Давид Жак Луи

1748–1825

Жак-Луи Давид (1748-1825) – знаменитый французский художник, оказавший большое влияние на развитие классицизма.

Жак-Луи Давид родился в парижской состоятельной семье. Когда ему было около девяти лет, его отца убили на дуэли.

Его мать обеспечила ему прекрасное образование в одной из лучших школ, но Давид учился плохо: он всегда был больше поглощен рисованием.

Его дядя (известный архитектор) и мать хотели видеть его архитектором, но Жак-Луи хотел быть художником.

Давид настоял на своем и обратился за помощью к Франсуа Буше, известному художнику, приверженцу стиля рококо. Давид поступает на обучение в Королевскую академию живописи и скульптуры (современный Лувр).

В последующем Давид пять раз претендовал на грант, для того чтобы поехать в Рим. Но каждый раз комиссия Академии отказывала ему в стипендии. Однажды он даже устроил голодовку в знак протеста. И, наконец, в 1774 году Давид получил этот грант и в 1775 он отправился в Италию.

За то время, что он проживал в Италии, Давид изучал руины Древнего Рима и античные произведения искусства. Жак-Луи сделал 12 альбомов эскизов, этот материал он будет использовать на протяжении всей своей творческой жизни.

В Риме он познакомился с великолепными художниками раннего классицизма (стоит отметить особое влияние Рафаэля). В 1779 г. Давид посетил руины древней Помпеи, что его крайне впечатлило: после этого он задался целью произвести революцию в мире искусства, привнеся неумирающие принципы классицизма.

После пяти лет работы в Риме Jacques-Louis David вернулся в Париж, где стал членом Королевской Академии. Он представил две картины, и обе в 1781 году были включены в экспозиции, что являлось большой честью для любого художника. Его современники восхищались его новаторскими идеями, но члены Королевской академии считали его выскочкой.

Позже знаменитый французский художник женился на Маргарите-Шарлотте Пиколь. Этот брак принес ему небольшое состояние. Не смотря на востребованность своих работ в Париже, Давид стремится в Рим, считая, что только там он может полностью раскрыться как художник.

В 1784 г. в Риме Давид написал свое знаменитое полотно «Клятва Горациев». Клятва между тремя сыновьями и отцом – это акт сплочения народа с целью усиления государства. Республиканские народные идеи становятся смысловым центром полотна.

Картина разделена на две части, где изображение женщин сильно контрастирует с изображением мужчин: мягкие женские фигуры меньше по размеру в сравнении с мужскими, олицетворяющими силу и абсолютную дисциплину. Это четкое гендерное разделение было характерно для социальной доктрины того времени.

В 1787 году Жак-Луи Давид претендовал на должность директора Французской Академии в Риме, но не получил ее.

В том же году Давид представляет картину «Смерть Сократа», который был приговорен к смерти, но был спокоен, рассуждая о бессмертии души. Знаменитые художники того времени оценили работу по достоинству, сравнивая точность ее образов с изображениями на древних барельефах. Картина была очень созвучна с назревающими политическими течениями.

В то время как в 1789 г. началась Французская революция, Национальная Ассамблея рвалась к власти, а Бастилия пала, Жак-Луи Давид создает картину «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей».

Королевская цензура тщательно отбирала полотна для выставок, дабы избежать народного мятежа. «Портрет Лавуазье» Давида, который был не только химиком и физиком, а также активным членом Якобинского движения, была запрещена властями к показу. «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей» — также была запрещена. Все образы этого полотна – своего рода республиканский символ, и, очевидно, имели огромное значение для Франции.

На картине изображен Луций Юний Брут, римский правитель, находящийся в глубокой тоске по своим сыновьям. Они стремились захватить власть, чтобы восстановить монархию. Отец сам приговорил их к смерти, дабы защитить Республику, даже ценой жизни своих родных сыновей. Брут сидит в одиночестве, отдельно от своей жены и дочерей, зная: его поступок – лучшее, что он мог сделать для своей страны, — но все же напряженные ноги и пальцы на ногах выдают его внутреннее смятение.

Когда сообщили, что правительство не допускает к показу эту картину, люди были возмущены, и члены королевской семьи уступили.

Картина была показана на выставке.

Жак-Луи Давид был преданным сторонником революции, другом Робеспьера и членом Якобинского клуба. Jacques-Louis David, в отличие от тех, кто уехал из страны от огня революции, остался, чтобы помочь разрушить старое правительство, он отдал свой голос за казнь короля Франции Людовика XVI (это было причиной развода с его женой, придерживающейся других взглядов).

Некоторые полагают, что Давид именно в этот период создал свои лучшие работы в классическом стиле. Его личность играла здесь не последнюю роль: кипучий темперамент, эмоциональность, неуемный энтузиазм, стремление к независимости – все это было обращено против существовавшего режима, а также против Королевской академии живописи и скульптуры, члены которой не одобряли его работ и республиканских позиций (она была упразднена по инициативе художника).

В 1789 г. Жак-Луи Давид пишет картину «Клятва на поле для игры в мяч» (сохранился лишь эскиз этой картины) — символ национального единства против старого режима — это было попыткой запечатлеть исторический момент в истории будущей республики.

Но герои 1789 г. стали врагами в 1792 г. – произошел раскол между консерваторами и радикальными якобинцами. Художник отрекается от клятвы, данной на теннисном корте. С этих пор Давид оставляет радикальные методы выражения своих взглядов, и стремится к метафоричности.

В 1793 г. Jacques-Louis David пишет картину «Смерть Марата». Марат – член Национальной Ассамблеи, журналист, друг Давида, был убит приверженкой оппозиционной партии Шарлоттой Корде ножом. Художник достаточно быстро выполнил эту картину, но образ убитого республиканца получился простым и мощным.

После казни французского короля разразилась война, революция был достаточно кровопролитной. Жак-Луи Давид был арестован и помещен в тюрьму.

Именно там он задумал свою картину «Собинянки, останавливающие битву между римлянами и собинянами» (или «Вмешательство собинянок») – это идея преобладания любви над социальными вооруженными конфликтами.

Давид задумал создать новый стиль для этой картины — «греческий стиль», в отличие от «римского стиля» из его более ранних исторических картин.

На закате революционного движения, его бывшей жене удалось добиться освобождения Давида из тюрьмы. Он вновь женился на ней в 1796 году.

