехали во Францию.

Кстати, в 1936 году Нора Борхес написала два карандашных портрета Анхелес.

Сначала Анхелес и Эмилио нашли убежище в городке Мазанет-сюр-Тарн. Но вскоре Сантос вернулась в Испанию, чтобы воссоединиться со своей семьей, поскольку была беременна, а Эмилио переехал в Париж.

В 1937 году в Лурдесе родился их сын Хулиан Грау Сантос, который тоже стал художником.

В 1938 году художница стала преподавать рисование в школе при монастыре Сангуэсе.

В 1943 году художница переехала в Мадрид и жила в столице до 1947 года, после чего переехала в Каталонию и поселилась в родном с детства городе Фигейрасе и Порт Боу.

Надо отметить, что все эти годы художница почти не занималась профессией.
В 1960 году Анхелес Сантос поселилась в Барселоне и вернулась к живописи.

В 1962 году, через 26 лет разлуки с мужем, не считая нескольких коротких встреч (высокие отношения!), Анхелес переехала в Париж и воссоединилась с Эмилио Грау Сала.

Правда, в течение следующих нескольких лет художница будет продолжать жить между Парижем и Барселоной.

Только в 1969 году в барселонском Зале Ровира состоялась персональная выставка Сантос, которая презентовала собой возвращение Анхелес в качестве художника.

В 1975 году в Париже умирает Эмилио Грау, оставив Анхелес все свое творческое наследие и ателье.
В последующие годы художница продолжает активно выставляться.

Нужно отметить, что в многочисленных персональных выставках особой популярностью пользовались работы художницы именно 1920-1930-х годов, поскольку именно раннее творчество Сантос считается неотъемлемой частью испанской авангардной живописи.

Санчес Коэльо, Алонсо/Alonso Sánchez Coello

1531–1588

 

Алонсо Са́нчес Коэ́льо (Alonso Sánchez Coello; около 1531, Бенифайо — 8 августа 1588, Мадрид) — испанский художник-портретист, работал при дворе Филиппа II.
Родился Коэльо в валенсийском городе Бенифайро в начале 1530-х годов. Еще ребенком был перевезен в Португалию, где и вырос.

Приблизительно 1541 или 1542 году мальчика отвезли к дедушке, который служил у португальских монархов и получил от них дворянское звание. Факт, что Коэльо жил в Португалии, обуславливается тем, что художник носил фамилию, которая является довольно обычной в Португалии (Coelho) и писал на португальском языке в некоторых официальных документах.
Португальский король Хуан III узнал о способностях юноши к живописи, и в 1550 году послал его за свой счет во Фландрию для совершенствования в искусствах.
Приехав в Брюссель, Алонсо находился там под защитой кардинала Антонио Перрено де Гранвеля и несколько лет жил в его доме.

Сам Гренвель являлся покровителем нидерландского портретиста Антониса Мора. Таким образом, Алонсо стал учеником Мора.
В 1552 году Санчес Коэльо вернулся в Португалию, ко двору короля Хуана III и стал придворным живописцем членов португальской королевской семьи – сначала самого Хуана III, затем его наследника Хуана Мануэля (умер в 1554) и после — сестры испанского короля Филипа II — Инфанты Хуаниты, регентши Испании. Когда Мор по дипломатическим поручениям приезжал в Лиссабон, он общался со своим учеником. Коэльо оставался в Лиссабоне до 1555 года.
Хуанита рекомендовала Алонсо Коэльо своему брату Филипу II, и когда художник вернулся в Испанию в 1559 году, его призвали ко двору , где придворным художником служил учитель Коэлльо – Мор.

Через несколько лет Мор по невыясненным причинам стремительно покинул Мадрид. Среди возможных причин историки называют трудности, возникшие у него с испанской инквизицией, или личная ссора с испанским королем, что маловероятно, поскольку они, на редкость, были друзьями.
После отъезда Мора в 1560 году Санчес Коэльо получает звание личного художника Филиппа II.
До своей смерти в 1588 году Коэльо оставался в этой должности, пользуясь благосклонностью короля и вниманием аристократии. Король был крестным двух из семи его детей, часто посещал его мастерскую, которая находилась во дворце — мадридском Алькасаре.
Художник жил на широкую ногу, его богатый дом в Мадриде хранил прекрасную коллекцию произведений искусства.

В Толедо он владел загородной усадьбой.
Пост придворного художника после смерти Коэлльо унаследовал его ученик Хуан Пантоха де ла Крус.
Хотя Санчес Коэльо писал и религиозные картины, многие из которых хранятся в Эскориале, большой художественной ценности они не имеют.Сферой работы Санчеса Коэльо был официальный портрет. Санчес Коэльо работал в канонах испанского придворного портрета, которые начали складываться благодаря Антонису Мору, когда тот работал для испанского короля.
Искусствоведы называют его «мастером серого цвета» — он отлично владел гаммой серых и серебристых тонов.

Это придает его полотнам изысканность и элегантность.
Одна из величайших находок в испанской живописи — это выработанное им обыкновение использовать нейтральный серый фон в портретах (вместо пейзажных и интерьерных фонов, принятых в итальянских ренессансных портретах).
Санчес Коэльо, используя сдержанный подход к модели, шел по стопам своего фламандского учителя, заимствуя у него формальные приемы (см. Мор, Антонис): статика, детализация и тщательность, неприкрашенная трактовка лица представителей династии Габсбургов, никогда не славящейся своей красотой. Отличия вызваны особенностями самого художника: он был не так тверд в рисунке, не может быть также пластически точен при передаче объемов.

Но эти недостатки трансформируются в его полотнах и становятся эстетической ценностью.

Он нежно и тонко передавал градации света. Практически избегал углубляться в светотень. Испанские искусствоведы называют его «мастером серого цвета» — он отлично владел гаммой серых и серебристых тонов.

Это придает его полотнам изысканность и элегантность, и вызванная этими качествами едва заметная идеализация уменьшает реалистическую суровость и физиологичность его образов.

Одна из величайших находок в испанской живописи — это выработанное им обыкновение использовать нейтральный серый фон в портретах (вместо пейзажных и интерьерных фонов, принятых в итальянских ренессансных портретах).

Он выработал канон испанского придворного портрета: статичность, нейтральный фон, позирование модели, тщательность в деталях костюма, неприглядная передача внешности и физиологических особенностей лиц (без идеализации).

Его ученик Хуан Пантоха де ла Крус сделал этот канон еще более формализированным.

Источники:Википедия, Энциклопедия мировой живописи.

Сассетта Стефано/Sassetta(Готика и Проторенессанс)

1392-1450

 

Сассетта (итал. Il Sassetta, настоящее имя Стефано ди Джованни, итал. Stefano di Giovanni; 1392, Сиена — 1450/1451, там же) — итальянский художник сиенской школы.
Стефано ди Джованни Сассетта — центральная фигура «серебряного века» сиенской живописи — века пятнадцатого.

С его творчеством связан новый расцвет сиенской школы, не такой яркий, как расцвет флорентийский, но не менее интересный.

Место и дата рождения Стефано ди Джованни неизвестны. Возможно он родился в Кортоне, в доме своего отца Джованни ди Консоло.

Однако в Сиене сохранилась запись о крещении только одного Стефано ди Джованни, и она помечена 1392 м годом, то есть вероятно, что он в этом году родился в Сиене.

Некоторые специалисты не согласны с тем, что речь в этой записи идет именно о Сассетте, и относят дату его рождения примерно к 1400-му году, основываясь на том, что первая его работа датирована 1423 годом.

Стефано ди Джованни вырос в Сиене, его вкус воспитывался в Сиене, а обучение мастерству предположительно он прошел в мастерской Паоло ди Джованни Феи.

Продолжил традиции сиенской школы 14 века, наряду с Джованни ди Паоло Сассета являлся крупнейшим ее представителем в 1-й половине 15 столетия.

На творчество Сассетты оказала воздействие живопись интернациональной готики, искусство Мазолино и Джентиле да Фабриано.

Сиенские художники начала 15 столетия проявляли несравненно меньший интерес, чем их флорентийские современники, к проблемам перспективы и пропорций.

Но если произведению Сасетты не хватает верности в трактовке сюжета, это искупается трогательным лиризмом его рассказа и присущим мастеру тонким чувством цвета.

Первый известный сегодня из документов заказ на создание алтарной картины Сассета получил в 1423 году от гильдии торговцев шерстью «Арте делла Лана», которая хотела украсить свою капеллу в церкви Сан Пеллегрино в Сиене.

Сегодня это произведение Сассетты известно под названием «Алтарь Евхаристии». К сожалению в 1777 году этот алтарь был разобран, разные его части разошлись по разным музеям, и центральная картина была безвозвратно утрачена.

В 1430 году Сассета получил заказ на картину для алтаря Св. Бонифация в сиенском соборе. Над этим алтарем он работал с 1430 по 1432 год.

В центральной его части он изобразил Мадонну с младенцем и ангелами, в окружении святого Франциска, Иоанна Крестителя, апостолов Петра и Павла.

Самой интересной частью алтарной картины является ее пределла с историей основания римского храма Санта Мария Маджоре.

Название «Снежная Мадонна» этот алтарь получил именно из-за пределлы, поскольку в день когда закладывался фундамент Санта Мария Маджоре, и освящалось место закладки (5 августа 356 года), в Риме неожиданно выпал снег. Этот момент и изобразил на одной из картин пределлы Сассетта.

Стефано ди Джованни написал множество прекрасных «Мадонн», хранящихся ныне в разных музеях мира. Отдельная тема — «Мадонна со св. Иеронимом и Амврозием» из сиенской церкви Оссерванца, и ряд сцен из жизни св. Антония, которые сегодня приписываются Мастеру Оссерванца.

До сих пор не все с такой точкой зрения согласны. Среди художников, на которых Сассетта оказал непосредственное влияние, можно назвать Сано ди Пьетро и Пьетро ди Джованни д’Амброджо.

Сассетта умер в 1450 году в Сиене, работая над фресками Порта Романа (Римских ворот), из которых сохранилась лишь «Слава ангелов» на своде. Он был женат (1440) на Габриэлле ди Буччо ди Бьянкардо.

У них было трое детей, из которых старший, Джованни ди Стефано, стал скульптором. После смерти имя Сассетты было довольно скоро забыто.

Оно вновь явилось на свет только в 18 веке в результате изучения исторических документов.

По матермалам: Википедия, Энциклопедический словарь живописи. М. Терра. 1997,B. Berenson. Sassetta. Firenze. 1946.

Сварог(Корочкин)Василий Семёнович(Политическая композиция)

1883–1946

Василий Семёнович Сварог (5(18) марта 1883, Старая Русса, ныне Новгородская область — 31 декабря 1946, Москва) — советский художник.

Биография:

Василий Семёнович Корочкин родился в семье крестьянина Семёна и прачки Ольги Васильевны Корочкиных, в которой кроме него было ещё две сестры Анна (позднее — сельская учительница) и Надежда (в будущем — швея). В два года лишился отца, воспитанием детей занималась мать.

Стремление к рисованию наблюдалось у Василия Семёновича с ранних лет. Заметив его, учитель рисования старорусского городского училища Чистяков собрал среди жителей города по подписке деньги, чтобы талантливый ребёнок после окончания чилища мог продолжить художественное образование.

В 1896 году, в тринадцатилетнем возрасте, Василий Семёнович поступает в Петербургское художественное училище технического рисования Штиглица и через четыре года успешно заканчивает его.

Именно во время обучения и появился псевдоним художника — «Сварог».

На третьем году обучения, перед очередным экзаменом, он получил задание написать картину на тему «Бог небесного огня Сварог» — божество в мифологии западных славян. Ну, наш Вася пошел фантазировать — намалевал солнце, звёзды, молнии, всполохи северного сияния, зори, радуги, а в этом сверкающем окружении — лик божества. Картина удалась, но экзаменаторы сказали: «Корочкин, в зеркало ты, что ли смотрел, когда писал Сварога? Точь-в-точь на тебя похож». С того дня мы в шутку стали величать его Сварогом. Он привык к этому прозвищу.

С 1900 года Сварог сотрудничает с петербургскими иллюстрированными журналами «Живописное обозрение», «Волшебный фонарь», «Солнце России».

В 1911 году В. С. Сварогу была присуждена первая премия на конкурсе, организованном редакцией журнала «Солнце России», за серию рисунков к произведению Льва Толстого «Живой труп».

В 1915 году В. С. Сварог знакомится с Юрием Репиным и пишет его портрет, который привёл в восторг его отца, известного художника Илью Репина.

Эта работа позволяет Сварогу сблизиться с мастером, присутствовать на его портретных сеансах.

В 1916 году по рекомендации Репина он вступает в Товарищество передвижников и выставляет свои работы на передвижных выставках.

В 1916 году Сварог пишет «Портрет матери» (холст, масло). Картина была удостоена первой премии на весенней Передвижной выставке.

В 1918 году Сварог принимает активное участие в украшении Петрограда к празднованию первой годовщины Октябрьской революции. Сам художник говорил, что он «работал особенно интенсивно, так как великие события требовали от каждого большого напряжения сил».

В это время он создаёт портреты Карла Маркса, Фридриха Энгельса, В. И. Ленина, М. С. Урицкого, В. В. Володарского.
С 1919 по 1922 годы в связи с тяжёлой болезнью матери Сварог проводит в Старой Руссе. Здесь он организует Народный дом, создаёт художественную студию, самодеятельные хоровые и оркестровые кружки, любительский оперный театр, где были поставлены «Русалка» Даргомыжского, «Алеко» Рахманинова, «Фауст» Гуно и др.

В этот период Сварог создает много картин, посвящённых городу и его жителям — «Портрет Васи Ушакова», «Дети» (экспонировалась в Третьяковской галерее), «Портрет Валентины Казариной», «Рогачёвка» и другие.

В 1923 году вступил в Ассоциацию художников революционной России.

В 1925 году В. С. Сварог получил серебряную медаль на Всемирной выставке в Париже за альбом «9 января», для которого он выполнил 11 больших рисунков.
После Великой Октябрьской революции творчество Сварога приобретает яркую политическую направленность. Сам художник называет свой жанр «политической композиции».

Одни картины выполнялись на основе личных впечатлений, другие на основе газетных сообщений:
«Герои-летчицы в Кремле перед полётом»(1934)«Встреча челюскинцев на Красной площади»(1934)«Портрет В. В. Куйбышева на трибуне» (1935)«Первое мая — пионеры» (1937)«Седовцы на Красной площади» (1940)«Портрет Чайковского» (1940)«Портрет Маяковского» (1940)«Товарищи К.Е Ворошилов и А. М. Горький в тире ЦДКА»«Волховстрой»«Кузнецкстрой»«Днепрострой» и другие.

Увлекаясь музыкой, В.Сварог создал ряд работ, объединённых этой темой:
«Натюрморт с гитарой» (1934)«Торбан» (1939)портрет гитариста Шаумяна(1928)акварельный портрет испанского гитариста Андреса Сеговии (1927)Писал Сварог и портреты руководителей партии и правительства — В. И. Ленина, И. В. Сталина, К. Е. Ворошилова, В. В. Куйбышева.

В 1940 году Политуправление МВО объединило профессиональных военных художников в Студию военных художников имени М. Б. Грекова на базе Изомастерских самодеятельного красноармейского искусства. Перед студией поставили задачи культурного и политического воспитания воинов, отображения героического боевого пути армии. Руководителем был назначен В. Сварог, который создал ряд картин на военную тематику:
«Совет командиров»«Смольный в Октябре»«Взятие Зимнего»«Шлюпочный поход жён командиров»С 1941 года — в эвакуации. Сначала в Нальчике, потом в Тбилиси. 25 мая 1942 года в Тбилиси состоялась выставка картин. Газета «Заря Востока» писала:

Творческие рапорты художников. В понедельник, 25 мая, в 12 час. дня в Картинной галерее художников Грузии выступят с творческими рапортами лауреат Сталинской премии, заслуженный деятель искусств И.Э Грабарь и художник В. С. Сварог. В помещении галереи в этот день откроется выставка их картин, выполненных в Тбилиси и Нальчике в 1941 и 1942 годах.

В 1942 году Сварог закончил свою последнюю картину — многофигурную композицию «Степан Разин».
В октябре 1942 года, возвращяясь из эвакуации в Москву, на Самаркандском вокзале, переходя пути с чемоданами, В. Сварог споткнулся и ударился левым виском об рельс. 10 октября в тяжёлом состоянии он был доставлен в Москву. В. Сварог поправился, но вернуться к живописи уже не смог.

31 декабря 1946 года Василий Семёнович Сварог скончался. Похоронен художник на Новодевичьем кладбище. Надгробие на могиле В. С. Сварога выполнил его ученик — народный художник СССР Н.В Томский.

В 1948 году усилиями друзей художника и его жены Ларисы Семёновны Сварог была проведена посмертная выставка его произведений. На ней были представлены картины, портреты, этюды из экспозиций Государственной Третьяковской галереи, Государственного Исторического музея, Центрального Дома Советской Армии, музеев А. С. Пушкина, М.Горького, Академии художеств СССР и областных музеев.Имя Василия Сварога связано с именем Сергея Есенина. 25 декабря 1925 года художник также находился в гостинице «Англетер». Сварог попал в номер Есенина в тот момент, когда того извлекли из петли. В. Сварог в этот момент создал посмертные портреты С. Есенина

Сверчков Николай Егорович

1817–1898

Сверчков, Николай Егорович (1817–1898) — русский баталический и жанровый живописец; наставник Николая Атрыганьева.
Рисованием начал заниматься самостоятельно. Еще в детстве с любовью рисовал животных, особенно лошадей. С 1833 служил в Министерстве внутренних дел, в 1843 вышел в отставку, чтобы всецело посвятить себя искусству.
Своим артистическим развитием был обязан исключительно собственному влечению и природной способности к искусству. Учился в Петришуле с 1829 по 1833 год. Ещё в детстве с любовью рисовал животных, особенно лошадей. С 1844 г. произведения его стали являться на ежегодных академических выставках и вскоре обратили на него общее внимание. То были картины на сюжеты из русского народного быта. В 1852 г. за картину «Помещичья тройка пересекает на всем скаку обоз, тянущийся по большой дороге» получил звание академика. Другая значительная картина: «Грузный экипаж с пассажирами, едущий в знойный летний день» доставила ему, в 1855 г., профессорское звание.

Около этого времени он вошёл в большую известность, производя множество картин и рисунков, изображающих породистых лошадей, собак, охотничьи сцены, ухарские тройки, жанровые сюжеты с участием лошадей среди зимних пейзажей.
В эту цветущую пору своей деятельности, он стал являться со своими работами в парижских салонах.

