Каба и Касамитьяна Антонио/Antonio Caba Casamitjana

1838–1907

Антонио Каба и Касамитьяна( Барселона , 1838 — Барселона, 1907 ) испанский художник, известный портретист, представитель реалистической живописи.

Специализировался на исторической живописи и реалистических портретах.

Обучался Каба и Касамитьяна в Школе изящных искусств в Барселоне у Габриэля Планелла, Пабло Мила Фонтанальс и Клаудио Лоренсале.

В 1863 году юноша получил от провинциального Совета Барселоны грант на продолжение учебы в Мадриде.

Антонио переезжает в столицу и поступает в Школу изящных искусств Сан-Фернандо в мастерскую Федерико де Мадрасо.

После окончания учебы художник побывал в Риме и Париже, где был учеником художника-фрескиста Карлоса Руиса Делароша (в некоторых источниках – дела Роша).

По возвращении в Испанию Каба и Касамитьяна оформил лицей Большого театра в Каталонии и частные резиденции богатых каталонцев.

В 1864 году художник получил вторую медаль на Национальной выставке изящных искусств за картину «La heroína de Perelada», в 1888 году на Международной выставке в Барселоне Антонио был награжден золотой медалью.

Несколько картин были приобретены музеем Прадо.

В 1874 году Каба и Касамитьяна был назначен доцентом в Академии художеств Сан-Фернандо в Мадриде, а позже профессором и с 1887 по 1901 год директором Школы изящных искусств в Барселоне.

Автопортрет художника находится сейчас в Музее современного искусства в Барселоне.

Источник:Википедия, Испанская энциклопедия живописи.

Кабанель Александр

1823–1889

Александр Кабанель (1823–1889) — французский художник.
Кабанель родился в 1823 году в Монпелье на юге Франции.
В 1840 году он поступил в Школу изящных искусств в мастерскую Франсуа Пико.

В 1845 году он был удостоен Большой Римской премии за картину «Христос перед судьями».дающую право на стажировку в Риме.

Ранние портретные работы свидетельствуют об уверенном профессионализме (Портрет Альфреда Брийа, 1840, Монпелье, Музей Фабра).

Член Академии художеств (1863), преуспевающий художник академической ориентации, член жюри Салона, активно выступавший против импрессионистов.

В 1863 году выставил на Салоне полотно «Рождение Венеры» — оно имело такой успех, что было куплено Наполеоном III для своей личной коллекции.

Прославился полотнами на мифологические и литературные сюжеты: Смерть Франчески да Римини и Паоло Малатеста (1870, Амьен, Музей Пикардии), Федра (1880, Монпелье, Музей Фабра).

Для его картин характерны выписанность деталей, достоверная передача фактуры тканей.

Композиции Кабанеля с обнаженной моделью отмечены налетом салонной красивости (Рождение Венеры, 1863, Париж, музей Орсе).Выполнил ряд монументально-декоративных работ: отель Перейр (1858—1864), отель де Сэ (1861), Жизнь св. Людовика (1878, Париж, Пантеон).

Кавел Франсуа Мартин (Francois Martin-Kavel)

1861–1931

Francois Martin-Kavel французский художник, о жизни которого имеются очень скудные сведения.

Родился и вырос в состоятельной семье.

Унаследовав состояние отца, в течение всей последующей жизни не нуждался материально, занимаясь любимым делом — живописью

Годы жизни 1861- 1931.

Один из признанных мастеров женского образа в живописи.

С исключительным мастерством писал женские образы на фоне различных пейзажей.

Франсуа Мартин Кавел  был одним из самых популярных французских живописцев тематики женского образа  своего времени.

Многие из его картин осели в коллекциях богатых американских коллекционеров живописи..

Он регулярно выставлялся в «Salon des Artistes Français», а в 1881 году был награждён медалью.

Кайботт Гюстав/Gustave Caillebotte(Импрессионизм)

1848-1896

Гюстав Кайботт (фр. Gustave Caillebotte)— французский коллекционер и живописец, представитель импрессионизма. Один из «отцов филателии».
Гюстав Кайботт родился 19 августа 1848 года в доме на парижской улице Фобур-Сен-Дени в семье богатого фабриканта и одновременно судьи Торгового трибунала Марсиаля Кайботта(1799—1874),и Селесте Дофрень (1819—1878).

Родители Гюстава были очень обеспеченными буржуа, принадлежавшими к «сливкам» парижского общества. Глава семьи обладал монопольным правом поставки сукна для всей французской армии.

В период 1857-1862 годов Гюстав обучался в православном лицее Людовика Великого в Париже, после окончания которого продолжил своё юридическое образование в Сорбонне , и в 1870 году получил лицензию на право заниматься юридической практикой.

В 1860 году семья приобрела поместье в Йере, живописном городке на одноимённой реке в 15 километрах от Парижа, и стала проводить там
каждое лето.

Красота окружающих пейзажей, очаровывала Гюстава. Как он сам признавался позже: «Красота окружающих мест вызывала непреодолимое желание перенести её на холст и поделиться с окружающими…» Именно в Йере Кайботт сделал свои первые шаги в живописи.

Многие картины художника изображали членов его семьи и их повседневную жизнь. На картине «Молодой человек у окна» (1875 г) запечатлен его брат Рене в доме на улице Миромениль, а на картине «Апельсиновые деревья» (1878 г.) изображён отец Марсиаль с двоюродной сестрой Зое в их саду в Йере; на «Портретах в сельской местности» (1875 г.) изображены мать Кайботта, его тётя, кузина и друг семьи.

Закончив обучение, Гюстав Кайботт принял решение посвятить себя живописи, тем более, что отец не препятствовал увлечению сына, и даже оборудовал для него художественную мастерскую в семейной усадьбе.

Планам Гюстава помешала разразившаяся франко-прусская война. Гюстава Кайботта забрали на фронт и о живописи пришлось на время забыть…. Демобилизовавшись из действующей армии в начале 1871 года, Кайботт продолжил свои занятия живописью.

В это время он посещает студию художника Леона Бонна, где изучает живопись и берёт у мэтра уроки мастерства.

В 1873 году Гюстав Кайботт поступил в Парижскую Академию изящных искусств, но учился в ней недолго. Судьба столкнула Кайботта с Эдгаром Дега и Джузеппе де Нитисом, художниками, опрокидывавшими своим творчеством устоявшиеся каноны классической французской живописи.

Импрессионизм не укладывался в рамки классической французской академии, отвергался критиками и не привлекал внимание любителей живописи. Но именно импрессионизм и художники, работавшие в этой манере притягивали внимание Гюстава Кайботта.

В 1874 году Дега ввёл Кайботта в круг импрессионистов. Кайботт посещает выставку импрессионистов 1874 года, но участия в ней не принимает.

В 1874 году умер отец Гюстава Кайботта. Горе Гюстава настолько велико, что он на некоторое время перестаёт писать.

После смерти матери в 1878 году, Гюстав и его братья стали наследниками огромного состояния. Финансовая независимость позволила Кайботту всецело заняться любимым делом.

Теперь он мог писать, не заботясь о сбыте своих работ. Финансовые возможности позволяли ему также финансово поддерживать своих коллег и друзей-импрессионистов(в том числе Клода Моне, Огюста Ренуара, Камиля Писарро и других), покупая их картины, финансируя выставки, а в случае с Моне — оплачивая аренду студии.

Его меценатство долгие годы оставляло в тени его поистине выдающееся художественное творчество. Художественное творчество Кайботта делится на два периода.

Стилистика картин Кайботта первого периода — реализм. Художник писал всё, что видел: обычные сцены, обычные городские улицы, обычных людей, которые занимались обычными повседневными делами или просто гуляли по Парижу.
Второй период — импрессионизм. Под влиянием художников-импрессионистов,и прежде всего Эдгара Дега, Джузеппе де Ниттиса, Гюстав Кайботт изменил свой стиль и стал писать в новой технике.

Реализм Кайботта, как и его предшественников Жана-Франсуа Милле и Гюстава Курбе, а также его современника Дега,изображал реальность такой какая она была на самом деле,и какой её видел художник. Кайботт полностью разделял приверженность импрессионистов к передаче реальности.

Много картин Гюстава Кайботта посвящены семейным сценам и пейзажам в Йере, но наиболее известными стали его работы , посвящённые Парижу: «Паркетчики» (1875 год), «Мост Европы»(1876 год) и «Дождливый день в Батиньольском квартале»(1877 год). Объединяющей особенностью этих картин является наклонная поверхность — характерная черта творчества Кайботта, возникшая под влиянием японской графики и новой технологии фотографии.

В некоторых своих работах художник использует очень высокий угол зрения, как, например, в изображении балконов в картинах «Крыши под снегом» (1878 год) и «Бульвар, вид сверху» (1880 год). Встречающиеся в его работах разнообразные приёмы увеличения и усечения явились следствием его повышенного интереса к приёмам фотографии.

В начале 90-х годов Кайботт перестал писать крупноформатные полотна и выставляться. Всё дело в том, что непрекращавшиеся конфликты с друзьями-художниками утомили его. В 1881 году он «опустил руки» и заявил:» Я разочарован и отступаю как Дега»

В 1881 году Кайботт приобрёл поместье в Пти Женневийю на берегах Сены близ Аржантёя и в 1888 году вместе со своей гражданской женой, актрисой Шарлот Бертье, которая была моложе его на 11 лет, переехали туда жить. В том же году его избрали городским советником.

В Пти Женневийю Гюстав Кайботт всё своё свободное время посвящал своим любимым увлечениям : живописи, парусному спорту, которым начал заниматься еще с 1876 года, и работе в саду, увлечениям, доставляющим ему одинаковое удовольствие.

Кайботт очень увлекался коллекционированием почтовых марок, в чём он настолько сильно преуспел, что был посмертно записан в почётный «Список выдающихся филателистов» как один из «отцов филателии». Его филателистическая коллекция теперь находится в Британском музее.

Кайботт проводил много времени с братом Марсиалем и другом Ренуаром, которые часто останавливались в Пти Женневийю.

21 февраля 1894 года Гюстав Кайботт скоропостижно скончался в саду своего дома в Пти Женневийю от кровоизлияния в мозг.

Всю свою богатейшую коллекцию картин своих друзей художников, 68 полотен, Гюстав Кайботт завещал правительству Франции.

Эта коллекция включала шестьдесят восемь картин различных художников: Камиля Писарро (19), Клода Моне (14), Пьера-Огюста Ренуара (10), Альфреда Сислея (9), Эдгара Дега (7), Поля Сезанна (5) и Эдуара Мане (4).
Гюстав Кайботт завещал разместить свою коллекцию в Люксембургском дворце, где находились работы современных художников, а затем в Лувре.

Французское правительство не согласилось с этими условиями. Душеприказчиком усопшего был друг Гюстава Кайботта, Пьер-Огюст Ренуар.

В феврале 1896 года французское правительство заключило соглашение с Ренуаром, согласно которому тридцать восемь картин были размещены в Люксембургском дворце.

Остальные двадцать девять картин (одну Ренуар взял в качестве оплаты за свои услуги душеприказчика) предлагались французскому правительству ещё дважды — в 1904 и 1908 годах, и оба раза был получен отказ. Когда правительство наконец попыталось потребовать их в 1928 году,этому воспротивилась вдова сына Кайботта. Большинство оставшихся работ были приобретены C. Альбертом Барнсом и в настоящее время принадлежат Фонду Барнса в Филадельфии.

Гюстав Кайботт был творцом, не поддающимся однозначной классификации. Выдающийся художник с репутацией мецената выше , чем репутация художника. Потребовалось более семидесяти лет для того, чтобы искусствоведы и историки смогли переосмыслить его художественное наследие,открыть миру новое имя, и воздать должное его художественному гению.

Нам же остаётся только присоединиться к этому, и наслаждаться тем, что оставил поистине ВЕЛИКИЙ МАСТЕР….

И напоследок, сорок работ самого Кайботта находятся сейчас в Музее Орсэ. Его полотно «Человек на балконе, бульвар Осман»,написанное в 1880 году, было продано в 2000 г. за более чем 14,3 миллионов долларов США. Другая картина, «Мужчина в ванной» (1884), была продана в 2011 г. за 17 миллионов долларов США. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г. Виртуальная галерея работ художника.

Калло Жак/Jacques Callot(Офорт)

1592-1635

Жак Калло́ (фр. Jacques Callot)— французский гравер и рисовальщик, мастер офорта, работавший в стиле маньеризм.
Внук стрелка гвардии герцога Лотарингского Карла III, наградившего его в 1584 году титулом дворянина, Жак Калло родился 18 марта 1592 года в столице мятежной провинции Лотарингии городе Нанси, в многодетной семье мастера церемоний при герцогском дворе Карла III, герцога Лотарингии, Жана Калло.

Его бабка была внучатой племянницей Жанны д`Арк. Страсть к рисованию у маленького Жака проявилась очень рано — уже в пятилетнем возрасте он начал старательно изображать всё, что увидел на улицах Нанси.

В пятнадцатилетнем возрасте Жак начал обучение в качестве ученика нансийского ювелира Д. Крока, но в 1609 году вместе с проходившим через город табором бродячих цыган пешком отправился учиться живописи в Италию.

В Риме поступил учеником в мастерскую известного гравёра того времени Антонио Темпесты. За годы учёбы у мастера в совершенстве освоил искусство офорта. С помощью своего учителя вы­полнил свою первую подписную резцовую гравюру «Порт­рет Карла III» (1610 год).

Согласно немецкому живопис­цу и теоретику искусства, И. фон Зандрарту (1609-1684), который собрал обширную информацию о французской колонии художников в Риме, Жак Калло был учеником Белланжа.

В 1611 году Калло переехал во Флоренцию, где в 1612 году поступил учиться в мастерскую Джулио Париджи. Выдающийся талант Калло, его трудолюбие и мастерство в полной мере способствовали росту популярности художника.

Поступив в мастерскую Джулио Париджи — гравера, архитектора, инженера и организатора го­родских и придворных празднеств, Калло усовершенствовал свои познания в области математики, перспективы, анато­мии и не без посредничества Париджи был принят на службу к герцогу Козимо II.

Самый ранний опыт Жака Калло в технике офорта относится к 1612 году, когда совместно с А. Темпестой и Р. Скьяминодзи он при­нял участие в создании серии мемориальных гравюр (29 штук), заказанной герцогом Тосканским Козимо II Медичи в свя­зи со смертью испанской королевы Маргариты (сестры Кристины Лотарингской, жены Козимо II).

В 1612–1621годах Жак Калло , как придворный художник работал во Флоренции. Выдающееся мастерство и своеобразие особого стиля художника проявились уже в его ранних работах:»Искушение св. Антония» (1617 год.) и «Ярмарка в Импрунете» (1620 год.),

Эта ярмарка проводилась ежегодно восемнадцатого октября в день святого Луки, в Импрунете, небольшом городке недалеко от Флоренции. Работа над гравюрой длилась около трех лет и была закончена только в 1620 году.

По подсчётам искусствоведов в этой работе изображено 1138 человеческих фигур, 45 лошадей, 67 ослов и 137 собак. Далеко не каждый художник мог похвастаться таким терпением и любовью к своему делу.

В 1616 году Жак Калло получил свой пер­вый официальный заказ, выполнив 16 произведений на тему «Жизнь Фердинандо I Тосканского»(1616-1620 годы).
В 1617 году после продолжительной серии опытов и экспериментов, Жаку Калло удалось изобрести новый вид кислотоупорного лака, что в свою очередь позволило изменить и существенно усовершенствовать технику гравировки.

Именно ему принадлежит изобретение техники повторного травления в офорте.
Офорт, как самостоятельный вид гравюры на металле, возник в начале XVI века, став излюбленным жанром творчества многих выдающихся художников.

До него только гравюра на деревянной доске и резцовая гравюра на меди в руках выдающихся мастеров становились самостоятельными и законченными произведениями искусства.

Основным достоинством офорта являлась относительная лёгкость в изготовлении, по сравнению с резцовой гравюрой и ксилографией. Труднейшую работу по прорезанию линий на дереве или металле, что приходилось делать художнику вручную при упомянутых выше техниках, в офорте выполняла кислота.

Техника была следующая: металлическая доска (в XVIвеке, как правило,железная,а позднее, в XVII-XVIII веках медная,ещё позднее — цинковая), используемая для обычной резцовой гравюры, покрывалась специальным грунтом, устойчивым к воздействию кислоты.

На доску при помощи острой стальной иглы, проникая сквозь мягкий грунт, наносился желаемый рисунок. После этого доска помещалась на определённое время в азотную кислоту (медная – в раствор хлорного железа), и нанесенный иглой рисунок протравлялся до желаемой глубины.

После этого грунт смывался с доски, втиралась краска и делался оттиск.
Офорты Жака Калло воспроизводили разнообразные, часто очень красноречивые сцены современной ему жизни.

В 1618 году Жак Калло гравировал для Козимо II и его матери «Планы и виды зданий Святой земли» — святыни Иерусалима, Виф­леема, Каира (47 листов).
В 1621 году умер флорентийский покровитель Жака Калло, Козимо II Медичи, и художник вынужден был вернуться во Францию.

В 1627-1629 годах Калло жил и работал в Нидерландах, а с 1629 по 1631 год жил в Париже.

Все впечатления, полученные художником во время его путешествий, Калло отражал в своих работах — он изображал виды Лотарингии, Италии, Франции, создавал портреты военных, циркачей, нищих, актеров.

Главная тема выдающегося искусства Жака Калло — это общественная жизнь. Художника всегда интересо­вали не только маскарады, турниры, охоты, ярмарки, те­атральные зрелища и военные триумфы («Ярмарка в Импрунете» — 1620, «Ярмарка в Гондревилле» — 1622-1623, «Большая охота» — 1626, «Сдача Бреды» — 1628, серия «Большие виды Парижа» — 1630), но и трагиче­ские события Тридцатилетней войны, публичные казни на площадях, продажа рабов («Рынок рабов» — 1620, се­рии «Малые бедствия войны» — 1632 и «Большие бед­ствия войны» — 1633).

Калло шел в своем творчестве от народных истоков — ярмарочных балаганов, итальянской комедии масок, народного лубка. Отсюда его заимствование тонкого юмора и карикатуры в изображениях различных человеческих типов,их жестов, мимики и движений.

Калло мастерски показывал массовые сцены через многоликость толпы, как яркое , наполненное контрастами зрелище.Он всегда тонко подмечает в людской толпе множество самых различных персонажей с их типичными социальными чертами: цыган,уличных танцоров , комедиантов, крестьян,бродяг и аристократов.

Серия «Каприччи» (1617год) —являлась яркой иллюстрация жизни Флоренции первой четверти 17 века. Иронично и насмешливо показал Калло вопиющее и уродливое смешение роскоши и нищеты; неуёмному веселью аристократии он противопоставил нищих и бродяг на пустырях с руинами, в глухих улочках с их лачугами.

В серии «Нищие» (1622год) Калло правдиво и в то же время сочувственно показал униженных, оскорблённых, изуродованных жизнью людей.

Будучи свидетелем жестокой войны на родине, в Лотарингии, захваченной королевскими войсками, Жак Калло создал серию «Большие бедствия войны» (1632—1633), где остро и характерно отразил своё реалистическое восприятие увиденных событий. Жак Калло всегда относился к войне, как к величайшему народному бедствию. Он показал развращенных войной солдат, разбои на больших дорогах, разграбление деревень, восстания крестьян и расправы над ними.

Живописец мастерски передавал массовые сцены как яркое, насыщенное социальными контрастами зрелище.

Графическая манера Калло отличается яркой индивидуальностью. Его рисунки и гравюры демонстрируют исключительное мастерство в передаче света, пространства, пластики и движения фи­гур, а также острую наблюдательность в изображении конкретных деталей.

Жизнь художника протекала в скитаниях между блестящими дворами европейской знати.
В своей жизни Жак Калло служил многим правителям : правительнице Нидерландов Изабелле-Кларе-Евгении (дочери Филиппа Второго и Изабеллы де Валуа), Людовику Тринадцатому и герцогу Тосканскому из рода Медичи, и на всем протяже­нии творческого пути ему всегда и везде сопутствовали успех, популяр­ность и признание не только во Франции, Нидерландах и Флоренции , но и за их пре­делами.

Гравюры Калло печатались большими тиражами и продавались в лавках книготорговцев Флоренции, Нанси, Парижа и других городов. Его офорты коллекциони­ровали Рембрандт, Ван Дейк, Д. Тенирс Младший.

28 марта 1635 года Жак Калло скончался в родном Нанси, где и был похоронен.
Творческое наследие Жака Калло включает в себя свыше 1400 гравюр, выполненных пре­имущественно в технике офорта, а также около 2000 ри­сунков, самая крупная коллекция которых хранится в Государственном Эрмитаже (более 850).

Его племянником был Клод Калло́ (1620—1687), придворный художник трёх польских королей — Яна II Казимира, Михаила Корибута Вишневецкого и Яна III Собеского.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.,Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Офорты Ж. Калло. [Каталог], М., 1971; Sadoul G., J. Callot, miroir de son temps, P., 1969., Brief bio of Callot from Web Gallery of Art, Bodkin Prints — Links to over 1,000 Callot prints (see section B).

Кальдерон Филипп Гермоген/Philip Hermogenes Calderon

1833 — 1898

Английский живописец и график круга прерафаэлитов; основное тяготение мастер испытывал к историческим и жанровым сюжетам.

Родился в Пуатье в 1833 году, сын Хуана Кальдерона, римско-католического священника, который покинул церковь, чтобы жениться.

Семья переехала в Англию в 1840-х, когда отец стал профессором испанской литературы в королевском Колледже Лондона.

Филипп учился в Академии искусств с 1850.

Затем он уехал продолжать учебу в Париже в студию Франсуа Эдуарда Пико (1786-1868).

Здесь ему не разрешали рисовать в свободной манере и фантазировать, а требовали скурпулезно зарисовывать модели, чтобы результат был совершенно точным с головы до пят.

Эти основы практически черчения послужили ему хорошей практикой в течение всей карьеры.

По его возвращения из Франции Кальдерон представил в 1852 году в Академии картину «Воды Вавилона», которая имела успех. Странно, что художник не поспешил закрепить своими работами этот успех, и в течение следующих пяти лет рисовал главным образом портреты.

В 1857 он показался в Академии снова, на сей раз с картиной «Нарушенная клятва». Изящная, красивая девушка слушает позади забора, как ее любовник флиртует с другой молодой женщиной. Девушка стала символом “муки отчаяния”.

Кальдерон был также лидером группы художников «St John’s Wood Clique», которые жили в основном в сельской местности и рисовали исторические сюжеты, главным образом основанные на английской гражданской войне.

Кальдерон продолжал показываться в Академии художеств, и в 1861 показал «Брачное предложение».

В 1864 Кальдерон стал членом Академии художеств.
В 1867 он выиграл золотую медаль в Париже на Международной выставке. Лондонские критики расценили его работу, как интеллектуальный сплав английских эмоций и французского щегольства.

В этом же году он стал полноправным академиком в возрасте тридцать четыре года.
С 1870 Кальдерон стал в основном портретистом.

С 1887 он стал хранителем Королевской Академии.

Хранитель имел дом в пределах окрестностей Академии и являлся официальным главой Школы Академии.

Эти обязанности не позволяли художнику отдавать много времени живописи.

Кальдерон умер внезапно в 1898. Правда, в некрологе писали, что это случилось после продолжительной болезни, связанной с повторными осложнениями после гриппа.

У художника было трое сыновей. Младший Уильям Франк (1865-1943) стал художником-анималистом. Средний стал известен тем, что помогал Альма-Тадеме в постройке его известного дома в Grove End Road, St John’s Wood..

Кальс Адольф-Феликс

1810-1880

Кальс Адольф-Феликс- французский живописец.
Отцом Адольфа-Феликса Кальса был парижский чернорабочий. С 1822 года будущий живописец брал уроки рисования у гравера Анселена. В 1823-1826 годах Кальс обучался в граверной мастерской «Понс и Боек», а два года спустя ещё полтора года учился живописи в мастерской Леона Конье в Школе изящных искусств. Живописец часто работал на плэнере в предместьях Парижа, а также в небольших поселениях: в Берри и Оверне.

В 1835 по 1848 год Кальс многократно выставлял в парижском Салоне свои пейзажи и жанровые полотна, посвященные людям из низших социальных сословий, но не вызвал особого интереса у публики.

В 1848 году живописец познакомился с папашей Мартеном, авторитетным в своем кругу торговцем полотнами, который сотрудничал с такими мастерами, как Коро и Милле. Следующие десять лет художник провел в небольших поселениях, создавая новые творения.

В 1858 году он поселился в поместье графа Дориа, который, как и папаша Мартен, был покровителем живописцев, и провел там до 1869 года. В 1863 году картины Кальса отклонило официальное жюри парижского Салона, после чего художник становиться участником Салона Отверженных, впрочем, с 1865 года он снова демонстрирует свои картины в Салоне.
Кальс, работавший в основном в окрестностях Парижа, в 1873 году приобрел домик в городке Онфлер, получившем в среде художников наименование «Нормандский Барбизон» за то, что многие художники (среди них — Буден и Йонгкинд) избрали это место для занятий живописью на пленэре. Здесь Кальс провел остаток своих дней: сюжетами его картин были унылые пейзажи, выполненные в контрастных тонах, и жанровые сцены, представляющие жизнь бедняков, рабочих, рыбацких общин. Заключительные годы жизни художника ознаменованы более вольной и энергичной живописной манерой. Последние годы жизни Кальса проходят в спокойной обстановке — он наслаждается счастьем, которое дарит ему возможность заниматься живописью. Художник выставляет свои работы вместе с импрессионистами, принявшими его в свой круг. Пейзажи Кальса, всегда стремившегося к передаче мимолетного впечатления, предвосхитили пейзажи Йонкинда и Будена. Художник свободно обращается с материалом, кладя резкие, летящие мазки и передавая вибрации света.
Кисти его также принадлежат натюрморты и глубоко достоверные полотна, запечатлевшие быт крестьян и рыбаков.

Подлинный шедевр Кальса — картина, изображающая обнаженную модель и выполненная посредством техники, поражающей своей современностью.

В 1874 году, при содействии Клода Моне, Кальс стал участником Первой выставки импрессионистов в ателье Надара. Позднее он участвовал еще в трех выставках группы: Второй (1876), Третьей (1877) и Четвертой (1879).

Калф Виллем/Kalf Willem(Барокко, натюрморт)

1619-1693

Виллем Кальф (нидерл. Willem Kalf,) — один из самых известных голландских мастеров натюрморта.
Виллем Кальф родился 25 февраля 1619 года(согласно записи церковной книги был крещён 11 марта 1619 года) в Роттердаме в семье преуспевающего торговца текстилем и члена городского правительства Роттердама.

Он был шестым ребёнком в семье, семья была благополучной, и раннее детство Виллема было безоблачным.

В 1625 году скоропостижно умер отец Виллема. Семейные торговые дела продолжила мать, однако успех не сопутствовал её стараниям и материальное положение семью ухудшилось. Стремление к рисованию у будущего живописца проявилось довольно рано.

По утверждению известного голландского художника и писателя Арнольда Хубракена, Виллем Кальф учился живописи вместе с Хендриком Потом из Харлема(в Харлеме жили родственники Кальфов). Наставником Виллема Кальфа был Франц Рикхалс(1600-1647), выдающийся мастер кухонных интерьеров и натюрмортов с морскими дарами и фруктами.

Однако, при всём при этом, решающим в формировании творческого мастерства Виллема Кальфа, оказалось влияние великого Рембранта.
За год до кончины матери, в 1638 году Кальф переехал в Гаагу.

В 1640 году Виллем Кальф переехал в Париж, где в течение шести лет жил и работал в кругу фламандских художников в окрестности Санут-Жермен де Пре. Здесь он сумел быстро завоевать широкую известность своими крестьянскими кухонными интерьерами, написанными в традициях фламандской школы , в манере близкой к творчеству Давида Тенирса и других художников XVII века.

Его работы, созданные в красивом коричневом колорите, с хорошим чувством свето-тени и утончённой передачей игры бликов,нравились заказчикам и финансово поддерживали художника.

На своих интерьерах Виллем Кальф размещал человеческие фигуры на заднем плане, концентрируя внимание зрителя на хорошо освещённых и красочно выложенных овощах, фруктах и предметах домашнего обихода.

В Париже Кальф создал новую форму мастерски сгруппированного натюрморта, включавшего дорогие, богато украшенные предметы из светоотражающих материалов. Большей частью это были бутылки,тарелки или бокалы из золота, серебра, олова или стекла.

Наибольших высот в создании подобных натюрмортов, Кальф достиг во время «амстердамского » периода своего творчества.
Наиболее известной работой «парижского» периода творчества Виллема Кальфа, несомненно является «Натюрморт с драгоценными сосудами, доспехами и оружием», написанный Кальфом по заказу маршала де Тессе, и экспонирующийся ныне в музее де Тессе в Ле-Мане.

