Базиль Жан Фредерик(Jean Frédéric Bazille)

1841-1870

Родился 6 декабря 1841 года во Франции в городе Монпелье. Родители Фредерика мечтали, чтобы сын стал врачом, однако он сам выбрал иной путь. В 1859 году Базиль начинает осваивать медицину. Впоследствии он переедет в Париж, чтобы получать новые знания. С этого момента медицина перестает занимать мысли Фредерика, он отдает себя живописи. С 1862 о 1864 год Базиль обучается под руководством Шарля Глейра.

Значительное влияние на формирование жизненной позиции Базиля оказала встреча с художниками-импрессионистами. Друзьями юноши стали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Клод Моне. Дом начинающего художника вскоре стал студией и местом встреч многих творческих людей, а героями ранних работ Базиля оказывались его друзья-художники.

Эти художники-единомышленники оказались у истоков нового течения, названного импрессионизмом. Опираясь на творческие принципы Мане и Курбе, молодые люди вырабатывали свой взгляд на искусство и на жизнь, отраженную в искусстве.

Базиль регулярно работал на пленэре. Особенно его привлекало изображение человека на фоне природе. Картины Фредерика всегда отличала умелая работа с цветом и светом. Также большое количество работ Базиля посвящено видам Нормандии.
Все работы художника отличаются одухотворенностью образов. Этот эффект во многом достигается за счет ярких, светлых красок, солнечного света. С 1886 года он периодически участвует в Салонах.

Одной из самых известных работ Базиля стала картина «Семейное Воссоединение». Она была создана в 1867 году. Именно это полотно стало характерным образцом фигурального искусства. Работа была представлена на парижском Салоне, который финансировался властями города.

Интересно, что картина автобиографична, так как ее героями стали члены семьи самого художника. Мастерское использование цвета и виртуозное описание человеческих фигур сделали это полотно ярким примером реалистичного импрессионизма.

Уже в следующем году художник выставляет на суд публики работу «Летняя сцена» («Купальщики»). И это полотно было напрямую связано с жизнью художника: героями работы стали близкие и друзья Базиля, которые купались в семейном поместье.

В 1870 году художник в качестве добровольца отправляется на франко-прусскую войну. К сожалению, уже 28 ноября 1870 года Базиль погиб в сражении под Бон-ла-Ронд.

Байеу и Субиас Франсиско/Francisco Bayeu y Subias

1734–1795

Франсиско Байеу (исп. Francisco Bayeu; 9 марта 1734, Сарагоса, Арагон, Испания — 4 августа 1795, Мадрид, Испания) — испанский художник-неоклассицист из Арагона, основными темами которого были религиозные и исторические сюжеты.

Байеу был одним из самых успешных испанских художников своего времени, наряду с Мариано Сальвадором Маеллой.

Байеу родился 9 марта 1734 года в г. Сарагосе,получил хорошее образование в детстве.

Путь художника, который чуть позже выберет для себя этот человек, не случаен – и отец, и братья Франсиско были художниками.

Как его младшие братья, Мануэль и Рамон (1746-1793), он обучался в студии Хуана Андреса Мерклеина, живописца из Богемии, живущего в Сарагосе, и затем в Таррагоне в Академии искусств у Хосе Лузана Мартинеса (1710-1785), малоизвестного арагонского живописца, который учился и жил некоторое время в Италии.

Получив первый приз в Академии за картину «Tyranny of Gerion», Франсиско удостоился стипендии для обучения в королевской Академии Сан-Фернандо в Мадриде, где его учителем был Антонио Гонзалес Веласкес.

В столице в то время были сильны присутствие и влияние иностранных художников, таких как итальянец Джованни Баттиста Тьеполо и немец Антон Рафаэль Менгс.

Будучи еще студентом, Байеу привлек к себе внимание Менгса, придворного живописца короля Карла III. В начале 1763 года он отобран из числа самых талантливых художников тогдашней Испании и призван для оказания помощи Менгсу, первому придворному живописцу.

Смерть родителей и обязанность позаботиться о судьбе младших братьев заставили Франсиско вернуться в Сарагосу.

Но вскоре он получил приглашение от Антона Рафаэля Менгса помочь украсить новый Королевский дворец в Мадриде.

Кроме этого художник участвует в оформлении загородных королевских дворцов Эль-Пардо и Аранхуэс.

В королевском дворце в Мадриде Байеу является автором фресок «Падение Гигантов » (The Fall of the Giants), «Апофеоз Геркулеса» (The Apotheosis of Hercules) и «Завоевание Гранады» (The Conquest of Granada). В Аранхуэсе он украшал королевскую часовню, а в монастыре картузианцев в Мадриде выполнил сцены из жизни святого Бруно.
Начиная с 1759 года Байеу стал работать при дворе короля Испании, а в 1767 году был назначен придворным живописцем и продолжал им быть до 1788 года.
Байеу сделал чрезвычайно успешную карьеру.

В 1760-х годах он открыл собственную студию, в которой учился Гойя.

В год смерти Байеу Гойя написал его известный портрет (1795, Прадо, Мадрид) на основе автопортрета своего учителя. Кроме того, Гойя породнился с семейством Байеу, женившись на сестре Франсиско — Хозефе.

Он был назначен профессором Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в 1765 году и директором в 1788 году.

Все эти годы художник не переставал плодогворно работать.Он написал множество фресок в церквях и монастырях Толедо и Сарагосы. В Толедо он написал в кафедральном соборе сцены из жизни святого Эухенио.

В родном городе Сарагосе в работах в соборе Нотр-Дам-дель Пилар ему активно помогал его младший брат и ученик Рамон Байеу.

Байесу расписывал также колледж Сан-Ильдефонсо, королевский монастырь Воплощения (the Incarnation) в Мадриде и монастырь собора Толедо.

Он принимал участие в оформлении различных королевских дворцов близ Мадрида.

Байеу написал много портретов и сделал множество эскизов для королевской фабрики гобелена, которую он возглавил после Менгса в 1777 году.

Умер художник в 1795 году в возрасте 61 года.

Произведения художника находится в крупнейших музеях мира, 15 из них – в музее Прадо в Мадриде.

Источники:Википедия, Энциклопедия испанской живописи.

Бакст Лев Самойлович

1866—1924

Бакст Лев Самойлович (настоящая фамилия Розенберг) — живописец, график, театральный художник.

Родился 8 февраля 1866 г. в Гродно.

Учился в Академии художеств в Петербурге (1883—1887 гг.) и в Париже (с 1893 г.), входил в объединение «Мир искусства».

Долгое время занимался книжной графикой (в том числе иллюстрировал журналы «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон») и станковой живописью («Древний ужас», 1908 г.).

С 1909 г. и до конца жизни Бакст жил в Париже. Его наиболее интересные работы связаны с оперными и балетными постановками Русских сезонов за границей (1907—1913 гг.) и труппой Русские балеты Дягилева (с 1911 г.) в Париже.

Бакст выполнил эскизы декораций и костюмы к опере «Саломея» (1908 г.), балетам «Клеопатра» (1909 г.), «Жар-птица» (1910 г.), «Шахерезада» (1910 г.), «Нарцисс» (1911 г.), «Дафнис и Хлоя» (1912 г.) и др. В театральных работах художник стремился передать дух эпохи. Особенно его привлекали Древняя Греция и Восток. Стилизуя мотивы античного искусства и экзотические восточные одежды, Бакст создавал утончённые, зачастую фантастические костюмы, являвшиеся одним из важнейших элементов красочного театрального зрелища. Эскизы костюмов, выполненные Бакстом, стали самостоятельными произведениями искусства.

Художник моделировал костюм, ориентируясь на систему движений танцовщика, через линии и цвет стремился раскрыть рисунок танца и характер музыки. В его эскизах поражают острота видения образа, глубокое понимание природы балетных движений и удивительное изящество.

В 10—20-х гг. XX в. помимо Парижа Бакст работал в театрах Лондона, Нью-Йорка, Брюсселя, Рима.

Умер 27 декабря 1924 г. в Париже.

Бакхейзен Лудолф

1631–1708

Вместе с Виллемом ван де Вельде Бакхёйзен считается самым популярным художником-маринистом Голландии. Бакхёйзен писал также картины на библейские сюжеты. Людольф Бакхёйзен начинал как каллиграф, в 1650 г. приехал в Амстердам, где проходил обучение у Алларта ван Эвердингена и Хендрика Якобса Дуббельса.

Он посвятил себя изображению моря и достиг в этом направлении больших художественных успехов. Его мастерскую посещали князья и дворяне и щедро оплачивали его работы. Его небольшого формата картины бушующего моря отличаются хорошо подобранными, несколько холодными тонами цветового решения, в них видно внимание художника к природе.

Большие полотна, изображающие спокойное море являются образцами декоративности в живописи. Получили признание и гравюры художника.Большие полотна, изображающие спокойное море являются образцами декоративности в живописи. Ранние произведения художника ценятся выше. Картины Бакхёйзена находятся в Берлине, в палаццо Питти во Флоренции, в венском Бельведере и частных коллекциях Англии. Получили признание и гравюры художника. В 1701 г. Бакхёйзен выпустил серию из 10 гравюр под названием «Stroom en zee gezlchten».

Бакалович Степан Владиславович

1857-1947

Степан Владиславович Бакалович (Стефан-Александр Бакалович, польск. Stefan Bakałowicz; 17 октября 1857(18571017), Варшава — не ранее 1936, или же в 1947 году, Рим) — живописец, представитель течения интернационального салонного академизма XIX века, писавший картины преимущественно на темы из жизни Древнего Рима.

Сын польского художника Владислава Бакаловича(писал небольшие картины из жизни французского двора времен Генриха III или Людовика XIII) и известной варшавской актрисы Викторыны Бакаловичовой (Wiktoryna Bakałowiczowa, урожд. Шимановская). Первоначальное художественное образование получил у отца в Варшавской рисовальной школе. Там же его педагогами, после пятого класса гимназии, стали крупные польские живописцы Войцех Герсон и Александр Каменский.

В 1876—1881 годах учился в петербургской Академии художеств, куда был принят, как нуждающийся, со стипендией. Учился у В. П. Верещагина, посещал классы П. П. Чистякова. в 1877 году получил Малую серебряную медаль за рисунок с натуры и такую же — за этюд; в 1878 году — Большую серебряную медаль за этюд; в 1879 году — Большую серебряную медаль за рисунок и Малую серебряную медаль за эскиз «Смерть Германика»; в 1880 году — Малую золотую медаль за программу «Иаков узнает одежду сына своего Иосифа, проданного братьями в Египет». В 1881 году за программу «Св. Сергий благословляет Дмитрия Донского на битву и отпускает с ним двух иноков» он получил Большую золотую медаль, звание классного художника первой степени и право на пенсионерскую поездку за границу на пять лет.

Через Польшу, где в Кракове он знакомится с Яном Матейко и пишет под его руководством небольшую картину из времен войн Литвы с Тевтонским орденом, Бакалович едет в Париж (1882—1883). Посетил Алжир (1883). С 1883 года живёт в Риме, с этого времени сосредоточившись целиком на античной теме. Художник активно интересуется историей Италии, участвует в раскопках, путешествует по полуострову.

Его картины пользуются успехом, он становится одним из столпов позднего академизма. Брокгауз пишет о его картинах: «весьма ценимые знатоками и в последнее время часто приобретаемые Государем, Государыней и членами Императорской Фамилии». Член художественных объединений Москвы, Санкт-Петербурга, Варшавы, Рима. Участник выставок Императорской Академии художеств, Общества поощрения художников, Общества любителей художеств, Санкт-Петербургского общества художников, а также зарубежных. «Бакаловичем восхищались, сравнивали с Г. И. Семирадским, называли русским Альмой-Тадемой, превозносили его изумительное мастерство и тонкость письма, красоту композиции и рисунка, грациозность и поэтичность сюжетов. И, главное, покупали». Бакалович находит покупателей не только в России — его произведения нравятся, их покупают в Риме. В. Е. Савинский писал из Рима в феврале 1887 года: «Полюбили у нас жизнь помпейскую — мода. Бакалович повторения делает своих картин, так нарасхват и тянут у него, заказ за заказом сыплются; ему к руке — женился ведь. Живет хоть куда и пополнел даже». Многие картины художника так и не попадают в Россию.

В 1903 г. Бакалович посещает Египет. В 1913 г. Академия Художеств отказала Бакаловичу в устройстве персональной выставки, так как его картины «тематически устаревают». В 1914-м он последний раз показал свою работу в Петербурге. С этого времени связь художника с Россией обрывается. После 1921 года подробных сведений о Бакаловиче в России нет.

Бальтюс наст. имя Бальтазар Клоссовски де Рола

29 февраля 1908, Париж — 18 февраля 2001, Россиньер, кантон Во

Бальтюс (фр. Balthus, настоящее имя Бальтазар Клоссовски де Рола — Balthasar Kłossowski de Rola; — французский художник, младший брат Пьера Клоссовски.
В продолжение своего 80-летнего творческого пути Бальтюс обращался ко всем традиционным жанрам европейской живописи (пейзаж, натюрморт, портрет, жанровые сцены), насыщая их тревожно-эротической атмосферой и провокационным фрейдистским подтекстом.
Биография и творчество:
Бальтазар Клоссовский родился в 1908 году в Париже, куда его родители приехали из Бреслау в Восточной Пруссии за пять лет до его рождения. Отец — Эрих Клоссовский (Erich Klossowski, 1875—1946), художник и искусствовед польского происхождения, знаток творчества Домье, был сыном рагнитского адвоката Леонарда Клоссовского. Мать — Элизабет Доротея Спиро (1886—1969), художница-еврейка, среди друзей известная как Баладина (Balladine), была одним из тринадцати детей синагогального кантора, композитора литургической музыки Абрама-Бера Спиро (1833—1903), перебравшегося с женой Фаней Форм (1837—1901) и старшими детьми из Кореличей Новогрудского уезда Минской губернии в Бреслау в 1873 году.В Бреслау Абрам-Бер Спиро был назначен главным кантором Синагоги белого аиста — одной из двух основных синагог города. Родителей познакомил брат Баладины и друг Эриха Клоссовского, художник Ойген (Юджин) Спиро (Eugene Spiro, 1874—1972).

Друзьями дома были Андре Жид, Пьер Боннар, Андре Дерен, Морис Дени. Во время Первой мировой войны семейство Клоссовских обосновалось в Берлине, где родители Бальтазара разошлись. После развода в 1917 году Баладина Клоссовски вступила в многолетнюю романтическую связь с поэтом Райнером Марией Рильке, которая длилась до его смерти в 1926 году. В 1921 г. Рильке выпустил в свет созданную 12-летним Бальтюсом серию рисунков сбежавшей из дома кошки Мицу вместе с собственным предисловием.

В 1930-е гг. Бальтюс, вернувшись в Париж, примкнул к кружку сюрреалистов и сблизился с Кокто, Арто, Миро, Пикассо и Джакометти. Эпатажный холст «Урок гитары» в 1934 г. принес начинающему художнику известность в авангардистских кругах. В работах тех лет неестественная застылость с почти фотографической точностью изображенных фигур придает даже бытовым сюжетам налет мистической зачарованности. К началу 1940-х гг. художник окончательно отходит от принципов сюрреализма и создает ярко индивидуальную манеру, которую иногда сравнивают с «магическим реализмом» в литературе.
Начиная с 1940-х гг. внимание Бальтюса приковывает тема пробуждающейся женственности. Он вводит в свои полотна символические мотивы (зеркало, бабочка, кот) и фигуры девушек-подростков, «застигнутых» в домашней обстановке в непринужденно-соблазнительных позах. В те же годы он оформляет ряд спектаклей Арто («Ченчи», 1944) и Жана-Луи Барро («Состояние осады», 1948). В 1961-77 гг. Бальтюс возглавляет представительство Французской академии на вилле Медичи в Риме, изучает и перерабатывает классические образцы вроде Пьеро делла Франчески и Караваджо, стремится придать своим полотнам фресковый колорит. Министр культуры Андре Мальро называл Бальтюса «нашим вторым послом в Италии».