 

Французская критика относилась к ним с большой похвалой, а одна из картин, находившихся на парижской выставке 1863 г., «Возвращение с медвежьей охоты», была приобретена Наполеоном III. За нее и за две другие картины («Ярмарка» и «Станция», проданные также в Париже), он был награждён кавалерским знаком ордена Почетного легиона. В том же году написал для брюссельской выставки картины «Туманное утро при восходе Солнца», «Путник, застигнутый зимней вьюгой», и «Портрет Чихачова верхом на коне во время его путешествия в Турции».

Возвратившись из чужих краев в Петербург в 1864 г., он исполнил для императора Александра II картину «Выезд царя Алексея Михайловича на смотр воинства в 1664 г.», после чего неоднократно, до 1882 г., удостаивался работать по Высочайшим заказам. Из его произвений, сверх вышеупомянутых, достойны внимания «Царь Алексей Михайлович с боярами, на охоте близ Москвы» (1874; нах. в Аничковск. дворце, в СПб.), «Поезд Ивана Грозного на богомолье» (нах. в московск. кремл. дворце), «Переход гвардии чрез Балканы» (1879; нах. в Зимнем дворце, в СПб.), «Масленица в деревне» (доставившая художнику медаль на филадельфийской всемирной выставке), «Праздник св. Флора и Лавра, в деревне», и несколько других.

Себастьяно дель Пьомбо/Sebastiano del Piompo(Высокое Возрождение)

около 1485-1547

 

Себастьяно Лучиани (итал. Sebastiano Luciani, 1485?, Венеция — 21 июня 1547, Рим), более известный как Себастьяно дель Пьомбо (итал. Sebastiano del Piombo — «Свинцовый Себастьян») — итальянский живописец, представитель венецианской школы.

Собственно, настоящая фамилия Лучани (Luciani). Родился в Венеции приблизительно в 1485 году.

Учился в Венеции у Джованни Беллини, испытал влияние Джорджоне и Тициана; с 1511 работал в основном в Риме.

В 1511 он приехал в Рим, где вместе с Рафаэлем и его учениками участвовал в украшении фресками виллы Фарнезина по заказу сиенского банкира Агостино Киджи. Занимал пост хранителя печати (piombo) в папской Канцелярии.

Под воздействием искусства Рафаэля живопись Себастьно дель Пьомбо приобрела строгость и уравновешенность, сохранив при этом характерную для венецианской школы звучность колорита (“Юная римлянка” или “Доротея”, около 1512-1515,

Картинная галерея, Берлин-Далем; фрески виллы Фарнезина в Риме, 1511).
Себастьяно дель Пьомбо, работая в Риме, испытал влияние Рафаэля и, особенно, Микеланджело, чьи наброски и картоны он нередко завершал.

Мощные, мускулистые фигуры Себастьяно дель Пьомбо ясно говорят о том, что художник прекрасно знал обнаженные модели Микеланджело.

С конца 1510-х годов творчество художника (во многом под влиянием Микеланджело) несет на себе печать подчеркнутого драматизма (“Воскрешение Лазаря”, 1519, Национальная галерея, Лондон), свидетельствующего о кризисе художественных принципов Возрождения.

В 1515 Себастьяно познакомился с Микеланджело и стал его учеником и помощником.

С этого времени он начинает подражать стилю Микеланджело, который в его поздних работах приобретает все больше маньеристических черт.

Работы художника, созданные в период контрреформации, отличаются мрачной суровостью образного строя (“Мученичество святой Агаты”, 1520, Галерея Питти, Флоренция; “Несение Креста”, 1537, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

 

Кисти Себастьяно дель Пьомбо принадлежат портреты многих его известных современников, в частности, Христофора Колумба, папы Климента VII, Джулио Гонзага, Пьетро Аретино и других.

В своей живописи ему удалось сочетать богатство венецианского колорита со скульптурностью и монументальностью форм, присущих произведениям мастеров римской школы.

По материалам: Википедия, Энциклопедия «Мастера эпохи Высокого Возрождения», Работы художника в музеях мира.

Сегантини Джованни/Segantini Giovanni(Реализм и Символизм)

1858-1899

 

Джованни Сегантини (итал. Giovanni Segantini; 15 января 1858, Арко близ Тренто — 28 сентября 1899 на горе Шафберг, Понтрезина в Энгадине) — итальянский художник-пейзажист, писал картины в пуантилистской технике, работал в разные годы в стилях реализма и символизма.

Являлся один из лидеров символизма в национальном изобразительном искусстве Италии.

Родился в Арко близ Тренто(в то время Тироль, Австрия) 15 января 1858 в бедной семье. С 1863 жил в Милане.

С 1876 года Сегантини учился живописи в вечерней школе при Академии ди Брера в Милане, но вскоре оставил ее. Был в основном самоучкой.

Испытал влияние Ж.-Ф.Милле.С 1885 работал в Швейцарии.

В своих ранних работах примыкал к веризму (Благословление овец, Стрижка овец, обе картины – 1882–1886; «Аве Мария» на переправе, 1886, Художественный музей, Базель); уже с этих лет постоянно придавал «почвенным» сельским мотивам религиозно-символическую значительность.

Жил и работал в альпийских горных селах (Брианца, 1882–1886; Савоньин, 1887–1894; Малоя, 1895–1899), черпая свои впечатления из жизни крестьян и пастухов.

Разработал (возможно, под воздействием «ломбардской скапильятуры» с ее динамичным раздельным мазком) собственный метод живописного дивизионизма – с насыщенными, «лучеобразными» мазками, ложащимися на холст словно спектральные блики на грани реальности и видения.

Пользуясь техникой раздельного точечного мазка, так называемого дивизионизма, но сохраняя при этом пластическую определенность формы, Сегантини писал поэтические, часто наполненные социально-утопическим смыслом сцены, воссоздающие патриархальную жизнь крестьянства альпийских предгорий, нерасторжимую связь человека и природы (“Две матери”, 1890, Галерея современного искусства, Милан; “Пахота в Энгадине”, 1890, Новая пинакотека, Мюнхен ).

Яркие и сочные пейзажные и жанровые детали плотно сочетались в его картинах с характерным для символизма влечением к оккультным темам (Судьба плохих матерей, 1894, Художественно-исторический музей, Вена; Ангел жизни, 1894, Национальная галерея современного искусства, Рим; Любовь у источника жизни, 1896, Галерея современного искусства, Милан).

Будучи сам музыкантом и композитором-любителем, увлекался образными ассоциациями живописи и музыки (посвященное Г.Доницетти полотно Музыкальная аллегория, 1896).

Написал ряд социально-утопических статей об искусстве будущего, в том числе полемический, защищающий художественное творчество ответ на эссе Л.Н.Толстого Что такое искусство? (1890).

В поздних произведениях, аллегорически интерпретирующих ключевые понятия Жизни, Смерти, Природы, Джованни Сегантини отдал дань символизму (“Альпийский триптих”, 1896-1899, Музей Сегантини, Санкт-Мориц).

Но обращение художника к символизму ощущается сильнее всего в его картине “Дурная мать” (1894, Вена, Новая галерея музея истории искусства).

Художник неоднократно обращался к религиозной тематике: “Вечерние звуки” или “Аve Maria” (1887, Mершвил, частное собрание).

Оставил и целый ряд выразительных портретов (Автопортрет, 1883–1884; и др.). Уединившись в швейцарском селении Малоя в Энгадине, постоянно писал этюды на пленэре.

Умер Сегантини 28 сентября 1899 на горе Шафберг, Понтрезина в Энгадине (Швейцария).

Похоронен в Малое, надгробный памятник несет надпись: Arte et amore vincono il tempo («Искусство и любовь побеждают время»).

В 1909 в Санкт-Морице (Швейцария) открылся персональный музей художника (где находятся и вещи, местонахождение которых выше не упомянуто).

Его письма и статьи были в 1910 изданы отдельной книгой.

По материалам:Википедия, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика, Сайт Музея Сегантини, Санкт-Мориц.

Сегерс Геркулес/Seghers Hercules(Барокко, пейзаж)

ок.1589–ок.1638

Геркулес Сегерс (нидерл. Hercules Pieterszoon Seghers или нидерл. Segers, ок.1589, Харлем — ок.1638, Гаага) — нидерландский живописец и гравёр фламандского происхождения.
Геркулес Сегерс (нидерл. Hercules Pieterszoon Seghers или нидерл. Segers, ок.1589, Харлем — ок.1638, Гаага) — нидерландский живописец и гравёр фламандского происхождения. Учился в Амстердаме у Г. ван Конинкслоо.

С 1612 по 1629 г. жил в Амстердаме, где был принят в гильдию художников. Посетил Фландрию (ок. 1629-1630). С 1631 г. жил и работал в Утрехте, а с 1633 г. — в Гааге. Творчество Сегерса многогранно: он исполнял марины, лесные, горные и равнинные пейзажи, городские и сельские виды.

Многообразием отличается и художественная манера Сегерса: он писал штрихами, длинными или короткими линиями, точками, его палитра могла быть прозрачной и светлой или густой и яркой. В то время как современники Сегерса писали интимные пейзажи, изображая непритязательные голландские ландшафты, художник увлекался большими панорамами, представляющими природу во всех ее сложных проявлениях.

Сегерса притягивали бескрайние просторы и далекие горизонты, стихийная мощь и движение. Его пейзажи драматичны, проникнуты героическим пафосом и одновременно взволнованны и тревожны. Полное отсутствие датировок произведений Сегерса затрудняет распределение его работ по этапам творческого пути.

Все его живописные работы представляют уже зрелого мастера, поэтому неизвестно, писал ли художник в молодые годы или же занимался только графикой. Ранние офорты Сегерса посвящены лесной тематике («Лесная ферма», «Лесная дорога»). Лес в этих работах предстает удивительно живым и реальным; офорты отмечены глубоким эмоциональным переживанием, в них выразилось умение художника не только добиться внешнего сходства, но и уловить внутреннее, глубинное содержание жизни природы.

С помощью графических средств, среди которых главное место занимает тончайшая пунктирная линия, художник виртуозно передает различные оттенки листьев на деревьях и влажную воздушную среду леса (офорт «Пейзаж с двумя колокольнями»). Художника не удовлетворяют обычные приемы техники офорта, и он ищет новые средства для воплощения своих творческих замыслов.

Сегерс использует цветную печать, разноцветную бумагу или по-разному окрашенные листы, печатает на холсте, применяет мягкий грунт и совершенно новую технику обработки доски. Занимает Сегерса и проблема освещения. Эффект ночного освещения создается с помощью оригинальной техники (офорты «Пейзаж с большим деревом», «Руина с кустами»).

Эту же задачу ночного света художник решает и в офорте «Морская буря». Выразительность в изображении беспокойной стихии разбушевавшегося моря, с которым героически сражается человек, достигается с помощью таких средств, как зеленая печать на бумаге зеленого цвета, подкраска черным цветом ночного неба и покрытие отпечатанной поверхности лаком.

В офортах с видами моря отразился интерес художника к передаче воздушной среды. Широкие просторы моря появляются в пейзаже «Большие корабли». Четкий ритм создают парусные суда, снасти которых переплетаются в сложный орнамент. Это произведение, выполненное в Харлеме, напоминает парадные марины Вирингена и Вроома. Близка морским пейзажам Порселлиса другая, более поздняя работа Сегерса — офорт «Малые корабли».

В то же время в этой марине выразился неповторимый индивидуальный стиль художника. Море в ней предстает как огромное пространство, не имеющее границ. Так же безгранично и небо, сливающееся с морской поверхностью. Непрерывно движется перед взором зрителя флотилия кораблей, кажется что у нее тоже нет ни начала, ни конца.

Впечатление простора усиливается голубовато-желтым цветом бумаги, на которой напечатан офорт. Легкий и влажный, почти прозрачный туман окутывает слегка подкрашенные кистью паруса судов, отражающихся в гладкой поверхности воды.

Проблемы передачи воздушной среды и изображения широких просторов и далей художник переносит из офорта в живопись («Пейзаж с руинами», собрание Джонсон, Филадельфия; «Речной пейзаж с мельницей», замок Гердринген, Вестфа-лия; «Романтический пейзаж», собрание Тен-Кате, Альмело; «Речная равнина», частное собрание, Брюссель; «Пейзаж близ Лааг Эльтен», собрание Клиффорд Дайте, Лондон).

Пейзажам свойственна композиционная простота, в то же время в них ощущаются торжественность и эпическое величие, которые подчеркиваются отсутствием в этих произведениях человеческих фигур. А если фигуры людей появляются в картинах, то они настолько малы, что природа, окружающая их, кажется безграничной и грандиозной.

С помощью легких, полупрозрачных оттенков колорита, подчиненного единой тональности, тончайших цветовых переходов художник достигает в своих пейзажах необыкновенной выразительности. В конце 1620 — начале 1630-х гг. в творчестве Сегерса наступает перелом, связанный со смертью первой жены и материальными трудностями.

Разочарованный художник совершает путешествие во Фландрию. Впечатления от поездки отразились Б его полотнах «Вид Брюсселя» (собрание Р. Кюльмана, Берлин), «Пейзаж в долине реки Маас» (собрание ван Бейнинген, Вирхоутен). В этих композициях, как и в одной из самых лучших его работ — картине «Горный пейзаж» (Галерея Уффици, Флоренция), жизнь величественной и грандиозной природы противопоставлена обыденной и простой жизни человека.

Глубоким трагизмом, печалью и одиночеством веет от последних работ Сегерса («Скалистый пейзаж», Национальная галерея, Лондон; «Пейзаж с водопадом», собрание А. Бредиуса, Гаага). Художник создает в этих картинах обобщенный образ природы, главное для него — не узнаваемость пейзажа, а его внутренняя эмоциональность. Своеобразные живописные и графические работы Сегерса, такие непохожие на пейзажи других голландских мастеров, не имели успеха у современников.

Лишь после смерти художника его искусство получило признание на родине.

Известно, что в коллекции Рембрандта было восемь полотен Сегерса, а маринист Я. ван де Капелле являлся обладателем пяти его пейзажей.

Живопись и графика Сегерса оказали значительное влияние на многих голландских художников второй половины XVII в., среди которых Рембрандт, Я. Рейсдал, Р. Рогман, Ф. Конинк, А. де Гельдер.

По материалам: Википедия, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика. Работы художника on line.

Сезанн Поль

1839–1906

Французский художник постимпрессионистского периода в живописи
Поль Сезанн родился в 1839 году в Экс-ан-Провансе, в семье богатого банкира.

С 1852 года Сезанн учился в колледже Бурбон, где подружился с Эмилем Золя, ставшим другом художника на всю жизнь.

Именно Золя уговорил будущего художника переехать в Париж, чтобы изучать искусство. В Париже Сезанн посещал занятия в Академии Сюиса.

Отец Поля не поощрял занятия сына живописью, тем не менее, его ежегодное пособие, позволило Сезанну не отвлекаться на материальные вопросы долгие годы.

В 1862-1870 Сезанн живет между Эксом и Парижем, знакомится с будущими импрессионистами – Мане, Моне, Базилем, Ренуаром и Писсарро, чьё творчество оказало на Сезанна большое влияние.

В 1870-е годы художника волновали вопросы света и цвета, он работал на пленэре в Понтуазе и Овере, участвовал в выставках импрессионистов в 1874 и 1877 годах. В 1879 Сезанн уехал в Экс, работал в импрессионистском стиле, тем не менее в его работах появляются новые методы.

Это структурно объемная живопись, в его пейзажах и натюрмортах рисунок сведен к геометрическим формам и плоскостям цвета.

После смерти отца в 1886 году, оставившего наследство, Сезанн обрел финансовую независимость. Он продолжал концентрироваться на своих любимых темах, таких как портреты и пейзажи Прованса.

В 1895 году Волларом была проведена первая персональная выставка Сезанна. И этот факт стал большой неожиданностью для всех. И Сезанн обрел большую популярность.

Толпы почитателей и молодых художников едут к нему в Экс, его картины продаются за хорошие деньги.

Период с 1890 по 1906 получил название «синтетического» в творчестве Сезанна. Художник живет в Эксе, работает на пленэре, его постоянно окружают молодые художники – Денни, Боннар, Вюйар, один из создателей синтетизма – Бернар.

Сезанн умер в октябре 1906 г. от пневмонии и был похоронен на кладбище в Экс-ан-Провансе

Художественные методы и теории Сезанна оказали огромное влияние на формирование новых направлений в живописи 20-го века, таких как — фовизм и кубизм

Сент-Обен Габриель/Saint-Aubin Gabriel(Рококо)

1724—1780

Габриель-Жак де Сент-Обен (фр. Gabriel-Jacques de Saint-Aubin; 14 апреля 1724, Париж — 14 февраля 1780, там же) — французский живописец, рисовальщик и гравер.
Габриель де Сент-Обен родился в Париже 14 апреля 1724 года.
Происходил из семьи художников: его отец, дядя и брат были придворными живописцами короля. Мать Габриэла-Жермена де Сент-Обен (1696—1756) служила вышивальщицей у короля Людовика XV. Кроме него, известными художниками стали его братья Шарль-Жермен, Огюстен и Луи-Мишель.

Учился у Ж. Б. Сарразена, в 1747 обучался в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже под руководством Этьена Жора, Франсуа Буше и Гиацинта Колена де Вермонта.

Трижды в 1752—1754 безуспешно принимал участие в конкурсе на Большую (Римскую) премию по классу живописи. Разочарованный неудачей, становится приверженцем Академии Святого Луки: здесь преподает (до 1776 г.) и выставляет свои произведения.

Вернувшись на родину, работал, в основном, в Париже.
Работал в историческом, портретном, пейзажном жанрах. Создавал жанровые сцены. Был акварелистом, гравером, рисовальщиком, иллюстратором.

Находился под влиянием творчества Франсуа Буше.

Картины Сент-Обена отмечены тонкостью и свежестью наблюдений, легкой, виртуозной манерой исполнения.

Живописец изображал сцены из жизни различных слоев столичного общества, уделяя особенное внимание миру искусства, театра, науки.