В 1646 году Виллем Кальф на некоторое время вернулся в Роттердам, потом переехал в Амстердам и затем в Хоорн, где в 1651 г. женился на поистине удивительной женщине Корнелии Плувье, дочери протестантского священника.

Она была поэтессой и известным каллиграфом, находилась в дружеских отношениях с личным секретарём трёх штатгальтеров(должностное лицо, осуществлявшее государственную власть и управление на какой-либо территории данного государства)Голландской республики.

По утверждениям её современников, Корнелия Плувье была самым опытным знатоком музыкального и театрального искусства своего времени. Брак оказался очень счастливым, Корнелия родила мужу четверых детей и стала его незаменимой помощницей.
В 1653 году семья Кальфов переехала на постоянное место жительства в Амстердам, где Виллем Кальф присоединился к местной гильдии художников.

В Амстердаме Кальф смог ближе познакомиться с произведениями своего земляка, великого Рембранта. Всё возможное богатство свето-тени, глубину и сочность светящейся изнутри палитры, а также золотистый рембрантовский колорит, Кальф с успехом использовал в своих последующих картинах.

В лице Виллема Кальфа Амстердам получил удивительного художника, поистине редкого дарования, которому под силу было показать в классическом натюрморте настоящее богатство и роскошь этого крупнейшего в то время торгового города Европы.

Намеренно выбирая для своих работ самые изысканные предметы шумных амстердамских рынков: богатые восточные ковры, тонкий китайский фарфор, изысканное венецианское стекло и невиданные экзотические фрукты, и добавляя к этому великолепие голландских изделий из серебра и золота, Виллем Кальф создавал настоящие шедевры, редкие по роскоши и изящной утончённости предметов натюрморты.

Можно с полной уверенностью сказать, что Виллем Кальф не имел себе равных среди своих современников, в умении видеть и показывать живописную сторону предмета.

Работа Виллема Кальфа «Десерт», находящаяся в настоящее время в коллекции Государственного Эрмитажа -один из лучших примеров такой живописи художника. До поступления в 1915 году в Эрмитаж картина «Десерт» входила в состав коллекции знаменитого русского географа и путешественника П. П. Семенова-Тян-Шанского — большого знатока и любителя голландского и фламандского искусства.

Мастерство и виртуозность Калфа проявлялись в строгой отточенности пространственных построений его работ, в изысканном богатстве красочной палитры и преподнесении свето-теневых решений. Продуманная до мельчайших подробностей композиция натюрмортов Кальфа всегда сопровождалась сложной, а подчас, просто уникальной режиссурой света.

Заказчики всегда были в восторге от изысканных натюрмортов художника, от их техники исполнения и эстетического вида. Его работы высоко ценились современниками, и продавались по цене 30-40 гульденов, очень значительной сумме по тем временам.

Очень часто и вполне справедливо Виллема Кальфа называют «Вермеером натюрмортной живописи», и стоит признать, что кое-где Виллем Кальф его даже превзошёл.

По свидетельствам современников Кальфа, Виллем был очень высокообразованным человеком.
В последние годы жизни Кальф стал меньше писать,и практически полностью отказался от живописи где-то в 1679-1680 годах, так как серьёзно занялся художественной экспертизой и продажей художественных ценностей.

Так, в 1686 году Виллем Кальф отклонил » Тициана » как подделку, а в 1672 году он был в составе известной группы художников(в которую входил и Ян Вермеер) , которые подвергли сомнению подлинность 13 итальянских картин ,принадлежащих арт-дилеру Gerrit Uylenburgh, которую предложили купить «Великому курфюрсту» Фридриху Вильгельму.

31 июля 1693 года в возрасте 74 лет,Виллем Кальф скоропостижно скончался в Амстердаме, где и был похоронен.Причиной смерти художника послужила травма , полученная им вследствие падения по дороге домой, возвращаясь из гостей.
До наших дней дошли около 150 работ этого Великого «малого голландца».

Благодаря своим уникальному таланту , трудолюбию , отличному образованию и обширными познаниями в естественных науках Виллем Кальф значительно расширил иллюзионистические возможности натюрморта. Его картины являются непревзойдёнными образцами этого искусства.  Работы художника на сайте

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Willem Kalf page at the Rijksmuseum’s website.

Камбьязо Лука/Luca Cambiaso(Маньеризм)

1527-1585

Лука Камбьязо (также Камбьязи или Канджаджо,итал. Luca Cambiaso)— итальянский художник-маньерист.

Лука Камбьязо родился 18 ноября 1527 года в небольшом городке Манелья, близ Генуи в семье известного художника Джованни Камбьязо.

Интерес к живописи у мальчика проявился очень рано, первым учителем у него был отец, который строго, но в то же время терпеливо обучал сына премудростям художественного ремесла.

Как профессиональный художник, Лука Камбьязо сформировался рано, уже в пятнадцатилетнем возрасте он профессионально помогал отцу со стенописью в Генуе. Для повышения профессионального мастерства много писал копийной живописи. Среди авторов, работы которых копировал Камбьязо были Перино дель Ваги, Беккафуми и Порденоне.

На формирование его художественного стиля большое влияние оказало творчество Рафаэля, Пармиджано и Корреджо. Обладал блестящими способностями рисовальщика.

В 1544 году Лука Камбьязо начал практически одновременную работу над росписями в нескольких церквах Генуи. Он начал роспись декора дворца Дориа, работая вместе с известным художником поколения его отца Маркантонио Кальви.

Исполненный Камбьязо впоследствии поистине великолепный цикл фресок во дворце Дориа в Генуе, характеризует его как живописца, обладавшего удивительной зрелостью творческого мастерства, на момент окончания работы.

В 1545 году Лука Камбьязо участвовал в украшении хранилища церкви Сан Маттео в сотрудничестве с итальянским историческим живописцем Джованни Баттиста Кастелло(1509-1569)

Некоторое время Камбьязо провёл в Риме и Флоренции , изучая творчество Микеланджело, оказавшего заметное влияние на дальнейшее творчество самого Камбьязо.
Начиная с 1546 года художник много пишет в городах Лигурии, выполняя заказы местного духовенства, а в 1554 году переезжает в Рим, где живёт и работает в течение четырёх с половиной лет.

В 1563 году Камбьязо написал «Воскресение» для Церкви Сан-Джованни Баттиста в Монтальто-Лигуре . За этой работами последовали фрески на вилле Империале в Генуе-Turalba (также называется Palazzo Imperiali Terralba) с «Похищение сабинянок» , законченные в 1565 году и Палаццо Meridiana (ранее Гримальди), также в 1565 году.

Ранний период творчества художника был довольно экстравагантным. Обладая запасом поистине неиссякаемой энергии, и неповторимым взрывным темпераментом, Лука Камбьязо, по утверждениям его современников, работал,зачастую, одновременно двумя руками.

Научившись с годами управлять своими эмоциями, Камбьязо и писать стал более взвешенно и статично.
Художник был очень знаменит при жизни благодаря созданным им интерьерам для палаццо Генуи.

Камбьязо был маньеристом. Маньеризм возник в конце XVI века ввиду кризиса гуманизма.Его принято считать переходным стилем от Ренессанса к барокко. Этому стилю всегда были характерны взвинченность, изломанность линий и некоторая перегруженность композиции.

Удлиненные или даже деформированные фигуры, изображённые на полотнах маньеристов, нередко замирают в причудливых позах.
Основная тематика работ Луки Камбьязо мифологическая и религиозная.

Полотна Камбьязо всегда тщательно выстроены, в них всегда прослеживается геометрическая основа, что вполне позволяет считать его предшественником Сезанна. При этом его «ночные работы» несомненно оказали значительное влияние на творчество Жоржа де Ла Тура.

В 1583 году Лука Камбьязо принял приглашение испанского короля Филиппа II, и приехал работать в Эскориал. Ему поступил большой и выгодный заказ по украшению королевского дворца в Эскориале. Работа щедро оплачивалась, но осталась неоконченной в связи со смертью художника. Позднее работу Камбьязо закончили Федерико Цуккаро и Пеллегрино Тибальди.

Творчество Луки Камбьязо привлекало многих известных коллекционеров. Его работы занимали видные места в собраниях французского короля Людовика IV, французского банкира Эверхарда Ябаха, искусствоведа начала восемнадцатого века Пьера-Жана Мариэтт или Комте д’Орсей, коллекция которого стала отдельным музеем.

Несколько работ Луки Камбьязо хранятся в Государственном Эрмитаже С-Петербурга.

Лука Камбьязо скоропостижно скончался 6 сентября 1585 года от простудного заболевания в Эскориале, где и был похоронен.

Сын Луки Камбьязо, Орацио пошёл по стопам отца и также стал известным художником. Он много помогал отцу в работе, а после его кончины продолжил свою свою службу при дворе короля Филиппа II.   Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.,Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в Музеях мира.

де Камп Джозеф Рофедер

1858–1923

Джозеф Родефер Де Камп (англ. Joseph Rodefer DeCamp, также De Camp, род. 5 ноября 1858 г. Цинциннати — ум. 11 февраля 1923 г. Бока Гранде, Флорида) — американский художник — импрессионист и тоналист.

Жизнь и творчество:

Де Камп начал изучение живописи совместно с Фрэнком Дювенеком в Бостоне; затем поехал вместе с ним во 2-й половине 1870-х годов в Мюнхен, где учился в местной Академии изящных искусств.

Позднее жил во Флоренции. В 1883 году Де Камп возвращается в США, живёт в Бостоне.

Там входит в возглавляемую Эдмундом Тарбеллом Бостонскую школу.

Дж. Де Камп известен в первую очередь как мастер портретной живописи.

В 1890 году он начинает работать в тоналистической манере.

В 1897 году художник становится членом американской импрессионистской группы Десять американских художников.

В результате пожара в бостонской художественной мастерской Де Кампа в 1904 году погибло более 100 его ранних работ, в том числе и почти все пейзажи.

Кампен Робер/Campin Robert(Раннее Севернон Возрождение)

1378-1444

Робер Кампен (нидерл. Robert Campin)— нидерландский живописецотождествляемый, как правило, с Флемальским мастером — неизвестным художником, который стоит у истоков традиции ранней нидерландской живописи (так называемых «фламандских примитивов»).

Наставник Рогира ван дер Вейдена и один из первых портретистов в европейской живописи.

Робер Кампен родился в феврале(более точные сведения отсутствуют) 1378 года в городе Валансьен, столице графства Эно (Геннегау) в достаточно обеспеченной семье торговца.

Каких- либо сведений о молодых годах художника и о том кто был его наставником не сохранилось.
Имя художника упоминается в хрониках фламандского города Турне, начиная с 1406 года.

Судя по документа Робер Кампен играл тогда важную роль в жизни города. Он много работал, писал многочисленные фрески, картоны для шпалер, выполнял многочисленные мелкие заказы горожан.

В 1410 году Робер Кампен получил право гражданства в Турне и стал городским живописцем. Художник владел большой мастерской в городе, у него было много учеников, среди которых в период 1427-1432 годов были и знаменитые Рогир ван дер Вейден и Жак Даре.

В 1423 году Кампен принял активное участие в выступлении недовольных горожан против правящей верхушки, войдя в дальнейшем в число членов нового городского управления. Однако,вскоре прежние руководители вновь вернулись к власти и Кампен подвергся гонениям.

Свою художественную карьеру, Робер Кампен начал несколько раньше Яна ван Эйка и совершенно независимо от него.

В самых ранних из приписываемых Кампену произведениях отчётливо ощущается связь его письма с традициями средневекового искусства, с искусством франко-фламандской миниатюры, ставшей для художника отправной точкой его творчества.

В картине «Рождество Христово» (около 1420—1425 года., Дижон, Городской музей) для разъяснения сюжета художник использует надписи на картушах. В композиции «Злой разбойник на кресте» (около 1430 г., Франкфурт-на-Майне, Штеделевский институт искусств), составляющей часть более крупного, целиком не сохранившегося алтарного образа, фигуры традиционно представлены на золотом фоне.

В этих работах Робер Кампен демонстрирует острую наблюдательность и живой пристальный интерес к отдельным деталям композиции.

Удивительные пейзажи этих работ поражают совершенством исполнения и глубиной пространственных планов, что могло объясняться только хорошим знанием автором правил создания световоздушной перспективы.

Искусствоведы длительное время пытались разгадать загадку истоков Северного возрождения, выяснить, кто же был первым мастером, применившим эту манеру.

Всегда считалось, что первым художником, отошедшим в своём творчестве от традиций готики был Ян ван Эйк. Но в конце 19 века исследователи поняли, что до ван Эйка существовал ещё художник, автор триптиха с Благовещением, принадлежавший ранее графине Мероде (так называемый «триптих Мероде»), а также так называемого Флемальского алтаря. Было выдвинуто предположение, что обе эти работы принадлежат кисти одного и того же художника, названного Флемальским мастером(по предполагаемому происхождению нескольких произведений из аббатства Флемаль близ Льежа), личность которого была на тот момент не установлена.

В то же время многие старинные документы первой половины XV века содержали достаточно частые упоминания о видном художнике Робере Кампене, правда, не указывая при этом его работ.

В 1909 году Юленом де Лоо была выдвинута гипотеза, что именно Кампену принадлежит авторство этих анонимных произведений. Доказательством послужил документ, упоминавший, что двое учеников — Жак Даре и Рожеле де ля Пасторе — были приняты в студию Кампена в 1427 году. Последним был, скорее всего, великий Рогир ван дер Вейден.

В единственном дошедшем до наших дней триптихе Даре прослеживаются схожие черты с работами Флемальского мастера. Эти же черты находят и в работах ван дер Вейдена. Таким образом, можно предположить, что они оба были учениками флемальского мастера, то есть Робера Кампена.
Правда, другая версия гласит, что данный триптих всё же был написан ван дер Вейденом, когда ему не было и тридцати. Некоторые искусствоведы до сих пор считают произведения Флемальского мастера ранними работами ван дер Вейдена(но их абсолютное меньшинство)

Юлен де Лоо позже утверждал , что именно Робер Кампен мог быть автором этих произведений, в их стиле присутствует много общих черт с алтарем Жака Даре, а также с ранними произведениями Рогира.

Дальнейшие разыскания и кропотливый стилистический анализ привели к тому, что ныне эта гипотеза принята большинством современных искусствоведов.Изучение творчества Кампена продолжается вплоть до нашего времени.

В последние годы, благодаря новым исследовательским технологиям в области живописи, в корпусе произведений, приписываемых художнику, произошли некоторые изменения. Так, считавшиеся ранее безусловными работами Кампена картины «Мадонна с Младенцем у камина»(Лондонская национальная галерея)и «Алтарь Мероде»(Музей Метрополитен Нью-Йорк) теперь относят к произведениям, исполненным последователями мастера.

В группу приписываемых Кампену произведений входят четыре фрагмента алтарей, которые сейчас хранятся в Штеделевском художественном институте во Франкфурте-на-Майне.

Помимо Флемальского алтаря кисти Кампена приписывается ещё несколько работ, включая диптих из собрания Д. П. Татищева в Эрмитаже, две створки из исключительного по качеству алтаря Верля в Прадо, раннее «Положение во гроб» из Института искусств Курто, парный портрет в Национальной галерее Лондона и «Рождество Христово» (1420 год) из музея в Дижоне. Авторство Кампена у всех этих произведений не бесспорно.Вовсе не исключено, что те или иные произведения принадлежат кому-то из его учеников (например, Жаку Даре).

Тем не менее, все работы принадлежащие кисти Робера Кампена великолепны по своему цветовому решению, их краски ярки и праздничны. Кампен создавал свои картины в новой технике масляной живописи. Она позволяла художнику достигать удивительных цветовых эффектов, реалистично передавать фактуру ткани и металла, показывать глубину интерьера и сложнейший рисунок теней, падавших от предметов, освещённых несколькими источниками света.

В поздних работах художника уже чувствуется влияние Ван Эйка, современника Робера Кампена, с которым он познакомился в середине 1430-х .В 1427 году в Турне приехал Ян ван Эйк и, тогда же познакомился с искусством Кампена.
Поздние работы художника более организованны и аристократичны.

Примером работ этого периода творчества Кампена могут служить боковые створки Алтаря Верля» Иоанн Креститель и заказчик у алтаря»(1438 год) и «Святая Варвара у камина»(1438 год).

Кампен был одним из первых европейских портретистов. С XIV века в Европе распространился обычай включать в изображения на сюжеты из Священной истории коленопреклоненные фигуры заказчиков — так называемых донаторов, или дарителей, поскольку заказы такого рода делались с намерением пожертвовать алтарь или икону какому-либо храму.

Заказчиком алтарного триптиха был кёльнский теолог Генрих фон Верль. В XV веке зародился бюргерский портрет, и Робер Кампен стоял у самых истоков этого жанра.

Ему удалось вывести основные принципы, присущие этому виду портретного искусства: поясное или погрудное изображение модели, трехчетвертной поворот, скромный костюм и темный фон.

Кампен никогда не приукрашивал внешность модели и наносил на доску мельчайшие подробности его облика — до последней морщинки, до самого неприметного волоска.

Но при этом ему всегда удавалось выразить в лице портретируемого некую внутреннюю значительность личности.

Кисти Робера Кампена принадлежат «Мужской портрет»(1400-1410 годы), «Женский портрет»(1430 год), и конечно же выделяющийся «Портрет толстого человека»(1430 год), написанный с яркой убедительностью и остротой.

26 апреля 1444 года в возрасте 66 лет Робер Кампен скончался от простудного заболевания в родном Турне, где и был похоронен.

Художественное значение творчества Робера Кампена поистине огромно. Наряду с Яном Ван Эйком, он стоял у истоков традиции «фламандских примитивов», а также был одним из основателей нидерландской школы живописи, оказавшей значительное влияние на развитие всего мирового искусства.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г,  Робер Кампен (Мастер из Флемаля) на Web Gallery of Art, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира.

дель Кампо Федерико

1837–1927

(Federico del Campo , 1837 Лима, Перу — 1927 Рим, Италия) — перуанский художник, родился в Лиме.Служил помощником в Академии Леонардо Барбьери.

Когда Федерико исполнилось 30 лет, его покровитель, сенатор Гойнч, оплатил поездку в Европу молодого художника. Федерико Дель Кампо объездил всю Европу, изучал живопись в Париже, Италии и Испании в Мадридской школе Лоренцо Вальеса.

В 1880-81 г Федерико Дель Кампо представил в Парижском салоне и на Мадридских экспозициях серию картин «Виды Венеции».

Значительную часть творчества перуанского художника составляют чрезвычайно детализированные картины с красивыми венецианскими видами.

Каналетто Антонио Джованни

1697–1768

Джованни Антонио Каналь (Giovanni Antonio Canal, известный также под именем Canaletto — Каналетто; 18 октября 1697, Венеция — 20 апреля 1768, там же) — итальянский художник, глава венецианской школы ведутистов, мастер городских пейзажей в стиле барокко. Прозвище Каналетто кроме Антонио Каналя носил и его племянник, Бернардо Белотто, также знаменитый пейзажист

Антонио Каналь родился 7 октября 1697 г. в Венеции. Учился живописи у своего отца Бернардо Каналя, театрального художника. В 1719 г. посетил Рим, где познакомился с творчество знаменитого ведутиста Джованни Паоло Паннини. После этого начал писать свои знаменитые виды Венеции. Первой известной исследователям работой Каналя с авторской подписью является «Архитектурное каприччо» (1723).

В отличие от большинства художников того времени Каналетто на раннем этапе своего творчества писал свои виды (ведуты) сразу с натуры, не делая предварительных набросков и эскизов. Впоследствии стал писать в студии, пользуясь камерой обскурой.

Многие работы Каналетто были с успехом проданы англичанам, приезжавшим в Венецию для обучения.

В 1740 г. этот источник дохода исчез: началась война за австрийское наследство, и британцы стали реже приезжать на континент. В 1746 г. Каналетто едет в Лондон, чтобы быть ближе к каналам сбыта своих картин. В течение девяти лет он живет в Англии, пишет виды местных дворцов и домов. В этот период в его творчестве появляется вторичность, техника перестает нравиться заказчикам.

В 1755 г. художник возвращается в Венецию. В 1763 г. его избирают в Венецианскую академию художеств. Каналетто умер 19 апреля 1768 г. в родной Венеции

Камуан Шарль/Charles Camoin(Фовизм)

1879-1965

Шарль Камуан — французский художник-фовист. Шарль Камуан(Камуэн) родился 23 сентября 1879 года в Марселе в семье торговца художественными и декоративными принадлежностями.

Способности к рисованию проявились у маленького Шарля очень рано, но отец был против увлечения сына, видя в нём будущего коммерсанта , а не художника.

Однако, в 1895 году одновременно с поступлением в коммерческое училище в Марселе, родители позволили Шарлю посещать вечерние занятия в Школе изящных искусств в Марселе.

В 1897 году Шарль Камуан переехал в Париж и продолжил своё обучение в парижской Школе изящных искусств в мастерской выдающегося французского художника, представителя символизма Гюстава Моро(1826-1898).

В мастерской Моро товарищами Камуана по обучению были Жорж Руо (1871—1958),французский живописец и график, впоследствии наиболее крупный представитель французского экспрессионизма, Анри Матисс(1871—1958),французский художник и скульптор, впоследствии лидер течения фовистов, Альбер Марке (1875-1947),французский художник-постимпрессионист,впоследствии близкий к фовистам и Жан Пюи (1876-1960), французский художник, считавшийся впоследствии «полудиким» в среде фовистов за то, что дружа и общаясь с лучшими представителями фовизма, в то же время находился как-бы в стороне от течения, не разделяя полностью увлечение фовистов неуёмной и безудержной яркостью.

Все они впоследствии вместе с Камуаном создадут группу художников, которые будут исповедовать новое направление в живописи — фовизм, отличительными особенностями которого станут предельно интенсивное звучание открытых чистых цветов, повышенная «светоносность»(«краски буквально взрывались от света», – писал впоследствии Андрэ Дерен(1880-1954), французский живописец, график, театральный декоратор, скульптор и керамист), сведение формы к простым очертаниям, отказ от традиционного светотеневого моделирования, организация пространства только с помощью цвета.

В 1900 году Шарль Камуан был призван на военную службу, проходил которую в Арле, где познакомился с творчеством Винсента ван Гога, оказавшим влияние на работы Камуана этого периода.

После окончания службы в 1902 году Шарль Камуан отправился в путешествие по югу Франции , где в Экс-ан-Провансе познакомился Полем Сезанном(1839-1906) —выдающимся французским художником-живописцем, ярким представителем постимпрессионизма, о котором он очень много слышал от Амбруаза Воллара(1866-1939),являвшегося одним из самых значительных торговцев произведениями искусства (маршанов) в Париже в конце XIX — начале XX веков.

В 1904 году в Живерни произошло знакомство Шарля Камуана с Клодом Моне(1840-1926). В этом же году Шарль Камуан впервые выставляется в Салоне Независимых.

В 1904 году Камуан принимает участие в Осеннем Салоне, а также в галерее Берты Вейль с успехом проходит его персональная выставка.

В 1905 году Шарль Камуан принял участие в выставке Салона Независимых. В этом же году вместе с Альбером Марке Камуан много и плодотворно пишет в Шасси и Сен-Тропезе.

В 1907 году вместе с Альбером Марке и Отоном Фриезом(1879-1949) Шарль Камуан посетил Лондон, где в начале 1908 года в галерее Канвейлера состоялась его персональная выставка.

В 1912 году совместно с Матиссом и Марке Камуан предпринял путешествие по Марокко, посетив Танжер и другие города.
В годы Первой Мировой войны судьба свела Камуана с Пьером Огюстом Ренуаром(1841-1919).

После посещения мастерской Ренуара в Кань Сюр Мер живописная манера Шарля Камуана стала более мягкой и выразительной. В своих ню и пейзажах, особенно видах Кот д’Ажура творчество Шарля Камуана находилось под влиянием мощного и яркого таланта этого мастера и одного из основных представителей импрессионизма.

Шарль Камуан никогда не считал себя фовистом Он говорил, что он колорист, колорист полный оптимизма и жизнерадостности.

Из числа всех фовистов наиборее близкие отношения Шарль Камуан поддерживал с Анри Матиссом. Широко известен написанный им портрет Матисса, который ныне хранится в Центре Жоржа Помпиду в Париже.

В 1955 году Шарль Камуан был награждён президентом Франции Рене Коти за вклад во французское искусство.

20 мая 1965 года Шарль Камуан скончался в возрасте 85 лет в Париже, где и был похоронен.

Признанный и удостоенный всевозможных почестей при жизни, Камуан и после своего ухода из жизни не оказался в числе «забытых» художников.

Его работы были с успехом представлены на крупных фовистических выставках в Токио, Мюнхене и Париже, а также на нескольких посмертных личных выставках.

Значительная часть работ Шарля Камуана хранится в парижских музеях, в частности, в Центре Помпиду и Музее Современного искусства, а также частных коллекциях.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, , Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., 2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.