В 1956 г. после масштабной выставки в нью-йоркском Музее современного искусства о Бальтюсе заговорили в США. В последние сорок лет жизни художник увлекается дальневосточной культурой в целом и японским изобразительным искусством в частности. Он часто посещает страну восходящего солнца и находит там спутницу жизни. В 1968-73 гг. создает ряд полотен на традиционный для XVII века сюжет игроков в карты. В 1983-84 гг. с размахом прошли ретроспективы творчества Бальтюса в парижском центре Жоржа Помпиду и в музее Метрополитен. В 1991 г. Бальтюс был награжден Императорской премией. На тот момент он был единственным из живущих, чьё произведение находилось в постоянной экспозиции Лувра (было завещано музею самим Пикассо).
В 1996 г. канадский документалист Дэмиан Петтигрю выпустил фильм о художнике, «Бальтюс в зазеркалье»; он был удостоен нескольких престижных кинонаград. О художнике сняты ещё несколько документальных лент. Бальтюс умер в 2001 г. на 93-м году жизни. На его похоронах присутствовал президент Ширак и пел Боно из группы U2.
О художнике в разное время писали Антонен Арто, Ив Бонфуа, Пьер Жан Жув, Альбер Камю, Жан Клер, Пьер Клоссовский, Райнер Мария Рильке, Рене Шар, Жан Старобинский, Федерико Феллини, Поль Элюар и др.

Барбасан Лагуэруэла Мариано/Mariano Barbasán Lagueruela

1864–1924

Мариано Barbasán Lagueruela ,испанский художник,родившийся в Сарагосе в 1864 и умерший в том же городе в 1924.

В юности, с 1880 по 1887 год, Мариано учился в Королевской Академии изящных искусств Сан-Карлос в Валенсии, где он подружился с Хоакином Сороллой (Joaquín Sorolla y Bastida, 27 февраля 1863 – 10 августа 1923) и Сальвадором Абрилем (Salvador Abril y Blasco, 1863 – 24 августа 1924).

В 1887 году, после окончания Академии, Барбасан переехал в Мадрид, где представил на Национальной выставке картину «Вальпургиева ночь из Фауста» (Noche de Walpurgis de Fausto).
В столице художник начал писать очень театральные исторические картины, в основном связанные с Толедо.

Благодаря своей картине «Иосиф беседует со стражником во дворце фараона» (José explicando el sueño del copero en el palacio del Faraón), написанной в 1889 году, Мариано был удостоен стипендии правительства провинции Сарагоса для продолжения учебы в испанской академии в Риме.

В Италии художник открыл свою собственную студию и поселился в маленьком средневековом городке Антиколи Коррадо в пригороде Рима в провинции Лацио.

Первоначально Барбасан писал картины исторического характера, в 1891 году он даже направил в правительство провинции Сарагоса картину «Педро III на холме Панисас» (Pedro III en el collado de las Panizas), но позже основными темами художника стали пейзаж и жанровые сцены из деревенской жизни.
Стиль Барбасана был реалистичным, хотя присутствует некоторое влияние импрессионизма (в основном, итальянского постимпрессионизма) и творчества Мариано Фортуни, который для многих художников его поколения был «живой иконой».

В Риме Барбасан оставался жить до 57 лет. В 1921 году он, как пишут в некоторых источниках – по состоянию здоровья, вернулся в Испанию, приняв должность профессора в Академии изящных искусств Сан-Луис в Сарагосе, освободившуюся после смерти художника Франсиско Прадиллы Ортиса (Francisco Pradilla Ortiz, 24 июля 1848 – 1 ноября 1921).

Творчество Барбасана было хорошо известно в Европе из-за его активного участия в выставках в Италии, Берлине, Мюнхене, Вене и Монтевидео, где художник в 1912 году провел две персональные выставки в Обществе изобразительных искусств.

Кроме того, Мариано сотрудничал с английским и немецким арт — дилерами.
У себя же на родине он был малоизвестен, потому что после отъезда в Италию художник не участвовал ни в одной выставке в Испании.

Только в 1923 году, через два года после возвращения в Испанию, была проведена большая ретроспективная выставка Барбасана в коммерческом центре Сарагосы, после которой критики творчеству художника дали высокую оценку.

Мариано Барбасан умер в родной Сарагосе в 1924 году в возрасте 60 лет.

После его смерти, сын художника Лукаферри в 1925 году организовал новую ретроспективную выставку отца в Музее современного искусства в Мадриде, после выставки Барбасан был признан ключевой фигурой арагонской живописи конца девятнадцатого и начала двадцатого веков.

Источники: Википедия, Энциклопедия испанской живописи.

Барбер Чарльз Бертон

1845–1894

Чарльз Бертон Барбер (Charles Burton Barber) 1845–1894 гг — английский живописец, один из лучших мастеров жанровой сцены и анималистики, достигший популярности, благодаря изображениям изящных жанровых сценок с детьми и домашними животными в уютном интерьере или среди тонко написанного пейзажа.

Барбер был незаурядным портретистом и анималистом — великолепно изображал разные породы собак. Художник сумел объединить в своих картинах традиционные симпатии британцев к качественной живописи, детям и животным. Барбер имел разрешение от королевы Виктории использовать на картинах изображения ее внуков и собак.

Барбер был почетным членом Королевского института художников. Родился в 1845 г. Умер в 1894 г. Наиболее известные: «Маленькая девочка и её Шелти» (1892), «Защитник», «Два инвалида», «Молитва», «Музыканты» и другие.

Бека Поль Эмиль/Paul-Emile Becat(Иллюстрации,ретро-эротика)

1885 — 1960

Французский живописец, гравер и рисовальщик Поль-Эмиль Бека родился в Париже 2 февраля 1885 года.

Учился в парижской Школе изобразительных искусств у живописцев Габриеля Феррье и Франсуа Фламена.

В 1913 году он впервые участвовал в Салоне французских художников, а в 1920 получил за свои живописные работы Grand Prix de Rome — стипендию французской Академии, позволяющюю совершенствовать мастерство в Италии.

Работы Бека отличали уверенное академическое рисование, точность в передаче деталей и некоторая «салонность».

В 1920-1930 годах он создал ряд портретов известных французских писателей, издателей и библиофилов — Леона-Поля Фарга, Пьера Луиса, Люка Дюртена, Жюля Ромена, Сильвии Бич и др.

Первые опыты в книжной графике, к которой Бека обратился в начале 1920-х годов — «Жорж Дюамель» Люка Дюртена («Monnier», 1920) и «Одиночества» Эдуарда Эстанье («Georges Cres», 1922) — привлекли внимание парижских издателей, и Бека стал время от времени получать заказы на иллюстрации.

Тем не менее, в эти годы художник занимался в основном живописью, и полотна художника получали весьма лестные отзывы.

К началу 1930-х годов художник стал признанным мастером живописи и графики. Особый интерес вызывали его гравюры, выполненные в технике «сухой иглы». С 1933 года начинается карьера Бека как специалиста по галантным текстам.

В предвоенное десятилетие возрос интерес публики к малотиражным коллекционным изданиям. Работа над иллюстрациями к таким книгам принесла Бека европейскую известность.

Художник обращался в основном к произведениям классической литературы, но в рисунках трактовал тексты по-своему, отбирая для иллюстрирования самые фривольные моменты.

В годы Второй мировой войны Бека продолжал работать над иллюстрациями к коллекционным изданиям.

В это время созданы самые известные циклы его рисунков: 24 цветных иллюстрации к «Манон Леско» аббата Прево («Le Vasseur», 1941), 24 цветных иллюстрации к «Науке любви» Овидия («La Tradition», 1942) и 13 монохромных гравюр к его же «Любовным элегиям» («Ath?na», 1943), 23 цветных иллюстрации к новому изданию «Песен Билитис» Пьера Луиса («Piazza», 1943).

За долгую творческую жизнь Бека создал графические серии к более чем 100 книгам, среди которых десятки произведений фривольной литературы.Он не оставлял работу до последних дней.

Художник умер 1 января 1960 года в Париже, не дожив одного месяца до своего 75-летия.Однако галантные и эротические иллюстрации Бека, исполненные с виртуозным мастерством, обеспечили ему прижизненную и посмертную славу.

Барон Анри Шарль Антуан

1816,Бесансон – 1885,Женева

Родился в 1816 году в Бесансоне.
Французский художник Анри Шарль Антуан Барон (1816-1885) известен как живописец, акварелист и иллюстратор, автор жанровых картин. Барон учился живописи в Париже, в мастерской своего земляка, художника из Безансона, Жана-Франсуа Жиго (Jean-Francois Gigoux, 1806-1894). В 1835 году вместе с Ж.Ф. Жиго путешествовал по Италии, где увлёкся жанровыми сценами, создавая их в технике масляной живописи и акварели; собранный тогда материал использовался художником на протяжении многих лет. Барон впервые показал свои две картины на выставке Салона 1840 года: «Мастерская скульптора» и «Вилла в Латинском квартале». Они были замечены известным художественным критиком Теофилем Готье, написавшем, что картины Барона «полны чувства и цвета», затем художник регулярно выставлял в Салоне свои произведения до 1878 года. Барон принимал участие во Всемирных выставках в Париже 1867 и 1878 годов; с 1879 года участвовал в выставках Общества французских акварелистов. Его произведения удостаивались медалей на выставках в Париже в 1847, 1848, 1855 и 1867 годах. За картину «Художники у входа в венецианский кабачок» (Париж, Лувр), написанную в 1859 году по заказу императора Наполеона III, награждён орденом Почётного легиона. С 1862 года являлся членом Общества друзей искусств в Безансоне. Барон много работал как иллюстратор. Он создал иллюстрации к «Шагреневой коже» Оноре де Бальзака (1838), «Декамерону» Боккаччо (1842), «Приключениям Телемака» Франсуа Фенелона (1846), участвовал в издании трёхтомного собрания репродукционных литографий с картин художников — «Художники старые и современные» (1848-1862). Барон был женат (с 1852 года) на Октавии Бови, дочери женевского медальера Антуана Бови (1795-1877), после женитьбы жил в Швейцарии.
Умер Анри Шарль Антуан Барон в 1885 году в Женеве.
В середине XIX века картины и акварели А.Ш.А.Барона пользовались большой популярностью. Идиллические жанровые, исторические сцены часто с большим количеством персонажей высоко ценили за блестящий, выразительный колорит, оживлённые, занимательные композиции на фоне исторических парков Версаля, Тюильри или архитектурных фантастических пейзажей. Среди работ Барона часто встречаются парные картины, например, «Танец» и «Серенада» (обе — имеют подпись художника, дерево, масло, 80 х 63 см, частное собрание, Париж, 2010).
Картины Анри Шарля Антуана Барона хранятся в музеях Безансона, Каркассона, Шантильи, Женевы, Лиля, Марселя, Мюлузы, Ниора, Парижа (Лувр), Понтуаза, Реймса, Стокгольма, Сиднея.

ван Беерстратен Ян Авраам/Jan Abrahamsz van Beerstraten

1622–1666

Ян Авраам ван Беерстратен(1622–1666)-голландский пейзажист и маринист.

Автор множества картин с морскими батальными сценами, большинство из которых посвящено первой англо-голланской и датско-шведской войнам.

Его отец Авраам, ткач из Эмдена.

Первая картина Беерстратен датирована 1639 годом — «Морской бой возле Генуи».

В 1642 году 20 летний Беерстратен Ян жил в Еландстраате и обручился с Магдаленой ван Бронкхорст, дочерью мастера краснодеревщика из Блюмстраата.

В 1646 он стал почетным гражданином . У пары было по крайней мере пять сыновей и пять дочерей.

В 1651 он стал опекуном детей своего брата Даниэля, парикмахера на судне, который жил и умер в Ост-Индии.

Ян Беерстратен купил за 3300 гульденов дом у пейзажиста Джона Коллаерта. В 1662 вместе со своим сыном Авраамом он путешествовал по Фрисландии и делал рисунки.

В 1664 году умерла жена после рождения дочери, Марии. Беерстратен остался с восемью детьми.

В 1665 году женился во второй раз на Альберте Егбертс, от этого брака родилась дочь.

Ян Беерстратен изображал порты и городские пейзажи Амстердама, а также многие

города и деревни Голландии и запечатлел множество замков, церквей и другие здания,

которые уже больше не существуют.

Умер Ян Абрахамс Беерстратен в 1666 году, похоронен в Амстердаме.

Беллоуз Джордж Уэсли

1882–1925

Джордж Уэсли Беллоуз (англ. George Wesley Bellows; род. 12 августа 1882 г. Колумбус, Огайо — ум. 8 января 1925 г. Нью-Йорк) — американский художник реалистического направления.
Жизнь и творчество:
В 1904 году становится одним из основателей в Нью-Йорке художественной группы школа Эшкена (Ashcan School), в 1909 году поступает в Национальную академию дизайна.

Самое знаменитое полотно работы Дж. У.Беллоуза — «Демпси и Фирпо» (Dempsey and Firpo, Музей американского искусства Уитни) изображает бой боксёров — Беллоуз всегда интересовался спортом.

Цветовая гамма и фантазия художника отражают действительную силу и динамику движений атлетов.

Прекрасные портреты, созданные Беллоузом около 1910 года, являют собой удивляющую противоположность его насыщенным, динамично-реалистичным картинам, изображающим жизнь большого города — в первую очередь Нью-Йорка.

Сотрудничал в социалистическом журнале «Массы» (The Masses), но отошёл от него из-за своей активной поддержки вступления США в Первую мировую войну.

Умер от перитонита, вызванного воспалением аппендикса.

Бенар Поль Альбер(Paul Albert Besnard)

1849–1934

Бенар, Поль Альберт (фр. Paul Albert Besnard; 1849—1934) — французский художник, директор Школы изящных искусств (École nationale supérieure des Beaux-Arts), член Французской академии (Académie française).

В своих работах он использовал традиционные сюжеты и писал в импрессионистической манере.
Биография:
Родился в Париже в семье художников. Его мать была известной миниатюристкой. Учился в Школе изящных искусств в классе Александра Кабанеля. В 1874 году получил Римскую премию (Prix de Rome) — известную в то время во Франции награду в области искусства. После начал развивать собственный стиль, отличавшийся от академического стиля, приверженцем которого был его учитель.

В 1881—1884 годах работы Бенара выставлялись в Академии художеств (Royal Academy) в Великобритании.

В 1886 году картина Бенара «Портрет мадам Роже Журден» (Le Portrait de Madame Roger Jourdain) участвовала в Парижском салоне — самой значительной французской художественной выставке того времени. Этой работе характерно новое использование света и теней, ставшее личным стилем Бенара[1].

Впоследствии он не отступал от него и в крупномасштабных работах. В числе наиболее известных — фрески в университете Сорбонна (Sorbonne), роспись потолка в парижском театре Комеди Франсез (Comédie-Française).

В 1912 году Бенар стал членом Французской Академии изящных искусств (Académie française des Beaux-Arts),

в 1922 — директором Школы изящных искусств в Париже, где ранее сам учился.

В 1924 году Бенар стал пожизненным членом Французской академии (Académie française), кресло № 13.

Бенедиченти Луиджи(Luigi Benedicenti)

1948-….

Луиджи Бенедиченти талантливый итальянский художник-гиперреалист или фотореалист, что в принципе одно и то же.

Родился в городе Кьери, 1 апреля 1948.

В конце шестидесятых и начале семидесятых годов тесно связал свою жизнь с движением «реализм».

Одним из первых стал работать в стиле гиперреализма.

Конец шестидесятых, начало семидесятых как раз то время, когда произошёл бум на это авангардное течение живописи.

Популярность не приходила к нему долго, и только в девяностых фотореалист стал выставлять свои работы в Итальянских, а позже и в Американских галереях.

Наибольшую известность ему принесли картины с очень подробными изображениями пирожных, тортов и цветов, воспроизведенные в мельчайших подробностях и выглядящие так, что их хочется съесть.

Что как не вкусная еда пробуждает в человеке самые сильные желания!

Хочется сейчас же попробовать все деликатесы, которые Luigi изобразил на своих картинах.

После окончания художественной школы в Турине в 70-х, он показал свои первые произведения и, несмотря на хорошие отзывы критиков и поклонников решил, продолжая писать, держаться подальше от выставочной суеты до начала 90-х годов, когда он вновь начинает выставлять свои картины.