С этого времени он достаточно много времени проводил у себя в мастерской, занимался с учениками и по большей части ушел из политики.

Отдельной главой творчества Давида было его отношение к Наполеону Бонапарту — художник был его поклонником с их первой встречи. После провозглашения Империи в 1804 г. Жак-Луи Давид стал официальным придворным живописцем.

После возвращения Бурбонов к власти, Жак-Луи Давид отказался от работы при дворе, предпочтя изгнание в Брюссель. Там он спокойно прожил остаток своей жизни с женой.

В то время он рисовал мифологические сюжеты, портреты граждан Брюсселя и наполеоновских сподвижников. Художник умер в 1825 г., перенеся инсульт.

После его смерти, некоторые работы были выставлены на аукцион в Париже, продаваясь за очень незначительные суммы.
Нужно отметить, что Жак-Луи Давид имел глубокую рану на лице, полученную при фехтовании. Это рана прорисована во многих автопортретах художника, она задевает некоторые ветви лицевого нерва.

Эта травма привела к тому, что художник имел трудности в проговаривании некоторых звуков, движении лицевых мышц, к тому же она привела к образованию нароста на щеке. Это было препятствием в его активной социальной жизни, так как отличительной чертой социальной культуры Франции18 века была ораторское умение.

Не смотря на всю критику, что обрушилась на творчество Жак-Луи Давида после его смерти, его вклад в развитие изобразительного искусства 18 века бесценен.

Художник жил в эпоху перемен и был их непосредственным участником. Jacques-Louis David стал крупнейшим представителем французского классицизма, главной целью которого было выразить идеалы свободы через образы античности.

Даль Ханс Андреас/Dahl Hans Andreas

1849–1937

Ханс Даль (норв. Hans Dahl, 19 февраля 1849, Гранвин — 27 июля 1937, Балестранн) — один из самых известных норвежских художников, знаменитый своими пейзажами и жанровыми работами.

Родился 19 фераля 1849 года в городе Гранвине, расположенном в Хордаланде — губернии Западной Норвегии, которая тогда была частью Швеции.

Уже в 16-летнем возрасте стал очевиден его талант живописца, однако заняться художественным образованием он смог только после службы в шведской армии.

В 1873 году, оставив воинскую службу, он отправился в немецкий Карлсруэ, где учился у Ханса Фредрика Гуде и Вильгельма Рифшталя.

Впоследствии продолжил обучение в Дюссельдорфе, где его учителями были Эдуард фон Гебхардт и Вильгельм Зон.

В Дюссельдорфе он прожил до 1888 года, после чего переехал в Берлин. При этом почти каждый год на лето он приезжал в Норвегию.

В 1893 году он приобрел виллу в Балестранн на берегу самого большого норвежского (и второго по величине в мире) фьорда Согне-фьорд.

В 1893 — 1919 он живет в основном в Берлине, а на лето приезжает на свою виллу (Villa Strandheim). После 1919 года он окончательно перебирается жить на виллу.

Германский император, кайзер Вильгельм II , стал одним из покровителей Даля, профессора присвоили ему в 1910 году.

Даль сопротивлялся переходу в искусстве от романтизма к модернизму.

В 1890-х годов новая школа искусства возникла, и художники, как Даль были не очень популярны в руководящих кругах столицы.

Он был подвержен критике со стороны историка искусства Йенс Тиис ,со стороны других художников.

На протяжении всей своей жизни, он пишет работы, которые объединены одной темой.

Далем часто описывается природа западной части Норвегии яркое солнце, улыбающиеся люди в национальных костюмах.

Его яркие цвета с изображением очаровательных молодых норвежских девушек в национальных костюмах всегда были очень популярны.

Даль был женат на Хелене Бевер, дочери немецкого живописца Клеменса Бевера. Его сын Ханс Андерс Даль (1881 — 1919) тоже стал живописцем и писал в манере, близкой к художественной манере отца.

Умер от туберкулеза в возрасте 37 лет.

В 1902 году Даль был произведен в Рыцари Королевского Норвежского ордена Святого Олафа , 1-й класс.

Ганс Даль умер 27 июля 1937 года на своей вилле Balestrand в Согн-ог-Фьюране.

Его могила находится на кладбище Tjugum (Tjugum kyrkje).

Данжелико Пино Джузеппе(Pino Giuseppe Dangelico)(

1939–2010

Pino Giuseppe Dangelico итальянский художник, его искусство вызывает чувства теплоты, ностальгии, любви и семьи.
Пино Даени, урожденный Джузеппе Данжелико, родился 8 ноября 1939г. в Италии. Пино учился в художественном институте города Бари, и в Миланской Академии Брера. Он оттачивал свое мастерство, рисуя обнаженные модели и бесчисленные этюды с человеческими фигурами. Большое влияние на формирование его художественного стиля оказали прерафаэлиты и художники группы Маккьяйоли.
Когда Пино стал признанным и успешным художником у себя на Родине, он решил эмигрировать в Соединенные Штаты. В Америке талантливого художника вскоре «открыла» известная Галерея Borghi, которая устроила ему несколько престижных выставок в Нью Йорке и Бостоне.
Его творения были помещены на сотни книжных обложек таких известных писательниц, как Даниэлла Стил, Сильвия Саммерфилд и Аманда Эшли.
Портреты Пино оставляют в душе покой и нежность, настраивают на добро, дарят умиротворение.
Уже в ранних работах Дени проявился главный мотив его творчества, который позже стал визитной карточкой художника. Еще во время учебы и творческого становления Пино Дени сконцентрировался на женских портретах и в результате довел этот жанр до удивительного психологизма. Дени не просто писал женщин, он с помощью их образов передавал тончайшие эмоции, которые неподвластны многим гораздо более известным и коммерческим художникам.
В этом непростом деле ему на помощь пришло потрясающее чувство цвета.
Его картины часто отображают яркие солнечные берега, типичные для Средиземноморье, где он рос.
Pino (рожденный Джузеппе Данджелико) отмечен за его исключительную способность захватить движения и выражения его – талант, который принес его художественным работам международное признание. Многие из характеров Пино часто изображаются, населяя чувственные будуары, в ожидании их мужа или любимых.
Когда пытаешься определить, какую гамму цветов Дени использовал в большинстве своих картин, то невольно приходишь к парадоксальному «теплые на грани холодных» или «холодно-теплые». Вербальные определения не всегда гладко подбираются и под эмоции, которыми так богата каждая работа художника.
При этом подавляющее большинство моделей на картинах Пино Дени застыли с безмятежно спокойными лицами и взглядами, ускользающими от зрителя. Эмоции не на лицах, а в цветах, позах, динамике сцен. Еще при жизни Пино Дени любили и критики, и галереи, и частные коллекционеры.Но со уходом художника его произведения стремительно становятся классикой современной живописи.