Прекрасный рисовальщик. Создал большое количество рисунков и офортов, используя при этом карандаш, сангину, перо, тушь, гуашь, акварель, белила, часто в различных сочетаниях.
Рисунки художника Габриеля де Сент-Обена («Представление балета «Армида» в зале Парижской оперы в 1747 году», перо, тушь, гуашь, «Общество на прогулке», акварель, белила — оба рисунка в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург) и офорты («Уличная сценка с шарлатаном», около 1760 года) отмечены тонкостью и свежестью наблюдений, легкой, виртуозной манерой исполнения. Скончался художник Габриель де Сент-Обен в Париже 14 февраля 1780 года.
Избранные работы:
-Общество на прогулке (1760—1761, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург)
-Представление балета «Армида» в зале Парижской оперы в 1747 году (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург)
-Триумф Амура (1752, Художественный музей, Руан)
-Представление бродячих артистов (1760, Национальная галерея, Лондон)
-Уличная сценка с шарлатаном (около 1760)
По материалам:Википедия, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Серюзье Поль(Paul Sérusier)

1864-1927

Французский художник, участник группы «Наби», ученик Гогена

Родился 9 ноября 1864 года в Париже. Его отец был директором парфюмерной фабрики. Он мечтал, чтобы сын пошел по его стопам и сделал успешную карьеру коммерсанта. Однако Поль еще во время обучения в школе проявляет интерес к живописи. Юноше удалось все же добиться разрешения родителей на занятия искусством.

Поль стал заниматься в Академии Жюлиана. Его обучали преподаватели из Школы изящных искусств, которые придерживались традиций классической живописи. С первых дней обучения Серюзье демонстрирует незаурядные способности. Первой картиной, благодаря которой Серюзье достиг успеха, стала работа «Мастерская бретонского ткача». Она была представлена на выставке 1888 года. Однако начинающий художник больше интересовался новыми тенденциями в живописи, нежели академическим искусством.

В поисках нового Серюзье отправляется в Порт-Авен. Здесь, в Бретани, происходит судьбоносная встреча начинающего художника с Гогеном. Под руководством Гогена Серюзье пишет на коробке из-под сигар пейзаж. Эта работа будет служить художнику талисманом впоследствии. В идеи Гогена он посвятит свои друзей в Париже. Обсуждение новых тенденций привело в итоге к образованию группы «Наби», идейным вдохновителем которой и стал Серюзье.

Общение с Гогеном продолжалось, Серюзье, подобно губке, впитывал его идеи и по-своему реализовал их в своих работах. Серюзье многое перенимает у Гогена и даже поначалу откровенно подражает ему, но вскоре вырабатывает свой неповторимый стиль. Восприняв метод клуазонизма, то есть создания в картине четко отделенных друг от друга плоскостей, художник наполняет полотна дополнительным смысловым содержанием.

Большое влияние на творческую манеру Серюзье и его развитие как художника оказывали путешествия. В 1893 году он посещает Италию вместе с Э. Бернаром, в 1903 году – Германию с Д. Серюзье. Позднее художник побывал в Праге, бенедиктском монастыре Бейрон. Именно в это время Серюзье обращается к религиозным темам, переняв основы живописи бенедиктинцев. Эти традиции наиболее полно выразятся в росписи церкви в Шатонеф-де-Фо.

Помимо творческих работ Серюзье большой популярностью пользовались и его теоретические труды. Так, свое видение основ живописи художник отразил в работе «Азбука живописи». Некоторым итогом творческих исканий Серюзье стала выставка его работ, состоявшаяся в 1919 году.

Поль Серюзье скончался 7 октября 1927 года во Франции.

Семирадский Генрих

1843–1902

Генрих Ипполитович Семирадский — русский и польский художник, один из крупнейших представителей русского академизма, родился 24 октября 1843 года в селе Новобелгород, около Харькова в семье врача — офицера царской армии.

После окончания харьковской гимназии поступил на физико-математический факультет Харьковского университета, который успешно закончил в 1864 году.

Семирадский с детства проявлял интерес к живописи, поэтому после окончания университета он решил продолжить обучение в Императорской Академии Художеств, которую закончил в 1870 году, получив 6-летнюю государственную стипендию и возможность совершенствовать мастерство за границей.

До 1871 года Семирадский обучался в Мюнхене у немецкого художника Карла фон Пилоти, а в 1873 переехал в Рим.

В 1873 году Семирадский удостоился титула академика Академии Художеств.

В том же году он женился на своей двоюродной сестре — Марии Прушиньской. Генрих Семирадский в основном работал за рубежом. В России его наиболее значимые работы — участие в росписи хоров придела северного крыла храма Христа Спасителя в Москве.

Он предпринял изобразить на полотне огромного размера один из эпизодов борьбы язычества с христианством, а именно иллюминацию, устроенную жестокосердным Нероном из заживосожженных последователей новой религии.

Этой картиной, известной под названием «Светочи Нерона», художник блестящим образом завершил окончание срока своего пенсионерства, в 1877 г.

Будучи выставлена в Санкт-Петербург, она возбудила общее удивление, которым сопровождалось и появление её на парижской всемирной выставке 1878 г.

За неё Императорская Академия Художеств присудила Семирадскому звание профессора, а французское правительство наградило его кавалерским орденом Почетного легиона.

Наиболее известные его работы: «Римская оргия» (1872), «Грешница»(1873), «Светочи христианства» («Факелы Нерона») (1876), «Танец среди мечей» (1881), «У храма (Идиллия)» (1881) и другие.

Кавалер ордена Почётного легиона, Генрих Семирадский умер 23 августа (5 сентября) 1902 года в своем имении Стришалкове близ Радомска, похоронен в Кракове, в пантеоне на Скалке.

Сересо Матео Младший/Mateo Cerezo el Mojo(Барокко)

1637–1666

Родился в семье художника Матео Сересо Старшего (Mateo Cerezo the Elder, 1610/1615-1670), специализирующегося на религиозной живописи, отец стал первым учителем одаренного мальчика.

В 17 лет Матео отправился в Мадрид, где в 1654 году продолжил обучение в мастерской художника Хуана Карреньо де Миранда (Juan Carreño de Miranda, 25 марта 1614 – 3 октября 1685), став одним из лучших его учеников.

Художник и историк искусств А. Паломино утверждает, что Сересо учился также в Вальядолиде, куда был приглашен работать, в мастерской художника Антонио де Переда (Antonio de Pereda y Salgado, 1611-1678). Между 1656 и 1659 годами Сересо, действительно,работал в Вальядолиде и родном Бургосе. В 1660 году Матео вернулся на постоянное жительство в Мадрид.
Творчество художника находилось не только под влиянием его учителей, он был вдохновлен также работами Тициана и Антониса Ван Дейка, которому старался подражать в отношении колорита.

Историки называют Сересо одним из наиболее чувствительных и изысканных колористов мадридской школы живописи.
Известно, что после 1660 года Матео помогал живописцу Франсиско де Эррера Младшему (Francisco de Herrera El Mozo, 1622, Севилья — 1685, Мадрид) расписывать фресками купол капеллы церкви Нуэстра Сеньора де Аточа.

Кстати, историки пишут, что за эту работу Эррера получил титул придворного живописца Карла II. Вообщем, это понятно, поскольку Эррера до этого успел поучиться в Риме, побыть президентом Академии художеств в Севилье, но не пожелавший стоять ниже знаменитого Мурильо, он поменял родную Севилью на Мадрид.

Позже, назначенный архитектором дворцовых работ, Эррера отошел от живописи. Матео же во время совместной работы был всего лишь подмастерьем Эрреры.
О причинах ранней смерти художника нигде не указано, Сересо умер в 1666 году, не дожив до своего 30-летия.
Тем не менее, творческое наследие художника, в основном, сохранено, а имя не затерялось среди огромного количества великих испанцев. Большая часть его работ находится в музее Прадо в Мадриде и Музее Бургоса.

Картины Сересо есть в  Эрмитаже, Национальном музее Сан Карлоса в Мексике, Национальном музее Будапешта, картинных галереях Мадрида, Гааги, Вены и др. Из сохранившихся произведений художника наиболее известны несколько вариантов «Кающейся Магдалины», «Святая Мария Египетская», портрет кардинала Пуэрто-Карреро, «Распятие» и «Се человек».

Серов Валентин

1865–1911

Серов Валентин Александрович [7(19). 1.1865, Петербург, — 22.11(5.12). 1911, Москва], русский живописец. Сын А. Н. Серова. Учился в детстве у И. Е. Репина (в Париже и в Москве) и в петербургской АХ (1880—85) у П. П. Чистякова.Творчество С. раннего периода формировалось под влиянием реалистического искусства Репина и строгой пластической системы Чистякова. Большое воздействие на С. оказала живопись старых мастеров, виденная им в музеях России и Западной Европы, дружба с М. А. Врубелем, а позже с К. А. Коровиным и творческая атмосфера абрамцевского кружка (см. Абрамцево), с которым был тесно связан молодой С. Высшими достижениями раннего периода являются портреты-картины «Девочка с персиками» (1887), «Девушка, освещенная солнцем» (1888; обе в Третьяковской галерее). В этих произведениях С., воспевая юность и красоту, передавая чувство счастья и радости бытия, видел главную свою задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их убедительном пластическом истолковании. В разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, в насыщении среды воздухом, в свежести живописного восприятия мира проявились черты раннего русского импрессионизма. С начала 1890-х гг. портрет стал основным жанром в творчестве С., приобретая новые черты: психологически заострённую характеристику человека и активно выявленное в нём артистическое начало. Излюбленными моделями С. становятся артисты, художники, писатели (портреты А. Мазини, 1890, Ф. Таманьо, 1891—93, К. А. Коровина, 1891, И. И. Левитана, 1893, Н. С. Лескова, 1894, Н. А. Римского-Корсакова, 1898, — все в Третьяковской галерее). Отказавшись от многокрасочной, сочной по цвету живописи 2-й половины 1880-х гг., С. теперь предпочитал одну доминирующую гамму черно-серых или коричневых тонов (хотя и передавал большое количество разных оттенков цвета), пользовался более свободным широким мазком, способствующим остроте передачи натуры. Импрессионистические черты сказываются подчас лишь в композиционном построении портрета, характере движения портретируемого. Получив широкую известность, став в 1894 членом Товарищества передвижных художеств, выставок (см. Передвижники), С. вынужден много работать над заказными, как правило, парадными портретами (портреты великого князя Павла Александровича, 1897, Третьяковская галерея; С. М. Боткиной, 1899, Ф. Ф. Юсупова, 1903, — оба в Русском музее в Ленинграде). В этих правдивых, совершенных по композиции и живописному исполнению произведениях, С. всё более последовательно использовал линейно-ритмические начала и декоративные цветовые сочетания. Одновременно в творчестве С. развивалось другое, противоположное направление: он часто писал интимно-задушевные, камерные портреты, преимущественно детей и женщин. В портретах детей С. стремился характерностью позы и жеста, всем цветовым решением выявить и подчеркнуть непосредственность внутреннего движения, душевную чистоту и ясность мировосприятия ребёнка («Дети», 1899, Русский музей; «Мика Морозов», 1901, Третьяковская галерея). С. часто обращался к различным графическим техникам — акварели (портрет С. М. Лукомской, 1900, Третьяковская галерея), пастели, литографии и пр. Рисунок С. постепенно становился всё более изысканным и экономным в использовании изобразительных средств, что особенно сказалось в поздний период (портреты В. И. Качалова, 1908, Т. П. Карсавиной, 1909, — оба в Третьяковской галерее; многочисленные рисунки к басням И. А. Крылова, 1895—1911, Третьяковская галерея, Русской музей и другие собрания). В 1890-х — начале 1900-х гг. С. часто обращался к пейзажно-жанровым композициям на крестьянские темы. Небольшие картины, выдержанные в единой тёплой серо-коричневой гамме, лишены повествовательных элементов — скромный пейзажный мотив передаёт настроение тихой и грустной сосредоточенности («Октябрь. Домотканово», 1895, Третьяковская галерея; «Баба в телеге», 1899, Русский музей). В дальнейшем в картинах на крестьянские сюжеты нарастало активно-романтическое начало, выявленное в декоративном решении («Стригуны на водопое», пастель, 1904, Третьяковская галерея). В поздний период (начало 1900-х гг.) С. связан с «Миром искусства» (членом объединения С. стал с момента его возникновения). На рубеже столетий происходит перелом в стилистических исканиях С.: в его творчестве окончательно исчезают черты импрессионизма и всё более последовательно развиваются принципы стиля «модерн», неизменно при этом сохраняется глубоко правдивое и реалистическое постижение природы и человека. В портрете нарастает тяготение к остроте социально-психологических характеристик, приобретающих необычайную глубину, и монументальности. В середине 1900-х гг. С. создаёт несколько героических портретных образов; избрав для них жанр парадного портрета, С. развивает прежнюю тему артистической личности, обретающей теперь большую свободу в выявлении своего таланта, его общественной значимости [портреты М. Горького (1904, музей А. М. Горького, Москва); М. Н. Ермоловой (1905), Ф. И. Шаляпина (уголь, 1905) — оба в Третьяковской галерее]. В портретах М. А. Морозова (1902), Г. Л. Гиршман (темпера, 1907), В. О. Гиршмана (1911; все в Третьяковской галерее), И. Рубинштейн (1910) и О. К. Орловой (1911; оба в Русский музее) С., выявляя некоторые черты в облике и характере модели (порой прибегая к гиперболизации и гротеску), придаёт им значение своеобразных формул социально-обусловленных черт в человеке. Демократические убеждения С. ярко проявились в годы Революции 1905—07: он создал ряд сатирических рисунков, разоблачающих карателей; будучи действительным членом петербургской АХ (с 1903), в 1905 ушёл из неё в знак протеста против расстрела 9 января. Большое место в позднем творчестве С. занимала историческая живопись. По мотивам и стремлению передать дух времени, не прибегая к изображению значительных исторических событий, она близка исторической живописи художников «Мира искусства», отличаясь от неё большим богатством оттенков в характеристике героев и обстановки («Выезд Петра II и цесаревны Елизаветы Петровны на охоту», 1900, Русский музей), глубиной постижения исторического содержания эпохи («Петр 1», темпера, 1907, Третьяковская галерея; см. илл.). В последние годы жизни С. создал несколько вариантов картин на сюжеты из античной мифологии. Сочетая условность мифологического образа с реальным наблюдением натуры, обращаясь к традициям греческой архаики, С. даёт собственную, свободную от классицистической нормативности интерпретацию античности.

Лучшие произведения С. принадлежат к вершинам рус. реалистического искусства. Преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1897—1909). Ученики: П. В. Кузнецов, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, К. С. Петров-Водкин, Н. П. Ульянов, К. Ф. Юон.

Сёра Жорж Пьер

1859–1891

французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм»
Жорж Сера родился 2 декабря 1859 г. в Париже в богатой семье.

Его отец, Антуан-Кризостом Сёра, был юристом и уроженцем Шампани; мать, Эрнестин Февр, была парижанкой. Посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж.

В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек.

Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.

Жорж Сёра сначала изучал искусство с Джастином Лекуином, скульптором. После возвращения в Париж работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую.

Сёра, как и его друг — художник Синьяк, тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея.

В течение следующих двух лет осваивал искусство черно-белого рисунка. В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу — огромный живописный холст «Купальщики в Аньере».
После того, как его живопись была отклонена Парижским Салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа.

В 1884 он и другие художники (включая Максимильена Люса) сформировали Сосьете де Артиста Индепендэнтса. Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма.

Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Островом Ла Гранде Жатта».

В определенный период Сёра живет с моделью Маделин Ноблох, которую он изображает в работе «Jeune femme se poudrant».

Сера умер в Париже 29 марта 1891. Причина смерти Сёра сомнительна и была приписана форме менингита, пневмонии, инфекционному эндокардиту, и/или (наиболее вероятно) дифтерии.

Его сын умер две недели спустя от той же болезни. Похоронен он на кладбище Пер-Лашез.

Сиберехтс Ян/Siberechts Jan(Барокко, бытовой жанр, пейзаж)

1627–1703

 

Ян Сиберехтс (1627, Антверпен — 1703, Лондон) — фламандский художник-пейзажист, мастер пейзажа и бытового жанра.

Сын скульптора Я. Сиберехтса. Получил художественное образование у своего отца.

Работал в Антверпене. В 1649 году зарегистрирован в качестве мастера в гильдии Святого Луки в его родном городе.

В 1650 г., по-видимому, посетил Италию. Творчество Сиберехтса приходится в основном на 2-ю пол. XVII в., пору художественного спада искусства Фландрии, измельчания его образов и подражания иноземным образцам; завершая национальную линию во фламандской живописи, Сиберехтс писал в суховатой и холодной серебристой живописной манере, неоднократно варьируя одну и ту же тему, деревенские пейзажи со сценами крестьянской жизни — сельские фермы и постоялые дворы (Двор фермы, 1660; Ферма, 1664, обе — Брюссель, Королевский музей изящных искусств), простоватых крестьянок, стерегущих стада (Пастушка, 1666, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), непринужденно отдыхающих на обочине дороги (Пейзаж со спящими крестьянками, около 1667, Мюнхен, Старая пинакотека), тенистые броды лесных речек, через которые проходят, подоткнув подолы, женщины, крестьяне гонят стада, переезжают на повозках (В брод, 1669, Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; Брод, около 1672, Будапешт, Музей изобразительных искусств).

Тщательно выполненные картины Сиберехтса с их спокойным рассеянным светом, в отличие от работ современных ему фламандских живописцев, создававших вымышленные, чисто декоративные пейзажи, обращены к реальному образу природы родной страны.

В 1672 г. Сиберехтс переехал в Лондон по приглашению одного из лондонских аристократов для работы по украшению его дворца.

С 1670 и 1680 он много путешествовал по всей Англии и пользовался большим авторитетом среди представителей знати.

За эти годы он сделал много ландшафтных пейзажей, которые представляют большой исторический и топографический интерес, являясь одним из первых образцов данного жанра.

Его живопись оказала большое влияние на британский пейзаж.

Художник умер в Лондоне в 1703 году.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,

Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”.

Симкович Симка Файбусович/Simka Simkhovitch

1885–1943

 

 

Русский живописец, график и педагог(21 мая (2 июня) 1885, Новозыбков – 25 февраля 1949, Гринвич, штат Коннектикут, США).

Родился в семье мещанина-еврея в городке Новозыбков, Черниговской губернии (ныне это территория Брянской области).

В 1905 году 15-летний юноша поступил в Одесское художественное училище, где учился до 1911 года.

В сентябре 1911 года по рекомендации училища он был принят в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге на испытательный срок, но спустя три месяца был исключен, как не вошедший в трехпроцентную норму для иудеев.

В 1911–1912 годах проходил военную службу, служил рядовым 175-го Батуринского полка.
Осенью 1913 года был вновь зачислен в Академию художеств вольнослушателем, учился там до 1918 года.