«Я надеюсь передать в своих картинах ощущения и волнения маленьких удовольствий жизни, которые я испытываю в каждый день, живя в маленьком итальянском городе, окруженный у моих друзей и у моей семьи».

Работы Luigi Benedicenti известны во всем мире , т.к. покорили сердца огромного количества ценителей гиперреализма. , а выставки имеют огромный успех.

Беннетт Фрэнк Мосс

1874-1953

Фрэнк Мосс Беннетт родился: в Ливерпуле (Англия) 15 ноября 1874 года. В 1892 учился в доме Браунов, Клифтон Колледже в Бристоле.

В 1892 — 1894 годах продолжил обучение в школа искусств Слейда в Лондоне у Генриха Тонкса (1862-1937), Филиппа Стир Вильсона (1860-1942) и Джона Сингера Сарджента (1856-1925).

В 1894 году учился в школе искусств Санкт-Джонса Вуда (Лондон) и в 1896 закончил обучение в Королевской Академии искусств (Лондон).

Писал в основном жанровые картины в стиле «старой, доброй Англии», которые пользовались успехом.

Во времена Англии «золотого века». которые предпочитал изображать на своих картинах Фрэнк Беннет, дамы наряжались в кринолины, со множеством лент, бантов и других украшений.

Всё было в общем-то однообразно, хотя и очень красиво.

В 1898 — 1928 годах выставлял свои работы в Королевской академии, в 1899 — 1932 гг.-также выставлялся в художественной галерее Ливерпуля.

Бернар Эмиль(Émile Bernard)

1868-1941

Французский художник-импрессионист. Один из основателей символизма.

Эмиль Бернар ( Émile Bernard). 1868-1941

Французский художник-импрессионист. Один из основателей символизма.

Родился 28 апреля 1868 года в Лилле. Уже в раннем возрасте Эмиль увлекается живописью, начинает изучать основные принципы художественного творчества. В 1884 году Бернар начинает обучение в Академии Кормон. Это учебное заведение сыграло важную роль в становлении художника, здесь он знакомится с Ван Гогом, Анкетеном, Тулуз-Лотреком. Однако продолжать занятия Бернар не сможет, так как в скором времени его исключат из Академии за непослушание.

Художник продолжает заниматься живописью, развиваясь в этом направлении. Он изучает творческую манеру Сезанна, увлекается пуантилизмом. В это время художник активно путешествует, проживает в Понт-Авене. Именно здесь он сближается с художественной группой Понт-Авен, дружит с Гогеном. В1887 году Бретан и Луи Анкетен разрабатывают новый стиль живописи, который будут называть клуазиннистским. Этот стиль предполагает использование контуров рисунка, разделяющих разные цвета. Наиболее известные работы Бернара написаны именно в ранний период творчества («Уборка пшеницы», «Мадлен в лесу Любви»).

В 1889 году художник участвует в выставке в кафе Вольпини. Здесь Бретан представляет несколько пейзажей, которые были созданы в окрестностях Парижа и в Бретани. Он занимается цинкографией («Бретонцы») и ксилографией («Распятие»). В этом же году Бернар переживает религиозный кризис. На определенный период он перестает заниматься живописью. Впоследствии он мечется между традициями старых мастеров Италии («Снятие с креста») и влиянием Сезанна. Некоторое время художник работает над проектами «тропической мастерской», созданной Гогеном, однако в 1891 году Бретан разрывает все отношения с ним.
Одной из причин прекращения дружбы стало утверждение Гогена о том, что Бернар не имел отношения к разработке идеи синтетизма в живописи. С этого времени Бернар примыкает к символистской группе Фердинанда Ходлера и Одилона Редона.
В период с 1893 по 1903 годы художник много путешествует по Испании, Италии, Египту, Греции. Около одиннадцати лет он безвыездно прожил в Каире. В это время Бернар продолжает создавать картины, обращаясь в основном к символистским и религиозным тематикам. Только в 1904 году он вновь появится во Франции, предварительно побывав в Венеции.

В 1905 году художник работает над созданием журнала «Реновасьон эстетик», в это же время представляет свою картину «Моисей и женщины Мадиамские» в Общенациональном Салоне. Работы, созданные в последние годы жизни художника, говорят об отступлении от принципов символизма и возвращении к традиционной академической манере. В это время Бернар нередко копирует работы художников эпохи Возрождения.
Эмиль Бернар умер 16 апреля 1941 года в Париже.

Беро Жан

1849–1936

Жан Беро — французский художник, импрессионист.
Жан Беро́ (фр. Jean Béraud; 31 декабря 1848 (12 января 1849), Санкт-Петербург — 4 октября 1935, Париж) — французский салонный живописец, приобретший известность многочисленными жанровыми работами, изображавшими жизнь Парижа (в том числе ночного) и парижского светского общества, и картинами на евангельские сюжеты в современной обстановке.

Закончив учёбу в Школе изящных искусств, Беро открыл собственную мастерскую в квартале художников на Монмартре. С 1873 (по др. данным, 1872) по 1889 год он регулярно выставлялся в Парижском салоне. Будучи учеником Бонна, Беро начинает свою карьеру художника как портретист. Образ Леды (1875) принадлежит мифологической тематике, но в 1876 художник совершает прорыв в другой области.

Признание ему принесла картина «Возвращение с похорон» («фр. Le Retour de l’enterrement»), выставленная в салоне в 1876 году. На холсте изображена группа людей, объятых общей печалью после погребения. Один из мужчин прикуривает сигару, другие углубились в беседу. Эта уличная сценка положила начало серии многочисленных работ с похожими мотивами.

Изображения Елисейских Полей, кафе, Монмартра и берегов Сены являются точно детализированными иллюстрациями парижских будней времён Belle Époque — «Прекрасной эпохи». Примером этому может служить картина 1889 года «Кондитерская Gloppe». Постепенно стиль живописи Беро сдвигается от академического в сторону импрессионизма. Однако, в то время как крупнейшие импрессионисты бежали от сумбурного Парижа и рисовали ландшафты его окрестностей, Беро — как и его друг Эдуард Мане (1832—1883), и, в некоторых своих образцах, Эдгар Дега (1834—1917), обращался к мотивам именно городской жизни..

Художественные приёмы, использованные Беро, в частности, при рисовании так называемых кафешантанов (café сhantant), впоследствии стали классическими. Верхнюю часть картины Беро скрывал лёгкой дымкой, музыкантов и зрителей ставил на передний план, а исполнителей — на задний, контрастно выделяя их на более тёмном фоне.В 1890 году Беро впервые обращается к религиозной тематике. Картины этого ряда напоминают нидерландскую живопись XVII века.

На Парижском салоне 1891 года Беро выставил свою «Магдалину в доме фарисеев». Классические библейские сцены, персонажи которых одеты в современное платье, вызывали в то время скандальную критику. Среди лиц, окруживших Спасителя, современники узнавали Ж.-Э. Ренана — автора не менее скандальной в те годы монографии «Жизнь Иисуса», а для Магдалины позировала куртизанка Лиана де Пужи.

В 1885 году Беро принял участие в создании Общества пастелистов (фр. Société Pastellistes, впоследствии его президентом был избран Анри Жерве). Общество пастелистов выставило произведения своих художников в отдельном павильоне Всемирной выставки 1889 года, и здесь работы Беро были отмечены золотой медалью. С 1890 по 1929 год Беро выставлялся в cалоне Национального общества изящных искусств (фр. Salon de la Société Nationale), который он основал вместе с Огюстом Роденом, Ж.-Л.-Э.Месонье и П. С. Пюви де Шаванном. Посмертную выставку его работ провёл в 1936 году парижский музей Карнавале.

Педро Берругете/Pedro Berrugete

1450–1504

Педро Берругете (исп. Pedro Berruguete; ок. 1450, Паредес-де-Нава — 1503 или 1504, Паредес-де-Нава) — испанский художник, наиболее яркая фигура испанского искусства эпохи перехода от готики к Возрождению.

Педро Берругете родился в селении Паредес де Нава в Старой Кастилии. Для получения образования, он вместе с братом-художником отправился в Италию, где они работали подмастерьями у Микеланджело.

Между 1475 и 1482 Берругете работал в Урбино (Италия) при дворе герцога Федериго да Монтефельтро. Там он расписывал знаменитую библиотеку герцога в Палаццо Дукале в Урбино.

Это подтверждено двумя документами — один из них, происходящий из нотариальных архивов Урбино, упоминает о присутствии в 1477 году художника Пьетро Спаньоло (то есть Испанца).
В другом документе — речи Пабло де Сеспедеса (1604), говорится, что испанский художник написал портреты знаменитых людей в урбинском дворце.

В Урбино Берругете познакомился со многими мастерами итальянского Возрождения, в частности с Пьеро делла Франческа. Для него Педро исполнил руки и головной убор Федериго да Монтефельтро в картине дела Франчески «Мадонна со святыми и герцогом Урбинским» (Милан, пинакотека Брера).

Вероятно также, что Берругете посетил Тоскану и Венецию. Его отъезд из Италии совпал со смертью герцога Федериго в 1482 году.
Художник вернулся в Испанию, вновь поселился в Паредес де Нава, обзавелся семьей, и в 1486 году у него родился старший сын Алонсо.
Сразу после возвращения из Урбино Берругете уже в 1483 году создал картину «Благовещение» для картезианского монастыря Мирафлорес около Бургоса и две сцены из «Жизни Иоанна Крестителя» для церкви Санта-Мария дель Кампо.

В 1483 Берругете также украшает фресками «Саграрио» собор в Толедо (уничтожены в XVI в.).
Для трех церквей в родном городе Паредес де Нава он пишет большие панно.
Берругете принадлежат также десять сцен из «Жизни св. Доминика и Петра» для монастыря Санто-Томас в Авиле (Мадрид, Прадо).

Покровителем Берругете становится Великий инквизитор Торквемада. Живущий в кастильском городе Авила.
Необходимо отметить, что братья Берругете стали первыми придворными художниками в Испании, работая при дворе Карла V.

Вернувшись в Испанию, Педро отдал свое предпочтение живописи, а его брат продолжал совершенствоваться в скульптуре и архитектуре.
В произведениях Берругете конца 1490-х годов, как ни у одного испанского живописца того времени, ярко выявились черты национального своеобразия.

В произведениях Берругете, отмеченных печатью аскетизма и суровой выразительности, знание научной перспективы и обилие жизненных подробностей совмещаются с идущими от средневековых традиций статичностью поз и разномасштабностью фигур.
В произведениях первого живописца испанского Возрождения многое находилось в процессе становления, не могло еще отлиться в зрелые формы.

Но его искусство стало в Испании новым словом.
Свои познания Берругете передал сыну Лоренцо, который вскоре также уехал в Италию на учебу. Лоренцо стал известным скульптором.

Источники: Википедия, Энциклопедия испанской живописи эпохи Возрождения.

Бёрч Сэмюэл Джон(Samuel John Lamorna Birch)

1869-1955

Сэмюэл Джон Бёрч (англ. Samuel John Birch; 7 июня 1869, Эгремонт, Чешир — 7 января 1955, Ламорна, Корнуолл) — английский художник-постимпрессионист, крупный представитель художественной группы Ньюлинская школа. Был известен под псевдонимом Ламорна Бёрч.

Жизнь и творчество:

Если не считать недолгого пребывания в парижской Академии Коларосси, С. Бёрч был художником-самоучкой. Наиболее плодотворными для него были годы (начиная с 1902), проведённые в рыбацкой деревушке Ламорна в юго-западном английском графстве Корнуолл. Многие его известные полотна были созданы здесь и изображают различные виды на бухту Ламорна. По предложению своего друга, живописца Стэнхоупа Форбса он взял художественный псевдоним Ламорна Бёрч. Бёрч был создателем и руководителем художественной группы Ламорна, состоявшей из некоторых живописцев Ньюлинской школы, осевших в Ламорне и образовавших здесь новую колонию. Занимался также преподаванием.

Впервые Бёрч выставил свою картину в Королевской академии художеств в 1892 году. В 1906 состоялась его первая персональная выставка в Обществе изящных искусств. В 1924 году он стал членом-корреспондентом Королевской академии художеств, в 1932 — действительным членом академии. В Королевской академии художник выставил более 200 своих полотен, участвовал также в выставках в различных галереях и музеях Англии и Европы. Количество картин, созданных Бёрчем за его долгую творческую карьеру, оценивается в несколько тысяч.

Бильбао Мартинес Гонсало/Gonzalo Bilbao Martínez

1860–1938

Испанский живописец, один из лучших импрессионистов в Севилье, изображавший на своих картинах местные обычаи и историю региона.
Гонсало был сыном богатого землевладельца из Севильи и братом скульптора Хоакина Бильбао.
Еще ребенком он брал уроки рисования у художника Хосе Хименеса Аранда (José Jiménez Aranda, 7 февраля 1837 — 6 мая 1903).

По настоянию отца юноша после окончания школы начинает заниматься изучением права, совмещая учебу с изучением живописи и музыки (юноша стал органистом). В 1880 году Гонсало закончил учебу в области права, но не работал по специальности ни дня. Он решил посвятить себя исключительно живописи.

Отец смирился с решением сына, и даже в награду за отличные результаты в учебе оплатил поездку в Италию и Францию, куда Бильбао отправился вместе со своим учителем Хосе Хименесем Аранда.
Во время своего пребывания в Париже, Гонсало побывал во многих музеях, частных галереях и студиях некоторых французских и испанских художников, которые жили в качестве пенсионеров во французской столице.
В Италии художник прожил в течение трех лет, поселившись в Риме и работая в компании художника Хосе Вильегаса Кордеро (José Villegas Cordero, 1844 – 9 ноября 1921). Они посетили Неаполь и Венецию, где Гонсало писал городские и сельские виды.

В 1884 году художник вернулся в Испанию и служит в качестве советника у известного художника Висенте Пальмароли Гонсалеса (Vicente Palmaroli González, 1834 – 25 января 1896).

Пальмароли был академиком в Королевской Академии Сан-Фернандо, а позже директором в испанской академии в Риме и музее Прадо (1893-1896).
Два года спустя Бильбао возвращается в Рим и остается там в течение года.

Вернувшись снова на родину, художник не мог привыкнуть к размеренной жизни в Севилье, беспокойный характер Гонсало толкал его на постоянные путешествия в поисках пейзажей для своих картин.

Бильбао ездит по всей стране, останавливаясь на длительные периоды в Толедо и Сеговии. Позже художник вместе с коллегой Андресом Парладе и Хередиа (Andrés Parladé y Heredia, 1859-1933) совершил путешествие в Марокко.

Оттуда Бильбао отправился в Париж, поскольку захотел узнать о последних тенденциях в искусстве и решил продать картины, написанные во время пребывания в Марокко. Благодаря знакомому арт-дилеру, часть картин была продана в Мюнхене.

В 1890-х Бильбао завоевал множество медалей на национальных и международных выставках.

Среди полученных наград — вторая медаль на Национальной выставке изящных искусств (1887), третий приз на Парижской Всемирной выставке (1889), бронзовая медаль на Международной выставке в Барселоне (1891), серебряная медаль на международной выставке изобразительного искусства в Мадриде (1892), медаль на Универсальной ярмарке в Чикаго (1893), золотые медали на Национальной выставке изящных искусств (1899) и международной выставке изобразительного искусства в Берлине (1899).

По возвращении в Испанию, Бильбао продолжает активно путешествовать по стране, посетил Фуэнтеррабия, Толедо, Херес де ла Фронтера в Кадисе и другие города.
Параллельно художник работал частным преподавателем, давая уроки рисования.
С 1903 года Бильбао пригласили профессором живописи в Академии изящных искусств Санта-Изабель Венгерской в Севилье, как преемника его учителя Хосе Хименеса Аранда, умершего в этом 1903 году.

Среди учеников Бильбао были известные художники ХХ века Даниель Васкес Диас (Daniel Vázquez Díaz, 15 января 1882 — 17 марта 1969) и Эухенио Хермосо (Eugenio Hermoso, 26 февраля 1883 – 2 февраля 1963).

Начало ХХ века было ознаменовано «новой порцией» признания и наград. Художник завоевал золотые медали на Национальной выставке изящных искусств (1901) и Международной выставке в Мюнхене (1905), получил первые призы на Международной выставке в Буэнос-Айресе (1910) и Международной выставке в Сантьяго, Чили (1910).