Дафилд Уильям(William Duffield)

1816-1863

Уильям Duffield родился в городе Бат в 1816 году.

Первоначально он был художник-самоучка, но вскоре обнаружил William Duffield(1816-1863)., потребность в профессиональных исследованиях.

Он переехал в Лондон и поступил в студию Джорджа Ланс,а затем продолжил учебу в Антверпене с Wappers барона.

После своего обучения, он вернулся в Бат, и в живописи специализировался на изображениях фруктов, овощей, мяса и мертвых птиц.

В конце 1840-х он встретил Мэри Энн Розенберг, и они поженились в 1850 году.

В течение следующих 13 лет, два художника работают вместе и в 1863 году, на пике своей карьеры, Уильям умер.

Redgraves в своем Словаре художников Школы английского, утверждает, что Duffield … обязан своей последней болезнью, к серьезной погоне за своей профессии.

Он рисовал мертвого оленя, который оставался в его студии для этой цели, пока не стало крайне обветшалым.

К сожалению, художник, от до болезни потерял обоняние и в присутствии миазмы, он продолжал работать не осознавая опасности, пока инфекция которая распространялась и вызвала его смерть.

В течение своей жизни, Уильямом выставлено более 60 работ в Королевской Академии, британском институте, и Суффолк-стрит.

Дега Эдгар

1834–1917

Дега (Degas) Эдгар (19 июля 1834, Париж — 27 сентября 1917, там же), французский живописец, график и скульптор.

Представитель импрессионизма. Картины отличаются острым, динамичным восприятием современной жизни, со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур.

Мастер пастели («Голубые танцовщицы», «Звезда»).
Родился в состоятельной семье банкира де Га. Получил прекрасное образование в лицее Людовика Великого (1845-1852), с 1853 учился на юридическом факультете Парижского университета.

С 1854 начал посещать мастерскую Л. Ламота (ученика Энгра), в 1855 поступил в Школу изящных искусств. Восхищался Энгром, считая его крупнейшим художником современности. В 1855-60 пять раз был в Италии, копировал Рафаэля, Д. Беллини, Тициана и других художников.

Пишет портреты родственников, друзей, автопортреты: «Рене де Га с чернильницей» (1855, Музей искусства, Смит Колледж, Нортхемптон); «Автопортрет» (1857, офорт); «Семья Беллели» (1860-62, Музей Орсе, Париж); «Портрет отца, слушающего гитариста Паганса», (около 1869-72, Музей изящных искусств, Бостон).

Наряду с влиянием Энгра в работах Дега ощутима связь с традициями французского Ренессанса. Он пишет картины на исторические темы: «Молодые спартанки, вызывающие на состязание спартанцев» (1860, переписана 1880, Национальная галерея, Лондон), «Семирамида на строительстве Вавилона» (1861, Музей Орсе, Париж).

Однако в картинах Дега не стремится следовать классическим образцам и идеалам — фигуры его угловаты, худы, движения их резки, формы далеки от совершенства.

В 1861 Дега знакомится с Эдуаром Мане, а позднее начинает посещать кафе Гербуа, пристанище импрессионистов Моне, Ренуара, Сислея и др.: их отказ от установок Академии, стремление запечатлеть непосредственное ощущение динамики жизни привлекают художника, Дега выставляется на выставках импрессионистов, начиная с первой (1874) и кончая последней (1886).

Однако он не все принимает в их методе. Так, работа под открытым небом не привлекает его: он делает на пленэре наброски, но картину предпочитает заканчивать в мастерской. Дега больше волнует жизнь города, а не пейзаж.

Он стремится передать мнгновенное, неуловимое движение — отсюда его интерес к миру театра, кулис, балету, цирку, скачкам: балерины, летящие к финишу кони, азартные, ловкие жокеи, взволнованные толпы зрителей.

Дега блестящий рисовальщик, душа его искусства — линия, быстрая, точная, стремительная. Несколько штрихов бывает достаточно, чтобы схватить характерную позу, профессиональный жест: «Жокеи перед трибунами», (около 1869-72, Музей Орсе, Париж); «Скачки в провинции» (около 1870-72, Музей изящных искусств, Бостон); «Молодой жокей» (около1866-68, рисунок, частная коллекция, Париж); «Мадемуазель Фьокр в балете «Источник» (Музей в Бруклине); «Оркестр оперы» (1868-69, Музей Орсе, Париж); блистательная прима-балерина, в легкой воздушной пачке, словно летящая над сценой: «Звезда» (около 1876, пастель, Музей Орсе, Париж); «Голубые танцовщицы» (около 1897-99, пастель, Музей изобразительных искусств, Москва).

Но театр не всегда феерия и волшебство, порой это рутина репетиций, усталость: «Репетиция балета на сцене» (около 1876-77, пастель, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

Дега мастерски передает движения человека в быту, взгляд его здесь порой ироничен и насмешлив: «После ванны» (около 1883, пастель, частная коллекция, Нейи-сюр-Сен); «Перед сном» (около 1883, пастель, частная коллекция); «Причесывающаяся» (около 1887-90, пастель, Музей Орсе, Париж).

Дега тонкий колорист, его пастели то гармоничные, светлые, то, напротив, построены на резких цветовых контрастах. Картины его кажутся случайно выхваченными из потока жизни сценами, но «случайность» эта — плод продуманной композиции, где срезанный фрагмент фигуры, здания подчеркивает непосредственность впечатления.

Дега много путешествовал по Франции, побывал в Бельгии, в Америке у родственников матери в Нью-Орлеане: «Хлопковая контора» (1873, Музей изящных искусств, По). Но главное место его наблюдений — Париж. Здесь он создает «Абсент» (1876), «Гладильщиц» (1884; обе Музей Орсе, Париж).
Во время Франко-прусской войны, в которой Дега принимал участие, художник простудился и стал терять зрение.