В этом же, 1918 году художник принял участие в выставке картин и скульптур художников-евреев в Москве.

В 1919 году на петроградском конкурсе «Великая русская революция» Симкович получил первую премию.

А в 1922 году работы художника экспонировались на Международной книжной выставке во Флоренции.

В 1924 году Симкович вместе с семьей эмигрировал в США. Первые годы он жил в Нью-Йорке, в начале 1930-х переехал в Гринвич, штат Коннектикут, где со временем открыл художественную школу и работал в течение многих лет.

Художник писал натюрморты, пейзажи, портреты, жанровые сцены, картины на тему цирка и декоративные панно.

Обращался он в своем творчестве и к русским темам, о чем свидетельствуют картины «Конькобежцы», «Карусель», «Русский танец». Работы Симковича печатались в американских журналах.

Персональные выставки художника прошли в нью-йоркской галерее Mарии Штернер (1927-1931) и галерее «Миддлтон» (1940), принимал участие Симкович и во многих групповых выставках.

В том числе в таких престижных, как Всемирная ярмарка в Нью-Йорке (1939) и Биеннале Коркоран в Вашингтоне, округ Колумбия (1935-1947), а также в Национальной Академии дизайна в Нью-Йорке (1926, 1942, 1946, 1948), Музее Метрополитен (1940, 1942), Международном институте Карнеги в Питтсбурге (1933-1945) и Художественном институте в Чикаго (1932-1945).

В 1932 году художник получил II премию Белого Харриса и бронзовую медаль Художественного института Чикаго, в 1933 – III премию Художественного музея г. Вустера.

В 1946 году Симкович стал победителем Первого Национального конкурса литографов среди американских художников.

Симкович был также членом Бруклинского Общества художников, а еще он тесно сотрудничал с Музеем американского искусства Уитни, где неоднократно проходили его выставки.

Художник периодически выполнял заказы Администрации федеральных проектов в области искусства, он создал стенные росписи для федерального здания суда в городе Джексон, штат Миссисипи (1936) и в почтамте города Бофорт, штат Северная Каролина (1938).

В феврале 1949 года художник с семьей переехал в новый дом и студию в городе Милфорд, штат Коннектикут.

Во время переезда он заболел воспалением легких и скоропостижно скончался в конце февраля в возрасте 55 лет.

В этом же году Музей Уитни решил провести большую мемориальную выставку его работ, но вдова художника была так убита горем, что не нашла сил для общения и сотрудничества с кураторами выставки.

В результате выставка была отменена.
Работы Симковича широко представлены во многих известных музеях мира: Эрмитаже, Санкт-Петербург, Национальном музее Польши в Кракове, Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке, музее Брюса в Гринвиче, штат Коннектикут, музее искусств Гринвилл, штат Южная Каролина, Музеях искусств в Вустере, штат Массачусетс, и Уичите, штат Канзас,

В 2008–2009 годах картины Симковича экспонировались на выставке «Американские художники из Российской империи» в Русском музее и Третьяковской галерее.

Синьорелли Лука/Signorelli Luca(Раннее Возрождение)

1445-1523

 

Лука Синьорелли (итал. Luca Signorelli; 1445(50?) — 16 октября 1523) — итальянский живописец, представитель Умбрийской школы Раннего Возрождения.
Биография:

Родился и умер в Кортоне, в связи с чем некоторые источники называют его Лука из Кортоны.

Ученик Пьеро делла Франческа, он испытал также влияние Антонио Поллайоло в передаче анатомии человека и движения.

Работал во многих городах Средней Италии, как в центрах Возрождения, при дворах Лоренцо Медичи во Флоренции и Федериго да Монтефельтро в Урбино, так и в провинциальных.

В 1481—1482 годах принимал участие в оформлении Сикстинской капеллы в Риме, написав совместно с Бартоломео делла Гатта фреску «Сцены из жизни Моисея».

В Сикстинской капелле работал в одно время с Перуджино, влияние которого историки искусства отмечают во фресках Сеньорелли, исполненных для сакристии святилища в Лорето, а также в алтаре Святого Онуфрия для собора Перуджи (1484).

Часто бывал во Флоренции, в 1490 году написал для Лоренцо Великолепного знаменитую картину «Воспитание Пана» (погибла в Берлине во время Второй мировой войны) и тондо «Мадонна с младенцем» (Уффици).

Наибольшую известность Синьорелли принесли фрески в монастыре аббатства Монте Оливето Маджоре (Тоскана, 1496—1498) «История Святого Бенедикта» и «Конец мира» для капеллы Сан Брицио собора в Орвьето (1499—1502).

Фрески капеллы Сан Брицио, один из самых впечатляющих циклов на тему Апокалипсиса, представляют собой переход к живописи XVI века.

В полной мере здесь раскрылся талант Синьорелли — одного из блестящих рисовальщиков Ренессанса. Согласно источникам, Микеланджело вдохновился именно этим произведением, создавая свой «Страшный суд».

В 1512 году был назначен послом Кортоны во Флоренции.

Прекрасные рисунки Лука Синьорелли с изображением движущихся фигур были самыми строгими штудиями обнаженной натуры до Микеланджело. Синьорелли Лука писал великолепные рисунки и этюды: “Два обнаженных борца” (Британский музей, Лондон), “Четверо борющихся обнаженных” (Лувр, Париж). Этюды Синьорелли отличаются микеланджеловской динамичностью и пластичностью.

Они выполнен художником в связи с оформлением Капеллы Сан-Бридзио собора в Орвьето.

Последние годы жизни провёл в родном городе, где являлся главой мастерской.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”Рисс, Джонатан Б. Ренессанс Антихрист: Лука Синьорелли в Орвието Фрески, Принстон: Princeton University Press, 1995.Генри, Том; . Лоуренс Кантер (2002) Лука Синьорелли: The Complete Картины . Нью-Йорк: Риццоли.

Синьяк Гийом

1870–1924

Родился в г. Ренн, Франция, в 1870 г, умер в 1924 г. В 1889-1895 годах обучался в Академии Жюльен, в Париже.

В Академии у него было много учителей, в том числе Габриель Ферье, и Тони Робер-Флюери.

Тони Робер-Флюери был заметным историческим и жанровым художником.

Помимо изученного им академического стиля, во многих работах Сеньяка находят отражение классические темы и стили, в качестве примера может служить

использование прозрачных драпировок, покрывающих женское тело — напоминание о классическом стиле, как, в частности, в работах скульптора Фидия.

 

В 1897 году Гийом Сеньяк регулярно выставлялся в Салоне и был удостоен нескольких наград.

Синьяк Поль

1863–1935

Синьяк, Поль (Signac, Paul) (1863–1935), французский художник и теоретик искусства; родился 1 ноября 1863 г. в Париже.

Учился живописи самостоятельно, испытывая влияние таких мастеров, как Клод Моне, Жорж Сёра, Камиль Писсарро.

В середине 1889-х гг. вместе с Сёра разработал живописную технику пуантилизма.

В 1884 Синьяк вместе с Жоржем Сёра участвовал в создании «Салона независимых».

Сёра благодаря Синьяку ближе познакомился с импрессионистическими методами работы с цветом, а Синьяк увлекся дивизионизмом — методом разложения цвета, который разработал Сёра.

В 1886 оба художника принимали участие в последней выставке импрессионистов; тогда впервые официально прозвучало название нового направления в живописи, исходящего от опыта импрессионистов и пришедшего им на смену, — неоимпрессионизм.

Значительная часть его произведений, написанных строго упорядоченными небольшими квадратными мазками, напоминающими мозаику, — это виды французских портов и знаменитых приморских городов, таких, как Венеция и Константинополь.

С 1912 и до смерти 15 августа 1935 Синьяк был президентом Салона независимых. В течение всего этого времени он ревностно хранил его традиции, основывавшиеся на принципах либерализма и поддержки молодых талантливых художников.

Уже при жизни художник был признанным классиком.

В 1911 он был награждён Орденом Почётного легиона.

Был активным общественным деятелем, идейно близким к Французской коммунистической партии.

 

В 1930-е годы посетил СССР.

Синьяк умер 15 августа 1935 г. в Париже.

Сислей Альфред

1839–1899

Французский живописец. Представитель импрессионизма.

Общеизвестно начало движения французских импрессионистов — с «Салона отверженных» 1863 года, с выставок у Надара 1872 года и с нашумевшей экспозиции «Независимых» в апреле 1874 года на парижском бульваре Капуцинок, подарившей название всему направлению.

Куда меньше известно начало художника Альфреда Сислея, чья неброская изысканность не сразу замечалась. С появлением картин Сислея не связано особых сенсаций, но это ничуть не снижает неоспоримой ценности и своеобразия его творчества.

По месту рождения и склонностям неотделимый от Франции, он тем не менее до конца жизни числился англичанином по происхождению. Родившийся в Париже и восемнадцати лет посланный в Англию учиться коммерции, Альфред вместо того увлекся живописными откровениями Констебла и Боннингтона и одним из первых «открыл» для французов пейзажное новаторство Тернера.

По возвращении в Париж Сислей поступил в мастерскую художника Глейра, где подружился с Клодом Моне, Огюстом Ренуаром и Фредериком Вазилем. Скоро разочаровавшись в академическом обучении, все четверо бросают занятия у Глейра.

Намереваясь найти прекрасное в обычном, молодые новаторы поселились в Шайи близ Фонтенбло. С тех пор навсегда определились мотивы Сислея — изображению столицы он предпочитает ее скромные окрестности и малоприметные уголки провинциальных городов.

В 1866 году Сислей работает в Марлотте с Ренуаром, в 1867-м — в Онфлере с Базилем. Затем последовал любимый всеми импрессионистами Аржантей и, наконец, Порт Марли, особо полюбившийся Сислею. Одна только тема наводнения в Порт Марли составила у него целую серию.

Во время франко-прусской войны Сислей как британский подданный находился в Лондоне, где завязал весьма полезное знакомство с Дюран-Рюэлем, который вскоре стал покровителем всех импрессионистов, устроителем их выставок в своих галереях во Франции и за рубежом.

Впервые в художественной критике имя Сислея упомянуто рядом с товарищами в памятном для всех 1874 году, и это не случайно: после поражения Коммуны во французском искусстве на первый план выдвигается уже не открытый революционно-демократический пафос Домье и Милле, а менее социально заостренные формы протеста — революцию в живописи производит правдивая передача повседневной изменчивой жизни природы.

В отличие от своих предшественников — барбизонцев, писавших пейзаж с натуры, но предпочитавших завершать картину в стонах мастерской, Сислей с товарищами весь процесс создания картины переносят на природу.

В непосредственности натурного этюда пленэристы нашли неисчерпаемые живописные возможности, которые привели к невиданному доселе высветлению палитры, к господству чистых несмешанных красок.

Как всех импрессионистов, Сислея в картине занимает не сюжет, а тончайшие особенности природных состояний, света и цвета. Ненасытный в постижении мастерства, художник не стыдился учиться у сверстников.

Так, вместе с К.Писсарро он писал зимние пейзажи в Лувесьенне ради изучения открытых импрессионистами рефлексов и цветных теней, в другое время живопись Сислея находилась под воздействием Ренуара и Клода Моне.

Тем не менее его собственная утонченная индивидуальность прорывалась сквозь все влияния благодаря особой неповторимости его контакта с природой, более уравновешенного, непритязательного и естественного, чем у друзей. В этом Сислей объявил себя наследником Коро, что привело в итоге к большей, чем у соратников, простоте.

Вода и небо — его основные «герои», и только затем — земля, растительность, постройки, люди. Он запечатлел морское побережье, озера и реки с рыбачьими лодками в различных состояниях в разное время года, создав в живописи негромкую, но подлинную поэму вод Иль-де-Франса.

Текучесть воды воплощала для Сислея вечную подвижность самой жизни, но небу он уделял еще больше места. Оно является не просто фоном, но, создавая в пейзаже глубину, подвижно-изменчивым светом своим объединяет все вещи в природе.

Оно придает цельность обобщения лаконичным картинам, подобным «Берегу Сены в Сен-Мамме», где только песок, волны и солнечный свет создают всю полноту гармонии.

Не напрасно художник испытывал стойкое влечение к музыке, любовь к которой воспитала в нем мать, а затем развило совместное музицирование с Фредериком Базилем.

Сислей писал, что музыкальная фраза составляет как бы часть его самого — музыкально окрашена вся его живопись. Из-за этого он часто намеренно сводит весь колористический строй картины к одному единственному тональному ключу — голубому. как в «Наводнении в Порт Марли», или серому, как в «Ветреном дне в Вене».

Сложившись к началу 80-х годов, манера Сислея, не в пример Писсарро или Мане, впоследствии мало менялась.

Сдержанный и застенчивый, сосредоточенный исключительно на работе, художник испытывал мало интереса к декларациям и еще меньше к воспринимавшей импрессионизм буржуазной публике и мнению профессионалов, ежевечерне разговаривавшихся в парижских кафе.

Тем не менее именно его, молчаливого, но неизменно надежного, выбирали обычно в комиссии по устройству выставок и для принятия важнейших для всей группы решений.

После бульвара Капуцинок Сислей участвовал в импрессионистских экспозициях 1876 и 1877 годов, но затем отошел от выставок. Всецело отдавшись одной живописи, общаясь только с семьей, он ведет полунищее существование, получая ничтожные суммы за свои картины и все глубже увязая в долгах.

Но главное, возрастает его одиночество и отчуждение от коллег. С 1882 года Сислей вообще оставляет традиционные встречи импрессионистов. Радостный свет остается только в его пейзажах.

И в 90-е годы художник не добился того успеха, какой к тому времени обрели Писсарро, Ренуар и Моне. В 1897 году Сислей делает последнюю отчаянную попытку вырваться из забвения при помощи персональной выставки.

То, что критика и на нее ответила дружным молчанием, стало для живописца последним ударом. Тогда только он вспомнил о товарищах юности и вызвал одного из них для прощания.

Через шесть дней по приезде Клода Моне — 26 января 1899 года Альфред Сислей угас в городке Морэ.

Когда на рубеже XX века произведения не дождавшегося признания мастера значительно поднялись в цене, стало ясно, что человек, вместе с Писсарро и Моне создавший расцвет национального пейзажа Франции, был отнюдь не второстепенным их спутником.

Место Альфреда Сислея в импрессионизме весьма значительно, хотя он немногое в нем изобрел. Сильнее коллег стремясь к ясности и доступности искусства, он ближе других импрессионистов стоял к музыкальности Коро и демократизму барбизонцев. С другой стороны, наиболее безыскусное искусство

Сислея дальше соратников пошло по пути художественного упрощения, ставшего краеугольным камнем открытий следующего поколения — постимпрессионистов. Место «тишайшего» из бунтарей — среди тех, кто отважно боролся за живость в живописи, за раскрепощение восприятия и самого искусства.

Скорел Ян ван/Scorel Jan van(Возрождение,романизм)

1495-1562

 

СКОРЕЛ, ЯН ВАН (SCOrel, Jan van), именуемый также Метр де ла Морт де Мари (родился в августе 1495, Скорел, близ Алкмара, Габсбургские Нидерланды — умер 06.12.1562, Утрехт), нидерландский гуманист, архитектор, инженер и живописец, который представил в Голландии стиль живописи итальянского Возрождения, так же как его учитель Ян Госсарт сделал это в Брюсселе.

Биография:
Ян ван Скорел родился в городке, называемом Схорл (Schoorl или Scorel), откуда и прозвище. Сначала готовился к карьере священнослужителя, благодаря чему получил обширное гуманистическое образование.

Живописи Скорел учился в Утрехте у Яна Госсарта (с 1516). Перед этим, вероятно, обучался у Я.Корнелица (Jacob Cornelisz) в Амстердаме.

С 1518 по 1524 художник путешествовал по Германии, Швейцарии, Италии. Лично знал Дюрера, брал у него уроки.

Совершил паломничество в Палестину. Вернувшись в 1521 г. в Рим, получил предложение от Адриана VI, также уроженца Утрехта, только что избранного папой римским, стать придворным художником Ватикана.

В Риме Скорел занимал должность хранителя памятников Бельведера (1522—1524) — античной коллекции папы. (На этом посту ему предшествовал Рафаэль).

Писал портрет папы (сохранившееся изображение этого понтифика приписывается именно Скорелу, правда, качество вызывает сомнения).

Адриан VI занимал эту должность недолго — всего спустя два года, в 1524 г. он скончался. Видимо, в связи с этим Скорел покинул Италию.

В 1524 г. он вернулся в Утрехт, где принял сан. Став католическим священником, Скорел, тем не менее, продолжал писать картины и держать художественную мастерскую, был успешным преподавателем.

В 1550 г. ему доверили реставрацию «Гентского алтаря» братьев Эйков.

Предположительно, брал с собой в Италию ученика — Антониса Мора, которому будет суждено стать известным портретистом. Другой его ученик — Мартин ван Хеемскерк (Maerten van Heemskerck).

Кроме живописи, Скорел также писал стихи, был музыкантом и археологом-любителем, архитектором и инженером — всесторонне одаренным «человеком Эпохи Возрождения».

Творчество:

Он освоил художественные принципы «дунайской» и венецианской школ, в Риме изучил произведения Микеланджело и Рафаэля, а также античное искусство.

Во время его пребывания в Венеции большое влияние на Скорела оказал Джорджоне (особенно в пейзажах).

Считается, что именно он был одним из первых представителей Северного Возрождения, кто привил нидерландской живописи достижения и находки итальянского чинквеченто.

Портретная живопись Скорела отличается качеством, строгостью и реалистичностью, присущим национальной нидерландской школе, и находится в русле его великих предшественников (ван Эйк,).

К числу новшеств после посещения Италии относят большую свободу пейзажных фонов, античные архитектурные детали, большую театрализованность позирования моделей.

Портреты: «Агата ван Схонсховен» (1529, галерея Дория-Памфили, Рим), групповой портрет членов харлемского Иерусалимского братства (ок. 1527—1529, Центральный музей, Утрехт).

Данное произведение считается одним из первых в чреде голландских групповых портретов, которые будет создавать и Рембрандт.

В число произведений входят: «триптих со Святым семейством» (Sippenaltar) (1520, церковь Санкт-Мартин, Обервеллах в южной Австрии), триптих Локхорст с Входом в Иерусалим на центральной панели (ок. 1525—1527, Центральный музей, Утрехт), Принесение во храм (ок. 1528—1530, Художественно-исторический музей, Вена).

Очень многие из его алтарных произведений были уничтожены в ходе кальвинистического иконоборческого восстания в Нидерландах.
Ян ван Скорел «не только побывал в Германии, Австрии и Италии, но даже принял участие в паломничестве в Святую Землю, и имеются сведения, что в Иерусалиме до сих пор сохраняется одна из картин нидерландского мастера.