За интерьер табачной фабрики в Севилье Бильбао в 1915 году на Национальной выставке изящных искусств был награжден Почетной медалью. Кроме этого, в 1915 году художник получил первый приз на Международной выставке изящных искусств в Сан-Франциско, а в следующем году – первый приз на Международной выставке изобразительного искусства в Панаме.

В 1904 году Гонсало женился на француженке Марии Рой Ларди, дочери французского банкира, которая жила в Мадриде. После смерти художника его вдова передала в Музей изобразительных искусств в Севилье большую коллекцию работ Бильбао.

Среди самых известных работ художника картины «Урожай в Андалусии» (La siega en Andalucía, 1895), «Летняя ночь в окрестностях Севильи» (Noche de verano en un barrio de Sevilla, 1906), «Сигары» (Las cigarreras, 1915) и «На кукурузном поле» (En el trigal, 1921). Бильбао написал несколько городских и сельских пейзажей для книги «Кто не видел Севилью …», в серии «Урожай» (La Siega) он изобразил замечательные пейзажи андалузской деревни.
В 1920-х годах художник обратился к портретному жанру.

Им были написаны «Портрет короля Альфонсо XIII» (Retrato del rey Alfonso XIII, 1929) и «Портрет актрисы Кармен Диас» (Retrato de la actriz Carmen Díaz, 1928).

де Блаас Эжен(Eugen von Blaas)

1843–1932

Эжен де Блаас (фр. Eugene de Blaas, Югин фон Блаас, нем. Eugene von Blaas, Эудженьо де Блаас, итал. Eugenio de Blaas; 24 июля 1843, Альбано Лацьале — 10 февраля 1932(1931 ?), Венеция) —

итальянский художник , писавший в стиле академического классицизма. Родился в Альбано Лацьале, возле Рима.

Родители его были австрийцами. Отец, Карл фон Блаас был хорошо известным художником, работающим в историческом жанре позднего бидермайера.

Позже семья переехала в Венецию, где Карл фон Блаас стал профессором академии Венеции.

Оба сына решили продолжать семейное дело, Юлиус становится художником анималистом, тогда как Эжена больше привлекают жанровые картины из жизни простых венецианцев.

Первые брал уроки у отца, в художественной академии Рима и академии Венеции.

Выставлялся в Италии и за границей: в Вене, в Лондоне, Париже, Берлине, Монако, Брюсселе, Петербурге.

Эжен как и отец стал профессором академии Венеции.

Бланшар Антуан

1910–1988

Antoine Blanchard (Marcel Masson) (1910—1988), родился во Франции 15 ноября 1910 года в небольшой деревне недалеко от берега Луары.Он был старшим из троих детей, и его отец, резчик по дереву, владел небольшим мебельным магазином. Закончил школу изящных искусств в Ренне, где он учился скульптуре и рисованию, по завершению учебы он был награждён высшей наградой школы: Le Prix du Ministre.

В 1932 году он покинул Ренн и поступил и с успехом закончил парижскую школу изящных искусств. По окончании учебы он был удостоен высшей награды школы: Prix de Rome. У художника ярко выражена любовь к Парижу и его улицам. Нежные штрихи света и мерцающие тона производят чудесное ощущение гармонии, яркости и света.

Картины Антуана Бланшара — великолепное приглашение к пешей прогулке по улочкам старого Парижа.
Многие из предметов и сцен, которые он изображал, были взяты из образов, которые он собрал в Париже в 1890-е годы. Он часто работает над картинами в течение нескольких дней или месяцев, пока наконец не чувствовал что они завершены.

А. П. Larde говорит в своей книге «Antoine Blanchard, His Life His Work», что он всегда проводил много времени за работой. Нежные прикосновения светящихся и мерцающих тонов производят удивительное впечатление гармонии, яркости и света. Чередование оттенков и света, их точное и мягкое смешение позволяет художнику достичь редкого изящества, лучистой и мерцающей свежести.

Larde продолжает писать, что его произведения, прежде всего, прекрасное приглашение к идеальной прогулке по старому Парижу, так сильно отличающемуся от нашего времени.В своих картинах Антуан Бланшар приглашает нас пережить этот период, показывая нам приятные прогулки вдоль набережных, скверов и бульваров в тот период в парижской жизни, когда время не в счет, когда можно тратить время в безделье, гулять вдоль улиц, окон магазинов, ходить спокойно по бульварам или проводить вечера в кафе.

Антуан Бланшар всегда использовал маленькие мазки, с нежным, округлым и мягким подходом; небольшая туманность, которая характерна для его работ, во многом напоминает великих мастеров периода импрессионизма.

Блинкс Томас

1860–1912

Томас Блинкс — английский художник, реалист.Родился в Мейдстоне, Кенте в 1853 г. Умер в 1912.

В мальчике рано проявились художественные способности, но отец (мясник) был уверен, что профессия художника не принесёт достаточно денег и настоял на выборе другого пути.

Томас некоторое время работал учеником портного, но в конечном счёте победила тяга к живописи.

Доподлинно неизвестно, обучался ли Томас Блинкс искусству в художественных заведениях, но у него определённо был талант к изображению животных.

Один из лучших художников викторианской живописи, специализирующийся на спортивной и животной тематике в живописи.

Особенно хорошо умел передавать психологию и облик спортивных (охотничьих) собак, в работе, на отдыхе, в покое, в движении.

«В бешеной погоне» (1887), «Свора гончих собак».

Блох Карл Генрих

1834–1890

Карл Блох — датский живописец, родился 23 мая 1834 года в Копенгагене, в семье коммерсанта Йоргена Петера и Эмили Блох. Родители хотели, чтобы у сына была серьезная профессия — они видели его офицером Военно-морского флота. Но это не было то, к чему стремился Карл. Его интересовала только живопись и он настоял на том, чтобы учиться на художника. В 1849 году он поступает в Датскую Королевскую Академию Искусств (Royal Danish Academy of Art), где через 3 года его награждают малой серебряной медалью за один из его рисунков.

С 1859 года путешествует в Голландию, Францию. Италию, постепенно переходя от жанровой живописи к исторической. Огромное влияние на становление Блоха, как художника оказали работы Рембранта. В 1888 году ему была оказана высокая честь — было предложено разместить свой автопортрет в галерее Uffizi во Флоренции. Карл Блох встретился со своей будущей женой, Альмой Трепка, в Риме, где они женились в мае 1868. К сожалению, этот брак , хотя и был очень счастливым, не был долгим – его жена умерла достаточно молодой — в январе 1886.

Горе от потери жены подкосило здоровье художника, к тому же на его руках осталось восемь детей. Карл Блох ненадолго пережил свою жену, скончавшись от рака 22 февраля 1890. Большая часть работ Карла Блоха представляет собой картины на библейские темы. После ознакомления с работами художника, написанными в Италии, датский меценат J. C. Jacobsen предложил Блоху написать 23 картины для молитвенного зала в реставрируемом замке Кристианборг, пострадавшем от огня. Это был огромный проект, ставящий своей целью проиллюстрировать жизнь Господа. Блох работал над ним около 14 лет.

Блох является одни из самых величайших художников, которые отражали на своих полотнах жизнь и смерть Иисуса Христа.К лучшим его произведениям принадлежат: «Самсон у мельницы», «Освобождение Прометея», «Христианин в темнице», «Христос в Гефсиманском саду», «Христос и мальчик», «Портрет Христа». И сейчас, спустя более сто лет со смерти Блоха. Молодые художники со всего мира, пишущие на библейские темы, приезжают в Данию, в Кристианборг, чтобы увидеть творения великого мастера.

ван Блумен Норберт (Norbert Van Bloemen)

1670—1746

Norbert van Bloemen , Hopберт ван Блумен 1670—1746) — фламандский живописец. Hopберт ван Блумен родился 10 февраля 1670 года в городе Антверпене.

Hopберт и Ян Франс взяли первые уроки живописи у своего старшего брата Питера — будущего декана Академии Святого Луки.После того, как Питер, а потом и Жан Франц уехали для повышения мастерства в столицу Италии город Рим, за ними, некоторое время спустя последовал и Норберт.

В «Вечном городе» Норберт занимался преимущественно бытовой и портретной живописью и даже получил у итальянцев прозвище Цефалус (Голова), однако его художественная карьера в Италии была далеко не так удачна, как у его братьев, поэтому, он вскоре покинул итальянскую столицу и вернулся в родной город.

Однако и в Антверпене карьера художника не задалась и он переехал в Амстердам ( Северные Нидерланды), где рисовал исторические сюжеты, портреты и религиозные сюжеты. Картины художника выставлялись в различных музеях Старого Света. Hopберт ван Блумен скончался в 1746 году в городе Амстердаме.

ван Блумен Ян Франс (Jan Frans van Bloemen)

1662—1749

Ян Франс ван Блумен родился 12 мая 1662 года в городе Антверпене.

В 1689 году, переселившись в город Рим, он присоединился к своему старшему Питеру ван Блумену (который стал его первым учителем[1]) и сделался последователем Клода Лоррена и Николы Пуссена[2]. Он был активным членом «Bentvueghels», объединения художников южно- и севернонидерландского происхождения, работавших в Риме. Братья, в поисках сюжетов, неоднократно предпринимали поездки по Италии, в частности в Турин

Ван Блумен писал пейзажи в светлых, ясных тонах, со старательною обработкою задних планов, вследствие чего итальянцы прозвали его «Оризонте».

Мотивы для своих картин, оживленных фигурами, Блумен брал из окрестностей Рима. Произведения его рассеяны по разным публичным и частным коллекциям; в частности, пять из них были выставлены в столице Российской империи городе Санкт-Петербурге в Императорском Эрмитаже[2]. Он неоднократно подавал прошение на принятие его в Академию Святого Луки, однако дважды получал отказ, что, по мнению некоторых искусствоведов было связано с пренебрежительным отношением итальянских академиков к пейзажной живописи; лишь на третий раз, когда имя художника было уже широко известно (даже за пределами Италии) его приняли в члены академии.

Ян Франс ван Блумен скончался 13 июня 1749 года в городе Риме.

Его младший брат Hopберт ван Блумен также посвятил свою жизнь живописи.

ван Блумен Питер (Pieter Van Bloemen)

1657–1720

Pieter van Bloemen, (Антверпен1657 – 1720, Антверпен). Питер ван Блумен –фламандский живописец барокко, старший брат и первый учитель своего брата Яна Франса. , происходил из семьи живописцев и граверов.Питер ван Блумен родился 16 января 1657 года в городе Антверпене; обучался мастерству у Симона ван Доу ( Simon van Douw), провел более двадцати лет в столице Италии городе Риме, где получил прозвище Стандарт ( Stendardo) за то, что в своих картинах уделял большое внимание изображениям штандартов, гербов, флагов и прочей воинской атрибутики .

Питер ван Блумен получил признание уже в возрасте 17 лет, в 1674 в Антверпене он именуется мастером и становится членом антверпенской Гильдии Святого Луки. В 1685 Ван Блумен едет в Рим, где сходится с представителями братства голландских и фламандских художников, работавших в городе., носившей название «Bentvleughels» и остается там до 1694 года, перенимая традиции и манеры римской школы.В 1689 году к Питеру приехал его младший брат Ян Франс, совместно с которым, в поисках сюжетов, он неоднократно предпринимал поездки по Италии, в частности в Турин.

Блумен писал пейзажи и архитектурные виды с фигурами людей и лошадей, а также батальные сцены и сцены из солдатской жизни. В 1699 – декан-председатель Гильдии Святого Луки в Антверпене. Он также был учителем своего младшего брата Яна Франса ван Блумена, известного живописца, автора многих классических пейзажей.Питер ван Блумен скончался 6 марта 1720 года. Другой его младший брат Hopберт ван Блумен также посвятил свою жизнь живописи.

Популярность среди коллекционеров-аристократов, которые высоко ценили его работы за воплощение сцен войны и охоты, подтверждается еще и тем, что в одной только галерее Alte Pinakothek («Старая пинакотека») в Мюнхене представлено восемь его работ.

Картины Ван Блумена можно найти почти во всех королевских коллекциях Европы.Представлен в музеях Дрездена, Эдинбурга, Франкфурта на Майне, Граца, Ганновера, Петербурга (Государственный Эрмитаж), Мадрида, Москвы (ГМИИ им. Пушкина), Нью Йорка, Осло, Праги, Стокгольма, Штутгарта, Вены.
Среди работ Питера ван Блумена – пейзажи с людьми и животными, военные и жанровые сцены с лагерями, отдыхающими путешественниками и ярмарками… Его талант ярче всего проявился в изображении животных. Период его жизни и работы в Италии был самым успешным в его карьере и сильно повлиял на всё творчество художника. К особенностям стиля ван Блумена можно отнести тщательно сгруппированные и проработанные «натюрморты» с животными, открытые «итальянские» пейзажи, обычно с одним или несколькими памятниками для придания «римской» атмосферы и очень выразительный цвет костюмов людей, контрастирующий с более мрачными серыми и коричневыми тонами стад и руин. За пристрастие к изображению блестящих, но близких по композиционному построению ландшафтов ван Блумен получил прозвище ‘‘Lo Standardo”.
Картины художника можно было встретить во многих крупных музеях Европы. Одна из них, «Манежная езда на открытом воздухе», была выставлена в столице Российской империи городе Санкт-Петербурге в Императорском Эрмитаже. Ван Блумен был особенно известен своими игривыми жанровыми сценками и композициями с группами людей и животных. Эрмитажная работа Манеж на Открытом Воздухе демонстрирует его навык; здесь группы людей и животных на фоне итальянизированного пейзажа окружают неспокойную лошадь.

Питер ван Блумен провел большую часть своей творческой жизни в Риме. Город оказал значительное влияние на развитие его творчества. В конце концов, он вернулся в Антверпен в 1690-е годы, где стал деканом Гильдии Святого Луки. Он обучал своего младшего брата Яна Франса ван Блумена (1662 – 1749), высоко чтимого классицистического пейзажиста. Братья много путешествовали вместе, часто работая в соавторстве. Питер брал роль стаффажиста в картинах брата, и писал стаффажи не только в картинах брата.

Несмотря на то, что Блумен создал огромное количество пейзажей, военных, жанровых и исторических сцен, лучше всего этот талантливый художник писал животных.

Его прозвище, данное ему братством голландских и фламандских художников, работавших в Риме, очевидно, ссылается на его привычку изображать штандарты и флаги в сценах с солдатами.

Бовер Анник/Annick Bouvier(Современная живопись)

1964–…

Никто лучше не понимает внутренний мир женщины, чем другая женщина.

На картинах французской художницы Анник Бовер (Annick Bouvier) героини всегда красивы, загадочны и непостоянны.

Их позы естественны, их движения – привычны, но именно это помогает раскрыть их характер и чувства, которые они испытывают в настоящий момент.

При этом в них остается какая-то неразгаданная тайна, что-то мешает понять их полностью, остается ощущение недосказанности и появляется желание узнать больше об этих прекрасных женщинах.

Но так ли просто проникнуть в душу женщины и узнать ее всю, без остатка?

Да и надо ли это делать? Не исчезнет ли то очарование, которое так в ней привлекает? Анник Бовер уверена, что познать женщину полностью невозможно, и пытаться это делать – значит, напрасно тратить свое время.

Художница Annick Bouvier родилась в 1964 году в Nevers, France.

Ее отец, врач-педиатр и любитель искусства, привил ей с самого раннего дества вкус к живописи.

В 1982 году закончил школу искусств, она отказывается от семейной традиции медицинского исследования с целью поступить в школы моды «Berçot — Marie Rucki», где в течение двух лет, Annick Bouvier прошла обучение в качестве стилиста.

Ее творения, сделанные в Париже и Вилла Медичи (Рим), получают высокую оценку среди профессионалов и являются предметом многочисленных публикаций в прессе.

Однако, Annick Bouvier пошла дальше, чем модные показы и направила свою деятельность в сферу кино и рекламы.

Художник по костюмам, она часто работает в студии Cinecitta в Риме.Ее пребывание в Италии, помогает ей оттачивать свой вкус на цветовых тонах — теплых, чувственных, глубоких: солнечной охры, глухого красного, интенсивный блюз, глубокая зелень.