Кандинский Василий

1866–1944

Василий Васильевич Кандинский — русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма.
Василий Васильевич Кандинский родился в Москве 16 декабря 1866 года. В 1871 году семья перебралась в Одессу, где его отец управлял чайной фабрикой. Уже с десяти лет Василий занимался рисунком с частным преподавателем, а позже, в гимназии. Кроме того, мальчик учился игре на фортепиано и виолончели.
В 1886 году Василий едет в Москву, где поступает на юридический факультет Московского университета. Окончив обучение через шесть лет, Василий женится на своей кузине Анне Чимякиной. В 1893 году он становится доцентом юридического факультета Московского университета.
Стать художником Кандинский решился довольно поздно. В 1895 году на проходящей в Москве выставке французских импрессионистов он открывает для себя живопись Моне. В том же году принимает на себя художественное руководство типографией
В 1896 году Кандинский решается оставить многообещающую деятельность юриста и стать художником. Он отправляется в Мюнхен, где записывается в школу Антона Ажбе. Однако весьма скоро школа перестала удовлетворять его потребности. Позднее художник напишет: «Нередко я уступал искушению «прогулять» занятие и отправиться с этюдником в Швабинг, Энглишер-Гартен или парки на Изаре».
В 1900 году после неудачной попытки предыдущего года, Кандинский был принят в Мюнхенскую академию, в живописный класс Франца Штука. Штук был знаменит, он считался «первым рисовальщиком Германии». Рисунки молодого художника были признаны им «выразительными», он посоветовал «сначала писать в черно-белых тонах, чтобы изучать только форму». Новый учитель помог преодолеть Василию «нервозность» – это «вредное следствие неспособности завершить картину».
Вскоре Кандинский уже сам становится учителем: с 1902 года он преподает в художественной школе, тесно связанной с художественной группой «Фаланга», которую сам основал годом ранее. На дебютной выставке «Фаланги» Кандинский впервые показал свои работы. Но ни они, ни полотна Моне, Синьяка и Валлотона в Баварии не встретили понимания.
С той поры Кандинский регулярно участвовал в выставках берлинского «Сецессиона», а с 1904 года и парижского «Осеннего Салона». В том же году «Фаланга» распалась, но через пять лет Кандинский вместе с Явленским, Канольдтом, Кубином, Мюнтер и другими основал «Новое объединение художников, Мюнхен» (МКУМ) и взял на себя председательство.
1904 год – и время появления в Москве его альбома «Стихотворения без слов» с двенадцатью ксилографиями. Его первая большая картина – «Пестрая жизнь» датирована 1907 годом.
С 1908 года Кандинский живет в основном в Мюнхене. Окончательно он привязался к Баварии, открыв для себя деревушку Мурнау, с прекрасным озером и очаровательными альпийскими лугами, к тому времени относится начало его дружбы с художником Явленским и Марианной Веревкиной. В следующем году художник купил себе в Мурнау дом.
1911 год стал для Кандинского годом расставаний: он развелся с Анной Чимякиной, покинул группу МКУМ. После этого вместе с Ф. Марком было организовано новое и рискованное предприятие – объединение «Синий всадник». Обе организованные ими выставки – 1911 года в галерее Танхойзер и 1912 года в галерее Гольц в Мюнхене – стали историческими событиями. В вышедшем тогда альманахе «Синий всадник» развивались мысли об искусстве и сопоставлялись образцы разных эпох и форм.
В то время Кандинский отдает дань литературной деятельности. Выходят книги «О духовном в искусстве» (1912 год) и мемуары «Оглядываясь назад» (1913 год; в русском переводе – «Ступени»), сборник стихов «Звуки» (1913 год) с 55 черно-белыми и цветными литографиями.
Ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы, – считает М.К. Лакост. – Порою нелегко бывает понять, почему основатель абстрактной живописи вначале избирал сюжеты, типичные для бидермейера – веера, кринолины, всадники. Стиль его ранних произведений не назовешь ни условным, ни манерным, но в них еще ничего не предвещало радикального обновления живописи. Впрочем, как известно, лишь немногим художникам бывает дано одновременно проявлять оригинальность в форме и в содержании. Сначала Кандинскому было важно испытать собственные возможности выражения. Хотя «Вечеру» (1904–1905) нельзя отказать в своеобразии, однако трудно себе представить, что создал ее тот самый художник, который через пять-шесть лет произведет на свет первое в истории искусства абстрактное произведение (1910). Какая великая творческая сила должна была действовать в Кандинском! Какая стремительная эволюция с 1908 по 1914 год – от пейзажных картин, хотя и дерзких уже по цвету и форме, но все еще верных наблюдениям натуры, как «Мурнау-Обермаркт» (1908), до хаотического этюда под названием «Ущелье» (1914) и беспокойных композиций в серии панно «Времена года» в музее Гуггенхейма («Осень»). Было бы затруднительно угадать руку одного и того же художника в еще вполне предметных «Крестоносцах» (1903) и в такой абстрактной работе, как «Композиция VII» (1-й эскиз, 1913), несмотря на общую им динамику. Тут скованный порыв, там – раскрепощенное движение».
Сражение» – таков был подзаголовок одной из картин Кандинского плодотворного мюнхенского периода, который завершился с началом Первой мировой войны. Кандинский окружным путем добирался до России с августа до конца 1914 года 22 декабря он оказался, наконец, в Москве.
Следующие семь лет художник провел в России среди неурядиц войны и революции. Лишь в конце 1916 года он побывал с выставками в Швеции.
В феврале 1917 года Кандинский женится на Нине Андриевской, которая была верна ему в трудные времена, а после его смерти неустанно заботилась о его наследии.
В 1917 году Кандинский создает три программных произведения: «Синий гребень», «Смутное», «Сумеречное», годом ранее им была написана картина «Красная площадь». «Красная площадь» – это символ города, стоящего на пороге новой эры. Желтое зарево, подобное световой вспышке, льющиеся с неба лучи света, летящие над городом птицы, яркая цветовая перекличка – все это создает ощущение торжественности и праздничности, высшего накала чувств.
Все произведения, созданные Кандинским в 1916–1917 годах, как «предметные», так и абстрактные, отличает динамичность, активность композиционного построения. Создается ощущение сильной концентрации всех сил в центре полотна. Особую роль в работах этого времени играют линейный и цветовой ритм.
С ноября 1917 до июля 1919 года, в течение полутора лет, Кандинский не написал ни одной картины маслом. Помимо дефицита материалов это было вызвано еще и тем, что исполнение официальных обязанностей требовало от художников много сил и времени. В июне 1918 года он занял пост в Наркомпросе, осенью стал профессором Государственных свободных художественных мастерских (ГСХМ). С 1918 по 1921 год в качестве руководителя Государственной закупочной комиссии участвовал в организации 22 провинциальных музеев. В 1921 году Кандинский был назначен вице-президентом «Академии художественных наук» (РАХН). И это далеко не полный перечень дел и обязанностей художника в то время.
Но с 1921 года в России начался процесс ликвидации авангарда, и когда «искусство умерло», Кандинскому было уже нечего делать в Москве. В конце декабря того же года Василий Васильевич в сопровождении жены отправился в Берлин, взяв с собой только 14 картин. В Берлине его ждал неприятный сюрприз: почти все 150 картин, которые он передал в 1914 году галерее В. Штурм, были проданы, а в результате инфляции вся выручка стала равна почти нулю.
В июне 1922 года Кандинский перебрался в Веймар и приступил к преподаванию в знаменитом Баухаузе. Собравшиеся тут люди хотели совместным трудом преобразовать окружающую человека среду согласно эстетическим и функциональным принципам.
Было основано «Общество Кандинского», где платя взносы, каждый его член получал право на одну акварель в год. В 1924 году, основав группу «Синяя четверка», Кандинский вместе с Клее, Фейнингером и Явленским получил возможность выставляться в США. Так понемногу он стал известен на американском художественном рынке, где впоследствии имел большой успех. Но большинство выставок художника проходило тогда в Европе.
После закрытия Баухауза в конце 1924 года в Веймаре, он переезжает в город Дессау. Уже в декабре 1926 года были торжественно открыты новые здания, в одном из которых Кандинский стал руководить мастерской свободной живописи.
В 1927 году Илья Эренбург, побывав в Баухаузе, написал статью, в которой дал блестящий портрет Кандинского: «Это – не юный варвар, не тупоумный пророк воображаемой «Америки», нет, это римлянин третьего столетия, усталый эклектик, человек, который любит различные эпохи и не сотворил себе кумира ни из ведра, ни из всего нашего времени. В его доме можно встретить индийскую скульптуру и новгородские иконы, трогательные пейзажи Руссо и стихи старых романтиков. Он достаточно проницателен, чтобы увидеть жизненность, а значит и красоту стеклянных углов Баухауза, но та же проницательность не позволяет ему променять рай бедного таможенника на рай вращающихся дисков. Впрочем, возможно, что это даже не проницательность, а неисправимость человеческой натуры, ее исконное пристрастие к лирическому самозабвению, ко всему бесцельному и алогичному; ее благотворная ересь».
М.К. Лакост пишет:
Сам художник назвал этот период творчества «поистине живописной сказкой». В 1944 году Кандинский тяжело заболел, и 13 декабря 1944 года его не стало.«В Дессау к художнику вернулась творческая сила мюнхенского периода. Постепенно менялся и стиль, что особенно явно видно на примере треугольника, важной для того периода фигуры. В «Мягкое жестко» он еще выглядит скорее как плоский, тогда как в других картинах этого периода определяется одним лишь линейным контуром и производит впечатление легкости.
В «Посвящается Громанну» (1926) и «Вспышке» (1927) Кандинский применил технику, эффект которой проявляется как раз в геометрических композициях. Цвет фигур стал варьироваться в зависимости от фона. Соответственно цветовой тон и насыщенность цвета стали меняться в тех местах, где фигуры пересекаются друг с другом…
Круг доминирует во всех картинах двадцатых годов. Порой он даже вытесняет все другие формы, как в знаменитой картине «Несколько кругов» (1926), которая вызывает ассоциацию с полетом пестрых мыльных пузырей. В картине «Раскачивание» (1925) контуры одних кругов ясно очерчены, другие – напротив, растекаются или окружены тусклым свечением».
Можно еще назвать такие полотна, как «Круги в круге» (1923), «Интимное известие» (Овал № 1, 1925) и «Без названия» (Овал № 2, 1925).
Свое внимание к кругу Кандинский объяснял так: «Сегодня я люблю круг, как раньше любил, например, коня, а может быть и больше, так как нахожу в круге больше внутренних возможностей, отчего он и занял место коня». В круге он находил «связь с космическим», восхищался «напряжением, несущим в себе бесчисленные напряжения», при этом он испытывал «сильное чувство внутренней силы круга».
Картины Кандинского все чаще выставляются: каждый год между 1927-м и 1932-м в разных странах открывалось от пяти до пятнадцати выставок с его произведениями. В 1930 году состоялась первая персональная выставка художника в парижской галерее «Зак», а на следующий год – другая, в «Галери де Франс».
С приходом к власти нацистов Кандинский покинул Германию, гражданство которой получил в 1928 году. Теперь он направился во Францию. Там он остался до конца своих дней, поселившись в Нейи под Парижем. В 1939 году он примет французское подданство. Несмотря на преклонный возраст, его творческая сила еще не иссякла. Он не сдался, хотя теперь снова был один, снова трудился в уединении собственной мастерской. К тому же в те годы в европейском искусстве господствовал возрожденный реализм, из-за чего Кандинскому и другим нефигуративным художникам приходилось нелегко.
«Каждый за себя» – такое многозначительное название было дано Кандинским одной из первых написанных им в Париже работ. Самая же первая из них – акварель – была названа не менее характерно: «Старт». День художника по-прежнему строго упорядочен. В его расписание включена даже пятнадцатиминутная прогулка в Булонском лесу или по берегу Сены.
Парижское время – самый спорный период в творчестве Кандинского. Творчество этого периода, получившего наименование «синтетического», отмечено отпечатком воздействия сюрреалистической живописи: «Разные части», «Вокруг круга» (обе – 1940), «Разнообразные действия» (1941).
Как отмечает М.К. Лакост: «Графически-строгое образотворчество сменилось в его картинах мотивами барочной полноты, выглядящими так, будто они уже утратили всякую связь со структурой, которая долгое время лежала под поверхностью, будучи знакома лишь художнику; и только силой творческого акта стала видна также другим.
…Всплыли своеобразные фигуры, которые так и хочется назвать существами. Художник не предпринимал ничего, чтобы смягчить эффект причудливо-нелепого. Напротив, чем абсурднее в этих картинах фигуры, тем очевиднее решимость прорисовать их до последней детали; чем изощреннее формы, тем ярче краски. Ни разу прежде не виданные, но почему-то все же привычные фигуры появляются в двух разных конфигурациях: то это замкнутая в себе композиция, то беспорядочное нагромождение самых несходных форм, рассеянных по всему полотну. Однако исполнение отличается такой ясностью, что не оставляет места ни одной случайной детали: союз точности и воображения!»
Сам художник назвал этот период творчества «поистине живописной сказкой». В 1944 году Кандинский тяжело заболел, и 13 декабря 1944 года его не стало.

Капков Яков Фёдорович/Kapkov Jacob(Портретный жанр)

1816—1854

Капков Яков Фёдорович-выдающийся русский живописец, портретист, художник исторического и бытового жанра.
Яков Фёдорович Капков родился февральским(точной даты рождения не сохранилось) днём 1816 года в семье крепостного подрядчика светлейшего князя Михаила Семёновича Воронцова в имении князя под Санкт-Петербургом.

Интерес к рисованию у мальчика проявился очень рано, хотя отец будущего живописца и не поощрял увлечения сына.

Поддержку своему увлечению Яков нашёл в лице своей мачехи, которой очень нравились рисунки маленького художника, и которая настояла на предоставлении ему возможности получения первичного художественного образования в С-Петербургской мастерской художника, профессора исторической живописи и преподавателя Академии художеств Алексея Егоровича Егорова(1776 — 1851).

Всеми силами стремясь попасть в Императорскую Академию художеств, Капков сумел добиться аудиенции у своего барина, светлейшего князя(что было очень сложной задачей, учитывая высокий статус последнего при дворе и загруженность-князь в это время являлся новороссийским и бессарабским генерал-губернатором и в столице бывал крайне редко), представил на его суд несколько своих отборных рисунков, и, поведав князю о своей мечте, попросил соизволения выкупиться от него.
Воронцов, видя в своём крепостном действительный и самобытный талант, своим высоким соизволением отпустил Якова Капкова на волю без всякого выкупа.

В 1832 году Яков Капков поступил в Императорскую Академию художеств в качестве пенсионера «Общества Поощрения Художников» вольноприходящим академистом. Копируя в рамках академического задания в стенах академии копию исторического живописца Григория Ивановича Угрюмова (1764—1823) с работы итальянского живописца болонской школы Гвидо Рени(1575-1642) «Архангел Михаил», обратил на себя внимание самого Карла Павловича Брюлова(1799-1852), в то время только что вернувшегося из своего итальянского путешествия и ставшего профессором Императорской Академии художеств,которому было поручено руководство историческим классом Академии. Начиная с 1836 года К.П. Брюлов становится наставником Якова Капкова.

В 1838 году Капков был удостоен двумя серебряными медалями 2-го достоинства, но не имея возможности по своей бедности окончить академический курс, в 1839 году подал прошение руководству Академии о выдаче ему аттестата на звание свободного художника, продолжая при этом посещение занятий в Академии.

Всего за время своей учебы в Императорской Академии художеств Капков был награжден двумя малыми и большой серебряными и малой золотой (за картину «Алквиад и его друг спасаются, выбегая из своего дома, подожженного врагам») медалями.

В 1845 году за исполненную картину «Силоамская купель» Яков Капков был награждён большой золотой медалью, а также получил аттестат 1-й степени на звание классного художника, дававший право пенсионерской поездки за границу.
20 ноября 1847 года художник прибыл в Рим, но пробыл в Италии всего полтора года.

В связи с возникшими волнениями(революция 1848—1849 годов в Ломбардии и Венеции), по Высочайшему повелению совместно с другими пенсионерами, 19 апреля 1849 года Яков Фёдорович Капков был вызван в Россию.

В 1850 году Капков был вновь послан за границу в Голландию и Испанию, но добравшись до Варшавы был вынужден по личным обстоятельствам вернуться в С-Петерберг. Больше попыток выехать за границу художник не предпринимал, и до своей кончины жил в столице.

Художник всю свою творческую жизнь был одержим одной идеей -создать что-либо грандиозно-значительное в духе своего учителя, однако, все его попытки неизменно оканчивались неудачно

Им были исполнены «Молодая альбанка с книгой в руках», написанная ещё в Риме и приобретённая в 1850 году императором Николаем I, «Мария перед образом Богоматери»(находящаяся в Александрии), «Заремба, исполненная ревности» (частное собрание), «Богоматерь с Предвечным Младенцем» — была приобретена императором Николаем I для своей дочери, Великой княгини Ольги Николаевны, «Благовещение» — участвовала в Академической выставке 1852 года ,несколько экземпляров «Вдовушки», один из которых принадлежал известному коллекционеру Миллеру, а ещё один вместе с экспонатами галереи Прянишникова вошёл в состав экспонатов вначале Румянцевского музея с С-Петербурге, а затем в состав объединённого с Московским Публичным музеем в Москве.

Вообще, стоит признать, что если бы не удивительная, восхитительная( и ещё много эпитетов можно использовать), неповторимая «Вдовушка», имя Якова Фёдоровича Капкова ,возможно, затерялось бы в истории русской живописи.

По единодушному мнению искусствоведов , именно благодаря этой работе Капков обессмертил своё имя в истории русского искусства, сумев создать тот единственно пленительный женский образ, естественная чистота и трогательная прелесть которого не умещаются в рамках холодной манеры академического исполнения.
В изображении «Вдовушки» Капковым вложено такое внутреннее содержание, которое дается лишь воистину выдающемуся таланту.

Вдохновлённый успехом картины, художник в течение своей творческой карьеры неоднократно возвращался к теме этой картины, cоздав более десятка авторских копий, которые сегодня с успехом экспонируются во многих наших музеях.

Женский образ был любимой темой работ художника. В С-Петербурге Яков Капков стал популярным исполнителем женских образов, головок и фигур, которые зачастую носили достаточно экзотический характер.

Его картины охотно раскупали, а среди его заказчиков были даже члены Императорской фамилии, заказавшие ему несколько картин для своей коллекции.

Художник также охотно брался за выполнение заказов по написанию портретных работ известных людей столицы, а также внутреннему оформлению храмов и церквей в различных городах России.

29 марта 1854 года Яков Фёдорович Капков скоропостижно скончался в возрасте 38 лет в Санкт -Петербурге от скоротечного простудного заболевания. Похоронен художник был на Смоленском кладбище Санкт-Петербурга.

Художник, имеющий своим наставником выдающегося мастера, всегда сталкивается в своём творчестве с опасностью остаться в тени своего великого учителя.

Сравнивать творчество Капкова и Брюлова бессмысленно: это как сравнивать маленький ручеёк с большим и могучим потоком, но ручеёк творчества Якова Фёдоровича Капкова никогда не пересыхал, постоянно питая большую и полноводную реку, имя которой -Русское искусство

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”

Караваджо Микеланджело

1571–1610

Караваджо Микеланджело (Caravaggio) (1573–1610). Собственно, полное имя Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio).

Итальянский живописец. Родился 28 сентября 1573 года. Учился в Милане (1584-1588); работал в Риме (до 1606), Неаполе (1607 и 1609-1610), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609). Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе, уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы (“Маленький больной Вакх”, “Юноша с корзиной фруктов” — оба в галерее Боргезе, Рим) идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма.

Совершенно новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы (“Отдых на пути в Египет”, галерея Дориа-Памфили, Рим). Художник внес большой вклад в становление бытового жанра (“Гадалка”, Лувр, Париж и другие). Зрелые произведения художника Караваджо — это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой (“Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”, 1599-1600, церковь Сан-Луиджи деи Франчези в Риме; “Положение во гроб”, 1602-1604, Пинакотека, Ватикан; “Смерть Марии”, около 1605-1606, Лувр, Париж). Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита — приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств.

Подчеркнутая “простонародность” типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом (“Погребение Святой Лючии”, 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракузы).Свет в его картинах становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает характер свободной импровизационности.

События биографии Караваджо поражают своим драматизмом. Караваджо обладал очень вспыльчивым, неуравновешенным и сложным характером. Начиная с 1600 года, времени наивысшего творческого подъема Караваджо, его имя стало постоянно появляться в протоколах римской полиции. Сначала Караваджо с друзьями совершал незначительные противоправные действия (угрозы, непристойные стихи, оскорбления), за которые привлекался к суду. Но в 1606 году художник в пылу ссоры во время игры в мяч совершил убийство и с тех пор был вынужден скрываться от полиции.После убийства художник бежал из Рима в Неаполь.Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи.

В 1608 Караваджо переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден. Но вскоре и оттуда Караваджо пришлось бежать на Сицилию из-за своего вспыльчивого характера. Прожив на Сицилии некоторое время, художник в 1609 возвратился в Неаполь, где подвергся нападению в портовой таверне и был изуродован.В это время Караваджо уже был болен малярией, от приступа которой и умер 18 июля 1610 года. Суровый реализм Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц.

Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов.Творческая манера Караваджо оказала непосредственное влияние на сложение течения караваджизма — самостоятельного направления в европейском искусстве 17 века. Для караваджизма характерны демократизм образной системы, повышенное чувство реальной предметности, материальности изображения, активная роль светотеневых контрастов в живописно-пластическом решении картины, монументализация жанрово-бытовых мотивов. В Италии, где тенденции караваджизма сохраняли свою актуальность до конца 17 века и особенно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя, наиболее сильное и оригинальное истолкование наследие Караваджо получило в творчестве итальянского художника Орацио Джентилески и его дочери Артемизии.

Но еще значительнее было влияние творчества Караваджо за пределами Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства. Среди европейских мастеров караваджизма вне Италии наиболее значительно творчество утрехтских караваджистов в Голландии (Геррит ван Хонтхорст, Хендрик Тербрюгген и др.), а также Хусепе де Риберы в Испании и Адама Эльсхаймера в Германии. Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур. Воздействие отдельных приемов караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Гвидо Рени, Себастьяно Риччи в Италии и Вильям-Адольф Бугеро во Франции) и барокко (Карел Шкрет в Чехии и другие).

Луи Каравакк/Louis Caravaque(Портрет, батальная живопись)

1684—1754

Луи Каравак — французский живописец, переселившийся при Петре Великом в 1717 в Россию и ставший придворным художником, один из наиболее значимых представителей россики.

Луи Каравакк родился 31 января 1684 года в Марселе в гасконской семье резчика-декоратора, занимавшегося росписью кораблей. Брат известных в своё время скульпторов Жана Батиста и Жозефа Каравакков.

Луи Каравакк являлся представителем третьего поколения «династии» Каравакков, известных по художественному декорированию кораблей в Тулоне и галер в Марселе.

Учитывая занятие отца, вопросов с выбором будущей профессии Луи в семье никогда не возникало. С юношества начал работать в марсельском Арсенале галер, где трудился под началом своего отца вплоть до 1715 года, когда сумел заключить с русским художественным агентом в Париже, Иваном Исаевичем Лефортом (находившегося в родственных связях со сподвижником Петра, Францем Яковлевичем Лефортом (умер в 1699),и состоявшего в звании советника службы Его царского величества Петра I в Париже) выгодный контракт, предусматривавший трёхлетнее пребывание и работу в России.

Одновременно с Каравакком, в 1715 году Иван Лефорт заключил государственные контракты с «флорентийским мастером» Растрелли и «парижским мастером» Леблоном.
Подписанный Каравакком контракт, обязывал его на протяжении трех лет писать портреты, пейзажи России и батальные картины, а также взять в обучение русских художников.

В Россию приехал в 1716 году, приписан был к ведомству Петербургской губернской канцелярии, а позже, начиная с 1718 года состоял в Канцелярии от строений, где имел русских учеников.

В 1722 году удостоился чести сопровождать государя в Астрахань, где исполнил его первый портрет. Этим же годом датирована французская гравюра, исполненная с портрета , который сейчас хранится в военно-морском музее Санкт-Петербурга.

Иконографические типы Петра I, созданные Караваком, были чрезвычайно популярны и неоднократно воспроизводились в течение последующих столетий.
Оказал личную услугу Петру I: во время морской прогулки Елизаветы Петровны, шлюпка опрокинулась и только Луи Каравакку удалось доплыть и спасти девочку. За это он получил от Петра I дом, был принят в лейб-гвардию и дослужился до полковничьего чина (правда под другим «мирским именем», так как иностранцев тогда в лейб-гвардию не брали).

Каравакк много работал как декоратор по росписям разных строений Петергофа, Нового Летнего сада, при перестройках Зимнего дворца, над созданием иконостаса церкви Зимнего дворца.

В 1724 году ему было поручено написание картонов для шпалер
Украшал живописью временные триумфальные («победительные») врата в старой и новой столицах, составлял арт-проекты празднеств, писал плафоны и другие декоративные картины для дворцов Петербурга, Петергофа и Москвы.

До нас дошло лишь малое число этих работ (часть росписей плафона Западной галереи Монплезира; декоративная живопись шатрового плафона Вольера – Птичника; обе – в Петергофе, 1721).

Эти произведения с их изысканными орнаментами, измельченными и несколько анемичными формами полностью следуют традициям рококо
На протяжении своей жизни в России Луи Каравакк неоднократно писал Петра I и Екатерину I, их дочерей – Анну, Елизавету и Наталью, а также детей царевича Алексея – Наталью и Петра (впоследствии Петра II).

По свидетельству выдающегося деятеля российской Академии наук, гравёра и мемуариста Якоба Штелина, портреты Каравакка отличались большим сходством с изображенными на них лицами.

В отличие от немецкого живописца, Иоганна Готфрида Таннауера, также писавшего при дворе русских монархов и уехавшего в 1726-м году а позднее возвратившегося, Луи Каравакк практически всю свою оставшуюся жизнь прожил в России, хотя и неоднократно подавал прошения либо об отпуске на родину , либо о заключении с ним нового контракта. Опять же по словам Якоба Штелина, «универсальный живописец» был незаменим при дворах всех русских императоров и императриц, поэтому контракт с ним продлевался неоднократно.

Национальные традиции влияли на живописную манеру Каравакка. В 30-е годы 18 века годы он начинает писать в традициях раннего»примитивного» портретного жанра в Русском царстве, так называемой «парсуны» , изображавшей человеческое лицо на иконный манер, и не имевшей ничего общего с «реалистичным» европейским портретом 17-18 веков.

Зарекомендовав себя как хорошего художника, он сумел добиться к себе расположения Анны Иоанновны.
При Анне Иоанновне,в 1730-х годах, благодаря протекции фаворита герцога Эрнста Иоганна Бирона был назначен «придворным первым живописного дела мастером» (сперва с окладом 1500 рублей, потом – 2000 рублей в год), исполнил её коронационный портрет и участвовал в оформлении празднования коронации. В качестве гофмалера Луи Каравакк оставался и при Анне Леопольдовне, и при Елизавете Петровне.

Стал автором официального «апробированного» изображения Елизаветы Петровны в качестве новой императрицы.

В мае 1743 года ему был поручен ответственный заказ — исполнить четырнадцать портретов Елизаветы Петровны для российских посольств за границей. Участвовал в оформлении и её коронации.

Тематический диапазон картин Луи Каравакка довольно широкий, это и пейзажи,и батальные сцены,и иконопись,ну и конечно же портреты. И в каждом из этих жанров художник сумел соединить традиции, которым он был обучен у себя на родине с традициями, характерными на тот момент в русской живописи.

Среди его лучших работ – Петр I (на фоне моря с союзными кораблями; 1716 год,, Центральный военно-морской музей,С- Петербург; детские портреты – Царевна Елизавета Петровна (вторая половина 1710-х годов, Русский музей), Царевны Анна Петровна и Елизавета Петровна (1717, там же); Царевич Петр Алексеевич и царевна Наталья Алексеевна в виде Аполлона и Дианы (1722, Третьяковская галерея); Цесаревна Анна Петровна (1725, там же), Императрица Анна Иоанновна (1730, там же).

В последние годы, продолжая работать как декоратор, писал (по заказу Елизаветы Петровны) церковные образа.Необходимо отметить,что Луи Каравакк принадлежал к тому небольшому числу иностранных художников, которым православная церковь позволила написание икон.

Будучи обязанным по условиям контракта, заниматься подготовкой учеников, Луи Каравакк пришёл к выводу о необходимости создания в России учебного заведения, в котором начинающие художники могли бы получать необходимые знания.

Так в России появилась первая школа рисования, основными принципами обучения в которой послужили принципы обучения Европейских Академий художеств.Программа обучения полностью копировала программу обучения в Европе, включая практически аналогичные предметы. Среди них было и рисование с обнажённой натуры, чему очень противилось русское духовенство, считая это страшным нарушением установленных канонов.Много сил Каракакк приложил к созданию собственной программы обучения и в начале 1720-х годов подавал на высочайшее имя свою программу обучения. Школа рисования была первой ступенькой в художественном обучении русских художников.

Следующим этапом образования, по замыслу Луи Каравакка и его единомышленников, должно было стать учреждение в России собственной Академии художеств.

Каравакк подготовил немало учеников, наиболее талантливыми среди которых были знаменитый русский художник-портретист, монументалист, декоратор, иконописец, один из представителей светского портрета в стиле рококо Иван Яковлевич Вишняков (1699—1761) и Алексей Петрович Антропов — выдающийся русский живописец-портретист, автор монументальных росписей, академик Императорской Академии Художеств.

20 июня 1754 года в Луи Каравакк скончался в С-Петербурге в возрасте 70 лет. Был с почестями похоронен на кладбище Сампсониевского собора Санкт-Петербурга.
Многие современники Луи Каравакка не считали его выдающимся художником, но он попал в Россию в период изменения запросов русской аристократии, в период увлечения ею «придворным стилем», который с таким блеском представлял Каравакк своим творчеством.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,Картины Луи Каравака на Российском общеобразовательном портале, Работы художника в музеях мира.

Каразин Николай Николаевич

1842–1908

Никола́й Никола́евич Кара́зин (1842—1908) — русский художник-баталист и писатель, участник Среднеазиатских походов.

Внук общественного деятеля, основателя Харьковского университета, Василия Назаровича Каразина и известного русского историка, автора «Деяний Петра Великого» Ивана Ивановича Голикова.Родился в ноябре 1842 г. в слободе Ново-Борисоглебской Богодуховского уезда Харьковской губернии. Бабушка — Александра Васильевна Каразина Каразина, Александра Васильевна (Мухина, Бланкеннагель), отец — Каразин Николай Васильевич.

До десяти лет воспитывался в подмосковном имении бабушки А. В. Каразиной (прабабушка П. И. Бланкеннагель), располагавшемся рядом с селом Анашкино Звенигородского уезда Московской губернии, затем был определён на учёбу во 2-й Московский кадетский корпус, из которого в 1862 году был выпущен в офицеры в Казанский драгунский полк.С полком Каразин участвовал в усмирении польского мятежа 1863—64 гг. и за отличие в делах близ Порицка и у Волчьего поста был награждён орденом св. Анны 4-й степени с надписью «За храбрость».

С детства чувствуя большое влечение к живописи, Каразин в 1865 году вышел в отставку с чином штабс-капитана и поступил в Академию художеств, где два года работал под руководством известного баталиста Б. П. Виллевальде.

В 1867 году Каразин покинул академию, чтобы принять участие в походе в Бухару.Определенный вновь на службу поручиком в 5-й Туркестанский линейный батальон, Каразин отправился в Туркестан и, командуя ротой, отличился в боях при аулах Ухум и Хаят, при штурме Чапан-атинских высот под Самаркандом, под Ургутом и при Кара-Тюбе.

За эти дела Каразин получил орден св. Владимира 4-й степени с мечами и бантом, чин штабс-капитана и денежную награду. Но особое мужество он проявил в бою на Зерабулакских высотах (2 июня), где, во главе своего полубатальона, по приказу генерала Абрамова, повёл наступление и стремительными атаками задержал главные силы бухарцев.

В этом упорном и трудном бою Каразину пришлось участвовать в рукопашной схватке, во время которой ударом приклада у него была сломана сабля. Когда, по окончании боя, генерал Кауфман увидел у Каразина в руке только один эфес от сабли, то сказал ему: «Вы испортили свое оружие; хорошо, я пришлю вам другое».

На следующий день Каразин получил золотое оружие с надписью «за храбрость». В 1870 году Каразин был переведён в 4-й Туркестанский линейный батальон и в том же году вновь вышел в отставку с чином капитана и мундиром. С этого времени начинается литературная и художественная деятельность Каразина, которой он и посвятил затем всю свою жизнь.
Каразин-художник:

Крайне впечатлительный и наблюдательный, Каразин с особым интересом истинного художника присматривался к новой для него природе Средней Азии, к типам и нравам туземцев. Военные походы дали ему возможность близко изучить быт русского солдата. В Туркестане он познакомился с В. В. Верещагиным. Первые его рисунки, воспроизведенные в политипажах, были помещены во «Всемирной Иллюстрации» за 1871 г. Также Каразин создал первые в России художественные почтовые открытки, изданные Общиной св. Екатерины. В 1874 и 1879 гг.