Оба мастера (Лука Лейденский и Ян ван Скорел) означают чрезвычайно много в смысле чисто живописной эволюции. Даже Мабюзе рядом с ними — еще «примитив» в технике; он работает согласно строгой, почти «иконописной» методе, с чрезвычайной тщательностью вылепляя каждую подробность.

У Скореля появляется та легкость, та бойкость, которым он мог научиться у Перино и у Полидоро в бытность свою придворным художником при папе-голландце Адриане VI.

При этом краски и Скореля и Лукаса не менее прозрачны и ярки, нежели у кого-либо из нидерландцев, а кисть их уже любит «щеголять» широким мазком.

Если согласиться с гипотезой Вурцбаха, идентифицирующего Скореля с «Мастером Смерти Марии», то в этом сложном и плодовитом художнике мы увидим одну из самых значительных фигур истории живописи.

Но если даже это не так, если ограничиться для изучения личности Скореля лишь теми немногими достоверными его произведениями, которые сохранились в нидерландских собраниях, в Обер-Веллахе, в Касселе, в Дрездене и в Вене, то и тогда нас должны поразить как необычайная восприимчивость мастера, так и уверенная свобода его творчества, совершенно чуждого оттенка робости.

Один из ведущих мастеров романизма, Скорел привнес в нидерландскую живопись замеченные им у художников венецианской школы свежесть богатого оттенками колорита, умелую передачу солнечного освещения, поэтичные пейзажные фоны (“Въезд Христа в Иерусалим”, Центральный музей, Утрехт; “Мария Магдалина”, Государственный музей, Амстердам).Скорел успешно объединил в своем творчестве идеализм итальянского Ренессанса и натурализм североевропейского искусства, завещав созданный им стиль последующим поколениям голландских художников.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Александр Бенуа «История живописи».Jan van Scorel in the Web Gallery of Art, Artcyclopedia,

Скотти Михаил Иванович(Исторический и портретный жанр)

1814–1861

 

Михаил Иванович Скотти (итал. Scotti Michel Angelo (Michelagnolo) Pietro; 17 [29] октября 1814, Санкт-Петербург, Российская империя — 22 февраля [11 марта] 1861, Париж, Франция) — русский исторический и портретный живописец, акварелист, академик, профессор исторической живописи Императорской Академии художеств.

Один из представителей династии итальянских живописцев-декораторов, сын художника Ивана Карловича Скотти (итал. Giovanni Battista Scotti) (1776-1830).

Родился в Санкт-Петербурге в 1814 году в семье итальянского гравера и декоратора Ивана Карловича Скотти.

Будучи подростком лишился родителей. После смерти своего отца воспитывался в доме известного художника и профессора Академии художеств Алексея Егоровича Егорова.
Осваивал художественное мастерство в доме опекуна, посещал классы Академии художеств в качестве вольноприходящего воспитанника.

За свои успехи в рисовании Скотти получил в 1831-1832 годах малую и большую серебряные медали, а в 1835 за картину «Патриотизм нижегородских граждан в 1612 году» был награжден малой золотой медалью и выпущен из академии в 1835 году с присвоением звания классного художника.

После окончания Академии зарабатывал на жизнь и творчество писанием портретов петербургских сановников и известных вельмож.

В 1839 году вместе с семейством графа Павла Ивановича Кутайсова отправился в Италию, где прожил до 1844 года, занимаясь преимущественно изображением сцен местного быта, народных типов и видов природы.

В эти годы своего первого пребывания в Италии Михаил Иванович Скотти создает свои лучшие картины, связанные с бытом и нравами итальянцев. После возвращения в Санкт-Петербург Скотти ездил на короткий срок в Константинополь для устройства из образов собственной работы иконостаса в церкви русского посольства.

В Константинополе художник провел зиму 1844–1845 года, он исполнил многочисленные акварельные листы, представляющие колоритную восточную жизнь: «Кафе в Константинополе», «Мусульманка», «Сцена у фонтана», «В гареме», «Дервиши», «Внутренность комнаты» и другие.

В 1845 году Скотти был возведен в звание академика, как художник, заслуживший известность своими итальянскими и турецкими работами.

С 1849 по 1856 год Скотти служил преподавателем живописи и инспектором классов в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

В 1855 году за образа, написанные для церкви Святого Мученика Мирония лейб-гвардии Егерского полка, художник получил звание профессора.

Расставшись с Московским училищем, Скотти вновь отправился в милую сердцу Италию. Скотти был хороший рисовальщик, искусно работавший как масляными красками, так и акварелью и карандашом.

Из произведений живописца религиозной тематики, сверх вышеупомянутых образов в Константинопольской и лейб-гвардии егерской церквях, заслуживают внимания образа в соборе Мраморного дворца и церкви в столичном Конногвардейском полку, в Санкт-Петербургском и в Гатчинском городских соборах.

Среди лучших картин художника: «Минин и Пожарский», «Итальянка с розаном в руках» и «Три разговаривающих неаполитанца» (в музее императора Александра III, в настоящее время Русский музей в Санкт-Петербурге).

Интересны многочисленные акварели Скотти, большинство которых находится в альбомах особ императорской фамилии, в особенности «Духовная процессия в Риме во время карнавала» и «Рынок оружия в Константинополе».Скотти Михаил Иванович умер в Париже в 1861 году.

По материалам: Википедия, Русский биографический словарь А. А. Половцова, Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Государственный Русский музей. Живопись. Первая половина XIX века. Каталог (К-Я).

Снейдерс Франс

1579–1657

Снейдерс (Snyders или Snijders), фламандский живописец. Учился у Питера Брейгеля Младшего и Хендрика ван Балена; с 1609, после посещения Италии, работал в Антверпене, сотрудничал с Рубенсом, писал в его картинах цветы, фрукты, животных. В самостоятельном творчестве Снейдерс начал с небольших натюрмортов, составленных из нескольких предметов, главным образом корзин и ваз с фруктами, затем перешел к монументальным полотнам большого формата с изображением размещенных на столах или прилавках груд битой дичи, фруктов, цветов и овощей. Воспевая богатство природы и изобилие даров земли, Снейдерс любовно передавал форму, фактуру и цвет предметов, объединяя их в роскошные декоративные композиции, выдержанные в спокойной нарядной гамме (серия картин с изображением мясных, рыбных и фруктовых лавок, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург и другие собрания; “Кладовая”, Музей старинного искусства, Брюссель). Фигуры людей в натюрмортах Снейдерса чаще всего исполняли другие живописцы, в том числе Антонис ван Дейк и Якоб Йорданс. В поздний период творчества Снейдерс писал также охотничьи сцены (“Охота на оленя”; “Диана после охоты”и другие картины).
Картина Франса Снейдерса “Натюрморт с дичью”.
Среди домашней и дикой птицы, в изобилии заполняющей рыночный прилавок, щегольски одетый молодой человек держит мертвого павлина. Две его собаки готовы поддаться искушению при виде лакомых кусочков, представших перед ними. Снейдерс заботился о едином эффекте цвета, фактуры и настроения. Ни одна часть этого холста не осталась не проработанной, а в целом картина являет глазу гурмана пиршество, переданное с блестящим живописным мастерством и роскошным красочным колоритом. Снейдерс писал много бурных охотничьих сцен и стал первым художником, специализировавшимся в натюрмортах с изображением животных — больших композициях, представляющих фрукты, цветы, битую дичь. Его талант и щедрый живописный стиль высоко ценили современники, в том числе Якоб Иорданс и его близкий друг Питер Пауль Рубенс, с которым Снейдерс сотрудничал, исполняя в его картинах натюрморты и фрагменты с изображением животных в сценах яростных охотничьих схваток. Фламандский натюрморт.

В 17 веке натюрморт утвердился как самостоятельный жанр. В нем отразился интерес к материальному миру, зародившийся еще в нидерландской «живописи вещей» начала 15 столетия. Фламандские «лавки живности» поражают шумной жизнерадостностью и праздничной декоративностью. Полотна, крупные по размерам, яркие по колориту, служили украшением стен просторных дворцов фламандской знати, прославляя красоту земного бытия, богатство сельской жизни, плоды земли, моря, рек.
Крупным мастером монументального декоративного натюрморта из даров природы и «охотничьих сцен» был друг Рубенса живописец Франс Снайдерс (Снейдерс) (1579—1657). Натюрморты художника Снайдерса — это сказочно-щедрое изобилие различной снеди. Сочные плоды, овощи, битая птица, олени, кабаны, морские и речные рыбы нагромождены горами на больших дубовых столах кладовых и лавок («Натюрморт с лебедем», Москва, Государственный музей изобразительного искусства имени А. С. Пушкина), заполняя все живописное пространство — предметы заслоняют друг друга, свисают со столов и надают на пол. Яркие контрастные краски, разнообразные фактуры выделяют их на нейтральном фоне, выявляют их декоративные качества. Преувеличенные в масштабах предметы кажутся наделенными необычайной жизненной силой, беспокойные линии, их очерчивающие, порождают динамичный бурный ритм. Однако равновесие цветовых масс, четкие горизонтали столов и лавок организуют композиции, создают впечатление целостности, монументальности.

Выполненная Франсом Снайдерсом серия «лавок» для загородного охотничьего дворца архиепископа Триста в городе Брюгге (1620-е годы, Санкт-Петербург, Эрмитаж) ярко характеризует его творчество.

Содома/Sodoma(Ренессанс)

1477-1549

 

Содома (итал. Il Sodoma, собственное имя Giovanni Antonio Bazzi, 1477, Верчелли, Пьемонт — 15 февраля 1549, Сиена) — итальянский художник сиенской школы живописи.

Содома принадлежит к выдающимся художникам Высокого Возрождения и раннего маньеризма. В XVII и XVIII веках его считали второстепенным живописцем, однако, начиная с XIX века интерес к нему возрос, и в дальнейшем художник занял надлежащее место в ряду великих мастеров.

Родился в Верчелли близ Савойи. C 1498 года состоял в обучении у Леонардо да Винчи в Милане, а в 1501 переехал в Сиену, где выполнил несколько фресок и живописных полотен.

В 1505 году Содома создал крупный цикл фресок по мотивам жизни святого Бенедикта для монастыря Монте-Оливето-Маджоре, а также «Снятие с креста» (сейчас находится в Музее Сиены).

Считается, что фон на этой картине вдохновлен работами нидерландского живописца Яна ван Эйка, хотя многие итальянские художники, в частности Леонардо да Винчи, на фонах своих картин также изображали пейзаж.

В эпоху Возрождения картины, подобные этой, нередко исполнялись мастерской — группой художников, работавших под руководством одного мастера.

Мастер создавал общую композицию и писал ключевые элементы картины, а его помощники — фон и второстепенные фигуры.

Несмотря на это, вся картина приписывалась самому мастеру. Родившийся в Ломбардии, Содома работал в Сиене и Риме, где исполнил множество заказов.

Джованни Антонио Бацци, по прозванию Содома, и ломбардец по происхождению, сложился как живописец под воздействием школы Леонардо да Винчи. Переселившись около 1500 года в Сиену, Содома стал наиболее известным среди сиенских мастеров первых десятилетий 16 века.

Содома работал как фрескист (росписи капеллы св. Екатерины церкви Сан Доменико, начатые в 1526 году, и в Палаццо Пубблико в Сиене) и как автор алтарных образов.

Приглашенный в Рим богатым банкиром Агостино Киджи, Содома участвовал в росписях его виллы Фарнезина. В лучшей из его фарнезинских фресок — «Бракосочетании Александра Македонского и Роксаны» — заметно воздействие Рафаэля. Мягкие женственные образы Содомы нередко несут в себе отпечаток слащавой красивости, как об этом свидетельствует одно из самых известных его произведений — созданный между 1525 и 1531 годами «Святой Себастьян» (Уффици).

В 1507—1509 годах Содома находился в Риме, где писал для Ватикана. В 1514 в Риме Содома написал свои самые известные фрески для виллы Фарнезина, а также «Александра перед семьей Дария» и «Свадьбу Александра Великого с Роксаной». Папа Лев X присвоил художнику рыцарское звание за портрет Лукреции.

В 1515 году Содома вернулся в Сиену, где в 1518 написал четыре фрески из истории Марии для оратория Сан-Бернардино. С 1518 по 1525 Содома по всей видимости находился в Верхней Италии, где познакомился с творчеством художников ломбардской школы.

С 1525 по 1537 год Содома проживал в Сиене. В 1525 художник начал работу над своим главным, проникнутым глубиной и правдивостью восприятия произведением — фресками по мотивам жития святой Екатерины в капелле Святых церкви Сан-Доменико, а также написал несколько портретов святых и «Воскресение» для сиенской ратуши.

Содома вел веселый образ жизни, его эксцентрическая сущность не позволяла художнику тщательно работать над зарисовками с природы и своими картинами.

Скончался Джованни Антонио Бацци 15 февраля 1549 года в Сиене.

Самое большое собрание произведений Содомы находится в Пинакотеке Сиены. Кроме знаменитого «Снятия с креста», там есть «Христос, привязанный к колонне», «Бичевание Христа», «Рождество Христово», «Святое семейство», «св. Екатерина Сиенская», «Юдифь» и фрески, снятые со стен церкви Санта Кроче.

За свою жизнь Содома написал множество «Мадонн с младенцем», теперь они хранятся в музеях Лондона, Рима, Милана, Турина, Балтимора, Филадельфии, Вашингтона, Вены, Мюнхена, Монтепульчано и Синалунги.

Три варианта изображения Лукреции находятся в Ганновере, Гамбурге и Турине.

Кроме этого, множество других картин на религиозные и мифологические темы хранятся в лучших музеях мира и частных коллекциях.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Солимена Франческо/Solimena Francesco(Барокко)

1657-1747

 

Франческо Солимена (итал. Francesco Solimena; 4 октября 1657, Канале-ди-Серино, Кампания — 3 апреля 1747, Барра близ Неаполя) — итальянский художник эпохи позднего барокко, один из крупнейших представителей неаполитанской школы живописи.В художественных кругах имел прозвище «Аббат Чиччо».
Жизнь и творчество:
Ф. Солимена родился в семье художника, и его первым преподавателем живописи был его отец, Анджело Солимена.

На его формирование оказали влияние росписи и картины Луки Джордано в церквях Неаполя.

Подражание караваджистским приемам Джордано проявилось в ранних работах художника — фресковых росписях в церкви Санта Мария донна Реджина и в церкви Джезу Нуово. Однако в изображении Солименой переживаний героев ощутима более глубокая эмоциональная трактовка, чем у Джордано, склонного к более поверхностному толкованию религиозных сюжетов.

В 1674 году Франческо приезжает в Неаполь, в котором провёл большую часть своей жизни. В 1702 году он проводит год в Монтекассино, а в 1700 и в 1707 годах живёт в Риме. В Неаполе Солимена первоначально работает вместе с художником Франческо ди Мария.

В период с 1723 по 1728 год Солимена проводит в Вене, здесь он работает над заказами принца и полководца Евгения Савойскогою Внешне Ф.Солимена был видным, представительным мужчиной и успешным художником — живопись сделала его весьма состоятельным человеком.

Иногда Ф.Солимена выполняет и архитектурные проекты — например, он строит в Неаполе себе дворец Palazzo Via San Potito и является автором фасада неаполитанской церкви Сан-Никола делла Карита. живопись же этого художника типична для времени барокко — здесь есть и рафинированная игра светотени, и ясность и чёткость линий. и склонность к драматизированию.

Особенно современники были покорены тщательностью выписанных им на полотне фигур и образов.

Этапными работами Франческо Солимена в Неаполе стали росписи плафона церкви Сан Доменико Маджоре и Джезу Нуово (эскиз хранится в Лувре), в которых сказались черты поздней манеры художника: более тяжелый колорит;

усилившейся рационализм композиционного и живописного решения, несмотря на бравурный мазок; некоторая застылость поз, жестов в изображении маленьких фигур святых, парящих среди мощных архитектурных сооружений.

Несмотря на то, что после 1674 года художник редко выезжает из Неаполя, он являлся одним из влиятельнейших мастеров живописи своего времени.

Среди его учеников следует назвать неаполитанского жанрового художника Гаспаре Травести, а также Себастьяно Конча, Франческо де Мура и австрийских художников барокко Даниеля Грана и Пауля Трогера.

Австрийские эпигоны не были чем-то необычниым, так как Неаполь после войны за Испанское наследство в течение некоторого времени принадлежал империи Габсбургов.

Среди покровителей и заказчиков Ф.Солимены были французский король Людовик XIV и великий полководец, австрийский фельдмаршал Евгений Савойский.Солимена играл видную роль в Академии художеств Неаполя.

По его инициативе в 1704 в Болонье (в 1733 — в Неаполе) был издан «Словарь итальянских живописцев» П. А. Орланди, а в 1742 — труд Б. Де Доменичи «История неаполитанской живописи».
Высоко ценились современниками портреты кисти Солимены. В его полотнах «Мужской портрет» (Венеция, собрание Сонино), «Мужской портрет» (Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) подчеркнут аристократизм портретируемых.

Портреты барочны по своему образному строю, о чем свидетельствуют величавость поз, элегантность пышных одежд, изображение моделей на фоне торжественных занавесов в кабинетах с книгами и пером, сквозь окна которых виден родовой замок. Светской утонченностью наделены портретные образы в полотне «Граф Альтан преклоняет колени перед австрийским императором Карлом VI» (Вена, Художественно-исторический музей), что, однако, не умаляет их внутренней холодности.

Среди работ художника выделяется «Автопортрет» Франческо Солимены (Неаполь, Национальный музей Сан Мартино), в котором живописец стремится подчеркнуть интеллектуальный характер творчества живописца, особенности его ремесла, изобразив себя в мастерской за мольбертом, рядом с созданными им стоящими на стайках холстами. Как всегда это рассказ о жизни, творчестве, судьбе художника.

Творчество Солимены оказало большое влияние на его учеников, работавших в первой половине 18 века в Риме, его живопись изучали С. Риччи, О. Фрагонар и другие известные мастера, многие из которых исполняли гравюры с его произведений. Солимена был очень плодовит и написал огромное количество портретов, пейзажей, картин на исторические сюжеты.

И все же к лучшим работам художника относят монументальные фрески в церкви Сан Паоло Маджоре в Неаполе.

Скончался Франческо Солимена в 1747 году Неаполе.