В начале 1990 года Annick Bouvier решила посвятить себя исключительно живописи.

После двух лет самостоятельного изучения искусства живописи Annick Bouvier становится студенткой с 1992 по 1996 год в

классе художника Pierre Ramel и ученицей мастера маслянной живописи Mac’Avoy.

Annick Bouvier рисует в онсовном женщин, которые одни или вместе, находятся в почти пустой квартире со скудной мебелью, но они все чудесно смотрятся на фоне света и тени.

Красивые, молодые, они живут своей жизнью, очень женственные, безложной скромности и равнодушные к постороннему взгляду, но каждая из них имеет свою историю, которая для зрителя остается недосказанной.

Ее очень привлекает работа с цветом, игра света и тени, потому все ее картины наполнены теплыми тонами, которые не режут глаз своей яркостью, а смотрятся очень мягко и органично, именно так как это необходимо для того, чтобы придать как можно больше женственности главным героиням ее произведений.

Удивительная красота и энергетика молодости, наполняющая ее картины, притягивают к ним взгляд и заставляют возвращаться к ним вновь и вновь в надежде все-таки понять загадочную душу Женщины.

Бодаревский, Николай Корнилиевич(Портрет, жанр)

1850–1921

Бодаревский Николай Корнилиевич (24 ноября [6 декабря] 1850, Одесса — 1921, Одесса) — российский живописец, портретист, академик Императорской Академии художеств, член Товарищества передвижных художественных выставок.
Биография:

Родился в Одессе, в дворянской семье.

Закончил рисовальную школу Одесского товарищества поощрения изящных искусств, находившейся в ведении Императорской Академии художеств.

С 1869 по 1873 год учился в Императорской Академии художеств в классе исторической живописи П. М. Шамшина, Т. А. Неффа, В. П. Верещагина.

Во время учебы в 1871 году получил четыре серебряные медали: две малые и две большие медали Академии «За успех в рисовании», в 1873 две малые золотые за картину «Давид играет на гуслях перед Саулом».

В 1875 году Бодаревскому Академией присвоено звание классного художника 1-й степени за картину «Апостол Павел объясняет догматы веры перед царём Агриппой».

С 1880 года по 1918 год экспонент Товарищества передвижных художественных выставок. С 1884 года член Товарищества.

В 1908 году художнику присвоено звание академика Императорской Академии художеств.

Умер Бодаревский в 1921 году и был похоронен на первом (старом) городском кладбище Одессы.

Могила художника не сохранилась.

В 1934 году кладбище было закрыто, а в 1935 вместе с храмом «Во имя всех святых» было снесено.

На месте кладбища был открыт парк культуры и отдыха имени Ильича (ныне парк «Преображенский»).

Кладбище, на котором помимо художника были похоронены многие известные жители Одессы — младший брат А. С. Пушкина Лев Сергеевич, актриса Вера Холодная, руководитель обороны Одессы генерал-адъютант Д. Е. Остен-Сакен, герой русско-турецкой войны генерал Ф. Ф. Радецкий, было полностью уничтожено.

Творчество художника:

Наряду с В. М. Васнецовым, М. В. Нестеровым, А. П. Рябушкиным, Н. Н. Харламовым и другими живописцами, Бодаревский участвовал в создании художественного убранства Храма Воскресения Христова (Спаса на Крови).

По живописным эскизам художника созданы 16 мозаик: «Святой Владимир», «Святая Мария Магдалина», «Святая Царица Александра», «Николай Чудотворец», «Богоматерь с двумя ангелами», «Архидьякон Лаврентий», «Господь Эммануил», «Святой Архидьякон Стефан», два серафима и четыре архангела (мозаики иконостасов), а также «Предательство Иуды» и «Христос перед Пилатом» (мозаики юго-западного пилона).

В 1889 году директор и главный вдохновитель строительства Большого зала Московской государственной консерватории Василий Ильич Сафонов лично заказал у академика живописи

Бодаревского четырнадцать портретов выдающихся композиторов, для украшения Большого концертного зала на 1700 мест.

К открытию Большого зала в марте 1901 года, картины были закончены Бодаревским и установлены на свои места.

Овальные лепные рамы к картинам были исполнены А. А. Аладьиным.

В 1953 году портреты Мендельсона, Гайдна, Глюка и Генделя были сняты и заменены на портреты Римского-Корсакова, Мусоргского,

Даргомыжского и Шопена работы художников М. А. Суздальцева и Н. П. Мещанинова.

В 1999 году портреты Мендельсона и Гайдна были случайно обнаружены комендантом Большого зала консерватории.

Картины были отреставрированы и установлены у центрального входа в партер.

В 2008 году под портретами устанолены мраморные доски.

Местонахождение портретов Глюка и Генделя работы Бодаревского неизвестно.

Боль, Фердинанд Балтасарс

1616–1680

Фердинанд Боль (нидерл. Ferdinand Bol) (24 июня 1616 г., Дордрехт — 24 августа 1680 г., Амстердам) — голландский художник, гравёр и рисовальщик.

Родился в Дордрехте, его отец Балтазар Бол был хирургом. Фердинанд Бол был первым учеником Cuypа Иакова в своем родном городе и Авраама Bloemaert в Утрехте. С 1631 по 1637 г. состоял в учениках Рембрандта. Многие его картины в XIX веке ошибочно приписывались его наставнику. 1641 году у Бола была собственная студия. В 1652 году стал горожанином Амстердама, а в 1653 году женился на Элизабет Делл, чей отец занимал должность в Адмиралтействе Амстердама и вино купеческой гильдии. В 1655 году он стал главой гильдии. К этому времени Бол стал известным и успешным художником. Годфри Кнеллер стал его первым учеником.

В 1660 году его первая жена умерла. В 1669 году он женился вновь на Анне ван Аркел, вдове казначея Адмиралтейства. В 1672 году пара переехала в Keizersgracht. Бол служил губернатором в Доме для прокаженных. В 1660-е гг. был известным художником, но после 1669 г. потерял былую популярность.

Умер в Амстердаме, в его честь названа улица Ferdinand Bolstraat. Его наиболее известные картины: портрет Элизабет Бас (жены военно-морского офицера Йоахим Swartenhondt) и трактирщика возле плотины. Эти многие другие его картины в 19 веке ошибочно относили к работам Рембрандта.

Больдини Джованни

1842–1931

Джованни (Boldini, Giovanni) 1842, Феррара — 1931, Париж. Итальянский живописец и рисовальщик, один из крупных мастеров искусства Италии второй половины XIX — первой трети XX в., снискавший признание во Франции, где он провел значительный период своей жизни (1873—1931). Больдини порой соотечественники с иронией называли «парижский Больдини», но он всегда оставался художником-итальянцем, последователем великой живописной культуры Италии.

 В творчестве художника нашли выражение многие характерные тенденции культуры и искусства страны рубежа двух столетий — формирование веризма, интерес к новейшим европейским художественным направлениям, центром которых был Париж. В отличие от своих современников — великого итальянского драматурга Луиджи Пиранделло и философа и эстетика Бенедетто Кроче — Больдини не стремился искать трагическое в жизни, не углублялся в процесс интуитивного познания человеком действительности. Его всегда увлекала сама жизнь, но он искал и находил в ней только красивое. В этом заключалась его определенная эстетическая позиция.

У него был свой круг излюбленных сюжетов. Его живописные произведения — портреты, пейзажи Италии и Франции, натюрморты, рисунки, акварели, гуаши — эффектны, декоративны, как-то по-особому элегантны по композиционному построению и цветовому строю. Они несут отпечаток артистичной манеры исполнения Джованни Больдини, как многие талантливые мастера его эпохи, открытого для познания всего нового, но пронесшего через всю жизнь глубокое уважение к национальной живописной традиции. Больдини родился в Ферраре в семье художника Антонио Больдини, ученика известного живописца и рисовальщика Т. Минарди. Отец писал главным образом картины на религиозные сюжеты и занимался реставрацией полотен старых мастеров.

Работая в большой мастерской отца, Больдини выполнял копии с картин Джотто, Мантеньи, Гварди. Он рано начал рисовать и первый автопортрет исполнил в 7-летнем возрасте. Полезными для него оказались уроки у местного живописца Дж. Доменикини, последователя известного флорентийского мастера Дж. Беццуолли. Начав самостоятельно зарабатывать на жизнь, исполнял портреты сверстников и уже в десять лет имел заказы от посетителей мастерской отца. В 1862 после смерти своего дяди-каноника, от которого получил небольшое состояние, Больдини решил продолжить художественное образование во Флоренции.

В этом же году он покинул Феррару и переехал в Тоскану, где поначалу работал в мастерской портретиста М. Гордиджани. Ранние картины — Автопортрет в четырнадцать лет (ок. 1856), Двор родительского дома (ок. 1855, обе — Феррара, Музей Больдини) исполнены в традиции Доменикини и Гордиджани, правдивы в передаче натуры, неярки по колориту. Во Флоренции, ставшей в 1865—1875 столицей Италии, Больдини сблизился с кругом молодых живописцев, создавших художественно-выставочное объединение «Школа маккьяйоли». Желая обновить старую академическую традицию, съехавшиеся из разных провинций Италии мастера обратились к живописи на пленэре, стали писать пятнами чистого цвета, сделали содержанием своих произведений современную действительность.

События Рисорджименто, участниками которых они являлись, были для «маккьяйоли» недавним прошлым. Полотна Больдини — Диего Мартелли (1865—1866), Автопортрет в мастерской (1866, оба — Флоренция, галерея Питти), Джованни Фаттори (1866—1867, Милан, Коммерческий банк), Портрет Кристиано Банти со своей собакой (1866, Флоренция, галерея Питти) — написаны в живописной манере тосканских мастеров. Передавая моменты бытия природы и человека, портреты своих друзей, Больдини, как и все «маккьяйоли», стремился создавать «искусство честное, простое, а не искусство ради моды», отвергая «искусство напыщенной лжи». В картине Быки в Маремме (1867, частное собрание), написанной в окрестностях Ливорно, колоритно выглядят фигуры двух белых стражей Тосканской низменности, впряженных в крестьянскую тележку.

Картина сельского пейзажа Мареммы по-веристски правдива, ее пейзаж согрет теплом человеческого присутствия. Во флорентийский период была исполнена и роспись четырех стен одной из парадных комнат первого этажа виллы Фальконьера, расположенной в окрестностях Пистойи и принадлежавшей покровителю Больдини — Вальтеру Фальконье. Больдини написал здесь четыре композиции с изображением стогов сена в поле, прачек, стирающих в реке белье, марины и пейзажа с апельсиновыми деревьями и пальмами. Исполненные пятнами светлых чистых цветов, росписи передают особый колорит пейзажей «маккьяйоли», их вертикально или горизонтально вытянутая конфигурация вызвана желанием передать глубину пейзажного пространства, достичь слитности фигур и фона.

В Тоскане, в кругу мастеров «Школы маккьяйоли», сформировались эстетические взгляды Больдини, его собственное отношение к творчеству, выработалась его высокая живописная культура. В 1875 единство мастеров «маккьяйоли» было нарушено отъездом четырех из них (Дж. Больдини, Дж. Де Ниттиса, В. Д’Анкона, Ф. Дзандоменеги) в Париж, который всегда оставался для итальянцев центром европейской художественной жизни. В творчестве новоявленных парижан вскоре появились новые веяния, которые их оставшиеся в Италии товарищи восприняли негативно. В 1867 Больдини впервые побывал во Франции, где познакомился с Дега, Мане, Сислеем, оценил живопись Коро; в том же году с В. Фальконье побывал в Мюнхене, где на него большое впечатление произвела живопись А. Менцеля.По-видимому, в Мюнхене был написан Портрет испанского генерала Эстебан-Хосе-Андре де Сераваль Ассерто (1867, Виченца, частное собрание), в котором сказались уроки увиденной живописи старых мастеров, восхищение палитрой Веласкеса.

В 1870 состоялась поездка художника в Лондон, где покровителем Больдини У. Корнваллис-Уэстом была предоставлена мастерская в Гайд-парке и где он познакомился с произведениями Ф. Лейтона, Л. Алма-Тадемы, Дж. Уистлера и Дж. Сарждента, увидел работы прерафаэлитов, которые не понравились ему своим натурализмом и отвлеченными от реальности сюжетами. Для себя он выделил искусство Уистлера и Сарджента, ставших его друзьями. Больдини легко влился в русло парижской художественной жизни; с 1874 он постоянно выставлялся в Салоне на Марсовом поле. Подобно импрессионистам пытался передавать жизнь в движении, в динамическом развитии; писал элегантную публику, движущиеся омнибусы, экипажи, амазонок в аллеях Булонского леса, виды оживленных улиц и площадей, парижан, беседующих в кафе или выходящих с балов-концертов (Балерина в платье цвета мальвы, 1854, частное собрание; Прогулка в парке, ок. 1884, Неаполь, Нац. музей и галереи Каподимонте; Пляс Клиши, 1874, Виченца, собрание Мардзотто; Сена в Буживале, ок. 1873, Феррара, Музей Больдини).

Хотя работы Больдини покупал известный маршан Гупиль для своей галереи и они нравились публике, критика не всегда была справедлива к нему. Она обвиняла его в неудачных подражаниях импрессионистам, специально расхваливая работы тоже талантливого Дж. Де Ниттиса как национально-самобытного мастера, называя Больдини «последователем Э. Мейсонье и М. Фортуни», хотя художник всегда презирал слащавость и сентиментальность. В 1876, побывав в Голландии и Германии, Больдини увлекся живописью А. Менцеля и Ф. Халса. В том же году был написан Портрет Адольфа Менцеля (Берлин, Гос. музеи) и полотно Пышные похороны (ок. 1895, Феррара, Музей Больдини).

В 1897 и 1899 вместе с Дега Больдини совершил поездки в Испанию. Как воспоминание о них в его живописи и акварелях появился образ испанской танцовщицы Аниты де Феерия, выступавшей в кафе-концертах Монмартра (Испанский танец в Мулен-Руж, 1905, Милан, собрание Гуэти). Больдини всегда стремился передать внутреннюю динамику образов через пластику движения, при помощи неординарных композиционных решений, цвета, что сближало его с поисками Дега.

Жанровая мотивация служит тонким камертоном к созданию портретного образа, внутренний мир модели раскрывается через характер движения (Мужчина в цилиндре, ок. 1890, Феррара, Музей Больдини; Директор оркестра Э. Муцио за пюпитром, 1882, Милан, Ла Скала). Каждый портрет обретает характер «мотива», тонко выражающего определенное настроение в состоянии модели и художника. В натюрмортах Бюст кардинала Бернини в мастерской художника (ок. 1895), Уголок стола художника (ок. 1897, оба — Феррара, Музей Больдини), Яблоки кальвиль (1908, Пистойя, собрание Больдини) тонко передано распределение цветных теней и световых бликов на поверхности предметов, выявлена пластика каждого и акцентировано пластическое единство всей композиции. В 1870—1890-е восприятие окружающего мира обретает в произведениях Больдини все большую эмоциональность, наблюдения природы и человека становятся более избирательными и острыми.

Важную роль в его творчестве играл рисунок, работа в акварели и пастели, в которых он тоже стремился передать тончайшие нюансы настроения в определенные моменты жизни природы и человека (Пляж и лодки в Этрета, ок. 1878, Феррара, Музей Больдини; Тополя вдоль берега реки, 1905, частное собрание; Розы в саксонской вазе, 1905, частное собрание). В 1890 — начале 1900-х были созданы портреты известных людей его эпохи: Портрет Джузеппе Верди (1893, Рим, Нац. галерея современного искусства), Портрет Руджеро Леонкавалло (1906, частное собрание), Портрет Лины Кавальери (1901, собрание Ротшильд), Портрет Джеймса Уистлера (1897, Нью-Йорк, Бруклинский музей), Автопортрет в Монторсоли (1892, Флоренция, галерея Уффици), портрет друга Больдини, карикатуриста Жоржа Гурса (Портрет Сэма, 1901, частное собрание).