Каразину, как знатоку края, было предложено Русским географическим обществом принять участие в научных экспедициях в Центральной Азии для исследования бассейна Амударьи. За рисунки, которые были приложены к журналам этих экспедиций, Каразину были присуждены высшие награды на географических выставках Парижа и Лондона, он избирается членом Русского географического общества.
В сербско-турецкую и русско-турецкую войны 1877—78 гг. Каразин был военным корреспондентом-иллюстратором. Его наброски пером, карандашом и акварелью с натуры, давали яркую картину походной и боевой жизни наших войск на балканском театре военных действий. Эти иллюстрации печатались в лучших заграничных изданиях и доставили Каразину широкую известность. В 80-х гг. XIX в. Каразин, по

Высочайшему повелению, был командирован в Туркестан для составления эскизов к картинам, которые ему было поручено написать на темы из похода русских войск в Хиву и Бухару. Результатом этой командировки было создание Каразиным семи больших батальных картин: «Взятие Ташкента», «Вступление русских войск в Самарканд 8 июня 1868 г.» (ГРМ), «Взятие Махрама», «Хивинский поход 1873 года. Переход Туркестанского отряда через мёртвые пески к колодцам Адам-Крылган» (ГРМ), «Первое появление русских войск на Аму-Дарье. Переправа Туркестанского отряда у Шейх-арыка», «Зерабулак» и «Текинская экспедиция 1881 года. Штурм Геок-Тепе» (ГРМ). Однако, не батальными полотнами завоевал себе громкое имя Каразин. Нервный по натуре, живой, подвижный и вечно деятельный, он не любил писать маслом большие картины, которые требуют долгой и усидчивой работы.

Свою славу первого в России акварелиста и лучшего рисовальщика-иллюстратора он заслужил своими бесчисленными работами акварелью, карандашом и пером. Обладая богатой творческой фантазией и огромным художественным вкусом, Каразин отличался необыкновенной быстротой и легкостью в работе. Трудоспособность и продуктивность его были изумительны. Мир произведений Каразина — преимущественно восточные окраины империи. Природа Средней Азии и азиатские типы — любимый сюжет его художественных произведений. В акварельной живописи Каразин создал свой особый стиль. Его картины и рисунки можно сразу узнать: сильные световые эффекты, яркие контрасты, особенный несколько мрачный колорит, великолепная композиция и бесконечная фантазия[4]. С особым мастерством Каразин изображал лошадей, в чем с ним мог соперничать только Сверчков.

В 1907 году Н. Н. Каразин был избран членом Академии Художеств.

Карлеварис Лука/Carlevaris Luca(Барокко)

1663—1730

Карлеварис Лука или Карлеварес Лукас — итальянский живописец, архитектор и гравер венецианской школы эпохи барокко, мастер ведуты.
Лука Карлеварис родился 20 января 1663 года в городке Удина на северо-востоке Италии в семье известного художника и архитектора Джованни Леонардо. Склонность к рисованию у маленького Луки проявилась очень рано.

Его первым учителем был отец, который сумел «поставить» сыну руку и глазомер. С 12-и летнего возраста Лука помогал отцу в его мастерской.

В 1679 году умер отец Луки Карлевариса, и подросток перебрался жить к своей сестре в Венецию. Одним из центров развития живописи в Италии в это время была Венеция, и начинающий художник всеми силами стремился попасть в этот город. Испытывая тягу к наукам и искусству, Карлеварис небезосновательно надеялся получить в этом великом городе всё необходимое.

В Венеции Карлеварис поселился недалеко от площади Зенобио(Palazzo Zenobio), рядом с которой находился дворец богатой, аристократической семьи Зенобио, получившей широкую известность благодаря своей любви к искусству, и украшавших свой дворец картинами венецианских художников.

Работы талантливого художника привлекли внимание членов семейства, и скоро в лице главы семьи Зенобио, Лука Карлеварис приобрёл богатого и очень влиятельного покровителя.

За глаза художника стали называть «Лука Са’Зенобио». Работы Карлевариса пользовались большим спросом и у приезжих английских ценителей живописи, среди которых художник также имел много покровителей.

В период 1685-1690 годы Лука Карлеварис жил и работал в Риме. Стремясь всячески совершенствовать своё художественное мастерство, Карлеварис учился у Гапаре ван Виттели (Ванвителли), который преподавал в Риме в это время живопись «ведуты».( «Веду́та» (итал. veduta, «вид») — жанр европейской живописи, особенно популярный в Венеции XVIII века.

Представлял собой картину, рисунок или гравюру с детальным изображением повседневного городского пейзажа.)

Лука Карлеварис испытал большое влияние работ выдающегося мастера «ведуты» Джованни Паоло Панини. Влияние Панини чувствуется и в более поздних работах Карлевариса, которые он создавал уже после возвращения в Венецию в 1698 году.

Несмотря на всё это, по справедливому утверждению современника Карлевариса, автора статьи к словарю художников Пьетро Гуриенте, художнику удалось сохранить самостоятельность и самобытность

Самые ранние работы Луки Карлевариса, поддающиеся уверенному определению авторства и датировке, относятся к началу 18 века. Среди них коллекция офортов видов Венеции, опубликованная под заголовком «Le Fabriche e Vedute di Venezia» и выполненная в стиле ведуты, датированная 1703 годом.

Она включала изображения самых известных венецианских зданий, площадей и других достопримечательностей Венеции.

Лука Карлеварис был очень образованным человеком. Испытывая живейший интерес к точным наукам, и будучи профессором математики, художник всегда с большой точностью расчитывал размеры предполагаемого к изображению пространства, оптический ракурс, а также распределение света и тени.

Карлеварис всегда создавал изображаемые городские виды по законам сценического пространства, замыкая их различными архитектурными строениями и умышленно несколько перегружая их фигурками людей.

Луку Карлевариса очень вдохновляла живопись «Бамбоччаты». («БАМБОЧЧАТА» (Bambocciata), общее название живописи некоторых нидерландских и фламандских художников, работавших в Риме в 1-ой половине 17 века и группировавшихся сначала вокруг Питера ван Лара (Бамбоччо), затем вошедших в Бент.

Художники бамбоччаты писали в основном небольшие картины с маленькими фигурками, забавными сценками из жизни простого народа. В Италии и на родине бамбоччату критиковали как низкий жанр.)

Именно по-этому он любил изображать многолюдные сцены, распределяя по полотну освещённые и затенённые участки с многочисленными группами людей.
Одновременно художник заметно «театрализовывал» свои композиции, превращая каждую в своего рода театральные подмостки с активной «массовкой», состоящей из движущихся в разные стороны людей.

Характерная особенность работ Луки Карлевариса — желание воспроизвести подробности изображения в его малейших деталях.

В своих полотнах художник с поразительной точностью старался запечатлеть Венецианские виды и жизнь ее обитателей. Это и городские площади и набережные, дворцы влиятельных вельмож и церкви.

Среди обитателей площадей мы видим простых горожан в поношенных платьях и тут же нарядных кавалеров с разодетыми в шелка и кружева дамами.
Его картины — это панорамы Венеции, наполненные настоящей городской жизнью и историческими событиями.

Художнику очень удавались ведуты с изображениями маленьких венецианских площадей с размещёнными на них церквами Сан Моизе, Санта Мария деи Мираколи, а также Санта Мария делла Формоза.

На этих полотнах почти нет изображённых фигур, так как сами живописные церкви являются главным и основным украшением тихих и поэтичных уголков Венеции.

В 1703 году венецианец Доминико Ловиза предпринял издание гравюр по выполненным с помощью оптической камеры рисункам Луки Карвалиса, что впоследствии оказало значительное влияние на развитие «ведуты» в XVIII столетии и популяризацию ее в офорте.

В 1707 Лука Карлеварис выполнил ряд работ, посвященных дипломатическим церемониям, которые и поныне представляют не только большую художественную, но и историческую ценность.

В 1708 он присоединился к «Fraglia dei Pittori» — важной гильдии живописцев, необходимой, чтобы выйти на венецианский художественный рынок. К этому времени Карлеварис по праву считался уже известным и признанным художником.

В 1728 году художника поразил прогрессирующий паралич, из-за которого ему пришлось полностью прекратить свою работу.

12 февраля 1730 года Лука Карлеварис скончался в возрасте 67 лет в Венеции, где и был похоронен.

Работы Луки Карлевариса служили моделями для венецианских и европейских художников в течение всего 18-го века. Среди его учеников был и выдающийся Антонио Канале (Antonio Canale), по прозвищу Каналетто (1697—1768),который сумел поднять жанр ведуты на невиданную высоту.

Дочь Луки Карлевариса Марианна Карлеварис (1703—1750) так же была художницей и также писала портреты семейства Бальби (Портрет Корнелии Фосколо Бальби, Венеция, Музей Коррер), детские портреты в нежной серебристо-голубой и пепельной цветовой гамме.

Лука Карлеварис по праву включён в список ведущих художников, внесших наиболее значительный вклад в развитие мировой художественной культуры.

Его имя занимает почётное место в пантеоне выдающихся деятелей искусства и по достоинству оценено потомками.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,

Карраччи Лодовико/Carracci Lodovico(Позднее Возрождение)

1555-1619

Лодовико Карраччи (итал. Lodovico Carracci)— итальянский живописец, гравёр и скульптор, один из ярчайших представителей болонской школы.
Лодовико Карраччи родился 21 апреля 1555 года в Болонье в обеспеченной семье. Был старшим из трёх братьев, итальянских живописцев по фамилии Карраччи: Агостино(1557-1602 годы) и Аннибале(1560-1609 годы) являлись двоюродными братьями Лодовико и выдающимися живописцами.

Учился живописи во Флоренции, где его наставниками были Просперо Фонтана и Доменико Поссеньяно. Также изучал творчество итальянских мастеров во время своих многочисленных поездок по городам Италии.

В раннем творчестве художника отчётливо видны маньеризма: во многих работах художника отмечается вытянутость пропорций и изломанность форм.
Почти всю свою жизнь художник проработал в родной Болонье, где в 1585 году совместно со своими двоюродными братьями основал новую школу живописи»Академию вступивших на правильный путь».

Основными принципами обучения в ней были непосредственное наблюдение за окружающей природой и подражание старым мастерам.
Стоит отметить, что Лодовико Карраччи совершенствовал своё художественное образование старательно и терпеливо изучая работы старых мастеров.

Колорит он изучал в Венеции, подолгу рассматривая шедевры Тициана и Тинторетто, тонкость и изящество манеры письма пришли к мастеру после знакомства с работами итальянского живописца флорентийской школы, ученика Пьеро ди Козимо, Андреа дель Сарто.

Старательно копируя работы великих мастеров, знакомясь с их техникой и манерой письма, Карраччи пришёл к выводу, что только беря от каждого мастера лучшие отличительные особенности его письма, и затем соединяя воедино эти особенности, можно добиться возрождения искусства.

Его слова :»если бы возможно было сочетать в одном произведении живописи чарующую прелесть Корреджо с энергией Микеланджело, строгость линий в картинах Веронезе с идеальной нежностью Рафаэля, разве не значило бы этим приблизиться к совершенству» стали основой принципов обучения в школе, и её основным положением.

Несмотря на то, что создание школы было встречено насмешками большинством художников-маньеристов старой школы, очень скоро новая школа стала наиболее прогрессивным центром художественного образования в Италии.

Ученики школы изучали античное искусство и учились подражать великим гениям живописного искусства в рисунке и движении — Микеланджело, в искусстве колорита — Тициану, в искусстве композиции и выражения — Рафаэлю, и в искусстве светотени и грации — Корреджо.

Работы многих художников, входивших в состав новой школы живописи, отличались своеобразным стилем, как пример можно привести первого ассистента Лодовико Карраччи, Джакомо Каведони,но при этом, почти все их работы несли несомненное сходство с знаменитыми шедеврами живописи.

Обязанности в Академии были чётко распределены:Лодовико занимался общим руководством функционирования Академии, Агостино, получивший хорошее литературное и научное образование, взял на себя наиболее сложные занятия.

Он преподавал правила перспективы, строительное искусство, читал анатомию, не пренебрегая иногда для наглядного обучения вскрытием трупов. Он беседовал с учениками о мифологии, истории и религии, касался всего того, в чём художник может черпать сюжеты для своего вдохновения.

Затем ученикам предлагалось воспроизвести в рисунках те факты из истории, о которых он им говорил.
Очень практиковалось в Академии натурное письмо пейзажей и памятников старины. Учащихся приучали к взаимной оценке друг друга, и те из них, которые не умели в таких случаях объяснить и отстоять свою работу, должны были её уничтожить.

Аннибале, наиболее талантливый из братьев, преподавал в Академии уроки рисунка и живописи. Программа обучения в Академии оказалась настолько удачной, что стала образцом для художественных учебных заведений Европы на долгие годы.
Лодовико Карраччи оставался главой Болонской Академии до конца жизни.

Среди его учеников были такие великие мастера, как Гвидо Рени и Доменикино.
Лодовико Карраччи является основоположником живописи особого рода: картин страдальческого пафоса — многочисленных «Ecce Homo» и «Mater Dolorosa», созданных болонской школой. В Эрмитаже хранятся «Святое Семейство», «Несение креста», «Положение во гроб» и «Святой Себастьян».

Некоторые из работ Лодовико Карраччи, такие, как «Обращение Савла» (1587-1588), «Преображение» (1595-1596) и «Мученичество св. Урсулы» (1592; все три картины находятся в Пинакотеке Болоньи), были выполнены мастером в очень крупном масштабе.

Многие исследователи относят Аннибале Карраччи к числу создателей «Классической»ветви стиля барокко, которая стала главным течением в живописи XVII в. в Риме, с характерными для неё яркими световыми и цветовыми акцентами, контрастной светотенью и активным движением, направленным в глубину пространства картины.

В 1585 г. Аннибале вместе с Агостино посетил Парму и Венецию. С этого времени в его произведениях начинает проявляться влияние Корреджо, Тициана и Веронезе. В его живописи классические тенденции, уравновешенность, ясность и четкость форм с самого начала сочетались с экспрессивностью живописной манеры и венецианским колоритом.

Такие его алтарные композиции, как «Пьета со святыми» (1585, Парма, Национальная галерея), «Мадонна со святым Лукой» (1592, Лувр) и «Мадонна с евангелистом Матфеем» (1588, Дрезден, Картинная галерея), следуют живописным традициям Ренессанса, в полной мере обладают монументальностью, и большой силой художественного воздействия.

В 1595 г. Аннибале Карраччи был приглашен в Рим для украшения палаццо кардинала Одоардо Фарнезе; позднее к нему присоединился Агостино.
Одно из самых замечательных его произведений — фрески галереи палаццо Фарнезе стали образцом украшения дворцовой постройки для мастеров следующего столетия.

В них Аннибале преобразил классический мир Ренессанса при помощи яркого и свежего языка барокко, предвосхищая работы Рубенса и Бернини.
Помимо великолепных фресок палаццо Фарнезе, Аннибале Карраччи писал произведения на религиозные сюжеты, среди которых «Пьета» (1603-1607, Лувр, и 1599-1600, Неаполь), монументальный алтарный образ «Вознесение Богоматери» для церкви Санта Мария дель Пополо в Риме (1601), портреты и жанровые сцены, а также первые классические пейзажи со стаффажными фигурками. В 1605, заболевший неизлечимой болезнью, Аннибале практически отказался от занятий живописью.
Умер Аннибале Карраччи в Риме 15 июля 1609 г.

Агостино Карраччи (1557—1602), двоюродный брат Лодовико Карраччи, в начале своей деятельности был гравером; его гравюры, все больше непристойного содержания, пользовались огромной популярностью.

Его живописные достижения, многие исследователи оценивают достаточно посредственно, хотя при всём при этом его «Исповедь святого Иеронима» и «Купанье Дианы», находящиеся в Болонье, » Святая Дева, кормящая грудью младенца Иисуса» (в Парме) указывают на то, что Агостино Карраччи присущи были тонкое и правильное понимание экспрессии.

Агостино Карраччи был не только живописцем и гравером, но занимался также поэзией и философией. Одно из лучших его произведений, «Последнее причастие святого Иеронима» (1591-1593, Болонья, Пинакотека), послужило источником вдохновения для алтарных картин Доменикино и Рубенса.

Из Рима Агостино уехал в Парму, где и умер в 1602 г., не закончив росписи палаццо дель Джардино.
В ранних работах самого Лодовико Карраччи отчётливо прослеживается сходство, а зачастую и простое подражание творениям Корреджо и Пармиджанино, как во фресках в церкви Санкт-Микеле-ин-Боско. которое исчезнет только в более зрелых произведениях художника, в частности, в «Богородице во славе» и во фресках из жития святого Бенедикта в монастыре Санкт-Микеле-ин-Боско.

Некоторые из работ Лодовико Карраччи, такие, как «Обращение Савла» (1587-1588), «Преображение» (1595-1596) и «Мученичество святй Урсулы» (1592; все три картины находятся в Пинакотеке Болоньи), выполнены в очень крупном масштабе.
В более поздних работах Лодовико Карраччи маньеризм был полностью вытеснен элементами барокко и раннего Классицизма.

Живопись Лодовико Каррачи отличал некоторый эклектизм: в отличие от ого прославленных братьев, и в первую очередь, Анибале, стиль художника так и не обрёл какой-то своей яркой индивидуальности.
Лодовико Карраччи известен картинами, которыми он украсил палаццо Фавы, Маньяни, Грасси, Марескальки и множество церквей. Его «Святой Франциск», «Преображение Господне», его последующие произведения — «Поход аргонавтов», «Путешествие Энея» —отличают его как очень талантливого мастера, отличавшегося благородством стиля и редким навыком в исполнении.

Среди его работ также необходимо отметить «Обращение Савла»(1587-1588) и «Мученичество святой Урсулы»(1592), которые сегодня находятся в Болонской Пинакотеке.

Ну и признанным шедевром художника считается алтарный образ «Мадонна дальи Скальци»(ок 1588). На нем изображены святой Иероним и святой Франциск, поклоняющиеся Богоматери, стоящей на месяце, — видение, реалистично наполненное человеческой теплотой и искренностью.

13 ноября 1619 года Лодовико Карраччи скончался в Болонье, где и был похоронен.
Вклад Лодовико Карраччи и его братьев в развитие мирового живописного искусства огромен. Органично соединяя приемы великих мастеров Возрождения, Карраччи сумели создать академический тип алтарной картины и монументально-декоративной росписи барокко, чем обессмертили свои имена и вошли в историю живописи.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Catholic Encyclopedia: Carracci, Whitfield Fine Art.

Карпаччо Витторе/Carpaccio Vittore(Раннее Возрождение)

1455-1526

Витторе Карпаччо — итальянский живописец Раннего Возрождения, представитель венецианской школы.
Витторе Карпаччо родился весной 1455 года(точная дата рождения художника не известна) в Венеции в семье профессионального мастера по выделке меха.

Склонность к рисованию у мальчика проявилась рано. Отец, видя несомненный талант сына не препятствовал его увлечению.

Первым учителем Витторе был Лаззаро Бастиани, возглавлявший в то время преуспевающую венецианскую художественную мастерскую. Несколько лет Карпаччо учился у известного мастера , будучи у него в учениках.

В дальнейшем Витторе Карпаччо продолжил своё обучение у Джентилле Беллини, быстро усвоив и впоследствии успешно развив стиль своего учителя и кумира. Современники отмечали, что у Карпаччо сложились тёплые и доверительные отношения с семейством Беллини.

В 1505-1506 годах Карпаччо познакомился и неоднократно встречался с Альбрехтом Дюрером, который в те годы жил и работал в Венеции и неоднократно бывал в мастерской Беллини.
В своём раннем творчестве Витторе Карпаччо находился под сильным влиянием Джованни и Джентиле Беллини и, конечно, Антонелло де Мессины. Однако, в последующие годы в работах художника появляются некоторые черты, более характерные для живописи Чима да Конельяно, итальянского художника венецианской школы живописи эпохи Ренессанса, писавшего преимущественно алтарные иконы и картины религиозного содержания с обязательным пейзажем на заднем плане.

Основные работы Витторе Карпаччо были выполнены в период между 1490 и 1519 годами, когда художник заслуженно пользовался репутацией одного из самых ярких венецианских живописцев.

Наиболее выдающиеся произведения художника — это несколько циклов картин, созданных им для венецианских филантропических братств(скуол), с изображением сцен жития из святых покровителей.

Первый и,по мнению историков, наиболее удачный цикл картин был написан художником для «Скуола ди Санта Орсола» (1490—1495, Венеция, Галерея Академии).

Девять его картин были посвящены жизни святой Урсулы, дочери британского короля Маура, принявшей в Кёльне мученическую смерть за веру.В работах цикла Карпаччо во всех подробностях изображает основные эпизоды жизни святой, перенося действия персонажей в Венецию.

Вторым крупным заказом стал цикл работ, посвящённых жизни святых Августина, Георгия, Иеронима, и Трифона в Скуола ди Сан Джорджо дельи Скьявони(1502-1507).

Витторе Карпаччо был не только очень талантливым живописцем, но и весьма образованным для своего времени человеком.В некоторых работах художника мы встречаем надписи на древнем арамейском языке.

Священные для многих и легендарные события Карпаччо изображал как вполне реальные сцены, происходившие в декорациях современной ему Венеции, с лёгкостью включал в них городские пейзажи и интерьеры, заостряя внимание на многочисленных жанровых деталях, реалистично показывающих быт горожан.

В 1492 году Витторе Карпаччо совершил путешествие в Рим, где познакомился с великолепными фресками Сикстинской капеллы.Определённые черты, подтверждающие это знакомство, специалисты находят в более поздних работах художника.

Кроме выполнения заказов венецианских религиозных братств, Карпаччо совместно с Джентиле Беллини и другими живописцами принимал участие в создании цикла росписей и картин «История реликвии» во Дворце Дожей.

Витторе Карпаччо написал несколько великолепных картин с венецианскими видами, среди которых особенно выделяется «Чудо реликвии Святого Креста», c чудным изображением панорамы города.

Он написал ещё несколько крупных работ, таких как циклы из жизни Богоматери и Святого Стефана, а также несколько очень интересных портретов, среди которых выделяется ростовой «Портрет рыцаря»(1510 год).

В 1510-е года популярность Карпаччо стала снижаться, однако к середине 1510-х годов мастерская Карпаччо очень расширилась и стала производить довольно большое количество произведений. Но уже в этот период чувствовался явный упадок творческих сил художника.

Карпаччо продолжал работать в своей традиционной манере, которая к тому времени уже считалась устаревшей. На первый план выходили великие венецианцы Джорджоне и Тициан, которые писали совершенно в ином стиле.

Последние годы жизни художник провёл в провинции, где его «старомодный» стиль всё еще имел множество поклонников.

Витторе Карпаччо умер в своей родной Венеции осенью 1526 года от простудного заболевания.

После своей смерти, как это часто случается в истории, художник был полностью забыт, и вновь открыт любителям живописи стараниями Джона Рёскина- английского писателя, художника, теоретика искусства, литературного критика и поэта, лишь в середине XIX века.

Творчество Витторе Карпаччо опиралось на традиции венецианской живописи, а его великолепные картины, изображающие пышные процессии, исторические сцены, связанные с родной Венецией, сделали его одной из главных действующих фигур в традиции жанровой венецианской живописи.

Сегодня Витторе Карпаччо признан одним из самых выдающихся мастеров своего времени, стоящим в одном ряду с такими гениями живописи, как Джованни Беллини.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,
Витторе Карпаччо в Web Gallery of Art, Paintings by Vittore Carpaccio.

Карреньо де Миранда Хуан/Juan Carreño de Miranda(Барокко)

1614–1685

Хуан Карреньо де Миранда(25 марта 1614, Авилес — 3 октября 1685, Мадрид)-Испанский художник эпохи барокко.Дворянин по происхождению Хуан родился в Астурии.
Родителями художника были Хуан Карреньо де Миранда и Дона Каталина Фернандес Бермудес.

Отец был мэром родного города художника. По некоторым сведениям его мать была служанкой мэра, что намекает на то, что Хуан де Миранда был незаконнорожденным ребенком.

В 1625 году в возрасте 11 лет вместе с отцом, к тому времени уже овдовевшим, будущий художник переезжает в Мадрид.

Против воли отца в Мадриде Хуан поступил в мастерскую Pedro de las Cuevas — про которого искусствоведам мало что известно.

Период формирования взглядов художника определяется 1646-1657 годами. Как одну из его первых самостоятельных работ историки называют две картины для оратории дель Кабальеро де Грасиа в Мадриде.

В ранних картинах мы видим в основном религиозные мотивы, яркие и красочные образы ангелов. После 1657 года в работах художника проявляется интерес к отображению сложных архитектурных элементов, а с 1660 года в творчестве художника наблюдаются барочные тенденции, сопровождавшие его до конца. К сожалению, большая часть полотен была утрачена в 1734 году при пожаре замка Alcázar.

По некоторым источникам художник женился до 19 лет на некой Анне Иванес. Его сын по имени Андрей был крещен 1 октября 1633 года и умер 19 марта следующего года.

Некоторые исследователи считают, что эти записи не точны, и речь идет о втором браке его отца. Но исследователей приводит в замешательство то, что отец ребенка уже назван «художником».
В 1658 году имя Хуана Карреньо появляется в дворцовых сводках наряду с именем великого Веласкеса, в свою очередь опасавшегося растучего влияния молодых худрожников при дворе.

С 1660 года все работы художника выполненные по заказам мадридского двора были строго документированы, что позволяет составить точную хронологию работ художника в последующий период его творчества.

С 1662 года интерес художника смещается к отображению женских образов. В 1669 году Хуан де Миранда был принят на должность придворного художника и королевского портретиста.
С 1671 года творчество Хуана де Миранды приобретает отчетливо-официальный оттенок. Однако множество портретов юного короля Карла II отражают некоторый контраст в вычурной пышности костюма и театральности подачи образа с болезненным лицом портретируемого.

В 1679 году художник обращается к стилю парадного портрета в латах.

С 1680 года художник продолжает работать по дворцовым заказам, изображая на своих полотнах королеву Марию Луизу Орлеанскую, Евгению Мартинес Вальехо, русского посла Потемкина. Кроме того, в последние годы творчества, художник обращается к образам уродцев и дураков.
2 октября 1685 года художник продиктовал свою последнюю волю и умер на следующий день.

По его желанию он был похоронен в монастыре San Gil, которого в наши дни уже не существует… Его жена, донья Мария умерла через два года после кончины мужа , 3 марта 1687 года и была похоронена на том же, ныне не существующем кладбище.

Он был всегда внимательным ко всем замечаниям, которые делали относительно его картин, вплоть до того, что записывал фрагменты, которые, по мнению зрителя, требовали цензуры.

Творчество художника очень хорошо охарактеризовал историк искусства Паломино, сказав, что его полотна – это «нечто среднее между Тицианом и Ван Дейком».

Источники: Википедия, Энциклопедия мировой живописи.

Каро Жозеф

1821–1905

Французский живописец Joseph Caraud, родился в Клиньи (Саон-на-Луаре) 5 января 1821 г. Каро известен как жанровый и исторический художник французской школы. В 1844 г. Каро едет в Париж в Академию Изящных Искусств. Он учится в классе известного художника Александра Абеля де Пюжоля (1787–1861) и позже у Шарля Луи Люсьен Мюллера (1815–1892), который помог ему начать карьеру лучшего французского портретиста и жанрового художника 19-го века.

Каро дебютировал в Парижском салоне в 1843 году. Он выставил несколько портретов и прекрасных живописных картин под общим названием «Добрая бабушка и ее внучка».
С 1843 по 1846 годы он представил еще несколько портретов для того, чтобы заработать денег для поездки в Италию, поскольку , начиная с 1848 года, картины художника были основаны на итальянской теме.
Caraud много путешествовал по Италии, Франции и Алжирe, собирал материал и проводил широкие исследования, чтобы написать каждую картину.
Подлинность изображений создала невероятный спрос на его работы.
Каро продолжает выставлять портреты, различные жанровые и исторические живописные картины в Салонах Парижа, где получил много призов.

Успех Каро рос на его ярких картинах о жизни Генри XV, эпизодах жизни Марии Антуанетты, и на идеальных цветных итальянских интерьерах. Каро много путешествовал по Франции, Италии и Алжиру, собирая материалы для своих различных работ. Реальность и точность которые он вкладывал в каждую картину, создало огромный спрос на его работы. Умер в ноябре 1905 г.

Каррера Розальба/Carriera Rosalba(Рококо Миниатюра)

1675-1757

Розальба Каррьера — выдающаяся итальянская художница и миниатюристка Венецианской школы, одна из главных представительниц стиля рококо в искусстве Италии и Франции.