Полотна Ф. Солимены хранятся в крупнейших музеях Санкт-Петербурга (в Эрмитаже), Лондона (Национальная галерея), Нью-Йорка (Метрополитен-музей), Парижа (Лувр), Лос-Анджелеса (музей Поля Гетти), Вены Художественно-исторический музей, а также Неаполя, Миннеаполиса, Зальцбурга, Штуттгарта, Хьюстона и других городов.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”, Francesco Solimena on-line.

Сорокин Евграф Семенович(Исторический и религиозный жанр)

1821—1892

 

Евграф Семёнович Сорокин(1821—1892) — русский художник и педагог, мастер исторической, религиозной и жанровой живописи.

Биография:
Родился в 1821 году в Костромской губернии. Первоначальное художественное образование получил у провинциального ярославского иконописца.

Легкость, с какой давались Сорокину собственные композиции, обратила на молодого художника внимание местных заказчиков работ по церковной живописи.
Особенное участие в судьбе Сорокина принял настоятель храма, в росписи церкви которого принял участие молодой мастер.

По его совету, Сорокин написал к приезду императора Николая I в Ярославль картину: «Петр Великий за обедней в соборе замечает рисующего его портрет Андрея Матвеева и предугадывает в нем даровитого живописца».

Это произведение было представлено государю, который и повелел принять его в Академию художеств в 1841 году.

Сорокин обучался в Академии под руководством профессора Алексея Тарасовича Маркова. В 1845 году художник был награжден большой академической серебряной медалью за этюд с натуры.

В 1849 за картину «Ян Усмовец останавливает разъяренного быка», исполненную в рамках академической конкурсной программы, живописец был удостоен большой золотой медали.
Будучи затем отправлен от Академии художеств за границу с целью совершенствования в живописи, Сорокин посетил Германию, Бельгию, Францию, Испанию, Сирию и Египет.

По возвращении в Россию в 1859 году, художник поступил на службу в Московское училище живописи, ваяния и зодчества преподавателем живописи, где трудился до конца своей жизни. В 1861 году за написанную в Риме картину «Благовещение», получил звание академика.

Сорокин исполнил шесть образов в иконостасе и стенные изображения евангелистов Марка и Иоанна, Тайной Вечери, Спасителя во славе и Нагорной проповеди в Парижской православной церкви и написал фигуры святых Лаврентия и Стефана для северной и южной дверей и некоторые из образов в иконостасе Московского храма Христа Спасителя, а также окончил и частью исправил на стенах этого храма произведения Федора Бруни, оставшиеся недовершенными вследствие смерти маститого живописца.

За свои работы в храме Христа Спасителя Сорокин в 1878 году был удостоен звания профессора исторической живописи. В молодости Сорокин написал несколько сцен испанской и итальянской жизни, такие картины как, например, «Испанские цыгане» и «Свидание» (в картинной галерее Козьмы Солдатенкова в Москве) и «Нищая испанская девочка» (в Третьяковской галерее в Москве).

Картины хорошо скомпонованы, чисто написаны и вызывают заслуженное уважение к таланту мастера.

Вообще Сорокин был очень хороший рисовальщик, обладавший приятным, гармоничным колоритом, но долгое упражнение в юности иконописью, а потом следование канонам академической рутины наложили печать условности и холодности на его некоторые произведения.

Сорокин Евграф Семенович скончался в 1892 году в Москве.

По материалам: Википедия, Сорокин Евграф Семенович // Русский биографический словарь: В 25 т. / под наблюдением А. А. Половцова. 1896—1918, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907),

Соролья-и-Бастида Хоакин (Joaquín Sorolla y Bastida)

1863–1923

Хоакин Соролья-и-Бастида (Joaquín Sorolla y Bastida) — испанский живописец.

Считается крупнейшим представителем импрессионизма в Испании.

Хоакин Соролья-и-Бастида родился 27 февраля 1863 в Валенсии в семье торговца, которого тоже звали Хоакин, и его жены Консепсьон.

Сестра Конча родилась годом позже.

В августе 1865 дети остались сиротами, когда их родители умерли, предположительно от холеры.

О них впоследствии заботились их тети по материнской линии и дядя.

Соролья получил первоначальное художественное образование в своем родном городе.

В восемнадцать лет он отправился в Мадрид, где активно изучал работы мастеров живописи в музее Прадо.

После окончания военной службы, в двадцать два года Соролья получил грант, который позволил в течение четырех лет учиться живописи в Риме.

Побывал в Париже, познакомился с современной живописью, из которой выделил для себя произведения Жюля Бастьен-Лепажа и Адольфа Менцеля.

В 1888 году Соролья вернулся в Валенсию, чтобы жениться на Клотильде Гарсиа дель Кастильо, с которой он впервые встретился в 1879 году.

В 1890 году они переехали в Мадрид. К 1895 году у них будет трое детей: Мария, Хоакин, и Елена.

В последующее десятилетие к художнику пришел национальный и международный успех: его работы были награждены премиями в Испании и США, отмечены критикой и публикой на Парижских салонах.

Венцом стала экспозиция его работ на Всемирной выставке в Париже (1900), за которую он был награжден почетной медалью и орденом Почётного легиона, стал почетным членом художественных академий Парижа, Лиссабона и Валенсии.

После масштабной выставки в Париже в 1906 году, где было представлено около 500 его работ, Соролья получил звание офицера ордена Почетного легиона.

Выставки его полотен такого же размаха прошли в Великобритании и США.

В 1911 году Соролья подписал с американским магнатом и меценатом Арчером Хантингтоном контракт на серию картин об Испании, в которой представил быт испанских провинций (серия была завершена в 1919 и открыта для публики в 1926 году).

После инсульта, в 1920 году застигшего художника за мольбертом в собственном саду, был парализован в течение трех последних лет жизни. Соролья умер 10 августа 1923 года.

Отличался необычайной творческой энергией, оставил свыше 2000 произведений.

Вдова мастера передала его работы в дар Испанской республике.

Они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме и мастерской в Мадриде, который был открыт в 1932 году.

Американский промышленник и коллекционер Пол Гетти приобрел десять пейзажных полотен Сорольи для своего музея.

Работы художника находятся в крупнейших музейных собраниях мира от Берлина до Буэнос-Айреса.
По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.,Сайт художника.

Рафаэлла Спенс/Raphaella Spence(Гиперреализм)

1978–….

 

Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence)-современная английская художница.

Рафаэлла работает в жанре фотореализма (гиперреализма).Родилась в 1978 в Лондоне.

В конце 1970-х ее семья переехала во Францию, где Рафаэлла Спенс провела первые восемь лет своей жизни.

Когда семья возвратилась в Лондон, она начала обучение в художественной школе.

Ее первые живописные работы были академическими натюрмортами.

В двенадцать лет ее семья обосновалась в Италии, где она продолжила обучение в английской школе в св. Георгия в Риме.

Впечатленная видами умбрийской сельской местности, Рафаэлла Спенс обратилась к созданию фотореалистических пейзажей.

В 2000 состоялась ее первая персональная выставка в Италии, получившая общественное признание и признание критиков.

В 2003 состоялась ее первая персональная выставка в Соединенных Штатах в галерее Бернардуччи и Мейзеля в Нью-Йорке.

В 2004 выставка в Лондоне в галерее Элбимерл.

С тех пор ее картины постоянно участвуют в многочисленных групповых выставках работ художников-гиперреалистов в Европе и США.

Рафаэлла Спенс получила признание искусствоведов и критиков художественной прессы.

О ее творчестве можно найти одобрительные статьи в известных газетах и журналах, в том числе:

The International Herald Tribune, The Spectator, Arte di Giorgio Mondadori, Panorama, La Repubblica, Corriere Della Sera and Messaggero.

Картины Рафаэллы Спенс находятся во многих частных, общественных и корпоративных собраниях в Соединенных Штатах Америки, Канаде, Англии, России, Италии, Австрии и Германии.

Рафаэлла Спенс живет и работает в Италии.

По материалам: Энциклопедия “Ведущие современные мировые живописцы”, Персональный сайт художницы.

Спенслей Чарльз/Charles Spencelayh

1865–1958

 

Английский живописец, жанровый портретист, миниатюрист и гравер академического стиля, творивший с конца викторианской эпохи до середины XX века.

Чарльз родился в семье инженера-литейщика Генри Спенслея.

В 1885 году юноша поступил в Национальное художественное училище, позже переименованное в Королевский колледж искусств, в Южном Кенсингтоне. Во время учебы он получил приз на конкурсе за рисунок фигуры.

С 1892 года Спенслей учился в Королевской Академии художеств, после чего уехал в Париж, где выставлялся на Парижском Салоне.

Впрочем, надо отметить, что экспонировался художник преимущественно в Великобритании.

Между 1892 и 1958 годами, Спенслей показал более 30 картин в Королевской Академии, в том числе и свою знаменитую работу «Почему война» (1939), которая выиграла в Академии конкурс «Картина года».

Спенслей выставлялся в Новой галерее и галерее Альпина в Лондоне, Институте изобразительного искусства в Глазго, в галерее Уолкера, городских картинных галереях Ливерпуля и Манчестера и т.д.

Большая персональная выставка художника была проведена в 1936 году в художественной галерее Сандерленда.

В военное время художник часто «потворствовал» национальным чувствам, работая над патриотическими темами.

Его работы много печатались в календарях и поздравительных открытках, что приносило художнику неплохой доход.

Историки отмечают, что художник трепетно относился к названию своих картин, понимая, что от этого зависит их «продажеспособность».

Они вспоминают случай, как однажды, запустив одну из работ в производство почтовых открыток, Чарльз изменил уже имеющее название картины.

Потом он хвастался друзьям, потирая руки: «Не представляете, они пошли, как горячие пирожки».

Спенслей стал известен благодаря своим многочисленным живописным работам, но его не менее высоко ценили как акварелиста, гравера и мастера портретных миниатюр.

Художник был также одним из основателей Королевского общества художников-миниатюристов, присоединившись к нему в 1897 году.

Спенслей являлся почетным членом Королевского Общества художников Бирмингема (с 1928 года) и вице-президентом британского Общества акварелистов.

Среди поклонников художника был коллекционер Леви, он часто предоставлял Чарльзу и его семье для работы и отдыха свою резиденцию в Манчестере.

Художник был также любимцем королевы Марии, которая являлась поклонницей его творчества и страстно коллекционировала работы художника.

В 1924 году Спенслей даже написал миниатюрный (размером с почтовую марку) портрет короля Георга V для знаменитого игрушечного кукольного дома королевы.

Этот портрет был показан в 1924 году на выставке в Уэмбли, а в настоящее время хранится в Виндзоре. Королева Мария и принцесса Мария-Луиза написали художнику благодарственное письмо, которым он очень дорожил.

Сын Спенслея – Вернон (1891-1980) тоже стал художником и миниатюристом по слоновой кости. Он учился у отца и продолжил его викторианские традиции, работая в подобном стиле и добившись собственного успеха.

Чарльз Спенслей умер в июне 1958 года в Нортамптоне в возрасте 93 лет.
В Оксфордской энциклопедии написано, что художник оказался «устойчивым к современным событиям и направлениям в искусстве и продолжал традиции викторианской жанровой живописи даже во второй половине 20 века».

В одной из биографий художника я прочел: «Предметный мир его картин, где время как будто остановилось, очень многое может рассказать о викторианской эпохе».

Один из критиков назвал Спенслея «современным Мейсонье британских интерьеров». Другие критики отмечали, что многие из его бытовых сцен имеют почти фотографическую детализацию.

Писал Спенслей и натюрморты, среди которых известна картина «Яблоки» (1951).

Работы Спенслея представлены в галерее Тейт в Лондоне и музее Харриса, в художественных галереях Бредфорда, Манчестера и Престона.17 декабря 2009 года картина Спенслея «Старый дилер» была продана на аукционе Сотбис (Sotheby’s) за 345 тысяч фунтов стерлингов.

Спрингер Корнелис

1817–1891

Спрингер Корнелис(Cornelis Springer, 1817-1891) – Голландский художник 19-го столетия, известный своими пейзажами. Он оставил после себя более 650 работ в разных техниках. Многие работы Спрингера выставлены в голландских музеях, включая Рейксмюзеум (Rijksmuseum), Амстердамский музей (Amsterdam Museum), Дордрехтский музей (Dordrechts Museum), музей Тейлора (Teylers Museum) и многие другие.
Четвертый ребенок в семье, Корнелис появился на свет в 1817 году в Амстердаме (Amsterdam). В юности он был учеником своего отца, плотника и строителя Виллема Спрингера (Willem Springer, 1778–1857). Когда стало ясно, что у Корнелиса имеются способности к рисованию и живописи, его учителями стали Андрис де Вит (Andries de Wit), Хендрик Геррит тен Кате (Hendrik Gerrit ten Cate), Каспарус Карсен (Kasparus Karsen) и Якобус ван дер Сток (Jacobus van der Stok). Умению изготовить архитектурный чертеж и секретам перспективы его обучил старший брат, архитектор Хендрик Спрингер (Hendrik Springer).

Большую часть своей жизни Спрингер прожил в Амстердаме, но много ездил по Нидерландам (Netherlands), изучая особенности городов и деревень в разных провинциях, довольно долго жил в Германии (Germany). Со временем Спрингер стал членом амстердамского сообщества художников ‘Felix Meritis’ и был награжден золотой медалью за внутреннюю роспись церкви в 1847.
В 1865 году Спрингер был награжден бельгийским Орденом Леопольда I (Order of Leopold), а в 1878 году к нему и голландскому жанровому живописцу Йозефу Исраэлсу (Jozef Israëls) обратилось голландское правительство, с просьбой стать консультантами при строительстве нового здания Государственного музея или Рейксмюзеума.

Спрингер умер в 1891 году в городе Хилверсум (Hilversum). Его сын Леонард Спрингер (Leonard Springer) стал очень известным ландшафтным дизайнером.
Его наследие составляет около 650 восхитительных работ с потрясающими видами средневековых городишек на которых с фотографической достоверностью можно увидеть быт и повседневную жизнь людей того времени.

17 октября 2006 одна из лучших, по мнению самого художника, работ Спрингера — ‘Gezicht op de Westerstraat, Enkhuizen’ (‘Вид на Западную улицу в Энкхаузене’) — была продана на аукционе ‘Сотбис’ (Sotheby’s) в Амстердаме за 1,1 миллион евро, став, таким образом, самой дорогой картиной художника.

де Сталь Никола/Nicolas de Stael(Абстракционизм)

1914—1955

 

Никола де Сталь (фр. Nicolas de Staël, 5 января 1914, Санкт-Петербург — 16 марта 1955, Антиб, Франция) — французский живописец русского происхождения, один из крупнейших мастеров послевоенного европейского искусства.

Никола де Сталь родился 5 января 1914 года в Санкт-Петербурге в семье коменданта Петропавловской крепости, генерала русской армии, остзейского барона Владимира Шталь фон Гольштейна.

После революции, в 1919 году семья была вынуждена эмигрировать. Вырос Никола де Сталь в культурной, многоязычной среде.

В 1932 де Сталь поступил в Бельгийскую королевскую академию наук и искусств, открыл для себя творчество Рембрандта, Вермеера.

Путешествовал по Европе, жил в Париже, Марокко, Алжире, Испании, Италии. В 1936 году в Брюсселе состоялась первая выставка его работ, близких к традициям византийской иконописи.

В начале своей творческой карьеры де Сталь находился под сильным воздействием абстрактных произведений Жоржа Брака.

Большинство ранних работ де Сталя представляли собой чистые абстракции. С обретением внутренней творческой независимости художник стал создавать работы, в которых поэтика абстрактных образов была тесно связана с мотивами, навеянными реальностью.

Последующие годы Никола де Сталь жил в Ницце, где познакомился с Жаном Арпом, Соней и Робером Делоне.

Под их влиянием де Сталь обратился к абстрактному искусству и, уже пережив прежде влияние Сезанна, Матисса, Пикассо, Сутина, вполне самостоятельно синтезировал теперь выразительную нефигуративную манеру, параллельную поискам американского абстрактного экспрессионизма и французского ташизма.

В 1943 он вернулся в Париж, где познакомился с Жоржем Браком, в 1944 выставлялся вместе с Василием Кандинским в галерее Жанны Бюше, на следующий год там состоялась его персональная экспозиция.

Абстрактные композиции художника тех лет выстраиваются из мозаичных форм, вписанных в ячейки гибкой линейной решетки.

В дальнейшем линеарная структура утяжеляется, ее геометрия ломается: жесткие «балочные» конструкции, обозначенные пересечениями густых мазков, разрываются и рушатся словно под давлением собственного веса («Композиция», 1949, Париж, Национальный музей современного искусства; «Тяжкая жизнь», 1946, частное собрание).

Около 1949 года композиции де Сталя уподобляются массивной стене, выложенной из «планов-рельефов», нанесенных ножом или шпателем («Праздничный день», 1949, Париж, частное собрание; «Композиция», 1950, Лондон, галерея Тейт; «Композиция», 1951, частное собрание).

В картине «Крыши Парижа» (1952, Париж, Музей современного искусства) эта формальная система зрительно разрешается в определенную версию реальности (вид города с верхней точки).

Под впечатлением от декупажей Матисса де Сталь обогатил свою палитру сверкающими красками («Музыканты», 1953, Париж, Музей современного искусства; «Большая оранжевая обнаженная», 1953, Париж, частное собрание; «Коллаж на зеленом фоне», 1953, Париж, частное собрание). В пейзажах, написанных на юге Франции и в Сицилии, изображение медленно проступает сквозь монолитные блоки цветоформ («Агридженто», 1953, Цюрих, Кунстхаус).

В 1948 де Сталь подружился с живущим в Париже художником немецкого происхождения Джонни Фридлендером.

В начале 1950-х годов к де Сталю приходит известность в США и Великобритании, он иллюстрирует книги стихов Рене Шара (1951), Пьера Лекюира (1954).

Его палитра светлеет, он частично возвращается к фигуративности.

Изысканная тональная гамма картин де Сталя — источник их лирического звучания. Излюбленными темами фигуративных композиций зрелого периода творчества де Сталя являются музыканты, атлеты, обнаженная натура и натюрморты.

В 1953 де Сталь переживает тяжелый нервный кризис и укрывается на юге Франции, где неожиданно кончает самоубийством, выбросившись из окна своей антибской мастерской 16 марта 1955 года.

Творческий путь художника уместился в пятнадцать лет, при этом от него осталось свыше 1000 работ.

После самоубийства художника его творчество, преодолевшее антиномию абстракции — фигуративности, получило широкое признание. В 2003 г. 52 его полотна были показаны на выставке в Государственном Эрмитаже.