От Уистлера Больдини воспринял тип портрета-панно, в котором фигуры дам и денди уподоблены китайским вазам удлиненной формы — «ланге лизен», как их называли в Европе (Белая пастель, 1888, Милан, Галерея современного искусства; Мадемуазель Лантельм, 1907, Рим, Нац. галерея современного искусства; Портрет графа Робера де Монтескье, 1897, Париж, музей Орсе). Наряду с этими элегантными портретами-панно художник продолжил писать и образы более камерного характера (Шотландское платье, ок. 1906, частное собрание; Задумавшаяся девочка, 1906, частное собрание). В темной гамме Халса, с разработкой оттенков черного цвета и в позе одного из кавалеров, изображенных этим голландским художником, написан Автопортрет в 69 лет (1911, Феррара, Музей Больдини). В нем, как и в Автопортрете в Монторсоли, проявилось блестящее дарование Больдини-портретиста, умевшего по-веристски правдиво рассказать о характере и судьбе человека.

В 1910-е художник находился в смятенном состоянии духа от событий, происходивших в Италии, где царили шовинистические милитаристские настроения, начинала формироваться идеология фашистов, вскоре пришедших к власти на его родине. По этой причине Больдини не мог возвратиться в Италию, хотя мечтал о создании там музея, экспозиции своих работ, тяжело переживал разрушение памятников архитектуры во Флоренции, Ферраре, Венеции в годы Первой мировой войны. Обращение к пейзажу было в этот период своего рода устранением от действительности. Он словно вновь открыл для себя особую поэзию видов Венеции (Сан Марко в Венеции, 1907, частное собрание; Гондолы в Венеции, 1908—1910, Феррара, Музей Больдини), красоту пригородов Парижа (Окраина Парижа, 1900, частное собрание).

Образ Джованни Больдини запечатлен в бронзовом бюсте работы его друга, талантливого неаполитанского скульптора В. Джемито. Он установлен около палаццо Диаманти в Ферраре, которое стало музеем ренессансного искусства и где особый отдел посвящен творчеству Больдини. Мечту художника о создании музея своих работ осуществила его жена, журналистка Э. Кардона, которая также организовала Музей Больдини в Пистойе, на вилле Фальконьера. Творчество Больдини глубоко и самобытно отразило яркий период развития искусства Италии рубежа XIX—XX вв., оно всегда было связано с прошлым и будущим искусства Италии и вошло в сокровищницу мирового художественного наследия.

Боннар Пьер (Pierre Bonnard)

1867-1947

Пьер Боннар (Pierre Bonnard) 1867-1947

Французский художник, график, лидер группы «Наби»

Родился 3 октября 1867 г. Фонтенэ-о-Роз, возле Парижа.

В 1888 г. Боннар проходил обучение в Школе изящных искусств, где была образована группа «Наби» (от еврейского nebiim (пророки)), объединявшая молодых художников, искавших новые горизонты в искусстве. Кроме Боннара, в группу вошли – Денни, Серюзье, Руссель, Вюйар и др.

По примеру первого поколения импрессионистов, члены группы, восхищаясь искусством японской гравюры, стремились к упрощению живописи, работая плоскостями чистого цвета.

В 1891 году Боннар начал выставлять свои картины в Салоне Независимых и в галерее Le Barc де Boutteville. В тот период творчество художника чрезвычайно разнообразно. Он рисует афиши и эскизы мебели, расписывает ширмы и театральные декорации, иллюстрирует книги и альбомы, работает над эстампами и литографиями. Первая персональная выставка Боннара была проведена Дюран-Рюэлем в 1896 году. В ранней живописи Боннара отражено влияние признанных мастеров импрессионистов – Гогена, Сезанна, Мане, Дега.

Позднее Боннар отходит от резко очерченных контуров и цветовых контрастов. Он приходит к живописи, основанной на тончайших сочетаниях цветовой гаммы. Его картины напоминают скорее персидские ковры или китайские ткани.

Основные темы его работ – интерьеры, пейзажи, небольшие уличные и бытовые сценки, за которые Боннара часто относят ко второму поколению импрессионистов, позднее названных «интимистами».

Примерно к 1908 году период «интимизма» был завершен. Художник вновь все больше обращается к пейзажной живописи, его палитра еще более насыщенна и изыскана.

В 1930х-1940х годах художник обосновался в своем доме в Канне. Он по-прежнему много и плодотворно работает, часто возвращаясь к своей любимой теме – «ню»

Умер художник в 1947, в Ле-Каннэ.

Пьера Боннара называют одним из самых тонких мастеров и величайших колористов своего времени

Бонёр Роза(Marie Rosalie Bonheur)

1822—1899

Роза Бонёр (фр. Rosa Bonheur, полное имя Marie Rosalie Bonheur, 1822—1899) — французская художница-анималист.

Жизнь и творчество:
Роза Бонёр является одним из крупнейших художников-анималистов.

В становлении Розы как мастера живописи огромную помощь оказал её отец, Раймон Бонёр, художник-пейзажист и мастер рисунка.

Он же был её первым и единственным учителем.

По своим политическим убеждениям Раймон Бонёр был социалистом, сторонником равноправия полов и женской эмансипации, поэтому охотно помогал дочери во всех её начинаниях.

С юности художница определилась в том, что изображения животных станет определяющей темой в её творчестве.

Роза Бонёр была профессиональной художницей, что для XIX столетия было редким явлением (женщина-профессионал).

Впервые Роза выставляет два своих полотна с изображениями животных в 1841 году в Бордо.

В 1848 она выставляет в Парижском салоне картину «Стадо коров», в 1849 — полотно «Пашущие волы» (ныне хранится в парижском Люксембургском дворце).

В 1853 году главной сенсацией салона стала картина Бонёр «Ярмарка лошадей» (в нью-йоркском Метрополитен-музее).

Это полотно купил американский миллионер Корнелиус Вандербильт, пожертвовавший его затем нью-йоркскому музею.

Изображения животных, созданные кистью Розы Бонёр, практически безупречны.

Особой любовью и спросом её произведения пользовались в Англии.

Роза была лесбиянкой и открыто жила вместе со своими «подругами», что давало почву для различных скандальных слухов.

Похоронена в Париже на кладбище Пер-Лашез.

Боррель дель Касо Перес/Pere Borrell del Caso

1835–1910

Перес Боррель дель Касо (исп. Pere Borrell del Caso, род. 13 декабря 1835г. Пучсерда — ум. 16 мая 1910г. Барселона) — испанский и каталонский художник, график и акварелист,известный своей картиной «Побег от критики» (Escapando de la crítica, 1874).

Перес родился в городке Пучсерда (Puigcerdà), который находится в провинции Жирона, на севере Испании, и граничит с территорией Франции. Дата, указанная, как дата рождения, является днем его крещения.

Мальчик родился в семье простого плотника и лесничего Франческо Боррелль е Боррелля, который в 1849 году был убит патрульным во время восстания матинерсов.

Отец научил Переса плотницкому ремеслу, что помогло юноше начать самостоятельную жизнь. В 1856 году Боррель покинул родную Каталонию и перебрался в Барселону, где начал работать плотником, изготовляя сундуки и ящики. Нигде в биографиях художника не пишется, когда у него проснулся интерес к искусству и живописи.

Но в Барселоне Перес решил стать художником и начал посещать студию в известной Школе изящных искусств Ллотья.
Чтобы получить начальное художественное образование и платить за посещение студии, юноша продолжал работать плотником.

В 1863 году он был зачислен в Академию художеств в Барселоне, куда обычно поступали выпускники Школы Лотья.
Боррель изначально начал дистанцироваться от романтизма, который доминировал в образовательной программе Академии.

Молодой художник отверг идеализацию и неискренность, присущие романтизму, и выбрал в качестве своего «направления» реализм. Претило студенту и постоянное выполнение копий гипсовых скульптур, которое было включено в учебную программу.
Неприятие официальной программы обучения художников, критика существующего господства романтических традиций привели к тому, что в 1868 году Боррель вместе с каталонским художником-реалистом Рамоном Марти е Альсина основал частную Академию.

Здесь студентам предлагалась, прежде всего, работа на пленэре, очень редкое явление в те дни.

В мае 1873 года Перес женился в Барселоне на Терезе Пла Вилалонга (Teresa Pla Villalonga), которая была студенткой Переса в колледже в Жироне, где художник служил преподавателем рисования до основания своей Академии.

Тереза родила художнику десять детей, четверо из которых – Мария (Maria Borrell), Рамон (Ramon Borrell, 1876 — 1963), Хулио (Julio Borrell, 1877-1957) и Сальвадор (Salvador Borrell, ?-1912) – стали художниками.

В 1874 году Перес Боррель написал картину «Побег от критики» (Escapando de la crítica), благодаря которой он стал известен во всем мире. Эта работа – яркий пример росписи-обманки, которая размывает границы между реальным и фиктивным пространством.

Название этого жанра живописи пошло от французского слова «trompe l’oeil», что обозначает буквально «обманывает глаз». Термин «роспись-обманка» возник в эпоху барокко, хотя картины, основанные на визуальных оптических иллюзиях, известны в течение многих веков.

Заслугой Борреля перед искусством Испании является и то, что в 1897 году вместе с художником Франческо Гуаш (Francesc Guasch, 1861- 1923) он основал в Барселоне «Общество изящных искусств», которое было официально утверждено.

В этом же году ректор барселонского университета Мануэль Дюран е Бас (Manuel Durán y Bas, 29 ноября 1823 – 10 февраля 1907) предложил Боррелю должность профессора в своем заведении.

В следующем году с предложением возглавить кафедру к художнику обратился директор Школы изящных искусств Лотья Антонио Каба (Antoni Caba i Casamitjana, 1838 — 1907). Но оба раза Перес отклонил предложения в пользу своей независимой Академии.
Его собственная творческая деятельность в начале ХХ века отошла на второй план, все свободное время художник отдавал педагогике и преподаванию.

Академия Борреля изначально находилась на площади Санта Лючия, 28 октября 1878 года учреждение арендовало здание на улице Парадис (смешное название – Райская улица!). Отсюда живописец и ушел в отставку в октябре 1902 года, отдав Академии тридцать лет творческой жизни.

Причиной выхода на пенсию стал инсульт (его еще называют апоплексический удар или кровоизлияние в мозг), случившийся еще в 1900 году. Поэтому художнику пришлось отказаться от деятельности в Академии и передать бразды правления своим детям. 1 мая 1907 года Академия еще раз переехала на улицу Пальма де Сан Джусто и находилась там до смерти в 1912 году Сальвадора Борреля, сына художника, который руководил в тот период Академией. О дальнейшей судьбе Академии информации я не нашел.

Учениками Борреля, выпускниками его Академии, были литограф Рамон Рибера (Romà Ribera, 1849-1935), художники Рикардо Каналь (Ricard Canals, 1876 — 1931), Ксавьер Ногуэс (Xavier Nogués, 1873 — 1940), Мариано Пиделасерра (Mariano Pidelaserra i Brias, 1877 — 1946), Хосе Мария Серт е Бадиа (Josep Maria Sert i Badia, 21 декабря 1874 – 27 ноября 1945), Перес Йесерн (Pere Ysern i Alié, 1875-1946), Эмилио Фонтбона (Emili Fontbona i Ventosa, 1879 -1938) и другие.

С 1912 года в Академии учился потом всемирно известный художник и скульптор Хоан (Жоан) Миро (Joan Miró i Ferrà, 20 апреля 1893 — 25 декабря 1983).
Перес Боррель дель Касо умер в Барселоне 16 мая 1910 года в возрасте 75 лет.

В записной художника был обнаружен подробный перечень работ, написанный в течение двадцати семи лет. Поэтому известно, что с 1873 по 1900 год Боррель написал 330 картин, из них – 189 портретов, 62 картины на религиозные темы, 21 пейзаж и т.д.

Борион Бернар Луи/BORIONE Bernard Louis

1865–1920

Bernard Louis Borione , 1865 – 1920. Французский художник. Родился в Париже. Учился у своего отца – жанриста и портретиста Ж.-М. Бориона, а также у знаменитого мастера академической живописи Эвариста Виталя Люмине.

Вся жизнь художника прошла в Париже, где он в 1911 – 1920 годах демонстрировал свои работы на Салоне.

Борион был известен как живописец, акварелист, иллюстратор.В 1889 иллюстрировал роман Э. Золя «Земля».

Он работал преимущественно в портретном и бытовом жанре, причем нередко обращался к теме домашнего музицирования, запечатлевая за этим занятием даже сильных мира сего, к примеру, Людовика XV за игрой на мандолине.

Еще одна область сюжетных интересов художника – сцены с изображением высокопоставленных клириков.

Жанровые произведения Бориона часто окрашены легким юмором.

С 1911 постоянный участник парижских салонов. Жил и работал в Париже. Автор многочисленных произведений масляной живописи и акварелей. Прославился как выдающийся мастер светских сцен XVIII в.

Борисов-Мусатов Виктор

1853-1902

Русский художник-импрессионист

Родился 2 апреля 1870 года в Саратове. Интерес к рисованию мальчик стал проявлять в самом раннем возрасте. Серьезное влияние на формирование характера Виктора оказала трагедия, которая произошла в детстве. Мальчик упал со скамейки и получил серьезную травму, сказывавшуюся на его здоровье в течение всей жизни. Вероятно, именно с этим связана некоторая замкнутость и мечтательность, присущая Борисову-Мусатову.

В 1884 году Виктор поступает в реальное училище в Саратове. Учителя замечают незаурядные художественные способности юноши. Первые навыки рисунка он получает от В.В. Коновалова, преподавателя училища. Одной из ранних картин художника, написанных в эти годы, стало полотно «Окно». Оставив училище, Борисов-Мусатов начинает всерьез заниматься живописью.

Борисов-Мусатов поступает на занятия в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а позднее – в Академию художеств в Санкт-Петербурге. Параллельно начинающий художник пополняет свои знания, посещая мастерскую П.П. Чистякова. В 1885 году Борисов-Мусатов отправляется в Париж. Эта поездка стала важным событием в его жизни. Он изучал достижения французского искусства, знакомился с работами французских мастеров, занимался в мастерской Ф. Кормона.

Здесь же, во Франции, Борисов-Мусатов особенно увлекся идеями импрессионизма. Это отразилось на картине «Автопортрет с сестрой», написанной в 1898 году. В ней реальный мир изображен как воспоминание о прошлом. В полотне отразилось и стремление к использованию сине-зеленого колорита и вообще некоторой декоративности.

В 1901 году художник пишет картину «Весна», с которой начался новый этап в его творчестве. Это полотно акцентирует внимание зрителя не на каком-либо действии, а на цвете, музыкальности линий. Главное достоинство этой работы – совершенная гармония. В 1902 году Борисов-Мусатов создает работу «Водоем», которая становится вершиной его творчества.

В 1903 году Борисов-Мусатов женился на Елене Александровой. Эта женщина занимала важное место в жизни художника, ее он нередко изображал на своих полотнах. В 1904 году Борисов-Мусатов с семьей перебирается в Подольск. С этого момента он становится активным участником художественной жизни, сходится с литераторами-символистами, общается с молодыми художниками. Борисов-Мусатов продолжает активно заниматься и творческой работой. Свое последнее произведение «Реквием» он пишет в 1905 году.

Художник умер 26 октября 1905 года в Тарусе.

Босбум  Йоханнес (Bosboom Johannes)

1817–1891

Johannes Bosboom (1817/1891гг)- голландский живописец и акварелист.
Мастерски изображал интерьер церкви в стиле импрессионистов, что сделало его одним из наиболее значительных европейских художников в этом жанре.
Его учителями были Bart van Hove и Wijnand Nuijen. В 1835 году совершил поездку в Германию.

Был женат на писательнице Anna Louisa Geertruida Bosboom-Toussaint .В 1837 году он посетил Антверпен, в 1838 году Париж. Большую часть своей жизни жил и работал в Нидерландах.В 1856 году Johannes Bosboom был посвящен в рыцари Ордена Леопольда

Был знаменит интерьерами храмов, церквей и иногда он делал интерьеры больших светских холлов.

Очень известен его пейзаж Парижской пристани в Руане с готической громадой Руанского Собора.

Одна из известных работ Иоханнеса Босбума Церковь Петра в Лейдене, где он показывает пространства интерьера церкви. У него была вполне самостоятельная техника и им самим же наработанные приёмы.
Поэтому он так удачно показывал ПРОСТРАНСТВО интерьера и передавал ощущение воздуха в этом пространстве.