Последние годы он обратился к скульптуре, оставив ряд прекрасных произведений, посвященных любимым и хорошо знакомым темам — кони, балет: «Большая арабеска», (около 1882-95, бронза, коллекция Жака Дюбура, Париж), «Танцовщица» (около 1896-1911, бронза, там же).

Дегув де Нункве Вильям/William Degouve de Nuncques

1867–1935

Вильям Дегув де Нункве (фр. William Degouve de Nuncques, род. 28 февраля 1867 г. Монтерме — ум. 1 марта 1935 г. Ставело) — бельгийский художник-пейзажист французского происхождения, представитель символизма в живописи.

Происходил из старинной французской аристократической семьи, перебравшейся в 1870 году в Бельгию, сначала в Спа, а затем в Брюссель.

В юности Вильям мечтал стать музыкантом. В 1883 году молодой художник арендует совместно с Яном Торопом, работы которого высоко ценил, в Мехелене рабочую мастерскую.

В это же время он подружился с живописцем Анри де Круа и увлёкся символизмом.

Многие друзья Дегув де Нункве принадлежали к бельгийским литературным кругам. В 1894 году он женится на сестре бельгийского поэта-символиста Эмиля Верхарна.

В Париже его творчество высоко ценилось такими мастерами, как О.Роден, Пюви де Шаванн, Морис Дени.

Вплоть до 1900 года известен как убеждённый символист.

Затем — член бельгийской авангардистской группы «ХХ» (Двадцатка).

Много путешествовал, посетил Испанию, Италию, Австрию, в 1900—1902 годах жил с женой на Мальорке, где писал апельсиновые рощи.

В начале ХХ столетия (около 1910 года) перенёс тяжёлый духовный и религиозный кризис, оставивший след и на его творчестве.

В 1919 умирает жена художника, и он теряет руку.

Остаток жизни провёл в Бельгии, в Ставело, где женился вторично на своей служанке-сиделке и где писал преимущественно зимние ландшафты.

Вильям Дегув де Нункве прославился своими полными таинственности пейзажами

Источники:Википедия

Делакруа Эжен

1798–1863

Эжен Делакруа (Eugene Delacroix) – великий французский художник.

Родился 26 апреля 1798 года в Шарантон, умер в Париже 13 августа 1863 года.

Французский художник прославился своими произведениями в жанре Романтизм.

Его творчеству характерны дух свободы и борьба за свободу, динамичные композиции, экспрессивный колорит.

Страстный темперамент автора выразился в серии его восточных работ.

Эжен Делакруа родился в обеспеченной семье, ни в чём не нуждался и даже окончил Императорский лицей. Но в 16 лет он остался круглой сиротой и поступил в Школу Изящных Искусств.

Здесь Делакруа начинает работать в Лувре – копирует работы известных мастеров живописи – Рубенс, Веласкес, Микеланджело и др.

Сначала его творчество имело копировальный характер, но затем, после картины Барки Данте, которая на данный момент висит в Лувре, всем стало ясно, что во Франции появился новый великий живописец. Эта картина произвела настоящий фурор и стала ярким цветком среди застоявшегося классицизма, который стал порядком всем надоедать.

Затем были картины Резня на острове Хиос, Греция на развалинах Миссолунги и многие другие, которые имели схожий эффект.

Героический период его романтизма был наиболее ярким в творчестве. Самым известным его произведением стала Свобода, ведущая народ.

Эта картина, кстати, была очень известна в СССР и являлась прообразом многих агитационных плакатов. Кроме того, в истории его живописи можно найти и другие периоды, когда он писал картины на мифологические и религиозные темы.

Отдельно можно назвать цикл картин, посвящённых произведениям таких писателей, как Данте, Шекспир, Вальтер Скотт, Байрон, Гете.

Его всегда влекла присущая романтикам свобода, освобождение от оков обыденности. Результатом этого стала его поездка в Марокко.

Десятки картин, зарисовок, рисунков — Свадьба в Марокко, Султан Марокко, Львиная охота, Алжирские женщины стали одними из самых известных произведений великого французского художника Eugene Delacroix.

Самые известные художники и ценители живописи считают Эжена Делакруа сопоставимым с художниками Ренессанса.

По своей жажде творить, воплощать любые идеи он был настоящим революционером в искусстве.

Деларош Поль

1797–1856

Деларош (Поль Delaroche) — знаменитый франц. исторический живописец. Настоящее его имя было Ипполит, именем же Поля звали его в семействе, и оно удержалось за ним у современников и в истории искусства (1797—1856).

Отец Деларош был эксперт по части картин, а дядя служил консерватором кабинета гравюр в Парижской Публ. библ., благодаря чему будущий живописец родился и развивался в артистической атмосфере.

Чувствуя вначале влечение к пейзажной живописи, он учился ей у Вателе, но вскоре перешел от него к историческому живописцу К. Деборду, а потом в течение четырех лет работал под руководством бар. Гро.

Впервые явился перед публикой в Париж. салоне 1822 г. с картиной «Иосавефа спасает Иоаса» (нах. в Луврск. музее), еще сильно отзывающейся несколько напыщенной манерой Гро, но уже свидетельствовавшей о выдающемся даровании художника.

В следовавших за тем произведениях своих: «Любовь Филиппо Липпи к его натурщице-монахине», «Кардинал архиепископ Винчестерский допрашивает Жанну д’Арк в ее темнице», «Св. Винцент де Поль держит проповедь перед двором Людовика XII» и неск. др., выставленных в салоне 1824 г., Д. уже в значительной степени свободен от влияния своего учителя и вообще от академической рутины, вполне отделаться от которой ему удается в дальнейших своих работах: «Смерть президента Дуранти» (нах. в зале заседаний франц. Государственного совета), «Кончина английской королевы Елизаветы» (нах. в Луврском музее), «Мисс Макдональд подает помощь последнему претенденту после битвы при Кюлодене, 27 апр. 1746 г.» и пр.

Примкнув к новым идеям главы романтической школы, Э. Делакруа, он, руководимый светлым умом и тонким эстетическим чувством, осуществлял эти идеи в своем творчестве с воздержанностью, остерегаясь преувеличивать драматизм изображаемых сцен, не увлекаясь чрезмерно резкими эффектами, глубоко обдумывая свои композиции и разумно пользуясь превосходно изученными техническими средствами.