По материалам:Wikipedia, Никола де Сталь в музеях мира, lemondedesarts.com, Русское чудо с французским именем Николя де Сталь (Nicolas De Stael)

Стейнлен Теофиль-Александр/Steinlen Theophile(Модерн, графика)

1859–1923

 

Теофиль-Александр Стейнлен (фр. Théophile-Alexandre Steinlen; 10 ноября 1859 года, Лозанна — 14 декабря 1923 года, Париж) — французский и швейцарский художник, график и иллюстратор, работавший как в реалистическом стиле, так и в стиле модерн.

Родился Теофиль-Александр Стейнлен 10 ноября 1859 года в Лозанне.

Швейцарец по происхождению, Стейнлен с молодости жил в Париже, был тесно связан с демократической печатью, работал в книжной и журнальной графике, офорте и плакате.

Его герои — жители парижских предместий, рабочие, работницы, нищие, бездомные бродяги.

Художник сочувственно изображает их трудовую жизнь, быт, развлечения, их нужды. Стейнлен чуток к различным выражениям чувств и характеров своих героев.

Метко схватывая их движения, жесты и мимику, Стейнлен воссоздает жизнь уличной толпы.

Грустные интонаций переплетаются в его листах то с иронией, то с острым обличением. Так, в литографии «Хорошее общество» (1894) контраст худеньких голодных детей, роющихся в мусорной яме, и задорной собачки в нарядной попоне раскрывает тему социальной несправедливости.

Избранная высокая точка зрения усиливает ощущение затерянности детей в большом мире.
Т.-А.Стейнлен приехал в Париж в 1878 году и сперва работал техником-чертёжником. Через 5 лет он переезжает на Монмартр.

Здесь Стейнлен быстро познакомился и подружился с художественной и артистической средой Монмартра, в особенности с посетителями кабаре «Чёрный кот» — в первую очередь, с художниками Анри де Тулуз-Лотреком и Адольфом Вилеттом, а также с владельцем кабаре, поэтом и шансонье Аристидом Брюаном.

Авторству Стейнлена принадлежат многочисленные плакаты кабаре «Чёрный кот», кроме этого он иллюстрирует газеты, журналы и книги, сотрудничает в юмористических журналах, а в 1911 году вместе с друзьями начинает издавать газету «Юмористы».

Т.-А. Стейнлен стал знаменитым благодаря своим парижским плакатам, созданным около 1900 года, его сценам из ночной жизни Монмартра и, конечно, его «кошачьим» картинам и графике, сделавшим ему имя.

Другие грани таланта художника менее известны: его живопись, скульптура и графика посвящённые событиям Первой мировой войны, особенно событиям в Сербии и Бельгии.

Стейнлен был самоучкой, и тем не менее, наследником богатых художественных традиций.

В его работах чувствуется влияние творчества Делакруа, Домье, Доре и Мане. То распространение и та популярность, что имели работы Стейнлена в Париже во времена Belle Epoque, сделало художника центральной фигурой в европейском искусстве начала XX века; они стали источником вдохновения для многочисленных мастеров авангарда, в том числе и Пикассо.

В 1893 году художник впервые выставляет свои работы в парижском Салоне независимых, затем выставлялся в Салоне юмористов. Одна из последних обширных выставок работ Т.-А.Стейнлена проходила в сентябре 2008 — январе 2009 года в Кантональном музее изящных искусств, Лозанна.

Искусство Стейнлена сложилось в 1880 — 1900 годах, в период борьбы французского пролетариата за объединение и создание рабочей партии.

Стремление сделать искусство выразителем идей и чувств трудового люда определяет большое значение его творчества в развитии реализма нового типа.

Художник острого глаза, мгновенно и темпераментно реагировавший на события,

Стейнлен создал художественный стиль, соответствующий массовым формам графики и печати.

Он мастер легкой, эскизной манеры, трепетной беглой зарисовки, часто пользуется приемом смелых заливок, строит изображения на ярких контрастах света и тени, пользуется локальной раскраской и приемами народного лубка, что делает его художественный язык доходчивым и понятным.

Теофиль-Александр Стейнлен скончался 14 декабря 1923 года в Париже.

По материалам:: Wikipedia, Сайт с работами художника, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи.

Стен Ян/Steen Jan(Барокко, бытовой жанр)

1626–1679

 

Ян Хавикзоон Стен (Ян Стэн, нидерл. Jan Havickszoon Steen; ок. 1626, Лейден — до 3 февраля 1679, Лейден) — голландский живописец,непревзойденный мастер бытового жанра.

Ян Стен родился в 1626 году в Лейдене в семье пивовара.

Учился живописи Стен сначала у Николаса Кнюпфера в Утрехте, а затем, переехав в Харлем, в своем творчестве испытал влияние Дирка Галса и Адриана ван Остаде.

Окончательно же развил свой талант и манеру письма Стен под руководством художника Яна ван Гойена в Гааге.

Будучи учеником Яна ван Гойена, Стен поначалу писал пейзажи, но затем стал изображать сцены из жизни среднего класса.

Работал, как живописец, в Лейдене, а также в Делфте, Вармонде, Харлеме, Гааге.

Проживая в последнем из названных городов и занимаясь живописью, Стен в то же время держал на аренде пивоварню в Делфте.

В 1661 году Стен переселился в город Харлем, ставший в дальнейшем ареной самой блестящей творческой деятельности художника.

И, наконец, после смерти своего отца, в 1669 году, Стен окончательно поселился в Лейдене, где в 1672 открыл корчму с гостиничными номерами.

Стен писал портреты, пейзажи, библейские композиции (“Брак в Кане”, собрание Бейт, Лондон), но отдавал предпочтение бытовому жанру.

Картины Стена, пронизанные грубоватым, но добродушным народным юмором, отличаются острой, подчас сатирической характеристикой персонажей, живой наблюдательностью, занимательностью повествования, мастерством в передаче фигур, деталей обстановки и одежды (“Больная и врач”, “Гуляки”, “Игра в трик-трак”, 1667, — все в Эрмитаже, Санкт-Петербург; “Семья художника в веселом обществе”, около 1663, Маурицхёйс, Гаага).

Старинные биографы Стена — Хоубракен и Кампо Вейерман — представляют Яна Стена отчаянным кутилой и беспросыпным пьяницей; но их повествования и хроники о художнике не заслуживают доверия и обязаны своим происхождением, по всей вероятности, тому, что живописец нередко изображал кабацкие и не совсем приличные сюжеты, причем иногда выводил на передний план в жанровых сценах своих картин самого себя в неприглядном виде.

Как бы то ни было, Ян Стен — один из самых талантливых и характерных представителей голландского бытового жанра 17 века.

В 1660-1670-х годах художник Ян Стен был самым популярным из всех голландских жанристов.

Произведения Яна Стена в высшей степени оригинальны, проникнуты глубокой правдивостью, искренностью и юмором.

Рисунок в картинах художника иногда не отличается безусловной правильностью, но весьма выразителен и уверен; колорит — теплый и гармоничный; письмо — широкое, а иногда, особенно в изображении одежд и человеческого тела, тонкое и деликатное. Исчисленные достоинства присущи, однако, не всем работам Стена; некоторые из них — небрежны по рисунку и суховаты по письму.

Сын пивовара, он с 1654 года дополнил доход художника, став владельцем гостиницы. Безусловно, что картины и многие другие работы художника вдохновлены сценами веселья, свидетелем и участником которых был сам живописец.

Ян Стен черпал сюжеты для своих картин из быта всех слоев современного ему голландского общества и изображал в своих произведениях крестьянские пирушки, сцены в шинках и тавернах, модниц зажиточного класса, знатных голландских бюргеров и т. п. Картины Стена на библейские темы имеют также жанровый характер, не чуждый юмора.

Важнейшие произведения этого мастера: “Семейство художника”, “Клетка с попугаем” (Рейксмузеум, Амстердам), “Зубной врач”, “Зверинец», “Мнимая больная девушка», “Посещение доктора», “Как поют старики так свищет молодежь» (Маурицхейс, Гаага), “Вербовка солдат” и “Галантный подарок” (Королевский музей изящных искусств, Брюссель), “Брак в Кане Галилейской” (Картинная галерея, Дрезден), “Веселое общество” (Музей Берлин-Далем), “Ночная серенада” (Картинная галерея, Прага) и другие.

В Эрмитаже и Государственном музее изобразительных искусств находятся следующие картины Яна Стена: “Эсфирь пред Артаксерксом”, “Больная и врач”, “Летний праздник”, “Гуляки”, “Больной старик”, “Игроки в трик-трак”, “Крестьянская свадьба”, две “Сцены в таверне” и “Выбор между молодостью и старостью”.

Ян Стен является, пожалуй, самым жизнерадостным и остроумным живописцем Голландии 17 столетия и самым известным художником-жанристом, благодаря юмористическим бытовым сценам в своих картинах, наполненных теплой сердечностью, добродушием и беззлобной иронией, в которых художник рассматривает жизнь как обширную комедию нравов.

У Яна Стена не было никаких зарегистрированных учеников (за исключением Рихарда Брэкенберга), но работам художника широко подражали многие голландские живописцы еще при жизни мастера.

Точная дата кончины Яна Стена (как и причина смерти) не установлена, но известно, что художник был похоронен 3 февраля 1679 года в семейной могиле в Питерскерке на окраине Лейдена.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.,Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Картины художника в музеях мира., Работы художника.

Сторэй Джордж Адольф/George Adolphus Storey

1834-1919

 

Английский художник-портретист, мастер жанровой живописи и иллюстратор.
Джордж родился в Лондоне, с детства был увлечен рисованием.

В 1848 году он в возрасте 14 лет уехал к брату Уильяму, который учился в Париже, там Джордж и получил художественное образование в студии живописца Жан-Луи Дюлонга (Jean Louis Dulong, 1800-1868).

В Париже молодой человек застал буржуазную революцию 1848 года и даже был свидетелем разграбления апартаментов королевского дворца.

В 1850 году Сторэй вернулся в Англию и продолжил обучение в Лондоне в частной художественной Школе живописца, педагога, писателя, драматурга и критика Джеймса Мэтью Лея (James Matthews Leigh, 1808 — 20 апреля 1860).

Обучаясь в Академии Лея, Джордж Сторэй успевал посещать студию скульптора Уильяма Бенеса (William Behnes, 1795 — 3 января 1864), у которого брал уроки.

Свое художественное образование Сторэй продолжил в 1854 году в Школе Королевской академии художеств, где познакомился с Генри Стейси Марксом (Henry Stacy Marks, 13 сентября 1829 — 9 января 1898) – будущим активным участником художественного объединения «Клика Сент Джонс Вуда», поступившим в Академию в 1851-м.

Маркс и познакомил Сторэя со своими друзьями-художниками, которые стали позже основателями популярной в 1860-е группы «Клика Сент Джонс Вуда».

Кроме Маркса и Сторея, в группу объединились художники:
Джордж Данлоп Лесли (George Dunlop Leslie, 2 июля 1835 – 21 февраля 1921),
Филипп Гермоген Кальдерон (Philip Hermogenes Calderon, 3 мая 1833 – 30 апреля 1898),
Уильям Фредерик Йемс (William Frederick Yeames, 18 декабря 1835 – 3 мая 1918),
Джон Эван Ходгсон (John Evan Hodgson, 1 марта 1831 – 19 июня 1895)
и фотограф Дэвид Уилки Уинфилд (David Wilkie Wynfield, 1837-1887).

Следует особо отметить, что раннее творчество самого Сторэя было под сильным влиянием стиля прерафаэлитов.

Он считал себя последователем школы «Братства прерафаэлитов», но пристрастия художника изменились после поездки в Испанию, где художник провел больше года (1862-1863).

По возвращении он обнаружил, что его друзья по «Сент-Джонс-Вудской» группе увлечены темами и сюжетами эпохи Тюдоров и Стюартов, которые стали популярны у публики и прессы.

Поэтому Сторэй рьяно взялся за изучение костюмов, архитектуры и аксессуаров XVI и XVII веков, чтобы также заняться историко-бытовым жанром.

Постепенно художник изменил свой стиль, занимаясь помимо жанровой живописи портретами и книжной иллюстрацией.

Среди самых известных картин художника называют произведения «Старый солдат» (The Old Soldier, 1869), «Рождественские посетители» (Christmas Visitors, 1874), «Беда» (Mischief, 1897) и «Любовное письмо» (The Love Letter, 1901).

С членами группы Джордж сохранял дружбу на протяжении всей своей жизни.

Он часто совершал поездки с ними по Англии, в 1866 году проведя всё лето в замке Хевер в графстве Кент.

Именно там Сторэй написал имитацию картин голландских мастеров жанровой живописи XVII века Питера де Хоха и Жерара Терборха «Дети за завтраком», а также юмористическую зарисовку «После Вас». Самой известной картиной «голландской» темы считается работа Сторэя «Дуэт» (1869, Галерея Уолкера, Ливерпуль).

В 1868 и 1878 годах Джордж посетил Париж в компании с Джорджем Лесли, а в 1879 году путешествовал по Италии с Филиппом Кальдероном.

С 1853 года Сторэй стал выставляться в Королевской Академии, став постоянным экспонентом ежегодных выставок.

В 1876 году художник был избран ассоциированным членом Академии, а в 1914 году стал академиком.

В 1900 году он был избран профессором и стал преподавать в Академии теорию перспективы.

Кроме того, Сторэй читал лекции в различных Обществах искусства Лондона, а также обучал молодых любителей живописи в собственной студии. С 1874 по 1895 год Сторэй являлся членом лондонского «Клуба искусств».
Картины художника экспонировались также на выставках в Британском институте, в Королевском Обществе британских художников на Саффолк-стрит и Общества акварелистов.

 

В конце XIX века Сторэй перебрался жить в Хэмпстед, он тепло общался с художником Джеймсом МакНейлом Уистлером (James Abbot McNeill Whistler, 11 июля 1834 — 17 июля 1903), стал крестным отцом писателя Эдварда Майерстайна (Edward Harry William Meyerstein, 11 августа 1889 – 12 сентября 1952).

На протяжении всей своей жизни художник вел дневники, в которых писал о своих путешествиях, личных и профессиональных победах и неудачах.

На основе этих дневников в 1899 году он выпустил книгу воспоминаний «Эскизы из памяти» (Sketches from Memory), в которой содержится немало ценной информации о группе «Клика Сент-Джонс Вуд».

Еще Сторэй опубликовал книги о жизни и творчестве Мейссонье (1886)и Микеланджело, переведя для второй сонеты и стихи художника на английский язык.

В 1910 году был издан главный исследовательский труд Сторэя – книга «Теория и практика перспективы» (The Theory and Practice of Perspective), в которой художник подытожил свое многолетнее изучение и преподавание этого предмета.

Эта книга является популярным пособием для художников больше столетия после ее публикации.

Скончался Сторэй в своем доме в Хэмпстеде 29 июля 1919 года в возрасте 85 лет.
Источники – Википедия, электронные энциклопедии, музейные и аукционные сайты.

Стоун Маркус(Stone Marcus)

1840 – 1921

 

Знаменитый английский живописец, график, иллюстратор.

Родился в Лондоне в семье известного художника, члена Лондонской АХ, Ф. Стоуна, который был очень дружен с Ч. Диккенсом.

Учился живописи, рисунку, искусству иллюстрации у своего отца.

С 1858 регулярно принимал участие в выставках Лондонской АХ.

После смерти отца (в 1859) покровителем молодого художника стал Ч. Диккенс.

С этих пор М. Стоун иллюстрировал и оформлял многие книги известного романиста и других писателей.

Значительную часть творчества посвятил живописи.

В 1860-е увлекался военно-исторической тематикой, связанной с эпохой Наполеона и ирландской гражданской войны.

Создал большую галерею женских образов. Получил широкую известность как мастер сентиментальных сцен XVIII – ХIХ вв.

Имел много последователей, самые известные из них – У. Седлер и Г. Килберн.

В 1876 стал преподавателем Лондонской АХ, в 1886 – академиком.

Представлен во многих музеях Европы, в частности в собрании Лондонской АХ, Галерее Тейт и других.

Строцци Бернардо/Strozzi Bernardo(Позднее Барокко)

1581-1644

 

Бернардо Строцци (итал. Bernardo Strozzi, прозванный как Каппуччино (итал. il Cappuccino, «капуцин»), а также как Прете дженовезе (итал. il Prete genovese, «генуэзский священник»); ок.1581, Генуя — 2 августа 1644, Венеция) — итальянский художник.

Во многих отношениях Строцци является характерным натуралистом. Его также можно причислить к караваджистам.
Родился в 1581 году в Генуе.

Ученик Валерио Корте (Valerio Corte), также учился в Генуе в мастерской малоизвестного художника Сорри.Под воздействием творчества Питера Пауля Рубенса Бернардо Строцци приобщился к живописи барокко, в дальнейшем испытал влияние Караваджо.

В 1598 году в семнадцать лет Строцци вступил в орден капуцинов и поступил в капуцинский монастырь. Примерно в 1610 году, когда ему было около 29 лет, Строцци с разрешения генерала ордена покинул монастырь, чтобы стать светским священником и тем самым иметь возможность содержать свою семью, оставшуюся без средств.

Строцци писал монументальные, в духе Караваджо, жанровые сцены, трактованные в бытовом плане религиозные композиции (“Исцеление Товита”, около 1635, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Лучшие произведения Строцци (“Дудочник”, “Кухарка” — оба в Галерее Палаццо Россо, Генуя) отличаются свободной манерой письма, демократизмом, а иногда и остротой образов (“Старая кокетка”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).
Между 1614 и 1621 годом числился корабельным инженером Генуэзской республики.

В Генуе Бернардо познакомился с Симоном Вуэ и Орацио Джентилески, последователями Караваджо, что не преминуло сказаться на его манере живописи, как и знакомство с произведениями Рубенса, ван Дейка, работавшими в Генуе и оставившими там много своих картин.

В 1630 году после смерти матери орден капуцинов потребовал возвращения Строцци. Он же не пожелал возвращаться в монастырь, после чего его арестовали. Однако Строцци удалось бежать.

В 1631 году Бернардо Строцци, разочаровавшись в монашеской жизни, бежал из монастыря в Венецию.

В Венецию он приехал уже сложившимся мастером, хотя споры о том, когда сложился его индивидуальный стиль: в конце 1620-х годов в Генуе или в 1630-е годы в Венеции, ведутся до сих пор.

Проживая в Венеции, Строцци был вынужден опасаться преследования монастырских властей, стремившихся вернуть его в лоно церкви.