Этот человек был не без талантов. Но у него была достаточно узкая специализация, а с другой стороны ничего не живёт вечно.Дело в том, что к концу жизни Босбума в Голландии уже сильно развивался импрессионизм и шло развитие постимпрессионизма.Происходила естественная смена поколений и стилей.

Хотя Гаагская школа (направление искусства в Гааге) включала в себя немало талантов, но Босбум был одним из ведущих художников этой школы.

Босх Иеронимус

1450–1516

Еру́н Анто́нисон ван А́кен (нидерл. Jeroen Anthoniszoon van Aken [jəˈrun ɑnˈtoːnɪˌsoːn vɑn ˈaːkə(n)]), более известный как Иеро́ним Босх[1] (нидерл. Jheronimus Bosch [ˌɦijeˈroːnimʏs ˈbɔs], лат. Hieronymus Bosch; около 1450—1516) — нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, считается одним из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. В родном городе Босха — Хертогенбосе — открыт центр творчества Босха, в котором представлены копии его произведений.

Ерун ван Акен родился около 1453 г. в Хертогенбосе (Брабант). Семья ван Акенов, происходившая из немецкого города Ахена, была издавна связана с живописным ремеслом — художниками были Ян ван Акен (дед Босха) и четверо из его пяти сыновей, включая отца Иеронима, Антония. Поскольку о становлении Босха как художника ничего не известно, предполагается, что первые уроки живописного ремесла он получил в семейной мастерской.

Мастерская ван Акенов выполняла самые разнообразные заказы — в первую очередь, это стенные росписи, но также золочение деревянной скульптуры и даже изготовление церковной утвари. Так что «Хиеронимус-живописец», как он впервые упомянут в документе 1480 г., взял псевдоним по сокращённому названию своего родного города (Den Bosch), видимо, из необходимости как-то обособиться от прочих представителей своего рода.

Босх жил и работал преимущественно в родном Хертогенбосе, который в те времена входил в состав Бургундского герцогства, а сейчас является административным центром провинции Северный Брабант в Нидерландах. В соответствии со сведениями о жизни художника, сохранившимися в городском архиве, в 1478 г. умер его отец, и Босх унаследовал его художественную мастерскую. Он вступил в Братство Богоматери («Zoete Lieve Vrouw») — религиозное общество, возникшее в Хертогенбосе в 1318 г. и состоявшее как из монахов, так и мирян.

Братство, посвящённое культу Девы Марии, занималось и делами милосердия. В архивных документах имя Босха упомянуто несколько раз: ему, как живописцу, поручались разнообразные заказы, начиная от оформления праздничных шествий и обрядовых таинств Братства и заканчивая написанием створок алтаря для капеллы Братства в соборе св. Иоанна (1489, картина утеряна) или даже модели канделябра. В той же капелле было совершено и отпевание живописца, скончавшегося 9 августа 1516 г. Торжественность проведения этого обряда подтверждает теснейшую связь Босха с Братством Богоматери.

Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Прежде считалось, что «чертовщина» на картинах Босха призвана всего лишь забавлять зрителей, щекотать им нервы, подобно тем гротескным фигурам, которые мастера итальянского Возрождения вплетали в свои орнаменты.

Современные учёные пришли к выводу, что в творчестве Босха заключён куда более глубокий смысл, и предприняли множество попыток объяснить его значение, найти его истоки, дать ему толкование. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста XV века, извлекавшего свои невиданные образы из глубин подсознания, и, называя его имя, неизменно вспоминают Сальвадора Дали́. Другие полагают, что искусство Босха отражает средневековые «эзотерические дисциплины» — алхимию, астрологию, чёрную магию. Третьи стараются связать художника с различными религиозными ересями, существовавшими в ту эпоху.

По мнению Френгера, Босх был членом Братства Свободного Духа, называемых также адамитами, — еретической секты, возникшей в XIII веке, но бурно развившейся по всей Европе несколькими столетиями позже, однако большинством учёных эта гипотеза отвергается, так как нет никаких данных, подтверждающих существование секты в Нидерландах при жизни Босха[4].

Его техника называется алла прима. Это метод масляной живописи, при котором первые мазки создают окончательную фактуру. На основании результатов современных исследований творчества Босха искусствоведы относят к сохранившемуся наследию Иеронима Босха 25 картин и 8 рисунков. Картины — это триптихи, фрагменты триптихов и отдельные, самостоятельные картины. Лишь 7 творений Босха подписаны. История не сохранила оригинальных названий картин, которые дал своим творениям Босх. Известные нам названия закрепились за картинами по каталогам.

Исследователи до сих пор не могут уверенно говорить о творческой эволюции и хронологии произведений Босха, так как ни на одном из них нет даты, а формальное развитие творческого метода не представляет собой поступательного движения и подчинено собственной логике, предполагающей приливы и отливы.

Боттичелли Сандро

1445–1510

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli, настоящее имя Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi) — итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.

Родился 1 марта 1445 во Флоренции. Умер 17 мая 1510. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи.

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Вероккио. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому.

Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу. Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана.

Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной.

Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Был близок ко двору Медичи. Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

В честь Боттичелли назван кратер на Меркурии. Наиболее известными стали его произведения на религиозные и мифологические темы («Весна» 1478, «Рождение Венеры» 1484, «Мадонна с книгой» 1485, «Мадонна Магнификат» 1486, «Мадонна с гранатом» 1487), также более поздние «Клевета» 1495, изящные портреты «Джулиано Медичи» 1470, «Портрет молодого человека с медалью» 1474.

Боузер Джонатан Эрл

1962–

Джонатан Эрл Боузер — современный канадский художник. Родился в 1962г.

Он автор свыше 130 самобытных картин и рисунков, которые хранятся в 13 художественных галереях мира:в Америке, Европе и некоторых странах Азии.

Рисует с 8-летнего возраста в стиле мистического натурализма.

Эрл Баузер — выпускник 1984 года колледжа искусств Альберта (Alberta College of Art) в городе Калгари. После пяти лет в коммерческой иллюстрации, которая помогла приобрести ему технические способности в графике и живописи, он стал работать самостоятельно, внеся в современное искусство новое видение.

На данный момент Баузер работает в оригинальной манере, которую сам назвал Мифический натурализм.

Его картины — это причудливые ландшафтные пейзажи, переплетённые с образами удивительных по красоте женщин-ангелов.

Нередко он представляет своих девушек в плоти — наивные, страстные, нежные, и порою, порочные, они просто притягивают взгляды зрителей.

«Задача художника, попытаться видеть мир таким как он есть, а не как это кажется людям, которые опираются на свои ненадёжные чувства.

Художник должен зацепиться за загадочную поэзию, из которой сделан мир, всегда надеясь, находить редкий и мимолетный взгляд на Истину за вуалью иллюзии, которая влияет на наши мысли и восприятие мира.

Это неизвестное мифически-поэтическое основание мира состоит из двух фундаментальных аспектов: первый — осязаемое, меняющее динамические процессы космоса — мужское начало; другое — неосязаемое, осторожно манящее во внутрь в вечное спокойствие, что в своем бесконечном совершенстве, никогда не изменяется — женское начало.

Именно второй аспект, я и воспеваю в своей работе — Тайну Космоса и Тайну Женщины».

И на самом деле, произведения Баузера, написаны в весьма своеобразной манере так называемого «фэнтези», что делает его работы весьма популярными среди поклонников данного жанра.

Работает Баузер традиционными материалами — холст и масло, что удивительным образом сочетается с направлением работ.

Его картины можно найти в частных коллекциях по всему миру – от Европы до Азии. Даже Правительства Китая и Тайваня закупили серию его работ для своих коллекций.

Среди живописных работ есть и серия уникальных расписных тарелок, находящихся в различных известных галереях мира. Его серия из 4 картин «Земля коренных американцев» и «Матери Неба» была опубликована и стала известной во всем мире.

К творчеству Баузера следует подходить с философской точки зрения, воспринимая его видение мира как некую матрицу.

Образы, созданные мастером — это своеобразный поиск лирической поэзии, которая лёгким флёром окутывает наш мир.

Его картины — настоящие произведения современного искусства, на которые, несомненно, стоит обратить внимание все любителям современной живописи.

Брадфорд Уильям

1823–1892

БРАДФОРТ, Уильям (Bradford, William)- американский живописец,(30 апреля 1823 — 25 апреля 1892) маринист, фотограф.

Родился в Fairhaven, Новый Бедфорт, Штат Массачусетс.

Писал горные и морские пейзажи, айсберги, парусные суда. Путешествовал по США, давая иллюстрированные лекции.

Осуществил ряд морских путешествий (Арктика, Гренландия, о. Лабрадор). Из путешествий Брадфорд привозил десятки черно-белых фотографий, альбомов рисунков, этюды, картины.

Брадфорд изображал море, гавани, рыбацкие лачуги и хижины, доки и пирсы, бакены и маяки, суда.

Брадфорд большое внимание уделял изменчивости светового состояния неба, солнца, облаков, цвета айсбергов.

Брадфорд держал студию в Сан-Франциско в течение семи лет, писал горы Штата Невада.

Издал ряд книг о своих путешествиях

В Лондоне в 1873 году, он опубликовал отчет о своих поездках на Север, иллюстрированные  фотографиями и картинами.

Уильям Брэдфорд был членом художественной школы реки Гудзон.

В последние годы жизни Брадфорд жил в Нью-Йорке. Умер в Нью-Йорке.

Бракемон Мари(Marie Bracquemond)

1 декабря 1840, Аржантан — 17 января 1916, Севр

Мари Бракемон — французская художница, принадлежавшая к кругу импрессионистов.Родилась в городке Аржентан и рано увлеклась живописью.
Отец Мари, морской капитан, умер вскоре после рождения дочери. Мать вступила в новый брак, семья была вынуждена переезжать с места на место, и, когда Мари была уже подростком, поселилась в Этампе недалеко от Парижа. Мари училась живописи у М. Уоссера «старого художника, который реставрировал картины». В 1857 году на работы Мари обратили внимание, она была представлена Энгру, который помогал ей и чей стиль она переняла. Критик Филипп Бюрти называл Мари в числе «самых интеллектуальных учеников студии Энгра». Мари получила заказ на картину от императрицы Евгении. Вероятно работа художницы понравилась, так как генеральный директор французских музеев граф де Ньевенкерк поручил ей сделать копии с картин, хранящихся в Лувре. Там она познакомилась с художником и графиком Феликсом Бракемоном, который работал в Лиможе в качестве художника по фарфору и графика. Они сочетались браком в августе 1869 года. В 1870 году Мари родила сына Пьера. Из-за голода и отсутствия медицинского обслуживания во время войны и Парижской коммуны здоровье Мари после родов ухудшилось.

Мари помогала мужу, который был руководителем студии Haviland в Отейле, в его работе и создавала эскизы для фарфора, керамики и стенных декораций. Она рисовала пейзажи и натюрморты и давала уроки рисования в школе.

Одна из её работ, представленных в 1874 году на Парижском салоне, обратила на себя внимание Дега, который познакомил художницу с Ренуаром и Моне. Их творчество произвело на Мари Бракемон неизгладимое впечатление. Гоген уговорил её в 1880 году отказаться от привычного ей стиля и писать в новой манере. С тех пор она неоднократно участвовала в выставках импрессионистов.

Между тем супружеская пара переехала в Севр. Феликс Бракемон относился к занятиям жены живописью с неодобрением, не принимая принципов импрессионизма, ревновал её к успеху.

По словам их сына, измученная его критикой, она в 1890 году оставила занятия живописью.

Гюстав Жеффре в 1894 году назвал Мари Бракемон, Берту Моризо и Мэри Кассат «гранд-дамами импрессионизма».

Умерла Мари Бракемон 16 января 1916 г.

На ретроспективной выставке Мари Бракемон в 1919 году в парижской галерее

«Бернхайм-Жюн» демонстрировалось около 90 работ, преимущественно, эскизов, а

также 34 акварели и 9 гравюр.

Брейгель Питер Старший

1525–1569

Питер Брейгель Старший (Pieter Brueghel) — великий художник прошлого из Нидерландов.

Родился в 1525 (точная дата неизвестна) году, предположительно в городе Бреда (нидерландская провинция). Ушёл из жизни в 1569 году в Брюсселе.

Основными направлениями его живописи были пейзажи и жанровые сцены. Большое влияние на всё искусство Питера Брейгеля старшего оказал Иероним Босх.

Надо сказать, что в его семье было немало известных и просто хороших художников, как, например, Питер Брейгель Младший — сын или Ян Брейгель Старший, но именно он явился самым известным, который своим творчеством внёс значимый вклад в мировое искусство.

Своё победоносное шествие на Олимп художников с мировым именем он начал, как график. Этому мастерству Питер обучался в Антверпене в мастерской у Питера Кука ван Альста, который был известным придворным художником того времени.

После этого он был принят в антверпенскую гильдию художников и стал заниматься живописью на профессиональной основе. Искусство стало его работой. Тогда он впервые увидел картиныИеронима Босха, которые произвели на него неизгладимое впечатление.

После этого он создал несколько вариантов на темы полотен художника и даже стал подражать ему в своей живописи, учиться технике Босха. Так, с этим связана довольно скандальная история, когда гравюра на тему Питера Брейгеля «Большие рыбы поедают малых» была продана с подписью Иеронима Босха за большие деньги.

Его картины — это правда и вымысел. Как и многие художники того времени, он был недоволен политикой, властью, законами, вседозволенностью церкви, но не мог честно говорить об этом, так как за правду могла последовать суровая кара.

Еретиков, отступников без сожаления приговаривали к мученической смерти.Поэтому он, как и некоторые другие, предпочитали выражать своё несогласие, внутренний бунт через символизм. Зашифрованные послания в картинах понимали только те, кто знали, как читать эти образы.

Может быть, поэтому при жизни его считали «немым». Он писал замечательные картины, но никогда не писал статьи, не переписывался с друзьями.

Он не писал портреты своих жён, детей и самого себя и поэтому о нём практически ничего неизвестно. До нас дошли лишь его живописные произведения, да пара официальных документов.

Без сомнения, он один из самых загадочных художников и личностей прошлого.

Питер Брейгель Старший умер 5 сентября 1569 года в Брюсселе. Был захоронен в церкви Богородицы.

В настоящее время Питер Брейгель старший является одним из самых известных художников прошлого.

Его картины находятся во многих музеях мира, около трети из которых — в музее истории искусств в Вене.

К сожалению, в Российских музеях его полотна отсутствуют

Брендерс Карл(Carl Brenders)

1937-….

Карл Брендерс (Carl Brenders) — известнейший бельгийский художник-анималист.

Родился он в 1937 году недалеко от города Антверпена.

Карл Брендерс создаёт настолько реалистичные картины, что, не зная о живописном происхождении изображений, подумаешь, что видишь работы фотографа-анималиста, а не художника.

Тем не менее Карл создаёт вначале карандашный эскиз, а потом выполняет рисунок в смешанной технике, используя гуашь и акварель.

На выходе получаются прекрасные портреты и жанровые сцены из жизни животных.
Карл рисовал с самого детства.

Он учился в Академии изящных искусств в Антверпене, а затем в Берчем, Бельгия. Он создавал иллюстрации дикой природы к более 20 книгам из серии под названием «Тайная жизнь животных».

Картины Брендеса были выставлены в престижном Ли Йоки Вудсон художественном музее «Птицы в искусстве».

Карл Брендерс после учёбы в Антверпенской Академии изящных искусств вот уже более четверти века работает художником-анималистом. И, кажется, что нет уже в природе тех тайн, что не открылись бы ему, не отразились бы в его картинах.

Удивительный реализм изображений животных, дышащих, движущихся и словно на мгновение замерших перед зрителем, снискал художнику мировую славу, давно выйдя за пределы Бельгии.

Брендес заслуженно пользуется международным признанием.

Он широко известен в Северной Америке, во Франции, Испании, Голландии и в своей родной Бельгии.

Карл говорит: «Природа уже красива, уже совершенна. Вот почему я пишу с таким большим количеством деталей и столько реализма. Я хочу захватить то совершенство».

Брунери Франческо (Francois Brunery)

1849-1903

François Brunery (1849-1903) родился в Турине, Северная Италии, в 1849 году.