«Дети англ. короля Эдуарда IV в лондонском Тоуере», «Кардинал везет за собой своих пленников Сен-Марса и де-Ту», «Мазарини, умирающий среди придворных кавалеров и дам», «Кромвель перед гробом кор. Карла Стюарта» (первый экземп. — в Нимск. музее, повторение — в Кушелевской галерее, в спб. Акад. худ.), «Казнь Иоанны Грей», «Убийство герц. Гиза» и др. картины Д. на сюжеты, заимствованные из англ. и франц. истории, были встречаемы единодушной хвалой критиков и вскоре делались популярны благодаря изданию в гравюрах и литографиях.

В 1832 г. Д. приобрел уже такую известность, что был избран в члены института. В следующем году он получил должность проф. в Парижск. училище изящных искусств, в 1834 г. отправился в Италию, где женился на единственной дочери живописца О. Верне и провел три года. По возвращении своем в Париж выставил в салоне 1837 г.: «Лорда Стаффорта, идущего на казнь», «Карла Стюарта, оскорбляемого кромвелевскими солдатами» и «Св. Цецилию», и с тех пор уже не участвовал в публичных выставках, предпочитая показывать свои готовые произведения любителям искусства у себя в мастерской.

В 1837 г. принялся за главный труд всей своей жизни — колоссальную стенную картину (15 метр. длины и 4,5 м шир.), занимающую собой полукруглую трибуну в актовой зале Училища изящных искусств и вследствие того известную под названием «Полукружия» (Hémicycle).

Он представил здесь в величественной многофигурной композиции аллегорические олицетворения образных искусств, раздающие наградные венки в присутствии сонма великих художников всех народов и времен, начиная глубокой древностью и кончая XVII столетием.

По завершении (в 1841 г.) этого монументального произведения, прекрасно гармонирующего с архитектурой залы, как нельзя более соответствующего ее назначению, отличающегося красотой и разнообразием группировки, блеском красок и виртуозностью исполнения, Деларош продолжал работать неустанно, постоянно совершенствуясь и стараясь отделаться от последних следов эмфаза, наложенных на него воспитанием.

В это время он брал темы для своих картин преимущественно из священной и церковной истории, а после вторичной поездки в Италию (в 1844 г.) писал сцены из тамошнего быта и, наконец, по смерти своей жены (в 1845 г.) особенно полюбил сюжеты трагические и такие, которые выражают борьбу великих характеров с неумолимой судьбой.

Замечательнейшими произведениями  Деларош за последний период его деятельности могут считаться: «Снятие со креста», «Богоматерь во время шествия Христа на Голгофу», «Богоматерь у подножия креста», «Возвращение с Голгофы», «Мученица времен Диоклетиана» (нах. в Михайловск. дворце в СПб.), «Мария Антуанетта после объявления ей смертного приговора», «Последнее прощание жирондистов», «Наполеон в Фонтенебло» (нах. в Лейпц. музее) и оставшаяся неоконченной «Скала св. Елены».

Деларош. превосходно писал портреты и увековечил своей кистью физиономии многих выдающихся людей своей эпохи, напр. папы Григория XVI, Гизо, Тьера, Шангарнье, Ремюза, Пурталеса, певицы Зонтаг и др.

Лучшие из современных ему граверов: Рейнольдс, Прюдон, Ф. Жирар, Анрикель-Дюпон, Франсуа, Э. Жирарде, Меркури и Каламатта считали для себя лестным воспроизводить его картины и портреты.

Ср. Henri Delaborde, «Oeuvres de Paul D.» (1858) и биографию Д., изданную Рюнц-Рэсом (J. Runtz-Rees) в 1880 г.

Дени Морис((Maurice Denis)

1870-1943

Французский художник, один из основателей и теоретиков группы «Наби».

Родился 25 ноября 1870 года в Гранвиле. В 1882 году Морис поступает в лицей Кондорсе. Здесь он знакомится с Орельяном Люне-По, Керр-Ксавье Русселем, Эдуардом Вюйаром. Сама атмосфера здесь располагала к занятиям искусством, и Дени начинает заниматься рисунком. Он берет уроки живописи, копирует работы других мастеров.

В 1888 году Дени начинает обучение в академии Жюлиан в Париже. Позднее он переходит в Школу изящных искусств. Огромное влияние на начинающего художника в этот период оказывают Гоген, Пюви де Шаванн, Сезанн. Дени становится участником группы «Наби». Члены этой организации стремились к возрождению принципов монументальной живописи. Общность идей на некоторое время объединила художников, входящих в эту группу. Творческие принципы группы «Наби» Дени формулирует в статье «Искусство и критика». Идеи этого направления отразились в картинах Дени. Они отличаются бедностью красок, мягкостью линий, простотой форм.

В 1883 году Дени женился на Марте Мерье. Вместе с ней он путешествует по Бретани. Эта поездка оказала значительное влияние на творчество художника. Многие его работы появляются именно во время свадебного путешествия. Героиней большинства этих работ станет сама Марта.

Новый этап в творчестве Дени начинается в конце 90-х годов, когда он совершает путешествие в Италию. С этого момента работы художника приобретают более традиционный характер. Интимное обаяние, присущее его ранним картинам, постепенно исчезает. Появляется стремление к гармонии, монументальным формам. Полотна проникаются религиозно-мистическими настроениями. В этот период Дени занимается росписью зданий, созданием театральных декораций. Он принимает участие в росписи церкви в Везине, плафона Театра Елисейских полей.

В 1908 году Дени покупает в Бретани виллу «Силенсио», где периодически проводит по нескольку месяцев. В 1919 году художник принимает участие в организации «Мастерских религиозного искусства», становится главой «неотрадиционалистского» направления в живописи.

Поздний период творчества Дени оказался не очень плодотворным.

В основном в это время художник работает над оформлением церквей, трудами по теории искусств.

Он много путешествует, читает лекции. Если раньше основой картины Дени считал композицию, то в позднем творчестве он все больше внимания уделяет сюжету, работая над религиозными полотнами.

Морис Дени скончался 13 ноября 1943 года в Париже, попав под машину.

Депорт Александр Франсуа

1661–1743

Французский художник.
Выходец из благородной семьи. Депорт еще ребенком был привезен в Париж, где поступил в ученики к Никасиусу Бернартсу, фламандскому анималисту, работавшему в традиции Снейдерса.

Его раннее творчества было неторопливым: он работал вместе с Одраном, в частности, над росписями замка Ане (не сохранились).