Розальба Каррьера родилась 7 октября 1675 года в Венеции в небогатой семье городской кружевницы. Интерес к живописи проявился у девочки в раннем детстве. Первой наставницей Розальбы была её мать, которая видя природный талант дочери стремилась к его всяческому развитию, привлекая её к художественному оформлению миниатюрных табакерок из слоновой кости, пользовавшихся большим спросом у туристов Венеции того времени.

В дальнейшем Розальба Каррьера училась у Джузеппе Диамантини(1660-1722) и Антонио Балестры(1666-1740).

На её творчество большое влияние оказал также шурин художницы, Джанантонио Пеллегрини(1675-1741), являвшийся наряду с Себастьяно Риччи (1659-1734) и Якопо Амигони(1675—1752) законодателем традиций в венецианском рококо.

Постепенно художница перешла от миниатюры к более крупноформатной живописи, отдавая при этом предпочтение портретной живописи в технике пастели. С ростом художественного мастерства Розальбы Каррьера, росла её популярность среди венецианской аристократии и , как следствие, число заказчиков её работ.

Её заказчиками становились как местные галантные венецианские сеньоры, так и приезжие туристы, желавшие на века сохранить свои впечатления и свои образы. Её работы отличали светлые и воздушные цвета, а расплывчатость форм вкупе с человеческой чувствительностью подчёркивала тонкое изящество изображённых напудренных дам и кавалеров.

Стиль её письма всегда притягивал зрителей неуловимым очарованием, а исключительное, практически академическое владение техникой пастели акцентировало восприятие изображаемого образа.

В 1700 году , в возрасте 25-и лет Розальба Каррьера была избрана в гильдию художников — Академию святого Луки в Риме. Это была очень высокая оценка достижений молодой художницы, тем более что женщин-художниц в гильдии было считанные единицы.

В начале 18-го века Розальба Каррьера становится настолько модной, что её начинают приглашать монархи ведущих царских домов Европы.
В 1700 году художница исполнила заказы герцога Мекленбургского, в 1709 году короля Фридриха IV Датского , а 1717 году курфюрста Саксонского.

В 1716 году происходит знаковое событие в жизни Розальбы Каррьера,- она знакомится с крупным финансистом и знаменитым в Европе коллекционером живописи Пьером Кроза, и по его совету в марте 1720 года вместе с семьёй переезжает в Париж.

В французской столице её пастельные работы имели оглушительный успех, она становится предвестником нарождавшегося в французском искусстве рококо. В Париже Розальба Каррьера получила очень выгодный заказ на 36 портретов членов королевской семьи. Именно а это время художница исполнила одну из лучших своих работ — портрет дофина Людовика, будущего короля Людовика VX.

В 1720 году Розальба Каррьера была избрана членом Французской Королевской Академии живописи и скульптуры.
В Париже художница познакомилась и в 1721 году написала портрет Антуана Вато, основоположника и крупнейшего мастера стиля рококо.

В 1721 году художница возвращается в родную Венецию.
В 1730 году художницу пригласили ко двору польского короля Августа Сильного для для написания портретов членов королевской семьи.

В этом же году Каррьера в течение полугода живёт и работает в Вене при дворе австрийского императора Карла VI, большого почитателя её таланта. По просьбе короля она преподаёт искусство рисунка его дочери, будущей императрице Марии Терезии.

Период 1720-1740 годов считается периодом наибольших творческих достижений художницы. Её творчество было очень популярно при королевских дворах европы и у европейской знати. Все её работы были наполнены нежным очарованием, изображаемые персонажи всегда улыбчивы и очень красивы(зачастую приукрашенно), а восприятие лёгкое и воздушное.

Художнице первой удалось довести до совершенства технику рисования мелками, позволявшую работать быстро, спонтанно, схватывая малейшие черты внутреннего мира и характера модели.

В 1746 году Розальба Каррьера серьёзно заболела: у неё ослабло зрение в результате развития катаракты. Две проведённые операции окончились неудачно, и художница вынуждена была оставить занятия живописью, практически полностью ослепнув.

Среди наиболее значительных мужских портретов художницы нельзя не упомянуть «Портрет графа Нильса Бильке» (1729, Стокгольм, Национальный музей), написанный с типичной для стиля Розальбы легкостью и «Портрет дворянина» (Лондон, Национальная галерея).

Среди женских портретов выделяются «Портрет танцовщицы Барберины Кампани» (Дрезден, Картинная галерея) и «Портрет Катерины Барбариго» (там же),с красивыми и благородными дамами в изысканных и несколько кокетливых одеждах. Большинство картин художницы экспонируется в Дрезденской Картинной Галерее и в венецианских Ка Реццонико и галерее Академии.

15 апреля 1757 года в возрасте 81 года Розальба Каррьера скончалась в Венеции, где и была похоронена. Модная и прославленная при жизни, художница оказалась быстро и незаслуженно забытой после своей смерти.

Длительное время её творчество считалось достаточно однообразным: «мастером женских головок» называли её историки, художницей виртуозно написанных, но достаточно однообразных женских образов .

И только в конце 19-го и начале 20-го веков на волне поднимавшегося в то время феминистского движения было написано несколько её биографий, а уже в наше время немецкая писательница Микаэла Яри написала о художнице исторический роман.

Влияние творчества Розальбы Каррьра испытали на себе многие живописцы, в том числе и крупнейший теоретик пастели и выдающийся английский мастер пастели Джон Рассел(1745-1806), а также знаменитый шведский живописец Густав Лундберг(1695-1786).

Время всё расставило по своим местам и примирило противников и поклонников творчества Розальбы Каррьера. Вглядываясь сегодня в лица изображённых художницей исторических персонажей невольно поражаешься тонкому очарованию, женственности и внутреннему благородству смотрящих на нас лиц.

И словно нет тех столетий разделяющих нас с изображёнными на полотнах людьми, и словно бы они рядом с нами. И всё это благодаря великому таланту великой художницы, оставившей для нашего восхищения свои великие творения.

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы хужожницы в музеях мира, Статья о художнице в британской энциклопедии.

Кассат Мэри

1844–1926

Родилась 22 мая 1844 года в городе Аллегейни в Пенсильвании. Мэри воспитывалась в семье биржевого брокера. Родители надеялись на то, что дочь выберет экономическую профессию, и были против того, чтобы Кассат становилась художницей, однако сама Мэри стремилась заниматься живописью. В 1861 году она поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. Это образование родители считали полезным для любой девушки, однако желание Мэри всерьез заниматься искусством шокировало их.

В 1867 году Кассат отправляется в Париж вместе с матерью. Мэри начинает брать уроки живописи у художников-академистов, изучать работы разных мастеров. Ее работа «Мандолинистка» была отобрана для выставки Салона.

В начале франко-прусской войны Мэри возвращается в США. В это время ей пришлось столкнуться с трудностями на творческом пути. Найти моделей для работ и меценатов для поддержки было очень сложно. Кроме того, семья продолжала выступать против художественных занятий.

В 1871 году Кассат возвращается в Европу. Причиной этого возвращение стало обращение к Мэри архиепископа Питтсбургского. Он поручает художнице выполнить копии картин в Италии. После этого Кассат получает возможность путешествовать по Европе. Она посещает художественные музеи, совершенствует свой стиль. В 1874 году появляется работа «Девушки, собирающие полевые цветы», близкая к манере Мане. Кассат работает преимущественно в духе импрессионизма. До 1886 года художница была активным членом движения импрессионистов, общаясь с Бертой Моризо, Дега.

На некоторое время Кассат пришлось оставить живопись из-за болезни сестры и матери. Однако уже в середине 80-х Мэри возвращается к любимому занятию.
90-е годы стали периодом расцвета для творчества Кассат. Она создает серию цветных офортов, вдохновленная японскими мотивами. Кассат приобретает известность не только в Европе, но и в Америке.

После смерти матери в 1895 году художница приезжает на родину. В США она прожила несколько месяцев, вскоре вернувшись во Францию. В 1910 году Мэри предпринимает поездку в Египет, который поразил художницу своей красотой.
Несмотря на значительное ухудшение здоровья, в том числе и зрения, Кассат продолжает работать. Однако к 1914 году художница практически не может заниматься живописью. При этом Кассат активно участвует в общественной жизни, представляя на выставке в поддержку движения за избирательные права женщин свои работы.
Мэри Кассат умерла в Шато де Бофрене 14 июня 1926 года.

Катала Льюис Алварез

1836–1901

Catala, Luis Alvarez — испанский художник академического классицизма.Родился в 1836, умер в 1901 году. Это был величайший мастер интерьеров  красочно передававший все что видел, в том числе и одежду. В сюжете со многими лицами, он писал каждое так, как будто других там не было, выводя все детали передавая атмосферу того, что он писал.
Основное количество картин этого испанского художника находится в частных коллекциях.

Кауфман Анжелика(Angelica Kauffmann)

1741–1807

Ангелика Кауфман (нем. Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann, 30 октября 1741, Кур, Граубюнден — 5 ноября 1807, Рим) — швейцарская художница.

Девочка родилась в семье немецкого художника Иоанна Иосифа Кауфмана на захудалом постоялом дворе в маленьком французском городке Туре, ибо отец был склонен к перемене мест. Одиннадцати месяцев Анжелику перевезли в Италию, где, наконец то, семья осела надолго.

Богато одарённая натура девочки проявилась очень рано. С шести лет Анжелика начала рисовать, да и трудно было удержаться от того, чтобы не взять в руки уголёк или кисточку, проводя целые дни в мастерской отца. Иоанн Иосиф Кауфман не отличался особыми талантами живописца и обделенность природой стремился восполнить трудом, с детства он приучал и дочь к каждодневной изнуряющей работе.

Анжелика была чрезвычайно привязана к отцу, потому что он заменил ей и подружек, и детские развлечения, и учителей. Часами девочка упражнялась в живописи, а иногда это маленькое красивое существо с папкой рисунков заходило на богатые виллы, чтобы продать свои работы и помочь семье. Трудно было отказать столь очаровательному ребёнку, и однажды даже местный епископ согласился позировать Анжелике.
Старый Кауфман отлично сознавал, что талант дочери позволит ей достичь гораздо большего, чем удалось это ему самому, и потому не жалел ни средств, ни сил для шлифовки таланта Анжелики. Во первых, они предприняли длительное путешествие по Италии. По мнению отца, эта благословенная страна могла стать для девушки источником вдохновения, как и для великих мастеров Возрождения. Во вторых, старик по прежнему уповал на изнуряющую работу и не разрешал Анжелике ни часа развлечений. Девушка была покорной дочерью и только однажды её натура взбунтовалась. Безусловно, читатель угадает, если подумает, что это была любовь.
Странствуя по свету, но ведя замкнутый образ жизни из за запретов отца, Анжелика всё таки умудрилась познакомиться с молодым музыкантом. Девушка была одарена от природы удивительным голосом. Парень умолял Анжелику бросить живопись, отца тирана и посвятить себя пению, уйти с ним. Для девушки наступили дни мучительных сомнений. Впервые она не могла посоветоваться с отцом, впервые в её размеренную жизнь вошли смута и нежелание работать. Решить сама эту жизненную проблему Анжелика не смогла и отправилась к духовнику. Конечно, тот посоветовал ей остаться с отцом, забыть о греховной карьере певицы и выбрать более благородную стезю живописца. От дней влюблённости в творчестве художницы осталась картина, на которой изображён Орфей, пытающийся увести Эвридику из Ада. Черты навсегда покинутого любимого она придала своему живописному герою. Есть и ещё одно полотно: сама Анжелика между двух муз — Музыки и Живописи, обе зовут её, но она склоняется ко второй.
Итак, выбор состоялся и больше, казалось, ничто не мешало таланту девушки. Действительно, она остро почувствовала веяния галантного века с его стремлением к игре, подражаниям, с его ленивым полумраком и уютными креслами, с его кукольными пастушками и золотистыми будуарами. Вскоре слава молодой художницы долетела до Миланского дворца, куда она и была приглашена. Двор был пленён мастерством Анжелики, желающие занимали очередь, чтобы заказать у неё портрет. Девушка, упоённая поклонением и славой, с успехом воспроизводила поверхностный и модный в то время стиль блестящего французского двора, работая с пастелью. Пастушье платье — писк сезона, атласные туфельки, шляпа с лентами на напудренном парике, куколка, окружённая массой поклонников — вот портрет Анжелики того времени.

Смерть матери заставила семью вновь покинуть насиженное место и отправиться на этот раз в родную Браганцу. Однако здесь отец с дочерью прожили недолго. Кому нужны были нарисованные пастушки, если вокруг полно настоящих. Анжелика едва успела закончить фрески для приходской церкви, как отец решил уехать ко двору графа Монфорта, где для девушки была работа. От весёлого двора Монфорта она отправилась в Рим. Здесь она познакомилась с Иоанном Иоахимом Винкельманом, немецким историком искусств, который имел огромное влияние на современные умы. Анжелика тоже поверила его учению, наконец то, у девушки появился первый сторонний учитель. Винкельман исключительно высоко отзывался об одарённой художнице: «Мой портрет для одного друга сделан исключительной личностью, одной немецкой художницей. Она очень сильна в портретах… Её имя — Анжелика Кауфман». В Риме девушка познакомилась со многими лондонцами и, увлёкшись их рассказами о родном городе, решила попытать счастья в туманном Альбионе.

22 июля 1766 года Анжелика прибыла в Лондон, где её ждал настоящий успех. «Королева всего два дня как приехала. Лишь только ей будет лучше, я буду ей представлена», — писала девушка отцу всего лишь через месяц после приезда. На следующее лето старик Кауфман переехал к дочери. Почти двадцать лет прожила Анжелика в Лондоне. Здесь она написала портреты английской королевы, датского короля Христиана. От заказчиков не было отбоя. Окутанные дымкой загадочности лица на её картинах полны если не красоты, то во всяком случае очарования. Салонная художница, Анжелика Кауфман, имела успех и как женщина, покоряя мужчин прекрасной фигурой, свежим цветом лица и наивными живыми глазами.
Многие современники отмечали магический взгляд художницы и её оригинальность. На Анжелику даже обратил внимание президент английской Академии художеств — Рейнольдс. Он предлагал девушке разделить его судьбу, богатство и славу. Но Анжелика испугалась гениальности Рейнольдса, она понимала, что такому таланту жена должна принадлежать всецело, а в ней ещё не угасло желание собственного самоутверждения.

Женихи, однако, не убывали, и однажды мастерскую Кауфман посетил меценат, приобретавший картины художников за баснословно высокие цены, граф Хорн. Даже привыкшая к восторгам зрителей Анжелика не смогла удержаться от довольной улыбки, слушая лестные отзывы графа о своём творчестве. Вскоре Хорн сделал ей предложение. Казалось, личное счастье наконец то улыбнулось знаменитой художнице — блестящий молодой человек, принятый в самых уважаемых домах Лондона, богатый, обаятельный светский лев. Только старик Кауфман сразу же невзлюбил жениха, но у него не было права второй раз встать дочери поперёк дороги, поэтому, скрипя зубами, он постарался промолчать.

Вскоре граф тайно явился к Анжелике и в полном отчаянии поведал ей, что его подозревают в серьёзном политическом преступлении, в котором он, конечно, не виноват, и ему грозит позорная смерть. Только невеста может спасти графа, немедленно с ним обвенчавшись, ибо только имя Анжелики Кауфман заставит королевскую семью, нежно любящую художницу, внимательно разобраться со случаем её мужа. Наивная девушка, не искушённая в интригах, не сталкивавшаяся с подлостью, любила графа и поверила ему сразу.

Семейная жизнь, однако, не задалась. Граф требовал немедленно покинуть город, он часто не являлся домой и вообще вёл себя довольно странно. На вопросы Анжелики отвечал истериками и грубостью. Всё закончилось тем, что женщина вынуждена была переселиться обратно к отцу. Вскоре Анжелика узнала правду — муж её был авантюристом и жил под разными вымышленными именами. Последнюю свою фамилию он взял после того, как некоторое время служил у настоящего графа Хорна в Германии. На прощание муж выманил у Анжелики триста фунтов. 10 февраля 1768 года состоялся их развод. Пережив личную трагедию, художница замкнулась в себе и перестала бывать на светских раутах, только небольшой круг интеллигенции продолжал интересовать её по прежнему. Клопшток писал одному из своих друзей: «С некоторых пор я почти влюблён в одну немецкую художницу в Лондоне — Анжелику Кауфман».

Наша героиня все больше думала о возвращении в Италию. Отец стал совсем стар и часто говорил, что хочет умереть на земле, когда то взрастившей его. Только одно заботило Кауфмана — Анжелика оставалась совершенно одинокой. Отец сам позаботился о достойном человеке для своей дочери. По настоянию старика Анжелика вышла замуж за посредственного венецианского художника, которому к тому времени исполнилось пятьдесят — Антонио Цукки. В Италии в 1783 году Кауфман умер, а Анжелика с мужем поселились в Неаполе при дворе королевы Марии Каролины. Но и здесь ей тяжело было жить, бесконечно эксплуатируя своё мастерство и создавая похожие один на другой портреты придворных.

Новое местожительство — Рим — подарил ей встречу с главным человеком своейжизни — с Гёте. Великий поэт по достоинству оценил оригинальность и богатый внутренний мир художницы. Долгое время их связывала нежная дружба. Анжелика писала портрет Гёте но он не удался и остался незаконченным. Мастерства Кауфман не хватило, чтобы передать гениальность немецкого титана.

Уходил в прошлое галантный век. Вместе с ним старилась и медленно угасала Анжелика Кауфман. Одинокая, забытая всеми она умерла на руках своего дяди 5 ноября 1807 года.
В 1810 ее биографию написал известный итальянский историк Джованни Баттиста де Росси, с тех пор ее жизнь не раз становилась сюжетом романов. Художница была знаменита и в современной ей России, ода «К Анжелике Кауфман» (1798) принадлежит Державину.

Кауфман Карл(Karl Kaufmann)

1843–1905

Карл Кауфман (Karl Kaufmann)—известнейший австрийский пейзажист, маринист, представляющий венскую школу живописи.

Имел более десяти псевдонимов, настоящее имя – К. Кауфманн. ).

Карл Кауфман — родился в 1843-м году, в землях Силезии (Австрия). Учился в Венской АХ, на живописном и архитектурном отделениях.

После окончания много путешествовал по Германии, Бельгии и западному побережью Франции, делая многочисленные натурные зарисовки, впоследствии воплощенные в картинах.

В 1880 – 1890-е часто посещал Италию, посвятив ее видам множество полотен. В творчестве доминируют виды побережья с эффектным освещением и оригинальной колористической трактовкой.

К 1900-му году, живописец обосновался (для постоянного проживания). . Произведения представлены в собрании галереи Бельведер в Вене и других известных музейных и частных собраниях Австрии и Италии.

Подписывал работы как своим именем, так и псевдонимами (Charles Marchand, L. Van Howe, B. Lambert, C. Carlo и др.).

Получил широкую известность в первую очередь как автор итальянских городских пейзажей, изображающих Венецию, Флоренцию, Рим и Неаполь, а также благодаря серии видов Зальцбурга.

Отдельной темой в творчестве художника является изображение видов городов Востока – как реальных, так и воображаемых.

Скончался, 27 апреля 1905 года в Вене.

Произведения Кауфманна регулярно участвуют в крупнейших аукционах, в том числе Sotheby’s и Christiе’s и хранятся в частных собраниях в разных странах мира.

Панорамные пейзажи на фоне венецианской архитектуры – один из излюбленных сюжетов в творчестве Карла Кауфманна.

Именно венецианские пейзажи пользовались особым спросом у заказчиков еще при жизни мастера.

Кейп Альберт Якобс

1620–1691

Альберт Якобс Кёйп (Aelbert (Aelbrecht) Jacobsz Cuyp (Cuijp); крещён 20 октября 1620, Дордрехт — 15 ноября 1691, там же) — голландский живописец, график и гравёр эпохи барокко, известен своими пейзажами. Его именем назван старинный уличный рынок

в Амстердаме.
Не так давно установлено, что Альберт Кейп родился в 1620, а не в 1605 г., как утверждается в некоторых источниках. И дед и дядя Альберта были художниками, специализировавшимися по витражам, отец – Якоб Герритс Кейп – был известным портретистом. Вероятно, именно у отца Альберт обучался живописи, а в начале 1640-х гг. отец и сын совместно работали над заказами: Якоб писал портреты, а Альберт снабжал их пейзажным фоном. Но к этому времени Кейп-младший уже создавал и самостоятельные произведения.

Трудно сказать, были ли у Альберта другие учителя. Версия, что пейзажной живописи художник обучался у ван Гойена, пока подтверждений не нашла. Во всяком случае, творчество последнего заметно отразилось на произведениях Альберта Кейпа, в особенности ранних.
Художник прославился умением передавать свет и воздушную среду туманного утра, сияющего полдня, золотого вечера. Он с удовольствием запечатлевал теплоту летнего или осеннего неба, янтарную дымку, обволакивающую окрестные холмы, отражения в сонной воде.

Солнечный свет на его полотнах разливается по картине, то и дело выхватывая какую-то небольшую деталь панорамы. Травинка, волосы конской гривы, рог склонившейся над ручьём коровы, шляпа крестьянина – всё купается в желтовато-охристом сиянии. Лучи света отражаются и преломляются предметами, словно гранями бриллианта, и сами предметы как будто растворяются в лучах света. Учителем Кейпа в таких случаях являлась сама природа, и в изображении света Кейп считается предшественником Вермеера. Иногда Кейп писал море, и спокойное, и бурное, был одним из лучших в передаче лунного освещения в ночных пейзажах.

Его композиции даны, как правило, с низкой точки зрения, создающей ощущение обширного пространства.
Деятельность Кейпа протекала преимущественно в Дордрехте. После смерти отца в 1651 или 1652 г. Альберт унаследовал значительное состояние и вошёл в число наиболее уважаемых горожан. Он был активным членом голландской реформистской церкви и занимал важные городские и церковные должности. В 1659 г. он стал деканом реформистской общины, в 1682 вошёл в состав суда. Вообще, складывается впечатление, что его больше ценили за общественные, а не творческие заслуги, хотя художник и получал заказы от влиятельных горожан.

Сохранилось мало сведений о деятельности мастерской Кейпа. Известно, что его учеником был Барент ван Калрат, и, возможно, его брат, Абрахам ван Калрат, который настолько скрупулёзно следовал живописной манере Кейпа, что позднее последнему приписывались многие картины Абрахама, тем более что инициалы в подписях на их полотнах одинаковы – «А. К.».

Документальных свидетельств о том, что Кейп куда-либо выезжал из Дордрехта, нет, но судя по местностям, изображённым на его пейзажах, он скорее всего путешествовал по Голландии, бывал в верхней части Рейна, возможно, в Вестфалии.

В 1658 г. художник женился на Корнелии Бошман, богатой вдове военного моряка Йохана ван де Корпута, происходившего из уважаемого в городе семейства. У жены к тому времени уже было трое детей, а годом позже она родила Альберту дочь. После женитьбы творческая деятельность Кейпа практически сошла на нет – видимо, по причине активного участия в церковных делах (Корнелия была очень набожной), а может быть, из-за отсутствия финансовых трудностей. Жена умерла в 1689 г., и последний год своей жизни Кейп жил у своей дочери и её мужа, владельца пивоваренного завода. Под конец жизни Кейп создавал мало картин.

Умер он в 1691 г. и похоронен в августинской церкви в Дордрехте. Кейп не был особенно ценим при жизни, что совершенно не препятствовало ему писать так, как он считал нужным, быть старательным или небрежным – как ему хотелось, вообще, следовать на своём свободном поприще мгновенному вдохновению. Первыми, кто в XVIII в. открыл всю его значимость как художника, были англичане, и неудивительно, что большая часть творческого наследия Кейпа сосредоточена в Великобритании. Увлечение Кейпом достигло таких масштабов, что в скором времени в самих Нидерландах не осталось сколько-нибудь значительных творений художника. У него появились подражатели и последователи, такие как Абрахам ван Стрей и его брат Якоб
В творчестве Кейпа так полно собраны все стороны голландской жизни, особенно сельской, что уже его размаха и разнообразия вполне достаточно для того, чтобы придать ему значительный интерес. Пейзажи, море, лошади, скот, люди любого круга, начиная с праздных богачей и вплоть до пастухов, маленькие и большие фигуры, портреты, птичьи дворы – на всё это распространялись любознательность художника и его талант. Кейп больше, чем кто-либо, употребил свой дар, чтобы расширить поле наблюдений над своей страной, расширяя тем самым и пределы её искусства. Но при этом умении превосходно писать во всех жанрах Кейп сам не создал ни нового жанра, ни нового искусства.

С его именем не связана та особая манера видеть, чувствовать или писать, которая позволяет сказать: это – Рембрандт, это – Паулюс Поттер или Рёйсдаль. Несмотря на такую оговорку, он занимает очень высокое место в списке своих современников, и, если бы Кейпа не было, голландская школа лишилась бы великолепных произведений.
Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира, Works and literature on Aelbert Cuyp.

Кенсетт Джон Фредерик/John Frederick Kensett

1816—1872

Джон Фредерик Кенсетт (англ. John Frederick Kensett; 1816—1872) — американский художник и гравер.

Участник школы реки Гудзон.

Биография:

Родился 22 марта 1816 года в городке Чешир штата Коннектикут в семье эмигрантов.

Окончил школу в Чеширской академии. Затем изучал искусство гравирования со своим отцом Томас Кенсеттом, а позже — со своим дядей Альфредом Дэггетом.

Работал гравером в Нью-Хейвене до 1838 года, после чего переехал в Нью-Йорк на работу в качестве гравировщика для банкнот.

В 1840 году, вместе с Ашером Дюраном и Джоном Касилером, Кенсетт посетил Европу, чтобы учиться живописи.

Там он встретился и путешествовал по европейским странам вместе с Бенджамином Чемпни.

В течение пребывания в Европе Кенсетт изучал и развивал свое понимание голландской пейзажной живописи XVII века.

В 1847 году вместе с Чемпни они вернулись в США.

В Нью-Йорке он создал собственную студию и переехал жить в этот город.

Много путешествовал по Америке и совершил несколько поездок в Европу.

В 1972 году Кенсетт заболел пневмонией и умер от сердечной недостаточности в своей Нью-Йоркской студии 14 декабря.

Кенсет был известным и успешным в финансовом плане художником.

Он был щедр в поддержке искусства и других художников.

Являлся действительным членом Национальной академии дизайна, основателем и президентом Фонда поддержки художников, а также основателем и попечителем Метрополитен-музея.

Первая полная биография и исследование творчества художника были написаны американкой Эллен Джонсон (1910—1982) в 1957 году.

фон Керн Герман Армин

1838–1912

Герман фон Армин Керн (родился в Liptóújvár, бывшая Венгрии, теперь Липтовски Градок , Словакия, 14.3.1838 — умер в Maria Enzersdorf , Австрия, 18.1.1912) был академиком, австро-словацкий художник (художник, который имеет диплом Академии Художеств ).
Родился в семье доктора медицины, который признал его исключительный талант в раннем возрасте, и заплатил за его художественное образование. В возрасте 16 лет начал учёбу сначала в Левоче ,а в 1854 в Праге ,и затем в Вене в знаменитой Академии художеств (С. Ралу).В 1867 продолжил своё обучение в Дюссельдорфе, а в 1870 году с успехом окончил Академию изящных искусств в Мюнхене.
В начале своей творческой карьеры был занят, как портретист мастер жанровой живописи.С успехом работал
в Будапеште.
В 1877 году он переехал в Вену, Австрия и жил со своей большой семьёй (10 детей) до самой смерти (1912).

Керн специализируется на портретах и жанровых сценах. С исключительным мастерством пишет сцены играющих детей, сцены в тавернах и одиноких персонажей в жанровых сценах.
Герман Керн, был одним из самых популярных австрийских художников жанровой тематики своего времени. Некоторые из его картин были куплены членами императорской семьи Габсбургов.

Его дочь Полина фон Керн, также академическая художница (1878-1939) писала в основном портреты и пейзажи.

Кившенко Алексей Данилович

1851–1895

Алексей Данилович Кивше́нко ( род. 10(22) марта 1851 год в Серебряно-Прудском районе Моск.обл. — 2 октября 1895 года, Гейдельберг, Германия) — русский живописец. Близок к передвижникам. Автор знаменитой исторической картины «Военный совет в Филях», запечатлевшей один из важнейших моментов Отечественной войны 1812 года.

Известен также серией батальных полотен на темы русско-турецких войн, а также полотнами на исторические, бытовые и охотничьи темы.

Учился в Рисовальной школе общества поощрения художеств (у Ивана Крамского). В 1867-1877 годах учился в Академии Художеств в Петербурге.

В 1880 году художник отправился за границу, где несколько лет провёл в Дюссельдорфе, Мюнхене и Париже, рисуя картины, которые впоследствии, по возвращении в Петербург в 1884 году, принесли ему звание академика.