Он учился в Париже у Jean Leon Gerome (1824 1904) и Leon Joseph Bonnat (1834 1923), которые были известным преподаватели академической школы.

Затем Brunery отправился продолжать свое образование в Рим, где он приступил к изучению работы мастеров древней Италии.

Здесь он познакомился со своей будущей женой, с которой затем вернулся в Париж. Его ранние работы были выставлены на Парижском Салоне.

В избранном им жанре, его соперниками были Andrea Landini, Jean George Vibert и Georges Croegaert.

Брунери очень артистично и хорошо в смысле цвета передает атмосферу интерьеров и жанровые бытовые сценки того времени.

Его работы неоднократно выставлялся в различных Салонах и на выставках, пользовались большой популярностью у покупателей

Брюллов Карл

1799–1852

Карл Павлович Брюллов родился в Санкт-Петербурге 12 декабря 1799 года.

Его отец – Павел Иванович Брюлло был известным живописцем, и поэтому художественная судьба маленького Карла была определена сразу после его рождения. Все его братья занимались в Академии художеств, в которой преподавал их отец.

В детстве Брюллов очень много болел. До 7–ми лет он почти не вставал с кровати. Но его отец был очень строг к нему, и заставлял рисовать его положенное число фигурок, лошадок, наравне с остальными братьями. Если Карл не мог или не успевал это сделать, то самым меньшим наказанием для него было остаться без еды. А однажды за подобную провинность отец так ударил ребенка, что Брюллов остался глухим на одно ухо на всю свою жизнь.

В Академии художеств Карл учился хорошо, и превосходил всех своих товарищей. Учителя удивлялись, как хорошо рисует этот мальчик. Закончив Академию в 1821 с отличием, Брюллов вступил в Общество поощрения художников.

Именно благодаря на средства этого общества он отправляется в Италию, настояв чтоб брат Александр, который закончил академию в один год с ним, ехал туда также. Именно к отъезду в Италию Карл Брюлло стал Карлом Брюлловым по настоянию Александра I.

Жизнь Брюллова в Европе:
Брюллов посетил множество городов Европы, но Италия ему нравилась больше всего, и он провел тут более 12 лет. Именно здесь Брюллов состоялся как художник, стал известным и популярным мастером.

Жизнь в Италии протекала бурно и весело.

К 1829 году Брюллов официально разорвал контракт с обществом поощрения художников, которое снабжала художника средствами на жизнь. Возможно, этому способствовал заказ у Брюллова картины «Последний день Помпеи» русским богачом Демидовым. Картину Брюллов рисовал 6 лет.

Возвращение Брюллова в Россию:
В 1834 году Брюллов был вызван в Россию императором Николаем I. Его картина «Последний день Помпеи» была выставлена в Академии художеств. Уезжаю из Италии он оставил там свою любовь – графиню Самойлову, которая также очень сильно любила художника.

В России Карл Павлович Брюллов стал героем. Его встречали с цветами и ликованием. Но личная жизнь в России оставляла желать лучшего. Он влюбился в Эмилию Тимм, которая была виртуозной пианисткой. Все было хорошо, но накануне свадьбы она призналась жениху, что давно живет со своим отцом. Все же они расписались, но после свадьбы ничего не поменялось. Отец Эмилии использовал эту женитьбу как прикрытие, и уже через 2 месяца Брюллову пришлось расторгнуть брак.

После этого случая пошли различные сплетни, и Брюллова отвергали практически повсюду. Художник стал часто болеть, а особенно не давало покоя ему его больное сердце. В 1849 году он уехал на лечение за границу, и, в конце концов, оказался в Риме в 1850 году. Там же он и умер через два года 23 июня.

Брюнель да Нёвиль Альфред-Артур (Alfred-Arthur Brunel de Neuvill)

1851–1941

Французский живописец, мастер натюрморта, анималист.

Родился в Париже.  Окончил Парижскую АХ.

В 1879 стал членом Объединения французских художников.

Основной темой творчества были сентиментальные сценки с домашними животными.

Особенной известностью пользовались работы с кошками, играющими котятами и целыми кошачьими семействами. Жил и работал в Париже.

Был очень популярен при жизни.

Персональные выставки проходили в различных галереях Франции в 1889, 1896, 1908 и 1909.

Работы хранятся в музеях Франции и частных коллекциях многих стран.

Бугеро Адольф Уильям

1825–1905

Бугеро, Бугро (William-Adolphe Bouguereau) Вильям-Адольф, французский живописец, крупнейший представитель салонной академической живописи.

Родился 30 ноября 1825 года в городе Ла Рошель. Изучал живопись в Королевской школе изящных искусств. По окончании школы получил главный приз — поездку в Италию.

По возвращении из Рима некоторое время занимался росписью фресок в стиле итальянского Возрождения в домах французских буржуа. Собрав необходимый капитал, окончательно посвятил себя любимому делу — академической живописи.

Карьера Бугеро, как академического живописца, сложилась довольно успешно, художник пользовался признанием и благосклонностью критиков и выставлял свои картины в ежегодных парижских салонах на протяжении более чем пятидесяти лет.

На выставках парижского Салона 1878 и 1885 годов удостоен высшей награды — золотой медали, как лучший живописец года Франции.

Картины Вильям-Адольфа Бугеро на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты были композиционно тщательно выстроены и кропотливо выписаны, вплоть до мельчайших деталей.

Наиболее известные полотна живописца — «Триумф мученицы», 1854; «Ореады», 1857; «Рождение Венеры», 1879; «Нимфы и Сатир», 1881; «Молодость Бахуса», 1884. Бугеро также исполнял стенные росписи и портреты. Бугеро выступал против выставления работ импрессионистов в парижских салонах, считая их картины просто незаконченными эскизами.

После его смерти и периода забвения его работ, творчество Бугеро было по достоинству оценено современными критиками, как значительный вклад в развитие жанра академической живописи.

Главная ретроспективная выставка работ Бугеро открылась в Париже в 1984 году, затем была показана в Монреале, Хартфорде и Нью-Йорке.

Умер Вильям-Адольф Бугеро 19 августа 1905 года в своем родном городе Ла Рошель.

Буден Эжен

1824–1898

БУДЕН, Эжен (фр. Eugène Boudin; 12.07.1824 г., Онфлёр — 08.08.1898 г., Довиль) — французский живописец, один из создателей пленэрного пейзажа, предшественник импрессионизма.

Эжен Буден фанцузский живописец и график. Творчество Будена является связующим звеном между искусством его учителей — представителей барбизонской школы (Труайона, Милле, Коро и Теодора Руссо) и его последователей-импрессионистов, среди которых следует назвать, прежде всего, Моне.

Был первым учителем Моне в Гавре и оказал большое влияние на формирование его живописного метода.

Буден родился 12 июля 1824 году в Онфлёре, старом портовом городке в Нормандии. Сын моряка, специального образования не получил, но рано начал самостоятельно заниматься живописью.

В 1844 году открыл в Гавре окантовочную мастерскую, в витрине которой выставлял картины приезжих художников: Милле, Труайона, Кутюра. Они помогали Будену советами и убедили всерьез заняться искусством. На формирование его творческой манеры оказала влияние живопись И. Йонкинда.

В 1847 году приезжает в Париж, пишет пейзажи в его окрестностях, копирует картины голландских и фламандских пейзажистов в Лувре. Посылает два пейзажа на выставку «Друзей искусства» в Гавре (1850 г.) и в качестве поощрения получает от муниципалитета на три года стипендию.

Учился живописи в Гавре, затем в Париже у известного мариниста Эжена Изабе. Знакомится с Курбе и Ш. Бодлером, который упоминает о нем в своем обзоре Салона (1859 г.), с 1863 года регулярно выставляется в Салоне.

С 1860 года жил в Онфлере, где был связан с Барбизонской школой. Работал в Бретани, на юге Франции, в Бордо, в Голландии и Венеции.

С 1861 года работал на пленэре. Большую часть своей жизни Буден прожил на севере Франции; посещал Бельгию, Голландию, Италию.

Бурлюк Давид

1882–1967

Давид Давидович Бурлюк — русский художник. Родился 9 (21) июля 1882 в семье агронома-самоучки.

В детстве потерял глаз в драке с родным братом.

Ходил со стеклянным глазом, это стало частью его стиля. В 1898—1910 учился в Казанском и Одесском художественных училищах.

Изучал живопись в Германии, в Мюнхене, в «Королевской Академии» у профессора Вилли Дитца и у словенца Антона Ашбэ и во Франции, в Париже, в «L’ecole des beaux arts» Кормона. Вернувшись в Россию, в 1907–1908 Бурлюк сошёлся с левыми художниками и участвовал в художественных выставках.

В 1911–1914 занимался вместе с В. В. Маяковским в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Участник футуристических сборников «Садок судей», «Пощёчина общественному вкусу» и др.

В Первую мировую войну Бурлюк не подлежал призыву, так как у него не было левого глаза. Жил в Москве, издавал стихи, сотрудничал в газетах, писал картины. В 1920 эмигрировал в Японию, где прожил два года, изучая культуру Востока и занимаясь живописью. В 1922 поселился в США.

В Нью-Йорке Бурлюк развил активность в просоветски ориентированных группах и, написав поэму к 10-летию Октябрьской революции, стремился, в частности, снискать признание в качестве «отца российского футуризма».

В 1956 и в 1965 гг. посетил СССР. Несмотря на многократные предложения к изданию в СССР своих произведений, ему не удалось напечатать ни строки.

Умер 15 января 1967 года в г. Хэмптон-Бейз, штат Нью-Йорк. Его тело было кремировано согласно завещанию и прах развеян родственниками над водами Атлантики с борта парома.

Наиболее известные работы: «Пейзаж с деревьями» 1910, «Пейзаж с дорогой» 1910, «В парке», «Портрет поэта-футуриста Василия Каменского» 1917, «Ворота храма в Японии» 1921, «Лошадки» 1910,  «Лошадь-молния» 1907, «Революция» 1917.

Буше Франсуа

1703–1770

Буше Франсуа (Francois Boucher) (1703–1770), французский живописец, гравер, декоратор, “первый живописец короля”, один из самых ярких мастеров стиля рококо, законодатель всех видов искусства Франции начала 18 века. Первым наставником Буше был его отец Никола Буше, скромный учитель живописи и рисовальщик узоров для вышивки. Затем Буше некоторое время был учеником Франсуа Лемуана, после чего поступил в обучение к граверу Жану-Франсуа Карсу, у которого занимался составлением виньеток, гербов и эмблем для франкмасонских дипломов. В 1722 году Буше было поручено иллюстрировать новое издание “Французской истории” Оноре Габриэля Даниеля, а в 1723 году Буше получил академическую премию за картину “Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима”. В 1725 Буше представил несколько картин на выставку молодых авторов и был приглашен де Жюльенном сотрудничать в издании произведений Антуана Ватто. В 1727 Франсуа Буше отправился за свой счет в Рим, где усердно изучал творчество живописцев Франческо Альбани и Пьетро да Кортона, с последним художника в дальнейшем часто сравнивали. Современные критики 18 века находили, что картины, написанные Франсуа Буше по возвращении из Италии, отличались красотой и мужественной силой; это относится, может быть, к картинам, которые дошли до нас лишь в гравюрах, изданных Лаврентием Карсом, так как оригиналы этих картин не сохранились. 24 ноября 1731 года Франсуа Буше был принят в академию, где написал мифологическую картину “Венера и Вулкан с оружием для Энея”. В 1734 Буше был удостоен звания академика за картину “Ринальдо и Армида”, и в том же году художник украсил комнату королевы в Версальском дворце аллегорическими фигурами Сострадания, Изобилия, Верности и Благоразумия. В 1755-1765-х годах Буше руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 Франсуа Буше стал директором Королевской академии живописи и скульптуры.
Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества.
Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние Антуана Ватто (гравировал картины художника), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Пейзаж в окрестностях Бовэ”, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии.

Талантливый декоратор Франсуа Буше, был создателем искусства бездумно-праздничного, основанного не столько на наблюдении жизни, сколько на импровизации. “Первый художник” короля Людовика XV, любимец аристократии, директор Академии, Буше оформлял книги, исполнял декоративные панно для интерьеров, картины для шпалер, возглавлял ткацкие мануфактуры, создавал декорации и костюмы для Парижской оперы и т. д. В своих живописных работах Буше обращался к мифологии, аллегории и пасторали, в трактовке которых подчас проявлялись черты сентиментальности, слащавости. Кокетливые Венера и нимфы, беспечно-шаловливые амуры, пасторальные персонажи, предающиеся утехам любви,— герои его нарядных картин. Художник запечатлевал их нежно-розовые тела с голубыми и жемчужными переходами теней и полутонов, пикантные лица, грациозные движения, часто впадая в манерность. Франсуа Буше строил композиции на сложном переплетении вьющихся линий и фигур, блестяще владел ракурсами, эффектно использовал драпировки, гирлянды, цветы, клубящиеся .
Связывая композиции с решением интерьеров рококо, художник предпочитал светлый колорит, строившийся на розово-красных, белых и нежно-голубых тонах. Не лишенный наблюдательности, о чем говорят его рисунки и жанровые картины, Буше не стремился к правдивости образов, обычно в его трактовке чувственно-идеализированных и однообразных. Ко времени расцвета творчества Буше относится “Туалет Венеры” (Санкт-Петербург, Эрмитаж), композиция, проникнутая волнообразным ритмом, в ней царят жизнерадостность и безмятежность. “Пастушеская сцена” (Санкт-Петербург, Эрмитаж) дает представление о пасторалях Буше, занимательных и игривых, исполненных иронии. Лирические черты дарования Буше проявились в его декоративных пейзажах с мотивом сельской природы, с интимными уголками у полуразрушенных мельниц и хижин. Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.
жесткой, в композициях проявился ложный пафос. Творческий кризис Буше отражает деградацию стиля рококо, вызванную общим упадком аристократической культуры. Буше скончался 30 мая 1770 года. Самый талантливый ученик Буше художник Жан Оноре Фрагонар унаследовал от мастера рококо изящество в трактовке фигур и сюжета картины, смелость колорита и свободу композиции. Выдающийся декоративный и живописный дар Буше ценили современники. Однако, слава Буше вскоре после его смерти совершенно упала под влиянием реакции классицизма. Франсуа Буше стали обвинять в развращении юношества, и лучшие из картин художника не находили покупателей. В настоящее время эти несправедливые обвинения потеряли свое значение, современная критика отводит Франсуа Буше почетное место среди художников французской школы живописи 18 столетия.

Бэквит Джеймс Кэpролл

1852–1917

Джеймс Кэрролл Беквит — американский художник, представитель академизма.

Родился 23 сентября 1852. Умер 24 октября 1917.Он родился в штате Миссури но вырос в Чикаго, где его отец начал бизнес.

В 1868 году он начал изучать искусство живописи в Чикагской академии дизайна.

Проучившись в академии до большого пожара 1871 года он затем отправился в Нью-Йорк , где учился в Национальной академии дизайна в Лемюэлю Wilmarth, но в итоге, как и многие другие студенты, огтправился в поездку в Европу, чтобы учиться в Мекке мирового искусства — Париже, прибыв туда в ноябре 1873 года.

Беквит принимал активное участие в формировании общества изобразительных искусств и был президентом Национальной Лиги Свободных искусств.

Беквит получил множество наград, включая Поощрительную премию на Парижской выставке 1889 года и золотую медаль на выставке в Атланте 1895 года.

Он выставлялся на Всемирной выставке в Сент-Луисе (1904)со своей работой » Наутилус «, и портретом его жена — миссис Беквит.

Беквит Кэрролл вернулся в Париж в 1893 году, чтобы нарисовать ряд фресок..

С 1910 по 1914 он жил в Италиии, где написал много пленэр со зданиями и ландшафтами.

Он умер в Нью-Йорке 24 октября 1917г.

Наиболее известные работы Беквита: «Император» 1912, «Нимфа и купидон» 1913, «Письмо» 1910, «Женщина с гитарой», портреты «Уильяма Меррит Чейза» (1882), «Марка Твена», «Уильяма Уолтона».

Изображённые произведения  могут быть защищены авторским правом. Они размещены на сайте в соответствии с принципом «добросовестного использования» (fair use).

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра с информационно-образовательной целью. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.