В качестве портретиста он побывал в Польше, в 1695- 1696, а затем стал придворным художником-анималистом. Член Академии с 1699 (<Автопортрет в костюме охотника>.

Париж, Лувр),Депорт участвовал в росписях для Менажери (картины выставлены в Национальной Ассамблее в Париже),Марли (2 картины — Париж, Лувр),
Медона и создал серию сцен королевской охоты и собак.

Очень популярный в Англии, он отправятся туда в 1712 и оставил заметный след в истории английской живописи XVIII в.

Во Франции его успех продолжался и в эпоху Регентства и в годы царствования Людовика XV Он работал для ла Мюэтт (1717. картины в Музее изящных искусств в Гренобле и Лионе). Тюильри (1720), Версаля (1729), замка Компьень (1738-1739), Шуази (1742).

В те же годы он исполнил рисунки и картоны для Королевской фабрики Гобеленов (<Новая Индия>.1736-1741). Депорт работал и по заказам частных лиц, например, семейства Пари и советника Глюка.(1725-1726, музеи в Ренне, Санлисе, Фонтенбло и Лувре).

Кроме того, он создал ряд натюрмортов. на которых фрукты, экзотические цветы и дичь написаны с особой тщательностью; драгоценная золотая и серебрянная посуда придает натюрмортам торжественность.

Многочисленные работы Депорта созданы на основе этюдов, частично сохранившихся (в Севрской мануфактуре, в Компьенском замке, в музеях в Санлисе и Париже), которые составляют, возможно. самую яркую часть его творчества.

Здесь можно найти не только этюды животных, но и реалистические пейзажи.

То, что искусство Депорта носит подчас помпезный характер, оправдывается фламандским восприятием реальности,что отражается как в глубине его пейзажей, так и в богатой и четкой фактуре (оперенье птиц или ласкающая кожица цветов и фруктов).

Детайль, Жан Батист Эдуард/Jean Baptiste Édouard Detaille

1848–1912

Детайль Жан Батист Эдуард-(фр. Jean Baptiste Édouard Detaille, Жан Батист Эдуар Детай) (5 октября 1848 года — 23 декабря 1912 года), французский академический художник — баталист, известный за точность и реализм в изображении деталей.

Родился в в Пикардии, его дедушка служил поставщиком армии Наполеона.

Ранний интерес Детайле к искусству был поощрен его отцом, художником-любителем.

Детайль был учеником Жана-Луи-Эрнеста Месонье.

Он служил во французской армии во время франко-прусской войны в 1870—1871 годах и был официальным батальным художником.

В Салоне 1869 получил одобрение его холст «Отдых на маневрах».Он получил известность за портреты солдат изображение военных манёвров, военной формы и обычной жизни солдат.

Особенно его интересовала тема Наполеоновских войн.

В начале франко-прусской войны (1870), Детайль находился при штабе генерала Апперта, что позволило ему лично наблюдать военные действия; этот опыт стал основой его последующей артистической карьеры.

Позже он завербовался в 8-ой легкий батальон, и в ноябре 1870 участвовал в обороне Парижа.

Став знаменитым, он путешествовал по Европе в 1879—1884, прерываясь только, чтобы посетить Тунис с французской экспедиционными войсками.

В Великобритании он рисовал смотр британских войск принцем Уэльским.

В это время Детайль создал 390 рисунков для альбома «Униформа Французской армии».
В 1890-х Детайле все больше интересуется кампаниями Наполеона. Он написал много батальных сцен.

Для придания достоверности своим картинам он использовал оригинальные форму и оружие. Многие из этих экспонатов нашли свое место в экспозиции Музея армии в Париже, в создании которого Детайль активно участвовал.

Его книга L’Armée Française, содержащая сотни его иллюстраций, стала главным трудом его жизни.

На протяжении всей своей жизни он собирал коллекцию военной формы и редкостей, которые были переданы в Музей армии в Париже.

Детайль успешно работал и в России.

В 1886 году в Париже был издан альбом о Красносельских манёврах: «Les grandes manœuvres de l’armée russe; souvenir du camp de Krasnoé-Sélo 1884».

В советское время данный период творчества художника и его картины подверглись жёсткой цензуре.

Джонсон Говард Дэвид

1954–…

Говард Дэвид Джонсон — современный американский художник. Работает в стиле фэнтези.
Художник-визуалист с образованием в области естествознания и истории. Работает и традиционными средствами (масло) и электронно – цифровыми.
Основная тема картин — исторические герои на фоне фантастических пейзажей, разнообразные религиозные события, мифология. Наиболее известные серии: «Король Артур», «Греческая мифология», «Кельтская мифология», «Искусство войны», «Легендарные женщины» и др.

Диас де ла Пенья Нарциссо Виргилио

1807–1876

Нарциссо Виргилио Диас де ла Пенья (фр. Narcisso Virgilio Díaz de la Peña, 20 августа 1807, Бордо — 18 ноября 1876, Ментона) — французский художник, представитель барбизонской школы.

Нарциссо Виргилио де ла Пенья родился в семье испанских эмигрантов; осиротел в 10-летнем возрасте.

Воспитывался в Беллевью близ Парижа протестантским священником.

После того как был укушен змеёй, потерял ногу. Как художник был самоучкой, первоначально занимался росписью по фарфору.

Под влиянием живописи Эжена Делакруа Диас де ла Пенья примкнул к романтическому направлению в живописи.

Особенно тщательно художник изучал манеру письма Антонио да Корреджо.

Впервые выставил на Парижском салоне свои пейзажные полотна, сделанные в окрестностях французской столицы и в лесу Фонтенбло.

Пейзажи являлись постоянной и главной темой всего творчества художника. В них он часто вносил мифологический или романтический элемент (сценки с нимфами, амурами, кентаврами, цыганами и т. д.).

В 1844 году на Парижском салоне выставил свою картину Обретение родины чехами, посвящённую легендарной истории Чехии.

В 1837 году Диас де ла Пенья присоединился к художникам-барбизонцам. Был другом таких живописцев, как Теодор Руссо, Ж.-Ф.Милле, Гюстав Курбе.

С последним в 1862 году совершил поездку «на этюды» к побережью Нормандии. Диас де ла Пенья поддерживал дружеские отношения также и со многими импрессионистами.