Летом 1884 года Кившенко совершил поездку в Закавказский край с целью собрать материалы для заказанных ему императором Александром III картин, изображавших некоторые эпизоды русско-турецкой войны 1877-78 годов.

В 1883-1889 годах преподавал в Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге.

В 1891 году Кившенко сопровождал археологическую экспедицию Никодима Кондакова в Палестину и Сирию, откуда привёз немало этюдов, воспроизводящих природу и народный быт стран Ближнего Востока.

С 1893 года действительный член и профессор-руководитель батальной мастерской Академии Художеств.

Похоронен на Смоленском православном кладбище в СПб.

Кипренский Орест

1782–1836

Кипренский, Орест Адамович (1782–1836), русский художник. Родился на мыcе Нежинской (близ Копорья, ныне в Ленинградской области) 13 (24) марта 1782. Был побочным сыном помещика А.С. Дьяконова, записанным в семью его крепостного Адама Швальбе. Получив вольную, учился в петербургской Академии художеств (1788–1803) у Г.И. Угрюмова и других. Жил в Москве (1809), Твери (1811), Петербурге (с 1812), а в 1816–1822 и с 1828 — в Риме и Неаполе.

Первый же портрет — приемного отца А.К. Швальбе (1804, Русский музей, Петербург) — выделяется своим эмоциональным «рембрандтовским» колоритом. С годами мастерство Кипренского, проявившееся в умении создавать не только социально-духовные типы (преобладавшие в русском искусстве эпохи Просвещения), но и неповторимые индивидуальные образы, совершенствуется. Закономерно, что с картин Кипренского принято начинать историю романтизма в русском изобразительном искусстве. Среди лучших его произведений — портрет мальчика А.А. Челищева (ок. 1810–1811), парные изображения супругов Ф.В. и Е.П. Ростопчиных (1809), В.С. и Д.Н. Хвостовых (1814; все в Третьяковской галерее).

Художник умел сделать впечатляюще-жизненными и непринужденными даже большие парадные композиции (Е.В. Давыдов, 1809, Русский музей). Особый раздел составляют автопортреты Кипренского (с кистями за ухом, ок. 1808, Третьяковская галерея; и др.), проникнутые пафосом творчества. Ему принадлежат также проникновенные образы русских поэтов: К.Н. Батюшкова (1815, рисунок, Музей института русской литературы Российской Академии наук, Петербург; В.А. Жуковского (1816) и А.С. Пушкина (1827; оба портрета в Третьяковской галерее).

Мастер был и виртуозным графиком; работая преимущественно итальянским карандашом (и пастелью), он создал ряд замечательных бытовых типажей (вроде Слепого музыканта, 1809, Русский музей), а также знаменитую серию карандашных портретов участников Отечественной войны 1812 (вышеупомянутый Батюшков, а также Е.И. Чаплиц, А.Р. Томилов, П.А. Оленин и др., 1813–1815, Третьяковская галерея и др. собрания).

Он мечтает о большом полотне, где были бы аллегорически воплощены его раздумья об искусстве, равно как и перспективы новой истории. Один из подходов к теме — Читатели газет в Неаполе (1831, Третьяковская галерея), картина, заключающая в себе символический отклик на революционные события в Европе.

Умер Кипренский в Риме 17 октября 1836.

Китли Марк (Mark Keathley)

1963–….

Марк Китли родился в 1963 году. Вырос в семье фермера в восточном Техасе и любил возится со своим отцом по хозяйству — семья занималась крупным рогатым скотом. Дом находился за густым дремучим лесом посреди бескрайнего поля. Он провёл большую часть своего личного времени за пределами города. Именно здесь, в этой среде, он впервые увидел (на чердаке) единственную масляную картину его матери — на ней была изображена чудная природа его Родины.
Он жадно обратился к фотографии начиная с пяти лет, но в одиннадцать лет краски предложили новый вызов. Это приносило ему много разочарований, но он не сдавался, и продолжал пробовать — вплоть до поздней ночи (а иногда и до утра), что не шло на пользу молодому организму. Позднее он принял участие в небольшой персональной выставке в местном колледже искусств … и впервые увидел, что его работами восхищаются.

Это было всё, что понадобилось для его решимости посвятить себя всего живописи. Его повышенный интерес к искусству держал его от двенадцати до четырнадцати часов в день, шесть дней в неделю. И это дало о себе знать. «Ты такой молодой!» — люди будут говорить ему так, потому что он был двадцати лет или около того, а его карьера началась так стремительно успешно — он стал одним из самых узнаваемых художников Америки.
В начале 1990-х, он отправил пару картин в Шайенн (Вайоминг) на конкурс «Музей Старого Запада» и выиграл пару наград за свои работы. Он также принял участие в фестивале «Texas Ranger Art Show» в Вако (Техас) и дважды победил в номинации «Премия народного голосования».
Куда бы он ни отправлялся, он находил большое признание за свои работы, его картины висят во многих домах по всему миру.
Мы слишком заняты своими пустыми, в основных случаях, делами, — говорит художник, — В своих картинах я говорю о нашей потребности замедляться, хотя бы немножко посидеть и подумать о жизни. Наши дети растут без родителей, наши дурацкие рабочие графики застряли в наших мозгах в полном объеме, и нет времени, чтобы подумать, что жизнь должна быть красивой и осмысленной, а не проходить мимо нас.

Я хочу, чтобы люди вдохновлялись счастливым светом оптимизма, чтобы они научились слушать тихий голос своей совести, а затем поднялись и поняли, что они являются частью чего-то большего, чем их рабочий график.»
Он способен штрихами цвета и мелкики, но величественными деталями на смелые великолепные решения — это приводит ваш фокус в один из самых важных областей полноты жизни. И даёт вам чувство, что вы есть. И именно в этом чувстве он и хочет, чтобы вы оставались — не восхищались его способностями, а вдохновлялись на жизнь.

Клаус Эмиль/Emile Claus(Импрессионизм,Луминизм)

1849–1924

Эмиль Клаус (нидерл. Emile Claus, род. 27 сентября 1849 г., Варегем — ум. 14 июня 1924 г., Дейнзе) — бельгийский художник, один из главных представителей импрессионистской живописи в Бельгии и основоположник луминизма.

Э.Клаус родился в многодетной семье сельского лавочника. Учиться рисованию начал в местной художественной школе.

По совету композитора Петера Бенуа, Клаус в 1869 году поступает в антверпенскую Академию изящных искусств, где изучает портретную, историческую и пейзажную живопись. В 1874 году он заканчивает учёбу в Академии.

В 1875 году художник с успехом выставляет свои работы в Генте, и в 1876 — в Брюсселе.

В раниий период своего творчества Э.Клаус занимается преимущественно портретной и жанровой живописью.

Он пишет в реалистической манере, преимущественно в тёмных тонах и использует социальную тематику (напр. полотно Богатство и бедность (1880)).

В 1879 году художник совершает путешествие по Испании, Марокко и Алжиру.

В 1882 состоялся его дебют на Парижском Салоне, где Клаус представляет свою картину Бой петухов во Фландрии (1882).

Начиная с этого момента он проводит много времени в Париже — сосбенно зимой, и подпадает под творческое влияние французского художника Бастьен-Лепажа, также писавшего на социальные темы в реалистической манере.

С приходом финансового достатка в 1883 художник покупает на родине виллу Zonneschijn (Солнечное сияние).

В 1886 он женится на Шарлотте Дюфо, дочери нотариуса из соседнего Дейнзе.

В этот период Клаус рисует в основном пейзажи родной природы, выдержанные в реалистическом стиле.

Во время жизни в сельской местности он поддерживает дружеские отношения и ведёт оживлённую переписку с художником Альбином ван ден Абеле, скульптором Константином Менье, писателями Сирилом Бёйссе и Эмилем Верхарном.

Через них, а также через художника Анри Ле Сидане, Клаус открывает для себя такое явление, как французский импрессионизм.

Знакомство с работами импрессионистов меняет и живопись самого Э.Клауса — его краски становятся светлее и более тёплыми: он уделяет больше внимания взаимодействию света и тени, благодаря чему формальные вопросы отступают на второй план (Зимородки (1891)).

Среди французских импрессионистов особое влияние на живопись Э.Клауса оказал Клод Моне.

В работах обоих художников сходной является не только цветовая гамма, но и даже практически одинаковый подбор сюжетов для своих полотен (в лондонский период).

Постоянный поиск новых форм выражения и световые эксперименты сделали Э.Клауса непосредственным предшественником такого течения в живописи Бельгии, как луминизм.

В Париже Клаус также дружит с известными деятелями культуры, среди которых писатели Эмиль Золя и Морис Метерлинк.

Вплоть до начала Первой мировой войны художник подготовил немало учеников, в их числе были Анна де Верт, Роберт Хаттон Монкс, Торадзиро Кодзима, Жорж Моррен, Леон де Смет и другие.

В ноябре 1893 он вступает в художественную группу Union Artistique.

Её целью было — как и у аналогичных групп французских импрессионистов — организация выставок и продажа картин.

Кроме этого, работы Клауса появляются на выставках брюссельского союза художников La Libre Esthétique в 1896 году и на Берлинском сецессионе.

В 1904 Э.Клаус создаёт, совместно с живописцем Жоржем Бёйссе, группу Vie et Lumièrе, в которую позднее вступают такие художники, как Джеймс

Энсор, Вильям Дегув де Нункве и Адриан Хейманс.

Вполоть до самой Первой мировой войны Э.Клаус много путешествует — он неоднократно посещает Париж, Нидерланды: в 1907 году он совершает поездку по США, в 1914 — на Лазурный берег Франции.

Перед самым вступлением немецких войск в 1914 году в его родной городок художник успевает эмигрировать в Англию.

Здесь он живёт в Лондоне, в доме на берегу Темзы. Основной темой для творчества мастера в годы изгнания была эта лондонская река.

Картины Э.Клауса с пейзажами Темзы, написанные в постимпрессионистской манере, пользовались большим успехом как в Лондоне, так и в Брюсселе после войны.

После окончания военных действий Э.Клаус возвращается на свою виллу в Астене. Здесь он скончался в 1924 году и был похоронен в своём саду.

На могиле мастера был установлен мраморный памятник работы Жоржа Минне.

Клее Пауль

1879–1940

Клее Пауль (1879-1940) — швейцарский живописец и график. Пауля Клее с полным правом можно назвать пионером модернизма. Свое кредо он сформулировал в начатом в 1918 году сочинении «Творческое вероисповедание»: на первом плане должно стоять не максимально точное отображение реальности, а ее индивидуальное восприятие. «Новое искусство формирует не предметы, а ощущения по отношения к предметам.

Художник воспроизводит не саму природу, а скорее закон природы»,- записал Клее в своем дневнике в июне 1905 года. Таким образом, он описывал существенный принцип своего творчества. Клее сам придумывал невидимые, но органически возможные формы. Созданные им картины с чисто визуальной точки зрения поддаются совершенно различным толкованиям.
Долгое время господствовало мнение, что абстрактные художники отвернулись от природы, не придают ей большого значения. Этому утверждению никто так не противоречит, как Пауль Клее, отличавшийся глубочайшей привязанностью к природе. В основу всех его работ заложены наблюдения природы, будь то ландшафт, ботаника, космос… Одному приятелю, художнику и педагогу, он советовал: «Изучайте естественные пути Создателя, возникновение, функции и формы. Это — наилучшая школа. Исходя из природы, вы, быть может, придете к собственным формам».

Пауль Клее интересовался естественными науками, изучал сложные математические взаимосвязи. Исходя из убеждения, что между природой и искусством существует тесная связь, Пауль Клее создавал свою графику и рисунки. Маслом он стал писать лишь в поздние годы.
Источник своего творчества Клее видел в инстинктивных ощущениях. Искусствовед, профессор Вернер Хафтманн, прочитав записи Клее, так описывал это: «Он исходит не из уже сформированных, визуальных картин природы, он начинает с самой картины. Призванный к действию в момент вдохновения, он начинает безо всякого сознательного, а уж тем более нацеленного на тему намерения». В результате произведения Клее вырастали подобно, например, растениям. Они не осуществлялись в обычном смысле слова, а постепенно образовывались из первоначального хаоса.
Пауль Клее родился 18 декабря 1879 года в Мюнхенбукзе под Берном в Швейцарии. Его отец родом из Тюрингии, предки матери — из Франции и Швейцарии. Отец был музыкантом и преподавал на семинаре для учителей. Мать по образованию была тоже музыкальным педагогом. Атмосфера в доме была насыщена музыкой, и в семь лет мальчик начал учиться играть на скрипке. Любовь к Баху, Бетховену и Моцарту наложила отпечаток на всю его жизнь, он привносил ее в свою живопись, рисуя «с музыкой в глазах».
Рисовать учила его бабушка по материнской линии. В девятнадцать лет Клее уже учился в Мюнхене у Хайнриха Книрра, а осенью 1900 года его приняли в академический класс Франца фон Штука. Путешествуя по Европе, Клее не только знакомился с произведениями классических художников, но и создавал свои офорты. В 1906 году он женился на пианистке и педагоге Лили Штумпф и поселился с ней в Мюнхене. В том же году впервые выставил свои офорты. Его живописью на стекле никто особо не интересовался. Спустя четыре года у Пауля Клее в Берне состоялась первая персональная выставка рисунков, офортов и акварелей. Резонанс на нее был слабый, что расстроило художника.
В том же году, когда Клее было уже тридцать лет, он написал свою первую картину маслом. Работать с масляными красками ему было трудно, он делал многочисленные эскизы, но оставался неудовлетворенным результатом. В 1911 году Клее вступил в мюнхенское объединение «Синий всадник», куда входили и русские художники. Творческое объединение поддерживало все новые формы выражения в искусстве, не отдавая предпочтения какому-либо определенному стилю.
В 1914 году Клее едет в Париж, и в его жизни наступает перелом. После длительных бесед с друзьями — Василием Кандинским и Францем Марком — Пауль Клее начал ощущать доверие к собственной колористике. «Это смысл счастливой минуты: я и цвет едины. Я — художник»,- записал он в дневник. В 1916 году его призвали в армию, где он до демобилизации (в 1919 г.) занимался канцелярской работой, что не мешало ему писать картины.
Клее начал показывать свои работы на многочисленных выставках, и, при всей неоднозначности их восприятия, появились ценители его творчества. В 1920 году его пригласили в Веймар, где он стал педагогом в «Баухаузе» — Высшей школе строительства и художественного конструирования. При своем создании школа объединила в себе веймарскую Высшую школу изобразительных искусств и училище прикладного искусства и должна была содействовать всем изобразительным искусствам, но под эгидой зодчества. Неотъемлемой частью творческого процесса считались здесь ремесленные навыки. Пауль Клее десять лет преподавал в «Баухаузе», а в 1931 году он стал профессором Дюссельдорфской академии. В 1933 году национал-социалисты вынудили его уволиться, а его искусство было объявлено «вырожденным». Клее эмигрировал в Берн, где в 1935 году заболел склеродермией — смертельным кожным заболеванием. 29 июня 1940 года в 60-летнем возрасте он умер.
Пауль Клее являлся одним из лидеров экспрессионизма, был близок к сюрреализму. В его произведениях есть ощущение гармонии, почти музыкальных созвучий. Особенно это чувству-
ется в его натюрмортах и в такой работе, как написанная в 1920 году «Оттепель в Арктике». Из типичных своих форм и красок создал Клее в 1919 году «Композицию», которая находится теперь в Штутгартской картинной галерее.
Пауль Клее призывал делать невидимое видимым, стремился воспринять больше, чем в состоянии воспринять высокочувствительная камера, он поставил себе задачу «предельно дифференцированно исследовать» мир. Пожалуй, ни у одного другого художника теоретические выкладки и творческое действие не дополняют друг друга с такой полнотой, как у Пауля Клее. Сложенная им строфа — она стала его надгробной надписью — гласит: «Посюсторонне меня не постичь. Ибо как раз пребываю средь мертвых и среди нерожденных. Несколько ближе к Вселенной, чем водится. И все же недостаточно близко…»
Пауль Клее оставил более трех с лишним тысяч рисунков, картин маслом и акварелей.
Казалось бы, совсем простая тема: рыба в воде, но из нее Пауль Клее сделал полную напряженности картину «Золотая рыбка» в 1925 году. Рыбка своим молодым свечением, угрожающими «колючками» и зловещим взглядом держит зрителя на почтительном расстоянии. На периферии картины в подвижной воде плавают водоросли и другие рыбы, тогда как в непосредственном окружении «золотой рыбки» царит глубокая тьма и абсолютный покой: добро и зло, статика и динамика противостоят друг другу.
В поздний период творчества Пауль Клее пытался создать «спиритическое цветосветовое пространство» и обратился к пуантилизму (от франц. pointiller — «писать точками»). Эта живописная система предполагает письмо мелкими мазками правильной, точечной формы. При этом Клее предпочитал темперу на бумаге. Одна из наиболее известных его работ этого времени — «Кресты и колонны» (1931).
В 1937 году художник написал картину «Революция виадуков», одну из важнейших в своем творчестве возможно, словно бы очеловеченные арки мостов символизируют здесь марширующие нацистские дивизии. Впрочем, некоторые искусствоведы истолковывают эту картину как критику художником статичного зодчества его времени. Пауль Клее всегда стремился противопоставить статике динамику.

Климт Густав

1862–1918

Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене (возле Вены).

В 14 лет Густав Климт поступает в художественно-ремесленное училище в Вене, где учится у Фердинанда Лауфбергера и Юлиуса Виктора Бергера до 1883 года.

В 1877 году Его брат Эрнст поступает в то же училище. Они вместе пишут портреты с фотографий, которые продают по цене 6 гульденов за портрет.

В 1879 году Густав Климт, с братом и Францом Матчем занимаются двором музея истории искусств в Вене, а в 1880 году они получают первый заказ — «Четыре аллегории» роспись потолков во дворце Stureny в Вене, а также роспись потолков в купальнях в Карлсбаде.

В период совместной работы в Венском Бургтеатре (1886 год) стиль Климта начинает отличатся от стиля его брата и Матча. С этого времени каждый работает самостоятельно. По окончанию работ в Бургтеатре Климт получает Золотой Крест за заслуги в искусстве.

Его награждает император Франц Иосиф. В 1889 гроду Густав Климт путешествует по Европе, посещает Венецию, Мюнхен. В 1890 году работает над декорацией парадной главной лестницы музея истории искусств в Вене. После поисков собственного стиля Климт отходит от академической манеры рисования.

В 1891 году Густав Климт становится членом «Союза изобразительных искусств». В этот год он знакомится с Эмиль Флоге (будующая жена). В 1892 году умирает сперва отец Климта, а затем и его брат Эрнст. В 1894 году Густав Климт вместе с Францем Матчем получают заказ на декорацию «Aula Magna» в венском Университете.

В 1885 году Климт декорирует залы в театре замка Эстерхаз в Венгрии. В 1886 году Густав Климт выполняет настенные полотна с аллегорическим изображением трех факультетов «Юриспруденция», «Философия» и «Медицина». Климт основывает венский «Сецессион» и становится его президентом в 1887 году.

С 1898 проходят выставки «Сецессиона». В эти годы Климт развивается как экспрессионист, отличается орнаментальным изображением форм, которые наполнены мозаикой. В 1990 году за картину «Философия» Густав Климт получает золотую медаль на всемирной парижской выставке.

В 1902 году Густав Климт создает Бетховенские фрески, которые широко обсуждаются в прессе. В этом же году он знакомится с Роденом, который восхищен его фресками. В 1903 году художник путешествует по Италии (Равенна, Венеция, Флоренция). Начинается «золотой период».

Плиты для «Aula Magna» в венском Университете перевезены в Австрийскую галерею, против чего Климт протестует. В этом же году проходит ретроспектива произведений Густава Климта в «Сецессионе». В 1904 году Густав Климт пишет эскизы для настенной мозаики для дворца Стоклет в Брюсселе, которые были выполнены в венской мастерской художника.

В 1908 состоялась выставка шестнадцати картин Густава Климта в Кунстшау. Галерея современного искусства в Риме покупает картину «Три возраста женщины», а Австрийская государственная галерея картину «Поцелуй». В 1909 Густав Климт начинает работу над фресками во дворце Стоклетт.

Он едет в Париж, где открывает для себя Тулуза Лотрека. Он знакомится также с работами Ван Гога, Мунка, Гогена, Боннарта, Матисса, которые будут выставляться в Кунстшау. В 1910 Густав Климт успешно принимает участие в девятой Биеннале в Венеции. Картина «Смерть и жизнь» Климта на всемирной выставке в Риме в 1911 году была высоко оценена.

В 1912 под влиянием искусства Матисса Густав Климт заменяет фон в «Смерти и жизни» на голубой цвет. В 1914 году экспрессионисты критикуют работы Климта. В 1915 году умирает мать Густава Климта. Палитра художника темнеет. Его пейзажи имеют тенденцию к одноцветности.

В 1916 году Густав Климт участвует в выставке «Союза австрийских художников» в Берлинском Сециссионе вместе с Эгоном Шилле, Кокошкой, Файстауером. В 1917 году Густав Климт начинает работу над «Невестой» и «Адамом и Евой». Он становится почетным членом Академии искусств Вены и Мюнхена.

6 февраля 1918 года Густав Климт умирает от удара, оставляя многие незаконченные работы.

Кломбек Йохан Бернард

1815–1893

Кломбек Иоганн Бернхард (родился 1 июля 1815 в Клеве , умер 28 ноября 1893) был художник-пейзажист, которого называли романтиком пейзажа.

Кломбек вырос возле немецко — голландской границе. Его родители были: портной Генрих Кломбек из Клеве и его жена Марианна Tinthoff, сводная сестра художника Маттиаса Тинтоффа (Tinthoff) . Этот дядя давал ему первые уроки Иоганну Бернхарду, и заложил основы рисования картин.

С 1841 года он пользовался влиянием уже тогда известного голландский художник-пейзажиста Баренда Корнелиса Куккука (Barend Cornelis Koekkoek) , который основал Академию искусств в городе Клеве.
Был самым привязанным к родине из всех романтических художников.

Кломбек учился в Клеве в рисовальной школе, основанной Б.К.Куккуком и стал самым знаменитым его последователем.
В лесных пейзажах Кломбека людей и анималистический стаффаж писал Э.Вербукховен. Хотя Кломбек родился на территории Германии, его относят к нидерландской школе, учитывая ту роль, которую он играл в кружке художников-романтиком под руководством Б.К.Куккука.
Его первая выставка была показала в его родном городе Клеве, и в Неймеген . Между 1843 и 1856 его работы были произведены на крупных выставках в Амстердаме , Роттердаме , Гааге , Дрездене и Берлине.

Ковальский-Веруш Альфред

1849–1915

Альфред Ян Максимилиан Веруш-Ковальский (польск. Alfred Kowalski-Wierusz; 11 октября 1849, Сувалки — 16 февраля 1915, Мюнхен) — польский художник-реалист.
А. Ковальский родился в семье нотариуса. Детство его прошло в родительском имении под Сувалками, в русской Польше. В 1865 году отец будущего художника получает место нотариуса в Калише, и семья уезжает из Сувалок.

В Калише А. Ковальский заканчивает гимназию и берёт свои первые уроки рисования. Продолжает обучение живописи, поступив в варшавский Класс рисунковый, где учится под руководством Войцеха Герсона, Рафала Хадзевича, Александра Каминьского.

В 1871 году художник уезжает за границу — живёт в Дрездене, Праге, Мюнхене.

В 1872—1873 годах учится в дрезденской Академии изящных искусств. Признание как к художнику приходит к А. Ковальскому в Мюнхене, где он живёт с 1876 года, его картины охотно покупаются.

Художник посещает занятия также в мюнхенской Академии, в городе он примыкает к кружку польских художников, сложившемуся вокруг Юзефа Брандта.

Темой работ А. Ковальского были жанровые сценки, нередко написанные с юмором, а также батальные и исторические полотна. В 1903 году он совершает путешествие в Северную Африку, после чего создаёт ряд работ на арабские мотивы. С 1890 года А. Ковальский — профессор мюнхенской Академии. Неоднократно выставлялся на родине: в Варшаве, Кракове, Львове, Познани. Завоёвывал почётные призы и медали на выставках в Мюнхене, Вене, Париже, Берлине, Сент-Луисе, Луисвилле. Был награждён в 1904 году Золотой медалью на художественной выставке во Львове.

Кольер Джон

1850–1934

Джон Кольер, John Collier (1850–1934) родился 27 января 1850 г., был вторым сыном в семье известного судьи, в дальнейшем получившим титул Лорда Монксвела и ставшим членом Парламента.

После четырех лет обучения в Итоне он отправился за границу изучать французский и немецкий языки, с намерением поступить на дипломатическую службу, но планы у него изменились.

Его отец не возражал против его желания стать художником, и даже познакомил его с Альма-Тадемой (1836–1912), который однако не взял его в ученики, поэтому он, после обучения в Париже и Мюнхене, поступил в Лондонскую школу искусств.

Во время первой мировой войны он состоял на хорошей службе, как временный клерк в Министерстве иностранных дел. Он стал вице-президентом в Обществе художников-портретистов, Почетный президент которого Mr. G. Spencer Watson, умер в эти дни.

Он был также автором учебника живописи маслом. Он много времени уделял такой теме как «Рационализм и развод».

Худой бородатый человек, он производил впечатление вежливой независимости — своего рода тихая жестокость в личном общении и характере, которая был отражена в его живописи.

Первой его женой была Мариана, дочь профессора Huxslay, которая умерла вскоре после рождения их единственной дочери, ставшей в дальнейшем, женой Mr. Drysdale Kilburn.

В 1893 г. он женится на сестре своей первой жены, Этелин Норвей, с которой у него родились двое детей, один из которых, сын Mr Laurance Collier, стал дипломатом, второй — дочь Джоан, стала женой бригадного генерала Mr. F.A. Buzzard.

Его творчество причисляют к творчеству художников-прерафаэлитов.

Комэрре(Comerre) Леон Франсуа

1850–1916

Леон-Франсуа Комэрре родился в Trelon в семье учителя. В 1853 г семья Comerre переехала в Лилль.

С раннего возраста мальчик проявил художественные способности; стал студентом Альфонса Коласа в художественном училище Лилля.

В 1867 году Леон-Франсуа удостоился золотой медали Академии de Lille и гранта от Северного Департамента (Departement du Nord), что позволило ему продолжить образование в Париже.

В 1868 году художник поступил в студию Александра Кабанеля и был принят в Школу изящных искусств в Париже.

Впервые его работы были включены в экспозицию Парижского салона в 1871 году.

Представляя свою новую работу в 1874 и 1875 годах, автор завоевал награду 3-го класса.

В 1875 г Леон-Франсуа выиграл Гран-при за картину «Ангел провозглашает пастухам рождение Христа», что позволило ему получить стипендию на обучение во

французской Академии в Риме с января 1876 до декабря 1879.

В 1884 г художник переехал в Comerre Vesinet, пригород Парижа, где прожил до своей смерти в 1916 г.

Констебль Джон

1776–1837

Констебл, Констебль Джон (Constable John) (1776–1837), английский живописец.

В 1800–1805 посещал Академию художеств в Лондоне, но как художник, крупнейший в 19 веке пейзажист Великобритании, Констебл сложился, в основном, самостоятельно, изучая произведения Якоба ван Рейсдала, Никола Пуссена, Клода Лоррена, Томаса Гейнсборо. Работал в Лондоне и Суффолке.

Отказавшись от многих условностей, свойственных пейзажной живописи 18 века, Констебл обратился к непосредственному наблюдению природы, первым из европейских мастеров стал писать пейзажи полностью с натуры.

Свои картины, простые по мотивам, естественные и вместе с тем величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы, Констебл писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми беспокойными мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды («Мельница в Флэтфорде», 1817, Галерея Тейт, Лондон; «Телега для сена», 1821, Национальная галерея, Лондон; «Собор в Солсбери из сада епископа», 1823, Музей Виктории и Альберта, Лондон; «Детхэмская долина», 1828, Национальная галерея, Эдинбург).

Новаторское творчество Констебла, предвосхитившее искания европейского искусства 2-й половины 19 века в области пленэра, не получило признания на родине художника.

Картины Джона Констебла были впервые по достоинству оценены во Франции, где были выставлены в парижском Салоне 1824 года и оказали существенное влияние на сложение барбизонской школы.

Он умер в ночь на 31 марта, предположительно от кишечной болезни и был похоронен на кладбище St John-at-Hampstead.

Кончаловский Петр Петрович

1876–1956

Кончаловский Петр Петрович — русский художник, участник объединения «Бубновый валет».

Родился в Славянске (ныне Донецкая область, Украина) 9 (21) февраля 1876 в семье помещика-предпринимателя. Учился, в частности, в академии Жюлиана в Париже (1897–1898) и петербургской Академии художеств (1898–1907).