В Венеции он познакомился с живописными приемами местных мастеров, оценил живопись Доменико Фетти, Веронезе, Лисса.

В произведениях Бернардо Строцци венецианского периода ощущается более светлый колорит, они написаны с большим изяществом, легким подвижным мазков (“Святой Лаврентий раздает церковные сокровища беднякам” — церковь Сан Никколо деи Толентини, Венеция; “Ревекка и Елиазар”, Дрезден, Картинная Галерея).

В поздний период творчества Бернардо Строцци появляются полотна, свидетельствующие не только о возросшем живописном мастерстве, но и об интересе к более тонкой психологической мотивации образов (“Динарий кесаря”, Мюнхен, Старая пинакотека; “Проповедь Крестителя”, Вена, Художественно-исторический музей).

В поздний период художник обратился к портрету.

Звучный колорит в полотнах “Альвизе Гримани” (Вашингтон, Национальная галерея), “Портрет молодого человека” (Венеция, частное собрание), “Мальтийский рыцарь” (Милан, Пинакотека Брера) соответствует эмоциональному складу изображенных моделей, придает образам в этих парадных портретах в стиле Ван Дейка черты большей интимности.

Бернардо Строцци был одним из талантливых мастеров 17 столетия, живопись художника оказала большое влияние на мастеров Венеции последующего времени.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Работы художника в музеях мира.

Судковский Руфин Гаврилович

1850–1885

Судковский Руфин Гаврилович — живописец-пейзажист, учился сперва в очаковском духовном училище, а потом в одесской семинарии.

Но его тянуло в совсем иную область.

Постоянный вид моря с его чарующими эффектами поражал фантазию будущего художника, и он еще в эту пору пробовал воспроизводить их карандашом и кистью, с употреблением которых познакомился в рисовальной школе одесского общества любителей искусства.

В 1868 г. Судковский поступил учеником в Императорскую Академию Художеств. Здесь пробыл он три года и получил в 1870 г. две серебряных медали, малую поощрительную и большую, после чего отправился на родину.

Усердное писание этюдов на берегах Черного моря, а также поездка в 1874 г. в чужие края быстро подвинули Судковского вперед, развили его наблюдательность и улучшили технику.

В 1877 г., за представленные в академию работы свои, он получил звание классного художника 2-й степени, а через два года после того был повышен в классные художники 1-й степени.

Наконец, в 1882 г., академия присудила ему звание академика. Несмотря на кратковременность своей жизни, Судковский успел занять весьма видное место среди русских живописцев.

Морские виды, для которых мотивы доставляли ему преимущественно побережья Очакова и Одессы, свидетельствуют о том, что он превосходно изучил подвижную стихию во всех отношениях, они с поразительной верностью передают ее покой и движение, ее прозрачность и безбрежность, приветливую игру в ней солнечных или лунных лучей в тихую погоду, ее суровость и грозное величие во время бури.

Особенно удачными произведениями Судковского могут считаться: «Очаковская пристань» (находится в музее Александра III в Санкт-Петербурге), «Штиль» (там же), «Бурное море», «Затишье»(в галерее Третьяковых в Москве), «Буря близ Очакова» (1884 г.), «Полдень на Очаковском берегу» (1883 г.), «Ночью будет буря», «Кинбурнская коса после дождя», «Ловля сельдей» (1882 г.) и «Днепровские гирла». Альбом фототипических снимков с избранных его картин издан Ф. Булгаковым (Санкт-Петербург, 1897 г.).

де Сурбаран Франсиско/Francisco de Zurbaran

1598–1664

 

Франсиско де Сурбаран( 7 ноября 1598, Фуэнте-де-Кантос, провинция Эстремадура — 27 августа 1664, Мадрид)-испанский живописец, представитель севильской школы живописи.
Родился в 1598 г. в небольшом андалусском селении в семье крестьянина.
В 15-тилетнем возрасте Франсиско начинает обучение в мастерской малоизвестного севильского художника Педро Вильянуэва, который занимался тем, что раскрашивал деревянные скульптуры для монастырей.

Сурбаран посещал также мастерскую Франсиско Пачеко.
Учился в Севилье в школе Xуана де Роэласа и окончательно там обосновался в 1628 году.
В 1617—1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры — Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 г. непрерывно жил там.
В 19-тилетнем возрасте Сурбаран женился на дочери коновала Марии Паэс.
Через 6 или 7 лет Мария умерла, оставив мужу двух дочерей и сына. В 1625 г. Сурбаран взял в жены овдовевшую дочь богатого патриция Беатриче де Моралес.

В это же время Сурбаран получает свои первые заказы из Севильи.
В 1622 г. он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей.
В 1626 г. Сурбаран подписывает свой первый крупный контракт с доминиканским монастырем Сан-Пабло Эль Реаль в Севилье, для которого он написал цикл из 21 композиции (1626—1627 гг.), в том числе знаменитую картину «Христос на кресте».
В 1628—29 годах мастер получает два заказа, очень значительных для молодого живописца.

По одному из них Сурбаран сделал двадцать две картины из жизни основателя ордена мерседариев Педро Ноласко, освобождавшего христиан из мавританского плена («Явление апостола Петра св. Педро Ноласко»).
Другой заказ, выполненный совместно с Эррерой Старшим, заключался в написании серии картин из жизни св. Бонавентуры («Молитва св. Бонавентуры», 1629, Картинная галерея, Дрезден).
Полотно «Видение св. Родригеса», написанное по окончании обоих циклов, подводит итоги раннему творчеству художника и знаменует собой начало творческой зрелости.
К началу 1630-х гг. Сурбаран сложился как неповторимый живописец религиозных сцен.
Стиль и характер творчества Сурбарана определились уже в его ранней юности. Заказчиками его были, главным образом, богатые монастыри.

К их жизни и обращался Сурбаран в своих произведениях, написанных на религиозные сюжеты, а моделями ему служили сами монахи. В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни.
Ранние произведения Сурбарана проникнуты сильным влиянием Караваджо.Наряду с картинами на традиционные религиозные сюжеты («Апостол Андрей», «Спаситель», «Поклонение пастухов») Сурбаран живописует сцены из жизни монастырей, заимствует сюжеты для своих картин из монастырских легенд, изображает прославленных и канонизированных монахов. В 1628—1630 гг. Сурбаран пишет цикл картин о жизни св. Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.
В конце 1620-х гг. к Сурбарану приходит громкая слава.

Он становится главным художником города Севильи и персональным живописцем монастырей.
В 1631 г. Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Сурбаран работал также и в светских жанрах. Светских портретов у художника всего несколько. Наиболее известен из них «Портрет доктора прав» (собрание Гарднер, Бостон). По манере эти портреты напоминают стиль Веласкеса, с которым художник был очень дружен.
В 1634 г. художник совершил путешествие в Мадрид. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн Ретиро мастер отошёл от религиозной тематики.
В 1634 г. художник пишет серию картин «Подвиги Геракла» (Прадо, Мадрид), а также историко-монументальное полотно «Оборона Кадиса». В этих работах заметно влияние живописи Хусепе Риберы. За эту серию Сурбаран получил звание придворного художника.
Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника.

После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».
Лучшие произведения Сурбарана были выполнены в 1630-1640-е годы: это три цикла работ, созданные для церкви в Хересе, монастыря Гуадалупе и собора в Севилье.
Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника. Нужно отметить, что излюбленным светским жанром художника был натюрморт. Однако, получая заказы, главным образом, от монастырей, Сурбаран писал преимущественно на религиозные темы.
Следующий период жизни и творчества Сурбарана оказался менее удачным.
В 1639 г. умирает вторая жена художника. В 1644 г. Сурбаран женится в третий раз — на дочери золотых дел мастера Л. де Тордера. В последующие десять лет в семье родилось шестеро детей.

Чтобы обеспечить семью, Сурбаран берет огромные заказы от монастырей самых разных городов Южной Америки. Значительную роль в исполнении этих заказов сыграла мастерская художника.
В 1630-е—1640-е гг. Сурбаран нередко обращается к изображению женщин-святых («Св. Маргарита»). В поздний период творчества живопись Сурбарана становится более интимной и задушевной, он обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве.
В 1658 г. из-за финансовых затруднений Сурбаран переезжает в Мадрид, рассчитывая заручиться там поддержкой Веласкеса и получить заказы среди аристократов.

Но надежды художника не оправдались, его популярность шла на спад, несмотря на поддержку друга. В последние несколько лет, забытый всеми, Сурбаран влачит нищенское существование.
Умер Сурбаран в Мадриде 27 августа 1664 г.
Главный вклад Сурбарана в искусство барокко — необыкновенный сплав мистического и реального, будь то религиозная живопись, портрет или натюрморт.

Источники:Wikipedia , Энциклопедия испанской живописи.

Суриков Василий

1848–1916

Cуриков,Василий Ивановч(1848–1916), русский художник, мастер русской исторической картины; соединил традиции исторического романтизма с живописным новаторством. Родился в Красноярске 12 (24) января 1848 в семье канцелярского служащего, выходца из старинного казачьего рода. Первые уроки рисования получил у школьного учителя Н.В.Гребнева. В 1868 отправился в Петербург, где в 1869 поступил в Академию художеств; окончив Академию в 1875, с 1877 жил в Москве. Постоянно наезжал в Сибирь, бывал на Дону, Волге, в Крыму. В 1880–1890-е годы посетил Францию, Италию и ряд других стран Европы. Испытал особое влияние мастеров венецианского и испанского Возрождения и барокко, в особенности П.Веронезе и Д.Веласкеса.

Уже в студенческие годы проявил себя как мастер историко-ассоциативных образов (романтичный пейзаж Вид памятника Петру I в Петербурге, 1870, Русский музей, Петербург). В 1876–1877 создал эскизы на тему четырех вселенских соборов для украшения храма Христа Спасителя (ныне – в Русском музее). Переезд молодого художника в Москву, впечатления от старинной архитектуры «первопрестольной» сыграли важную роль в формировании его первого шедевра Утро стрелецкой казни, завершенного в 1881 (Третьяковская галерея, Москва). Избрав темой трагический итог первого стрелецкого бунта 1698 – казнь мятежников на Красной площади под личным присмотром Петра I, Суриков по сути показал великий конфликт русского Средневековья и русского Нового времени, из которого ни одна из сторон не выходит победительницей. При этом правда найденных в натуре деталей и типажей (каждый такой типаж – вроде стрельца с молитвенной свечой в руке – становился для художника предметом истовых поисков) лишь укрепляет «древний дух» образа (подмеченный И.Н.Крамским в письме к В.В.Стасову, 1884).

Свой дар выдающегося живописца-историка Суриков подтвердил в полотнах Меншиков в Березове (1883) и Боярыня Морозова (1887; обе картины – там же), тоже своего рода сложных и в то же время впечатляюще-целостных визуальных романах – о сибирской ссылке некогда могущественного петровского царедворца и об увозе в острог старообрядческой подвижницы. Красочная выразительность деталей сочетается с виртуозностью общей режиссуры. Всем этим трем «хоровым картинам» (как называл такого рода многофигурные сцены Стасов) не уступает и Взятие снежного городка (1891, Русский музей), посвященное уже целиком современной народной жизни – масленичной игре, представленной как веселая и в то же время сокрушительно-грозная стихия. Последующие «хоровые» полотна (Покорение Сибири Ермаком, 1895; Переход Суворова через Альпы, 1899; Степан Разин, 1903–1907; все в Русском музее) уже представляют определенного рода спад. Эпические сцены экспансии России в Сибири, антифранцузской кампании в Швейцарских Альпах и, наконец, эпизод из жизни любимого героя народных песен написаны виртуозно, но уже без того сложного и полифоничного драматизма, который отличает лучшие произведения мастера. Стремясь добиться максимальной убедительности образного действа, в поздних вещах Суриков уменьшает число фигур, параллельно усиливая выразительность красочной фактуры (Посещение царевной женского монастыря, 1912, Третьяковская галерея; Благовещение, 1914, Художественная галерея, Красноярск). В последнем случае мастер всецело примыкает к стилю модерн в его религиозном варианте.

Лучшие вещи Сурикова всегда выделялись своим замечательным – в высшей мере конструктивным, а не только декоративным – колоритом. Цветовой экспрессией впечатляют его поздние акварели, в особенности созданные в Испании, куда он в 1910 ездил со своим зятем, художником П.П.Кончаловским. Здесь он выступает предтечей новых течений в искусстве. О широте его взглядов свидетельствует и дружба с поэтом-символистом М.А.Волошиным, создавшим яркий очерк о творчестве мастера (впервые опубликован в журнале «Аполлон» в 1916). В поздние годы старый художник написал ряд лучших своих портретов (Автопортрет, 1913, Третьяковская галерея; и др.). Умер Суриков в Москве 6 (19) марта 1916.

Сулаж Пьер/Soulages Pierre(Абстракционизм)

1919-….

Пьер Сулаж (фр. Pierre Soulages; 24 декабря 1919, Родез, Франция) — французский художник-абстракционист.
В начале 1940-х годов Пьер Сулаж обучался живописи в Школе изящных искусств в Монпелье, полностью закончить курс помешала Вторая мировая война.

Родившись на юго-западе Франции, Сулаж в 1946 году переехал в Париж, где приступил к работе над своими картинами, полностью наполненными абстрактными реминисценциями о доисторических дольменах и романской пластике его родной местности Оверни.

Молодой художник обратил внимание на свою необычную живопись, выступив в Салоне Сверхнезависимых 1947 года.

Сулаж быстро завоевал известность, получив несколько престижных международных премий. Творчество начинающего художника высоко оценили корифеи авангарда, французские абстракционисты Франсуа Пикабиа и Фернан Леже.

Их привлекло прирожденное чувство цвета и непреложное умение организовывать картинное пространство.

В работах 1940-х энергичные мазки черной и коричневой краски складываются в монолитные калиграммы, напоминающие то иероглифические знаки, то сплетения древесных ветвей.

В картинах Сулажа основным формосозидающим элементом является мазок.

Его фактура, направление и скорость движения, перепады плотности и цветонасыщенности образуют «сюжет» картины, демонстрирующий темп и последовательность работы художника.

Господствующий черный цвет трактуется как некая первоматерия, наделенная даром морфогенеза, подобно материи самой природы.

Темные и черные тона с самого начала главенствовали в произведениях мастера. Прокладывались они широко и уверенно, очень широкими кистями, а то и специальными щетками, напоминающими швабры.

Никто из европейцев не прибегал к черному столь радикально.

Одержимость черным проистекает у Сулажа из стремления выразить субстанцию света, который для него чрезвычайно важен.

Черный, естественно задает наиболее мощный контраст.

В полотнах начала 1950-х кисть движется быстрыми уверенными зигзагами, смыкающимися в устойчивый центральный монолит («Живопись», 1953, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк; «Композиция», 1953, Галерея Тэйт, Лондон). Позднее пласты густой краски, наложенные широкой кистью, щеткой, ножом, шпателем, образуют массивные наслоения («Живопись», 1956, Музей современного искусства, Париж; «Живопись», 1959, частное собрание).

Многие композиции Сулажа строятся на решетчатых пересечениях широких полос, в которых черный цвет на ярком фоне блестит и переливается, как в хорошо выделанной коже.

В последних его картинах борозды краски образуют рельефную поверхность.

Много внимания он уделяет формату, осям и ритмическим эффектам, подчеркивая их то простым контрастом черного и белого, то использованием нескольких цветов.

Начиная с 1952 года, Пьер Сулаж увлекается созданием офортов, а с 1957 — литографии.

Серия картин, созданная с 1979, покрыта только краской черного цвета, но благодаря тому, что разные оттенки черного по-разному реагируют на свет, создается ощущение тонких цветовых переходов и полифонии.

В период с 1988 по 1994 год художником создано около 150 витражей для собора эпохи романского искусства на его родине в Оверни, близ Родеза.

Сквозная тема его работ — чёрный цвет.В 1979 был избран почетным членом Американской академии искусства и литературы.

Его картины были экспонированы в Эрмитаже и Третьяковской галерее (2001)

По материалам:Wikipedia,  Официальный сайт художника,  Biography, pictures at Galerie Birch.

Сулакруа Шарль Жозеф Фредерик

1825–1897

Французский художник.Родился в Монперье в 1825 году.

Поступил в парижскую Академию художеств 22 сентября 1845 в возрасте двадцати лет. Был учеником Рамнея, Корнелиуса и Дюмонта.

Дебютировал в Парижском Салоне в 1849 году.

Сулакруа написал много картин на темы историй о рыцарях.

Стал знаменитым, благодаря жанровым костюмированным сценам из жизни восемнадцатого столетия под такими названиями, например, как «Серенада» и «Прощание».

Художник также рисовал в неоклассическом стиле обнаженных женщин в изящных позах.

Однако, главной темой творчества Сулакруа стало жанровое описание жизни его богатых современников.

Считается, что он создал в живописи специальный тип «субретки».

Художник наряду с коллегами Реджианни и Риччи уделял большое внимание и любовно выписывал богатство структур в платьях, отлично репродуцировал шелк и атлас, в которые одевал своих изящных героинь, а также изображал интерьеры, в которых царила цветастость обивок и драпировках.

Картины Сулакруа изображают жизнь богатых французских семей, их ухаживания и флирт, игры с детьми и домашними животными.

Схап Хенри Адольф

1826–1870

Голландский живописец родился в 1826 году в городе Мехелен в семье художника.
С 12 лет обучался искусству живописи в антверпенской Академии художеств на одном курсе с Эгтдиусом Линингом.

Стал признанным мастером морского пейзажа, обладал великолепной и неповторимой живописной техникой.

Его работы 1850-х годов с большим успехом экспонируются в бельгийских Королевских музеях изящных искусств в Антверпене, Брюсселе и Остенде. Сделал успешную военную карьеру.
Умер в 1870году в Антверпене, где и похоронен.

Схелфхаут Андреас

1787–1870

Схелфхаут Андреас (нидерл. Andreas Schelfhout, род. 16 февраля 1787 г. Гаага — ум. 19 апреля 1870 г. Гаага) — нидерландский художник-пейзажист.

Схелфхаут был учеником театрального художника Иоганнеса Бреккенхеймера, однако основной темой его произведений стала пейзажная живопись.

В 28-летнем возрасте к нему пришло признание, после создания полотна «Зимний пейзаж». Зимние ландшафты, помимо видов родной Голландии, всегда особо привлекали внимание художника. Ранние работы А. Схелфхаута выполнены в стиле старых голландских мастеров; позднее мастер находит свой собственный «почерк», особенно ярко отражённый именно в его «зимних» картинах. Рисовал в основном небольшие, малоформатные полотна