В его поздних работах также чувствуется влияние импрессионизма. Был участником первой выставки художников-импрессионистов в 1874 году в Париже.

Скончался от туберкулёза.

Дикси Фрэнк

1853–1928

Фрэнк Бернард Дикси (27 ноября 1853 года — 17 октября 1928 года) — английский художник викторианской живописи, и иллюстратор, известный по его картинам, изображающим драматические исторические и легендарные сцены.
Он также был известен своими портретами модных женщин, которые помогли ему получить успех в обществе в свое время.

Хотя Фрэнк не был членом «Братства прерафаэлитов», но многие из его картин можно считать написанными в стиле прерафаэлитов.
Отец Фрэнка, Томас Дикси, был известным художником, который учил рисованию с самого раннего возраста как Фрэнка, так и его брата Герберта и сестру Маргарет. Фрэнк поступил на учёбу в Королевскую Академию в 1870 году и там достиг первых успехов.

 Он был избран в члены Королевской Академии в 1891 году и в 1924 году стал её президентом.

Дикси был посвящён в рыцари в 1925 году, а в 1927 году получил от короля Георга V Королевский Викторианский орден.

Работы приносили ему материальный успех.

Многие из этих портретов настолько красивы, что действительно трудно отнестись к ним неодобрительно — счастливой, была та фешенебельная леди, портрет которой был написал Дикси!

Он также рисовал пейзажи. Дикси жил в Лесу Сент-Джона, и оставался бакалавром.

Он был одним из тех художников девятнадцатого столетия, которые переживали революцию в искусстве двадцатого столетия

Он был посвящен в рыцари в 1925 и умер в 1928 г.

Наиболее известные картины: «Галантность», «Паола и Франческа», «Ромео и Джульета», «Зеркало», «Гармония», «Клеопатра».

Джуско Джо

1959–…

Джо Джуско — современный американский художник стиля фэнтези, иллюстратор. Родился 1 сентября 1959 г. в Нью-Йорке. Известные серии: «Тарзан», «Вампиры», «Капитан Америка», «Супер герои».

Сын строителя и домохозяйки Джо родился первого сентября 1959 года в нижнем Ист-сайде Нью Йорка.С самого детства любил наблюдать за тем как рисует его старший брат Дэнни и будучи любителем комиксов уже тогда представлял себе свою будущую профессию.
Джо Джуско(Joe Jusko) — несомненно один из наиболее известных фэнтези художников в мире.

Его карьера длится уже более 30и лет начавшись с продажи его первой обложки для журнала комиксов Heavy Metal 1977 которую он нарисовал в возрасте 17 лет. Окончив высшую Нью-йоркскую школу искусства и дизайна Джо работал для почти каждого крупного издательства комиксов создав как множество обложек так и собственно самих комиксов

Все мои друзья играли на улице в футбол или бейсбол»говорит Джо»А я не мог оторваться от рисования.Мне кажется что я сделал правильный выбор,потому что не представляю себя играющим сейчас за Yankees».

За много лет работы с Marvel,Джо создал много прекрасных обложек для других издательств таких как DC Comics,Crusade Comics,Toh Cow Production.

Также Джо создал множество прекрасных иллюстраций к романам Роберта Говарда и Эдгара Райса Берроуза.

Его работы принесли ему много славы и наград включая две»Favorite Painter» Wizard Fan Awards,Multiple trading card awards,Golden Lion Award и номинацию на Chesley Award за лучшую обложку в 2001 году.

Дмитриев-Оренбургский Николай Дмитриевич

1837–1898

Николай Дмитриевич Дмитриев-Оренбургский — русский художник-баталист.

Родился 1 апреля 1837, Нижний Новгород.

Умер 21 апреля 1898, Санкт-Петербург.

Во время войны России против Турции (1877–1878) за освобождение балканских народов от турецкого ига художник едет в действующую армию.

Его батальные полотна получают положительную оценку скупого на похвалы В.В. Верещагина.

Фактически «боевая» тематика остается основной для него на последующие годы.

За две из них (»Бой на Систовских высотах конвоя имп. Александра II» и «Въезд императора в г. Плоэшты») Академия присудила ему профессорское звание.

Добиньи Шарль Франсуа

1817–1878

Добиньи — французский художник, живописец и график, мастер пейзажа, связавший своим творчеством традиции барбизонской школы и формирующегося импрессионизма.

Родился 15 февраля 1817 в Париже. Учился у Поля Делароша и своего отца Э.Ф.Добиньи.

В 1835–1836 годах посещал Италию, с 1866 года Добиньи путешествовал по Голландии, Англии, Испании, искусство которых, оказав влияние на формирование его как художника, практически не отразились на тематике его работ: почти все картины, написанные Шарлем Добиньи, посвящены природе его родной Франции.

Он многоработал на природе, о чем свидетельствует большое количество зарисовок с натуры.

В 1840-х годах Добиньи работал как иллюстратор, затем обратился (первоначально в офортах) к пейзажу , примкнул к барбизонской школе.

В простых по мотивам, проникнутых интимным лирическим чувством картинах Добиньи изображал природу главным образом в утренние или вечерние часы, стремясь запечатлеть свежесть и трепетную изменчивость ее состояний (“Запруда в Оптево”, 1855, Музей изящных искусств и керамики, Руан; “Деревня на берегу Уазы”, 1868, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

Живописи Добиньи присущи прозрачность и легкость письма, свежий светлый колорит, богатый тончайшими валёрами.

Картина Шарля Франсуа Добиньи “Запруда в Оптево”.
Пастушка с собакой, сопровождающая стадо коров, остановилась у шлюза среди тихого созерцательного пейзажа.

Картина написана в плавной бархатистой манере с преобладанием холодных оттенков. Этот мечтательный пейзаж сохраняет свежесть видения, поскольку Добиньи полностью написал его с натуры.

Таким образом, он был одним из первых художников, начавших писать картины на открытом воздухе (на пленэре), используя метод работы, который был впоследствии усвоен и развит импрессионистами.

Художественные идеалы Добиньи и его живописная манера близки художникам Барбизонской школы: они также отдавали предпочтение простым сельским видам, исполненным с энергией и непосредственностью.

Однако ностальгическая атмосфера этого пейзажа свидетельствует о влияним Камиля Коро, близкого друга Добиньи.

Именно видение Добиньи было своеобразным переходом от гениального Коро к импрессионистам.