Испытал влияние В.И. Сурикова, который был его тестем, а также П. Сезанна. Жил преимущественно в Москве.

Сделал себе имя натюрмортами, пейзажами и портретами, близкими аналитическому кубизму и фовизму.

Этим произведениям («Сиенский портрет», 1912; «Г.Б. Якулов», 1910; «Сухие краски», 1913) свойственны грубовато-предметная фактура и драматическая сила красок.

В 1920-е годы резкий, фовистский тон живописи Кончаловского постепенно смягчается, образы все чаще наполняют национально-романтические настроения («Новгород. Антоний Римлянин», 1925), оптимистическое жизнелюбие («Миша, сходи за пивом!», 1923).

Красочная патетика и драма порой причудливо сосуществуют в его произведениях 1930-х годов (портрет В.Э. Мейерхольда, 1938, запечатленного в разгар травли).

Многие вещи гладко вписываются в канон соцреализма — подобно «А.Н. Толстому» (1940—1941), почти пародийному в своем самодовольстве.

В 1943 Кончаловский был удостоен Сталинской премии.

Академизм позднего Кончаловского зачастую нарушается вольными вспышками прежней экспрессии («Полотер», 1946).

Его двуликое, «конформистски-анархическое» искусство

оказало большое воздействие на русскую живопись, причем как

официальную, так и «неофициально»-авангардную.

Умер Кончаловский в Москве 2 февраля 1956.

Кордей Фредерик-Самуэль

1854–1911

Французский живописец Фредерик-Самуэль Кордей был учеником Лемана (который в свою очередь обучался у Энгра) в парижской Школе изящных искусств. Академический метод преподавания Лемана не нравился Кордею, и он в 1876 году вместе со своим другом выступил против своего учителя, требуя его ухода. Ввиду того, что Леман не согласился пойти в отставку, а директор не разрешил им перейти в другой класс, друзьям ничего иного не оставалось, как только оставить Школу. Они обратились с письмом к Мане, в котором высказали просьбу принять их к себе в ученики и устроить некую «Свободную мастерскую». Мане не желал усложнять свое и без того затруднительное положение в официальных кругах, потому и отклонил прошение. Затем Кордей и его товарищ стали неизменно наведываться в мастерскую Ренуара, в котором обрели друга и учителя. Оба с радостью позировали ему для его полотен «Качели» и «Бал в Мулен де ла Галетт», над которыми Ренуар в то время работал. Последняя была настолько больших размеров, что друзья ежедневно помогали свому учителю переносить ее из мастерской на площадку, где тот живописал, а вечером заносили ее обратно. В 1877 году по предложению Ренуара Кордей участвовал в Третьей выставке импрессионистов, выставив на ней четыре картины.

Кордей был финансово независим и имел возможность заниматься любимым делом, не беспокоясь о заработке. Он был частым гостем кафе «Новые Афины», в котором в 1870-х годах проводились встречи импрессионистов. Здесь он познакомился с доктором Гаше. Вместе с Сезанном и Гийоменом Кордей неоднократно писал на пленэре в Овере, Эраньи и Морэ . В 1881 году живописец отправился в странствование по Алжиру, где виделся с Ренуаром.
Фредерик-Самуэль Кордей скончался в Париже в 1911 году. Через два года после смерти художник была организована выставка его работ в парижской галерее Шуазеля.

Корзухин, Алексей Иванович(Жанровая живопись)

1835–1894

Корзухин Алексей Иванович(11 [23] марта 1835, Пермская губерния — 18 [30] октября 1894, Санкт-Петербург) — русский жанровый живописец, академик Императорской Академии художеств, участник «бунта четырнадцати», один из учредителей Санкт-Петербургской Артели художников и Товарищества передвижных художественных выставок.

Биография:

Корзухин Алексей Иванович — Алексей Иванович Корзухин родился на Уктусском заводе (ныне Екатеринбург) 11 марта 1835 в семье крепостного промывальщика золота.
Художественные способности будущего живописца проявились в юном возрасте.
Уже В 1840-е годы он писал иконы для местной Преображенской церкви и портреты родных.
В 1848 году его семья переселилась на Екатеринбургский монетный двор.
Начиная с 1848 года,более 10 лет А.И. Корзухин работал на Нижне-Исетском железоделательном заводе и Екатеринбургском монетном дворе.

Уехав в 1857 в Петербург, в 1858г. поступил в ученики Императорской Академии Художеств, где проучился вплоть до 1863 года.
В Академии он получил в 1858 году — 2 серебряные медали, в 1859 году — 1 серебряную, в 1860 году — 2 серебряных, в 1861 — 1 серебряную и 2 золотые за картину «Пьяный отец семейства».
После того ему предстояло конкурировать на получение большой золотой медали и соединенное с нею право на поездку в чужие края на счет казны.

В 1860 был освобожден от обязательной горной службы.
В 1863 году, вместе с несколькими товарищами, которые не пожелали работать на заданную конкурсную тему, вышел из академии и участвовал в образовании Петербургской артели художников,под руководством И.Н.Крамского, деятельным членом которой оставался до самого ее распада.
В 1870 году Корзухин стал членом-учредителем Товарищества передвижных художественных выставок.
Будучи членом-учредителем «Артели художников» и «Товарищества Передвижников», Корзухин был против слишком резкого разрыва с Академией и официальной художественной системой в целом. Он не принимал участия в выставках товарищества.
С 1864 года А.И.Корзухин становится преподавателем школы Общества поощрения художников. В выставках Товарищества он не участвовал, однако все его творчество развивалось в том же направлении, что и искусство передвижников.
В 1865 году за картину «Поминки на деревенском кладбище» Академия повысила его в звании художника 1-й степени, а в 1868 году за «Возвращение отца семейства с ярмарки» признала академиком.
Трудясь неустанно, Корзухин не пропускал ни одного года, чтобы не являться на академических выставках со своими произведениями.
В них, с редким даром наблюдательности и знанием народного быта, он передавал характерные типы русского простонародья, купечества, ремесленников и среднего сословия, соединяя их в сцены, полные правды и жизни.
В 1860-е годы сложилась «классически-передвижническая» манера письма художника, стиль обстоятельной картины-новеллы, фиксирующей печальные и радостные аспекты повседневной жизни и быта простых людей.

В живописных произведениях Алексея Ивановича тесно соседствовали светская и религиозная тематика.

В своих произведениях Корзухин, показывая хорошее знание народного быта, передавал характерные типы русского простонародья, купечества, ремесленников и среднего сословия.

Иногда среди его картин можно вcтретить и редкие портреты, например, особ из дома Романовых.

Из этих произведений особенно удачными могут считаться:
«Разлука» (1872; Третьяковская галерея, Москва),
«Возвращение извозчика из города» (1873; там же),
«В монастырской гостинице» (1882; там же),
«Смерть И. Нарышкина, сцена из стрелецкого бунта» (1882; собственность Академии Художеств),
«Поминки на деревенском кладбище» (1865),
«Птичьи враги» (1887),
«У краюшки хлеба» (1890; все работы — в Русском музее, в Санкт-Петербурге).
Большими удачами мастера явились также полотна «Перед исповедью» (1876—1877, 1-й вариант в Картинной галерее Твери, 2-й — в Третьяковской галерее, в Москве),«В воскресный полдень» (1885), «Петрушка идет» и некоторые другие.

Занимаясь преимущественно жанровой живописью, Корзухин брался также за портреты и религиозные изображения.
Им исполнены в московском храме Христа-Спасителя, над одною из арок в главном алтаре — икона Богородицы «Слово плоть бысть» и лики четырех отцов церкви, роспись церкви Вознесения Христова в Крыму над Форосом, стенная живопись в соборе г. Ельца (верхний купол, паруса, настенные росписи над иконостасом, верхний ряд икон в самом иконостасе и центральный образ — «Распятие Христа»; «Божия Матерь Елецкая»).

Произведения А.И. Корзухина экспонировались на Всемирных выставках в Лондоне (1862, 1872), Филадельфии (1876), Париже (1878), на Сибирско-Уральской научно-промышленной выставке в Екатеринбурге (1887).

Став невольным свидетелем убийства революционерами-народниками Императора Александра II,Алексей Иванович Корзухин испытал тяжелое нервное потрясение.
С той поры художник много болел, хотя и продолжал активно работать, исполнив в 1891 году «Тайную вечерю» для кафедрального собора в Риге и 13 образов для притвора этого храма.

Умер Алексей Иванович в Петербурге 18 октября 1894 года.

Прах перенесён в 1940 с Никольского кладбища в некрополь мастеров искусств при Свято-Троицкой Александро-Невской лавре.

Советское искусствоведение относило этого художника к второстепенным, хотя его работы экспонируются во многих музеях России и хорошо продаются на аукционах мира.

Сейчас мы открываем все больше новых имен, переосмысливаем творчество, интересуемся биографиями художников.
К сожалению об Алексее Ивановиче Корзухине написано очень мало.

Корин Алексей Михайлович(Жанровая живопись)

1865–1923

Алексей Михайлович Корин (16 марта 1865 г. Палех — 13 февраля 1923 г. деревня Марьино Тверской губернии ) — русский художник, член Товарищества Передвижных Художественных выставок, профессор Московского Училища живописи, ваяния и зодчества.

Биография:

Родился в семье палехских крестьян-иконописцев.

Дед Николай Илларионович Корин владел мастерской иконописи и был известным мастером палехской миниатюры.

Отец художника не поощрял занятий сына живописью. По началу Алексей Корин брал уроки у своего дяди, Д. Н. Корина, отца известных впоследствии живописцев Михаила, Александра и Павла Кориных.

В 1875—1876 годах проходил обучение в школе при иконописных мастерских Троице-Сергиевой лавры (Сергиев Посад).

В 1876—1877 вопреки воле отца обучался в Москве в иконописной мастерской Шокорева (Шоколова).

В 1884 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, которое окончил в 1889 году.

Его учителями были известные педагоги: братья Сорокины, Перов В. Г. Прянишников И. М., Маковский В. Е. и Поленов В. Д.

В 1889 за картину «После обедни» Алексей Корин был награждён большой серебряной медалью и получил звание классного художника.

В этом же году с группой художников, среди которых был и Левитан И. И., выезжал на пленэр на Волгу, в город Плёс.

В последующие годы часто жил и работал в Плёсе, многократно увековечивая его в своих произведениях.

С 1885 принимал участие в выставках художественного кружка «Среда», Московского общества любителей художеств.

В 1890 был удостоен второй премии МОЛХ, в 1891 и 1892 — первых премий за портреты.

В 1891 году впервые участвовал в выставке художников-передвижников. В 1892 году была написана картина «Больной художник», получившая высокую оценку таких мастеров как Репин И. Е. и Стасов В. В.

В 1892 Третьяков П. М. приобретает для своей коллекции картину «Больной художник».

С 1895 являлся членом ТПХВ, занимался организацией выставок Товарищества в Москве (1900 и 1902).

С 1900 жил в Москве, летние месяцы проводил в деревне Марьино под Клином в Тверской губернии.

В 1894—1917 преподавал в МУЖВЗ, в начале 1900-х — в Центральном Строгановском училище технического рисования.

Участвовал в организации художественного отдела Тобольского музея (1900), Вятского художественно-исторического музея (1910).

В 1911—1912 выполнил роспись собора — памятника Александру Невскому в Софии, реставрировал иконопись и фрески Троице-Сергиевой лавры.

В 1911 экспонировал свои произведения на Всемирной выставке в Риме.

Персонажи бытовых картин художника — реальные люди из его окружения.

Это дед Корина Николай Илларионович в картине «За чайком», его теща Александра Флегонтовна Аммосова (урожд. Воскресенская, сестра архитекторов С. Ф. Воскресенского и Ф. Ф. Воскресенского) в картине «Опять провалился», также близкие и знакомые художнику люди изображены на картинах «Перед уходом в гимназию», «У открытого окна» и многих других.

После Октябрьской революции 1917 года окончательно поселился в деревне Марьино, где у него была своя мастерская.

Участвовал во 2-й Государственной выставке картин 1918—1919 в Москве и 3-й Государственной выставке картин в Рязани.

После тяжёлой болезни, в 1923 году скончался в деревне Марьино, где и похоронен. Произведения художника находятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Плесском музее-заповеднике и других.

Выставки:

1891-1900, 1902-1908,1910,1912-1914, 1916-1917, 1922— выставки Товарищества передвижных художественных выставок.
1900 — Всемирная выставка в Париже.
1903 и 1913 — I и II выставки этюдов, эскизов, рисунков.
1911 — Всемирная выставка в Риме.
1918 — 2-я Государственная выставка картин в Москве.
1919 — 3-я государственная выставка картин в Рязани.
1923 — Мемориальная выставка произведений Корина А. М. в Москве.
1936 — Ретроспективная выставка творчества Корина А. М. в Палехе.
1936 — Ретроспективная выставка творчества Корина А. М. в Москве.
1981 — Ретроспективная выставка творчества Корина А. М. в Москве.

Коро Жан Батист

1796–1875

Французский живописец, мастер пейзажа. Родился Камиль Коро 17 июля 1796 года в Париже. Учился искусству у академических художников А.Мишаллона и В.Бертена. Посетил Италию (1825-1828, 1834, 1843) и Великобританию (1862), неоднократно бывал в Голландии, Бельгии, Швейцарии; работал главным образом в Париже и его окрестностях, в Нормандии и Бретани. Один из основоположников национальной школы пейзажа XIX века, Камиль Коро в 1820-1840-е годы создавал лиричные и жизненно-непосредственные, насыщенные прозрачным воздухом и солнечным светом образы природы. В строгой выстроенности композиции, четкости и скульптурности форм, плотности красочного слоя этих пейзажей сказалось изучение художником классицистических ландшафтов Никола Пуссена и Клода Лоррена (“Вид Колизея”, 1826, Лувр, Париж; “Гомер и пастухи”, 1845, музей в Сен-Ло). Интерес Коро к обыденным пейзажным мотивам, работа непосредственно на натуре сближает его творчество этого периода с мастерами барбизонской школы. С 1850-х годов в картинах Коро, особенно написанных в мастерской по памяти (“Воспоминание о Мортефонтене”, 1864, Лувр, Париж), на первый план выходят одухотворенность и поэтическая созерцательность, живопись становится более изысканной, трепетной,легкой, богатой валёрами, формы как бы растворяются в серебристо-жемчужной дымке. Стремясь зафиксировать мгновенные, изменчивые состояния природы, сохранить свежесть первого впечатления, Коро во многом предвосхитил поиски живописцев импрессионизма (“Воз сена”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Когда Ашил Этна Мишалон возвратился из Рима в 1821 году, его учеником стал Коро, двадцатипятилетний сын владельца мастерской мод с улицы Бак в Париже, ясно сознававший свой будущий путь в искусстве. К концу 1825 года Коро и сам уже перебрался в Рим. Так сложилось, что главной проблемой в пейзажной живописи XIX века стала новая техника, открытие которой выглядело, на первый взгляд, простой, хотя и прогнозируемой случайностью. Однако “игра случая” с достаточной определенностью была результатом беспристрастного процесса техники живописи, а также большего доверия художника чисто визуальному опыту, нежели в искусстве предшествующих эпох. Открытость этой новой исходной позиции пейзажиста опиралась на понимание того, что цвет, форма и освещение в картине должны воспроизводиться непосредственно и только в их совокупности.
Что же нового было в этом процессе? Этюд, написанный маслом в какой-то определенный момент, доводит до наших чувств визуальный образ существующей физической материи; масляная краска передает все мягко и достоверно, идеально способствуя раскрытию индивидуальности художника. Используя грунтованную бумагу, Коро научился распределять тона от самого светлого к самому темному посредством полудюжины последовательных градаций, передающих нюансы реального освещения всего видимого. Как и большинство пленэристов, Коро считал, что лишь он сам мог знать истинную цену своих этюдов маслом, и потому ревниво оберегал коллекцию любимых этюдов, называя их жемчужинами. Вопреки сложившемуся мнению, не все лучшие из них были ранними; Коро создавал великолепные этюды на открытом воздухе почти до конца жизни. Тем не менее, “Вид Колизея сквозь аркаду базилики Константина” — действительно, один из самых ранних этюдов, и никакой другой не может равняться с ним по красоте. Как очень часто бывает в пейзажах с натуры, здесь есть глубинная связь с традицией. Трехчастная структура, столь величественно объединяющая все изображение, напоминает те ренессансные алтари, которые Коро хорошо знал по Лувру, — например, алтарную картину Филиппе Липпи, сохранившую трехчастное деление как отзвук готических триптихов.
Используя такие очаровательные и естественные модели, как в картине “Невеста”, Коро смог привнести в живопись много миловидной простоты. Более позднему периоду его творчества принадлежит “Женщина с жемчугом” — самый совершенный из его портретов. В нем снова проступает, словно из глубины, вошедшее в плоть и кровь знание луврской коллекции. При всей своей восхитительной свежести, как это характерно для портретных образов Коро, фигура молодой женщины, украшенной жемчугом, выглядит невольной парафразой портрета “Монны Лизы”. Знаменательно, что, встречаясь с ней в конце экспозиции Лувра, мы сталкиваемся с напоминанием о наследии эпохи короля Франциска I.
Картина Камиля Коро “Виль д’Авре”.
Нежные пастельные тона и пушистые деревья создают в этом удивительно тонком пейзаже дремотную, влажную от росы атмосферу раннего утра. Бледное серебристое небо отражается в озере, а солнце, освещающее дома слева, напоминает о живописных этюдах, написанных Коро в Италии. В 1817 году отец Коро купил загородный дом в окрестностях Парижа, в Вильд’Авре, где и была написана картина. На протяжении своей долгой творческой жизни Коро продолжал писать виды этой местности. Коро был одним из величайших пейзажистов ХIХ века. Коро писал также жанровые портреты, в которых модель органически включена в окружающую обстановку (“Женщина с жемчужиной”, 1868-1870, Лувр, Париж), большие пейзажные композиции с сюжетно-мифологическими мотивами (“Купание Дианы”, 1873-1874, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), ню. Коро известен также как крупный рисовальщик, литограф, офортист. Искусство Коро охватывает практически все столетие, многие художники вдохновляли его, он сам послужил источником вдохновения для нескольких поколений. Связь Коро с академической традицией и вместе с тем непосредственность и свежесть восприятия дали повод назвать его «последним из классических пейзажистов и первым из импрессионистов». В самом деле, некоторые черты поздних произведений Коро можно увидеть в картинах Альфреда Сислея и Клода Моне. Полагают, что за свою долгую творческую жизнь Коро написал около трех тысяч картин. Скончался Камиль Коро 22 февраля 1875 года в Париже.

Коровин Константин

1861–1939

Коровин Константин Алексеевич (1861–1939). Русский художник. Родился в Москве 23 ноября (5 декабря) 1861 в семье купца-старовера. Получил художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1875–1886) (под руководством А.К. Саврасова и В.Д. Поленова) и петербургской Академии художеств (1882). Много путешествовал (Кавказ, Крым, север России, Средняя Азия, Западная Европа). Был членом объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». В ранней живописи мастера проступают черты символизма и модерна («У балкона. Испанки Леонора и Ампара»; «Северная идиллия»; обе работы 1886). С годами в его искусстве возобладали красочные импровизации, динамически-подвижная, чувственная игра мазков, в равной мере характерная для пейзажей (северные, парижские, среднерусские, крымские мотивы), натюрмортов (типичные коровинские «розы») и портретов («Ф.И. Шаляпин», 1911, ГРМ). Органическое чувство мира как красочного спектакля нашло выражение в его оформительских проектах (павильоны на Всероссийской выставке в Нижнем Новгороде, 1896, Всемирной выставке в Париже, 1900) и театральных работах (для Мариинского и Александринского театров в Петербурге, Большого театра в Москве; 1901–1911). Зарекомендовал себя также как выдающийся педагог (в 1901–1919 преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества и в Свободных художественных мастерских).

Выехав в 1923 за границу, поселился в Париже. Активно работал как живописец и сценограф. В эмиграции расцвел его талант писателя-мемуариста (обычно печатался в газете «Возрождение»). Умер Коровин в Париже 11 сентября 1939.

Кортес Эдуард Леон/Edouard Leon Cortes(Постимпрессионизм)

1882-1969

Эдуард Леон Кортес — французский постимпрессионист испанского происхождения, родился 8 августа 1882 года в городке Ланьи, расположенном (фр.) на реке Марне, примерно в двадцати пяти милях от современного Парижа, в семье Антонио Кортеса, известного испанского художника, работавшего в жанре сельского пейзажа.

У Эдуарда было ещё двое братьев- Анри и Жанн, и все трое были наделены от природы художественными талантами, но только Эдуард смог развить своё дарование в полной мере и стать известным художником. Первым учителем Эдуарда стал его отец.

Антонио Кортес видел как сильно был очарован сын искусством, и начал заниматься с ним художественным рисунком, когда мальчику исполнилось всего пять с небольшим лет.

Позднее Эдуарда Кортеса записали в частную начальную школу, где он продолжил своё школьное образование до тринадцатилетнего возраста.

Эдуарду Кортесу очень нравилось заниматься живописью, и каких бы то ни было сомнений, или вопросов относительно своей будущей профессии у него никогда не возникало.
В 1899 году шестнадцатилетний художник впервые выставил свою работу в Société des Artistes Français, «La Labour».

Работа была очень благосклонно принята критиками и любителями живописи и отмечена в парижском художественном альманахе. Это явилось началом успешной творческой карьеры художника во французской столице.

В 1900 году Эдуард Леон Кортес начал обучение в Школе изящных искусств в Париже(École des Beaux-Arts).
В 1901 году прошла первая персональная выставка художника в Париже, которая имела оглушительный успех ,принесший Кортесу известность среди парижских художников.

В дальнейшем художник почти ежегодно проводил выставки своих работ в Париже, постоянно увеличивая число почитателей своего таланта и свою популярность, а вместе с тем количество заказов и величину гонораров за свои работы.

Очень быстро он стал лучшим в выбранной им нише — парижском городском пейзаже. Ни Жан Беро(Jean Béraud)(1849–1935) и Луи Мария де Шрайвер(Louis Marie de Schyrver)(1862–1942) до него, ни Антуан Бланшар(Antoine Blanchard)(1910—1988), после, все приобретшие большую известность своими многочисленными жанровыми работами, изображавшими жизнь французской столицы, не имели такого успеха и такой популярности , которых достиг Эдуард Леон Кортес.

Кортес имел свой, особый взгляд на парижские улицы и парижские памятники.

Его работы делали Париж одновременно весёлым и грустным,ярким и тусклым,солнечным и пасмурным, радостным и грустным.

И все эти образы Парижа глазами Эдуарда Кортеса добавляли этому великому городу главное: неповторимости шарма и очарования.

«Главный певец парижских улиц»- такими эпитетами был награждён Эдуард Леон Кортес своими современниками, при жизни, что было вполне справедливо, исходя из количества и художественного разнообразия работ, посвящённых французской столице.

Кортес писал Париж во все времена года, на протяжении более 60 лет своей творческой карьеры.

По единодушному мнению критиков парижские виды Кортеса относятся к числу наиболее ярких и красивых изображений этого удивительного города в этом жанре.

В 1914 году Эдуард Кортес женился на Фернанде Жоузе(Fernande Joyeuse), которая через два года подарила Кортесу дочку Жаклин Симоне(Jacqueline Simone).

После смерти супруги в 1918 году, Кортес повторно женился(на своей невестке Люсьен Жоузе), и семья поселилась в Париже, где Кортес продолжал плодотворно работать, запечатлевая на холсте парижские виды.

К середине 20-х годов Кортес с семьёй переехал в Нормандию в свой родной Ланьи, где он изменил тему своих работ. Он обратил свой взор на сцены из сельской жизни, сельские пейзажи и натюрморты.

В Ланьи Кортес принимал активное участие в деятельности местного Союза Изящных искусств.

В годы Второй мировой войны Кортес с семьёй жил в Нижней Нормандии в городке Кормель-лё-Рояль(Cormelles-le-Royal).

Будучи по убеждённым пацифистом, Кортес всячески избегал участия в военных действиях в каком бы то ни было качестве. Он считал войну варварским занятием и старался избегать суровых реалий войны.

В 1945 году работы Эдуарда Леона Кортеса были впервые представлены в Новом Свете, где также имели оглушительный успех.

Новизна в передаче материала, неожиданный взгляд на привычные вещи, сделали живопись Кортеса очень востребованной и за океаном.

В начале 1950-х годов Кортес вернулся в родной Ланьи, где жил и активно работал до конца своих дней. Кортес жил скромно, в узком кругу друзей.

В последний год жизни Кортес был награждён премией Prix Antoine-Quinson от Salon de Vincennes.

26 ноября 1969 года, Эдуард Леон Кортес скончался на 88-м году жизни в Ланьи-Сюр-Марн, где и был похоронен.

В честь художника и в знак глубокого уважения его таланта и творческих заслуг в родном городе художника Ланьи, одна из городских улиц названа его именем.

Признанный при жизни, художник и после своей смерти остаётся одним из наиболее востребованных постимпрессионистов на мировых художественных аукционах.

Ряд украденных картин Эдуарда Леона Кортеса находятся в розыске до сих пор. В 2008 году одна из украденных ранее картин была обнаружена среди пожертвований в магазин Goodwill Industries в мэрилендском Истоне; картина была продана за 406000 долларов США на аукционе Сотбис

Работа художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г.,, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г. Официальный сайт художника, Édouard Cortès at the Art Renewal Center.

Кот Пьер-Огюст

1837–1883

Французский художник Пьер Огюст Кот (Pierre-Auguste Cot, 1837-1883) родился 17 февраля 1837 гв Bédarieux на юге Франции.
После обучения в «Школе изящных искусств Тулузы», он переехал в сердце артистического мира: Париж.

В Париже он был учеником Леона Конье, Александра Кабанэля и Уильяма Бугеро.

С 1870 года, его популярность быстро росла. В 1874 он получил звание «Кавалер ордена почетного Легиона».

Его также попросили быть членом жюри фестивалей живописи Парижского салона и Римской премии.

Пьер Огюст Кот умер в 1883 г. в Бедарио.

Художником было создано несколько очень популярных работ, которые в настоящее время часто используются как сюжеты для вышивки.

Коттон Уилл(Will Cotton)

1965 — ….

Уилл Коттон (Will Cotton) — американский живописец.

Работает в жанре гиперреализма.

Родился в 1965 году в городе Мелроуз, штат Массачусетс, США. Художественное образование получил в Школе изящных искусств в Руане, Франция.

В 1987 получил степень бакалавра изобразительных искусств после обучения в Купер Юнион в Нью-йорке.

В 1988 Коттон в течение года обучался в Нью-йоркской Академии искусства. Творчество Уилла Коттона достаточно своеобразно.

Используемые предметы в его работах — торты, кремы и обнаженные женщины, часто в комбинации. Пейзажи — зимние ландшафты с пышными домами, изготовленными из вафель, безе и крема.

В своей студии Коттон держит мощную профессиональную духовку и сам непосредственно готовит сладкие модели для своих картин.

Картины Уилла Коттона принимают регулярное участие в групповых выставках современных художников в Соединенных Штатах и странах Европы.

Персональные выставки:
2007, 30 июня — 31 июля, Студия Гленн Горовиц, Нью-Йорк.
2005, 4 декабря — 21 декабря, Галерея Майкла Кона, Лос-Анджелес.
2004, 11 сентября — 23 октября, Галерея Мэри Бун, Нью-Йорк.
2003, 23 октября — 20 ноября 2003, Галерея Марио Диаконо, Бостон, США.
2003, 13 сентября — 18 октября, Галерея Дэниела Темплона, Париж, Франция.
2002, 7 сентября — 19 октября, Галерея Мэри Бун, Нью-Йорк.
2001, 1 ноября — 30 ноября, Галерея Яблонка, Кёльн, Германия.

2001, 29 марта — 5 мая, Галерея Мэри Бун, Нью-Йорк.
2000, 18 февраля — 18 марта, Галерея Мэри Бун, Нью-Йорк.
1999, 11 сентября — 9 октября, 1-20 Галерея, Нью-Йорк.
1998, 21 ноября — 23 декабря, Сильверстайн Галерея, Нью-Йорк.
1996, 16 ноября — 18 декабря, Сильверстайн Галерея, Нью-Йорк.
1995, 7 сентября — 12 октября, Сильверстайн Галерея, Нью-Йорк.

Уилл Коттон живет и работает в Нью-Йорке.

Коул Томас

1801–1848

Томас Коул (англ. Thomas Cole, 1 февраля 1801 — 11 февраля 1848) — американский художник-пейзажист, основатель Школы реки Гудзон,

одной из наиболее влиятельных школ живописи США XIX века.

Томас Коул родился в 1801 году в городе Болтон в Англии.

В 1818 году его семья эмигрировала в Соединённые Штаты и обосновалась в городе Стьюбенвилл штата Огайо, где Коул начал изучать основы своей профессии у бродячего художника-портретиста Стейна.

Особый успех в написании портретов ему не сопутствовал, поэтому вскоре он переключил своё внимание на создание пейзажей.

В 1825 году Коул переехал в Нью-Йорк, где ему удалось продать несколько своих работ состоятельному коммерсанту Джорджу Бруену, который вскоре профинансировал летнюю поездку Коула в долину Гудзон, где тот написал такие свои известные работы как Водопад Каатерскилл и Вид форта Патнэм.

Вернувшись в Нью-Йорк, художник выставил написанные в путешествии пейзажи на витрине книжного магазина, что привлекло внимание Джона Трамбалла, Эшера Дюрана и Уильяма Данлэпа.

Особенно впечатлён работами юного пейзажиста оказался художник Джон Трамбалл, который, отыскав Коула, купил одну из его работ и познакомил его с Робертом Гилмором и Дэниелом Уодсвортом, ставшими покровителями художника.

Кроме пейзажей Коул занимался написанием аллегорических работ.

Наиболее известные из них — серия из пяти картин Путь Империи (англ. Course of Empire), а также серия Плавание в жизнь (англ. The Voyage of Life), состоящая из картин, посвящённых четырём периодам жизни человека: детству, юности, зрелости и старости.

Коул стал основателем Школы реки Гудзон, в которую входило более 50 пейзажистов. Школа прославляла дикую природу Америки и ставила под сомнение целесообразность технического прогресса.

В работах художников школы природа описывалась как эталон девственности и чистоты, подчёркивая тем самым божественность её происхождения.

Томас Коул был женат, имел 5 детей.

Скончался он 11 февраля 1848 года в Кэтскилле.

Коулдри Горацио Генри /Horatio Henry Couldery

1832–1893

Горацио Генри Коулдри (Horatio Henry Couldery 1832–1893) был английским

живописцем и иллюстратором, который писал животных.

Он родился в Льюсхэме, к югу от Лондона, обучался в Королевской Академии.

В 1857 году, в возрасте двадцати пяти лет, он уже является одним из самых известных художников викторианской эпохи и в основном известен своим очень подробным изображения кошек, собак и различных предметов.

Существует вероятность того, что Коулдри был под влиянием творчества ЭдвинаЛандсира (1802-1873), наиболее известного живописца 19-го века, который былличным другом королевы Виктории и принца Альберта.

В то же время стиль Коулдри отличался от Ландсира, в его произведениях есть доляанекдотичного характера.

Работы Коулдри привлекают внимание сегодня не только из-за его виртуозноговладения кистью, точного изображения текстуры меха, но также потому, что, онуделял большое внимание выражению эмоции животного.

Коэльо Клаудио/Claudio Coello

1642–1693

Коэльо Клаудио (1642, Мадрид — 1693, Мадрид.)-испанский живописец и гравер.Родился в семье ремесленника-бронзовщика Фаустино Коэльо, португальца по происхождению, принадлежавшего к тому же роду, что и портретист Филиппа II — Санчес Коэльо.

Последний из знаменитых мастеров мадридской школы 17 века, самый крупный художник Испании в период времени между Мурильо и Гойей.

Под влиянием как Веласкеса и Хуана Карреньо де Миранда, он попытался остановить падение испанского искусства.

Отец хотел сделать Клаудио скульптором и с этой целью определил его в ученики к Франсиско Ризи, исключительно для усовершенствования в рисунке.

Однако Ризи, заметив выдающиеся способности ученика, убедил отца предоставить сыну возможность заниматься живописью.

По окончании своего учения у Ризи Клаудио пишет для церкви Санта Круз (впоследствии сгоревшей) большую картину и ряд портретов, которые, по словам историка Паломино, были достойны самого Веласкеса.

Большее влияние на Коэльо имел Карреньо, благодаря дружбе с ним, Клаудио получил доступ к королевской коллекции, в которой он изучал произведения Тициана, Рубенса, Ван Дейка и других мастеров.

Коэльо учился в Италии между 1656 и 1564 годами, где находился под влиянием Карло Дольчи.
В 1671 году Коэльо украшал потолок в ризнице собора в Толедо, в 1683 он написал фрески в церкви августинцев La Manteria в Сарагосе.

Фресками Коэльо украсил также зал капитула в картухе «del Paular» (близ Гранхи), плафон в церкви Сан-Исидоро в Мадриде и ряд плафонов в сгоревшем впоследствии королевском дворце.

Его картины, как правило, переполнены и достаточно сложны по композиции, они напоминают произведения неаполитанского рококо. Одновременно он исполнял и декоративные работы для придворных праздников.
В 1684 году он стал художником короля Карла II, а в 1686 году получил звание « придворного живописца» (Pintor de Camara).

Позже он был назначен сенешалем дворца (должностное лицо, ведавшее юстицией и военными делами), а сыну художника, Бернардино, была назначена пенсия в 300 дукатов.

В 1684 году мастер начинает работу над главным своим произведением — картиной «La Sagrada Forma» (окончена в 1690 г.), вставленной в стену сакристии капитула Эскориала.

Этот шедевр Коэльо в разных источниках именуется алтарем для ризницы и называется по-разному – то «Поклонение Святой Евхаристии» (1685-90), то «Таинство Благовещения» (the Blessed Sacrament, 1685-90).

Возможно всё это отдельные самостоятельные работы, но при описании каждого из названий пишется, что эта работа содержит около 50 портретов священников и придворных, в том числе и короля Карла II.

По свидетельствам современников, Карл II обожал это произведение за замечательную смесь глубокого религиозного чувства и реалистичность портретов.
Особенно силен был Коэльо в перспективе.

В картине «La Sagrada Forma» он достигает полного обмана зрения, соперничая с рельефами окружающей архитектуры. В 1691 году Коэльо получает в высшей степени почетное назначение — живописца капитула собора в Толедо. Но его успех затмил приглашенный в Испанию в 1692 году для украшения Эскориала итальянский художник Лука Джордано.

Коэльо был так огорчен успехом блестящего, легкомысленного импровизатора Джордано, для которого — в буквальном смысле слова — не было ничего святого, что это ускорило его кончину.

Картины Коэльо имеются в музее Прадо, Академии Сан Фернандо, в музее Франкфурта-на-Майне, в мюнхенской Старой Пинакотеке, в Эрмитаже, музее Веллингтон в Лондоне и музее штата Огайо.

Из учеников Коэльо заметными фигурами стали учившийся в Риме искусный фрескист Себастьян Муньос (1654—1690) и более известный в качестве архитектора, нежели живописца, сын немецкого солдата Теодор Ардеманс (1664—1726), бывший, как и Муньос, придворным живописцем.

Источники: Википедия, Британская энциклопедия искусства.

Крамской Иван

1837–1887

Иван Николаевич Крамской (1837–1887) — русский живописец и рисовальщик, мастер жанровой, исторической и портретной живописи, художественный критик, родился 27 мая 1837 в городе Острогожск Воронежской губернии, в семье писаря.

В 1853 году он поступил ретушером к харьковскому фотографу. В 1856 году он приехал в Петербург, где занимался ретушерством в известной тогда фотографии Александровского.

В 1857 году Крамской поступил в Санкт-Петербургскую Академию Художеств учеником профессора Маркова. Вскоре Марков пригласил его в помощники по расписыванию купола храма Христа Спасителя в Москве.

Из-за болезни Маркова, всю главную роспись купола сделал Крамской, вместе с художниками Венигом и Кошелевым. В 1863 году Академия Художеств присудила ему золотую медаль за картину «Моисей источает воду из скалы».

До окончания учебы в Академии оставалось написать программу на большую медаль и получить заграничное пенсионерство. Совет Акамии предложил ученикам на конкурс тему из скандинавских саг «Пир в Валгалле».

Все четырнадцать выпускников отказались от разработки данной темыи и 9 ноября 1863 года Крамской от лица товарищей заявил совету, что они, «не смея думать об изменении академических постановлений, покорнейше просят совет освободить их от участия в конкурсе».

Ушедшие из Академии художники образовали «Петербургскую артель художников», просуществовавшую до 1870 года. В 1863–1868 годах он преподавал в школе рисования общества поддержки прикладного искусства. В 1869 году Крамской получил звание академика.

В 1863 году образовалась «Артель художников», в 1870 году образовалось «Товарищество передвижных выставок» одним из основных организаторов и идеологов которого был Крамской.

Под влиянием идей русских демократов-революционеров Крамской отстаивал взгляд о высокой общественной роли художника, принципов реализма, моральной сущности и национальности искусства.

Он стал одним из основных организаторов и идеологов общества подвижных выставок искусств Передвижники. Иван Николаевич Крамской создал ряд портретов выдающихся русских писателей, артистов и общественных деятелей таких как: Толстой Л.Н., 1873, Шишкин И.И., 1873, Третьяков П.М., 1876, Салтыков-Щедрин М.Е., 1879 — все находятся в Третьяковской галерее

Одна из известнейших работ Крамского — «Христос в пустыне» написана в 1872 году. Продолжатель гуманистических традиций Иванова Александра Андреевича, Крамской создал религиозный перелом в морально-философском мышлении.

Он придал драматическим переживаниям Иисуса Христа глубоко психологическую жизненную интерпретацию (идея героического самопожертвования).

Влияние идеологии заметно в портретах и тематических картинах — «Н. А. Некрасов в период „Последних песен“», 1877–1878, «Неизвестная», 1883, «Неутешное горе», 1884.

Художник умер 24 марта 1887 года, в Санкт-Петербурге, во время работы над портретом доктора Раухфуса, когда он внезапно наклонился и упал.

Раухфус попытался оказать ему помощь, но было уже поздно.

Кроегаерт Жорж(Georges Croegaert)

1848–1923

Georges Croegaert родился в Антверпене, Бельгия. Закончил Королевскую Академию живописи в родном городе.

В возрасте двадцати восьми лет он переехал в Париж , где он провел остаток своей жизни.

Писал портреты и жанровые сцены. Georges Croegaert особенно прославился своими работами на тему духовенства.

Его техническая виртуозность в передаче света и тени поражает своей правдоподобностью. А в передаче оттенков кардинальского одеяния ему нет равных.

Он изучил все возможные варианты игры красного цвета, изучив около 50 реальных одеяний прелатов.

Тематика живописных картин, посвящённую жизни и быту верховных представителей европейского клира — католическим кардиналам возникла в конце 19 века, но в 20-е годы ХХ столетия практически исчерпала себя.

Зато нам эта тем оставила образцы красоты таких замечательных интерьеров, которые можно рассматривать долго и детально, восхищаясь при этом необыкновенными образчиками мебели, гобеленов, столового белья, стекла и серебра.

Не вдаваясь в глубины социально-политических мотивов отчего и почему возникает такая тема в бытовом жанре в конце 19 века, всё же следует отметить, что католическая церковь в этот момент стала искать пути для восстановления своих,ослабленных европейскими революциями, рядов.

А ряд академических художников, стараясь получить прибыльные заказы, с удовольствием откликается на эти нужды церкви.

Они предлагают беззаботный и шутливый взгляд на жизнь клира за закрытой дверью, не оскорбляя или умаляя духовенство или его сторонников.

При этом шутливый взгляд на жизнь духовенства делал ближе и понятнее самих

отцов церкви простому обывателю. Как не посочувствовать почтенному пожилому человеку, помещающему свои подагрические ноги на изящной подставке или подушке!

Как не восхитится такой обстановкой, где с любовью и безупречным вкусом подобрана каждая мелочь интерьера.

Georges Croegaert особенно прославился своими работами на тему духовенства ( особенно хорошо известна его серия портретов кардиналов) и демонстрировал в ней новые вершины живописной техники.

Его работы пользовались необыкновенным успехом и выставлялись в Париже Брюсселе, Вене,и в многочисленных городах США

Его работы характеризуются богатыми цветами и внимание к деталям.

Умер в 1923 году.

Кросс Анри Эдмон/Henri Edmond Cross(Пуантализм)

1856-1910

Анри Эдмон Кросс (фр. Henri Edmond Cross, настоящее имя Henri Edmond Delacroix)— французский художник, один из крупнейших представителей неоимпрессионизма.

Анри Эдмон Кросс( настоящее имя, Анри Эдмон Делакруа) родился 5 мая 1856 года в городке Дуэ, расположенном на юге Франции, в семье французского предпринимателя и авантюриста Арсида Делакруа и англичанки Фанни Вуллетт.

В 1865 году семья переехала в Лилль. Интерес к живописи у маленького Анри Эдмона проявился очень рано.

Его увлечённость живописью всячески поощрял кузен отца, доктор Огюст Суан, который первым заметил одарённость мальчика.

Первым наставником Кросса был известный французский художник, представитель академической школы Шарль Эмиль Каролюс-Дюран(1838-1917), у которого десятилетний Анри Эдмон брал уроки рисунка и живописи.

Именно Карлюс-Дюран поставил мальчику руку и научил искусству перспективы.

Детство и юность Анри Эдмона Кросса прошли в Лилле.

В 1878 году Анри Кросс был принят в Школу Академии дизайна и архитектуры в Лилле, где в течение трёх лет обучался под руководством профессора живописи Альфонса Коласа(1818-1887), много лет преподававшего в Художественной Школе.

В 1881 году Кросс приехал в Париж, где начал брать уроки у Франсуа Бонвена(1817-1887),выдающегося французского живописца и графика, одного из лучших жанристов Франции. Работы мэтра в течение длительного времени влияли на творчество Кросса.

В 1881 году художник впервые выставил свои работы в Салоне под английским именем — Кросс, которое он выбрал, чтобы его работы не путали с работами другого художника — Анри-Эжена Делакруа, также выставлявшегося в Салоне в это же время.

Ранних работ Кросса почти не сохранилось. Это всего несколько портретов и пейзажей, написанных в реалистической манере, и окрашенных довольно мрачной палитрой.
После путешествия на юг Франции, где произошла его встреча с Клодом Моне, манера письма художника начала существенно меняться: Кросс постарался полностью отказаться от тёмных коричневых цветов, столь характерных для полотен реалистов, в пользу более ярких, открытых и насыщенных цветов импрессионизма.

В мае 1884 года Анри Кросс выступил соучредителем «Салона Независимых» и принял участие в первой выставке художников,входивших в организацию, где познакомился с Жорж-Пьером Сёра(1859-1891), французским художником-постимпрессионистом, основателем неоимпрессионизма, создателем оригинального метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм», и Полем Синьяком(1863-1935), французским художником-неоимпрессионистом, представителем направления пуантилизма.

В эти годы основной темой работ Кросса были парижские жанровые сценки и пейзажи.

Он принимает пуанталистскую манеру письма, однако свои маринистские произведения, а также обнажённую натуру и портреты выполняет большими, широкими мазками кисти.

Анри Кросса часто рассматривают как предшественника фовистов за преимущественное использование в работах основных красок.

В 1888 году Анри Кросс вместе с Полем Синьяком и Альбертом Дюбуа-Пилле (1846–1890) был приглашён участвовать в выставке «Группы двадцати» в Брюсселе(основана в 1884 году в Брюсселе, несколько ранее, чем «Группа независимых».

Цель объединения художников — популяризация нового, не шаблонного искусства, организация выставок художников, вырвавшихся из академического плена, концертов, лекций.

В группу входили двадцать молодых художников либо уроженцев Бельгии, либо живших в ней:Джеймс Энсор, Вилли Финч, Тео ван Риссельберг. В выставках группы в разное время принимали участие Роден, Моне, Ренуар, Редон, Монтичелли; вместе с группой выставлялись Жорж Сёра, Поль Синьяк, Дюбуа-Пилле, Анри Кросс, Берта Моризо, Сикерт).

В 1891 году Анри Кросс был избран вице-президентом «Общества независимых». К этому времени он стал одним из ведущих художников неоимпрессионистов.

Его холсты были яркими, полными света и привлекавшими к себе внимание картинами.

Первая персональная выставка Анри Эдмона Кросса прошла в 1894 году в Парижской галерее Эжена Друета (Galerie Druet), на которой было представлено 30 картин и 30 акварелей живописца.

Анри Кроссу порой было тесно в классической пуантилистской манере.»Я не люблю догматизма, утверждал он, — и считаю, что счастлив тот, кто нашёл соответствующие его темпераменту средства выражения».

Друг Кросса Поль Синьяк восхищался его достижениями в области «цвета и синтеза форм». В декабре 1894 года Синьяк записал в своём дневнике: » Он одновременно и холодный методичный мыслитель и страстный взволнованный мечтатель».

В 1896 году художник провёл свои выставки в галереях Бинга и Дюран-Рюэля, а несколько позже участвовал в выставках «Сецессиона» в Берлине и Дрездене.
В 1903 году Кросс посетил Венецию, а в 1904 году летом работал вместе с Полем Синьяком в Сан-Тропезе, где произошло его знакомство с Анри Матиссом. Также Кросс был дружен с Морисом Дени.

Художник часто путешествовал по Италии. Итальянская природа очень нравилась Кроссу. В 1908 году всё лето художник провёл в Тоскане и Умбрии, посещая при этом Флоренцию, Пизу, Ассайс и другие итальянские города. Он много и плодотворно работал.

Сделанные во время путешествия эскизы итальянской природы, Кросс в дальнейшем использовал в своих работах 1909 и 1910 годов. Последние работы художника окрашены в яркие, декоративные цвета, что опять даёт нам основание считать художника предшественником фовизма.

Кросс является автором многочисленных акварелей.

16 мая 1910 года Анри Эдмон Кросс(Делакруа) скончался на 55-м году жизни в Сен-Клере, где и был похоронен.

В 2013 году на аукционах Sotbey’s были проданы четыре картины Анри Эдмона Кросса:- «Провансальский пейзаж» (Paysage Provençal) – 87,5 тысяч долларов США- «Купальщицы» (Baigneuses) – 301, 25 тысяч фунтов стерлингов- «На берегу Сент-Клер» (La Plage De Saint-Clair) – 825,25 тысяч фунтов стерлингов- «Весенняя роза» (Printemps Rose) – 1,205 млн. долларов США.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.

Круземан Фредерик Маринус(Frederik Marinus Kruseman)

1816–1882

Фредерик Маринус Круземан, голландский живописец – пейзажист, родился в Харлеме в 1816 году. Он учился живописи у Я. ван Равенсвея и у Б.К. Куккука. Художник быстро развил в себе живописный талант и приобрел популярность среди ценителей искусства. В 1833 году, когда ему было лишь семнадцать лет, он участвовал в крупной художественной выставке в Гааге. Почти всю жизнь Круземан много путешествовал, зарисовывая различные пейзажи. Он придерживался романтического направления живописи и в своих произведениях совмещал реальные виды городов и природы с фантастическими, придуманными им самим, руинами, замками и церквями.
В середине 1830-х годов из Харлема переехал Хилверсум, где познакомился с Б.к. Куккуком. Вернувшись в Харлем под влиянием Куккука начал писать летние и зимние пейзажи, которые становились всё более сказочными. Зимний пейзаж с руинами, конькобежцами и ярко-розовым небом стал его визитной карточкой.Но, поучившись у Й. Реекерса, написал также несколько нотюрмортов.
В конце 1850-х годов он по примеру многих художников того времени переехал в Брюссель.
Но всё-таки в основном , художник писал летние и зимние пейзажи, изображающие небольшие города или деревни в яркий солнечный день. Произведения Круземана хранятся в Городском музее Рурмонда, в Художественном музее в Кантоне и других европейских собраниях и галереях.

де ла Крус и Риос Луис/Luis de La Cruz y Ríos(Портрет)

1776–1853

Испанский художник — портретист.Родился на Канарских островах.

Его родителями были живописец и гравер Мануэль Антонио де Ла Вера Крус (1750-1809) и Хуана Непомучено Риос.

26 июня 1776 года мальчик был крещен под именем Луис Гонзага Паулино.

15 ноября 1779 года, во время переписи населения в Пуэрто де ла Крус, трехлетний Луис записан, как сын художника Мануэля де ла Крус.

В 1795 году в Пуэрто-де-ла-Крус была открыта живописная мастерская (в одних источниках она называется рисовальной школой, а в других — малярным цехом), где Луис учился до 1810 года.

Де Ла Крус начал активно заниматься живописью еще на Тенерифе, в возрасте 22 лет (в 1799 году) он расписал собор Лас-Пальмас в Гран-Канарии.

В левой части ризницы кафедрального собора он написал портрет Мануэля Вердаго и Альбитурия.

21 июля 1809 года умирает отец художника.

2 мая 1810года де ла Круса приглашают на должность профессора рисовальной школы Ла Лагуна.В школе де ла Крус будет работать до апреля 1815 года.

Луис де ла Крус решает посвятить оставшуюся жизнь только живописи.
24 ноября 1815 года Луис подает прошение принять его на должность придворного живописца короля Фернандо VII, и 31 декабря граф Миранда сообщает ему о положительном решении вопроса.

25 января 1816 года Луис де ла Крус был назначен придворным живописцем без официального оклада, 29 апреля приведен к присяге и 22 мая получил первое вознаграждение наличными.

При дворе художник работал, в основном, как миниатюрист.

В своих работах он изображал монарха, послов и других видных деятелей своей эпохи.
12 августа 1817 года художник представляет Государственному секретариату миниатюрный портрет папского нунция, епископа Педро Гравина, 21 октября 1818 года – портрет маркиза де Бриньоле, посла Сардинии.

26 октября в Риме Папа Пий VII присваивает художнику звание рыцаря Ордена Золотой шпоры.

22 января 1819 года де ла Крус уже во второй раз подает прошение на присвоение ему звания придворного живописца с категорией оплаты, поскольку появилась вакансия после смерти художника Хосе Камарона.

18 июня 1820 года подано третье прошение после смерти Иоганна Бозиля, но ответа нет.
5 ноября1820 года  Секретариат поручает художнику выполнить миниатюрный портрет князя Сицилии, посла Королевства обеих Сицилий.

В 1831 году де ла Крус пишет портрет инфанты Марии Изабель, дочери короля.

В результате художник возвращается в Севилью только в январе 1832 года, и 7 мая получает там звание капитана.

Искусствоведы единодушны в том, что на пике своей карьеры, в 1830-1840-е годы 19 века, Луис де ла Крус являлся выдающимся испанским миниатюристом и портретистом.

10 апреля 1837 года из Кадиса де ла Крус направляет письмо на имя королевского губернатора с просьбой разрешить ему совершить путешествие в течение двух лет. 3 августа его просьба была удовлетворена.

Последние годы жизни де Ла Крус провел в Андалузии, в 1838 году поселившись в Малаге.

25 ноября 1838 года Министерство финансов объявило об его отставке со службы, а 30 января 1840 года назначило пенсию в 8000 реалов.

31 июля 1850 года Академии изящных искусств Сан – Мигель в Санта-Крус де Тенерифе избирают де ла Круса своим почетным членом.

В 1852 году художнику, затосковавшему по работе и малой родине, предлагают преподавать в качестве профессора живописи в Академии Сан-Мигель.

В феврале 1853 года в Академии Сан — Мигель специально создано отделение пейзажа, в котором начинает преподавать де ла Крус.

Но 20 июля 1853 года в возрасте 77 лет художник умирает.

Кузнецов Николай Дмитриевич

1850–1930

Николай Дмитриевич Кузнецов — русский художник, мастер жанровых сцен, портретист, академик, член Товарищества передвижников.

Закончил Петербургскую Академию художеств, после которой Кузнецов совершенствовал свое мастерство в пенсионерской командировке по Европе.

В 1883 году стал членом Товарищества передвижных художественных выставок.

Начиная с 1897 года, жил и работал на Украине, где создал ряд замечательных работ, в том числе — известные портреты композиторов П.И. Чайковского и Э.Ф. Направника.

В 1900 году был награжден почетным званием академика живописи.

Писал картины на жанровые сюжеты, среди которых работы «Объезд владений», «В отпуску» и другие.

В начале 1920 годов эмигрировал за рубеж.

Картины Кузнецова хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, а также в музеях Украины и России.

Кукуэль Эдвард/Edward Alfred Cucuel(Импрессионизм)

1875–1954

Известный американский художник Эдвард Кукуэль родился в 1875 году (иногда указывается год 1879-й) в Сан-Франциско.

Уже в 14 лет он начал учиться живописи в родном городе.

Его отец издавал газеты, и Эдвард, еще будучи подростком, работал художником-иллюстратором в нескольких местных газетах.

В 1892 году Кукуэль уехал в Париж, где продолжал обучение в студиях Академии Жюлиан.

В 1893 году в парижской Школе изящных искусств он стал учеником Жана Леона Жерома.

В 1896 году Кукуэль вернулся в Сан-Франциско и начал свою карьеру как иллюстратор двух местных журналов.

Когда ему удалось скопить денег на поездку в Европу, он уехал в Париж и Германию, где провел несколько лет.

В 1907 году он перенес свое ателье из Берлина в Мюнхен. В то время стиль художника был под значительным влиянием творчества немецких экспрессионистов.

Сотрудничая с Лео Путцем, Кукуэль создал свой индивидуальный почерк художника.

Став популярным живописцем, тяготевшим к импрессионизму, он достиг успехов в рисовании портретов, женских фигур в природе, часто на залитых солнцем берегах морей, рек и озер.

В 1913 году Эдвард женился на Кларе Лотте фон Маркард, и они проводили каждое лето на своей вилле на берегу озера недалеко от Мюнхена.

В 1928 году Кукуэль переселился в Нью-Йорк, а спустя 11 лет поселился с семьей в Калифорнии, где жил очень уединенно.

Эдвард Кукуэль умер в Пасадене в 1954 году.

Курбе Гюстав

1819-1877

Жан Дезире Гюстав Курбе (фр. Gustave Courbet — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист.

Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма.

Родился в 1819 году в Орнане, расположенным в 25 км от Безансона, около швейцарской границы.

Его отец, Режис Курбе, владел виноградниками около Орнана. В 1831 году будущий художник начал посещать семинарию в Орнан. В 1837 году по настоянию отца Курбе поступил в Collège Royal в Безансоне, что, как надеялся его отец, должно было подготовить его к дальнейшему юридическому образованию.

Одновременно с обучением в коллеже, Курбе посещал занятия в Академии, где его учителем был Шарль-Антуан Флажуло, ученик крупнейшего французского художника-классициста Жака-Луи Давида.

В 1839 году он отправился в Париж, дав отцу обещание, что будет изучать там юриспруденцию. В Париже Курбе познакомился с художественной коллекцией Лувра.

На его творчество большое влияние оказали малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес, у которых он заимствовал общие тёмные тона картин.

Курбе не стал заниматься юриспруденцией, а вместо этого начал занятия в художественных мастерских, прежде всего у Шарля де Штейбена. Затем стал работать в мастерских Суисса и Ляпена.

В 1844 году первая картина Курбе, «Автопортрет с собакой», была выставлена в Парижском салоне (все остальные картины были отвергнуты жюри). С самого начала художник показал себя крайним реалистом.

Курбе неоднократно на протяжении всей жизни отзывался о себе как о реалисте: «Живопись заключается в представлении вещей, которые художник может увидеть и коснуться… Я твёрдо придерживаюсь взглядов, что живопись — предельно конкретное искусство и может заключаться лишь в изображении реальных, данных нам вещей… Это совершенно физический язык»

Между 1844 и 1847 годами Курбе несколько раз посетил Орнан, а также путешествовал в Бельгию и Нидерланды, где ему удалось установить контакт с продавцами живописи.

Одним из покупателей его работ был голландский художник и коллекционер, один из основателей Гаагской школы живописи Хендрик Виллем Месдаг. Впоследствии это заложило основы широкой известности живописи Гюстава Курбе за пределами Франции.

Примерно в это же время художник устанавливает связи в парижских артистических кругах, в частности, знакомится Шарлем Бодлером и Оноре Домье. В конце 1840-х годов официальным направлением французской живописи все ещё был академизм, и работы художников реалистического направления периодически отвергались устроителями выставок. Т

ак, в 1847 году все три работы Курбе, представленные в Салон, были отвергнуты жюри. В этом году году жюри Салона отвергло работы большого числа известных художников, включая Эжена Делакруа, Домье и Теодора Руссо, так что они вынашивали планы о создании собственной выставочной галереи.

Планы не осуществились из-за начавшейся революции. В результате в 1848 году, все семь работ Курбе, представленных жюри, были выставлены в Салоне, но ему не удалось продать ни одну картину.

При уме и значительном таланте художника, его натурализм, приправленный, вызвал много шума в артистических и литературных кругах и приобрёл ему немало врагов (к ним относился Александр Дюма-сын), хотя также и массу приверженцев, к числу которых принадлежал известный писатель и теоретик анархизма Прудон.

В конце концов, Курбе стал главой реалистической школы, возникшей во Франции и распространившейся оттуда в другие страны, особенно в Бельгию.

В 1871 Курбе примкнул к Парижской коммуне, управлял при ней общественными музеями и руководил низвержением Вандомской колонны.

После падения Коммуны, отсидел, по приговору суда, полгода в тюрьме; позже был приговорён к пополнению расходов по восстановлению разрушенной им колонны.

Это заставило его удалиться в Швейцарию, где он и умер в нищете в 1877.