Добиньи Шарль Франсуа умер 19 февраля 1878 года в Париже.

Добужинский Мстислав Валерианович

1875—1957

Добужинский Мстислав Валерианович — русский художник.
Родился 14 августа 1875 г. в Новгороде в семье артиллерийского офицера, принадлежавшей к старинному роду литовских дворян.

В 1895—1899 гг. учился на юридическом факультете Петербургского университета. В студенческие годы увлёкся живописью, занимался в частных студиях. По окончании университета учился в Мюнхене в школе А. Ашбе, а после возвращения в Петербург стал одним из активных членов объединения «Мир искусства».

Дебютировал как график с рисунками в книгах и журналах. Выступил в качестве оформителя книг своих современников: Ф. Сологуба, Л. Зиновьевой-Аннибал, А. Ремизова, Вяч. Иванова, Г. Чулкова, С. Ауслендера и др.

Сотрудничал со многими журналами и издательствами, и именно графические работы принесли ему славу. В качестве художника-станковиста вместе с Л. С. Бакстом преподавал в различных учебных заведениях.

Как и его коллеги, Добужинский много и плодотворно сотрудничал с театрами. В 1907—1908 гг. он работал в так называемом Старинном театре, а с 1909 г. начал оформлять спектакли МХАТа (дебютировал в постановке комедии И. С. Тургенева «Месяц в деревне»).

В 1924 г. Добужинский принял литовское гражданство и покинул Россию. В эмиграции он иллюстрирует роман-сказку Ю. К. Олеши «Три толстяка» (1928 г.) и роман в стихах А. С. Пушкина «Евгений Онегин» (1936 г.). В числе театральных работ художника — спектакли Рижского театра (1925 г.), парижского театра «Летучая мышь» (1926—1929 гг.).

С 1929 г. Добужинский — ведущий художник Государственного литовского театра. В 1939 г. он переехал в США для работы над спектаклем по роману Ф. М. Достоевского «Бесы» с М. А. Чеховым в главной роли. Однако жизнь художника не стала за океаном успешной: он часто испытывал материальные затруднения, жил в одиночестве, общаясь с узким кругом русских эмигрантов.

Скончался 20 ноября 1957 г. в Нью-Йорке.

Доминго и Маркес Франсиско/Francisco Domingo y Marqués

1842–1920

Испанский живописец(12 марта 1842, Валенсия – 22 июля 1920, Мадрид).Доминго и Маркес принадлежал к валенсийской школе живописи. Академическую подготовку он получил в Академии Сан Карлос в Валенсии.

Он был учеником профессора Рафаэля Монтесиноса (Rafael Montesinos), одного из последователей творчества знаменитого валенсийского художника Висенте Лопес и Портанья (Vicente López y Portaña).

Монтесинос был также большим поклонником творчества Риберы, и Франсиско с удовольствием копировал многие картины этого художника.
В 1864 году Доминго переехал в Мадрид, чтобы продолжить свое обучение в Королевской Академии Сан-Фернандо.

В этом же году художник дебютировал на Национальной выставке изобразительных искусств, получив специальную поощрительную премию.
В 1865 художник написал свой первый автопортрет (музей Прадо).
В 1866 году на этой же выставке Доминго присуждена третья премия за картину «Un lance en el siglo XVIII», а в следующем году на XVII региональной художественной выставке в Валенсии художник удостаивается золотой медали.

Эта золотая медаль послужила предлогом для вручения художнику от Совета департамента Валенсии Римской премии для продолжения учебы в Италии.
Нужно отметить, что в 1868 году в возрасте всего лишь 23 лет Доминго был назначен профессором в Академии Сан-Карлос, где в течение года учил в своей мастерской братьев Бенллюр.
Но в конце 1868 года для завершения обучения Франсиско отправился в «Вечный город», где пробыл два года.

В Риме он не смог пройти мимо знакомства и общения с художником Мариано Фортуни (Mariano Fortuny).
Первая работа Доминго в качестве стипендиата «Последний день Сагунто» (El último día de Sagunto) была направлена на региональную выставку в Валенсии в 1869 году и получила Золотую медаль.
В 1871 году из Рима Доминго послал на Национальную выставку в Мадрид картину «Святая Клара» (Santa Clara) и получил за нее еще одну золотую медаль.
Приехав за наградой в Испанию, художник не смог вернуться в Рим, поскольку Совет департамента Валенсии не предоставил ему стипендию на следующий год.

Тогда Доминго переехал в Мадрид, где в течение нескольких лет украшал дворцы Португалете и Фернана Нуньеса.
В 1874 или 1875 году художник переехал во Францию, где прожил длительное время. В Париже Франсиско близко познакомился с французским искусством и заслужил высокую оценку своего творчества в художественных кругах Франции.

Во время пребывания в Париже Франсиско был очарован технической виртуозностью картин Мариано Фортуни. Доминго и Маркес начал писать изысканные жанровые картины из прошлых веков, продолжая традиции Фортуни (например, Un alto en la montería, 1901), которые пользовались спросом.

Искусствоведы даже пишут, что в картинах парижского периода чувствуется влияние французского импрессионизма.
В 1884 году был написан второй автопортрет, который тоже находится в музее Прадо, в этом же году был написан посмертный портрет Мариано Фортуни.
В 1889 году Доминго был избран членом Королевской Академии Антверпена, что говорит о той славе, которую он получил за рубежом.
В 1914 году с началом Первой мировой войны, Франсиско Доминго и Маркес вернулся в Испанию, он поселился снова в Мадриде, где вскоре, несмотря на долгое отсутствие, получил официальное признание.
В 1917 году художник становится членом Академии художеств Сан-Фернандо, а в 1918 году получил дань общественного признания в Валенсии.

Доминго вернулся в родную Валенсию, поселился в районе Заиди и был назначен профессором рисования с натуры, античности и пейзажа в Академии изящных искусств Сан-Карлос.
Он был почетным членом молодежной Ассоциации художников Валенсии. Его большим другом в Валенсии стал его бывший ученик Мариано Бенллюр.
Художник был основателем и членом группы художников, которая называлась «Группа Курбе» (Agrupación Courbet).

Группа была основана в Барселоне в 1918 году в знак протеста против официальных художественных методов обучения.
Картины художника отражают современное видение испанских традиций, заложенное в творчестве его великих земляков – Риберы, Рибалты, Веласкеса и Гойи.

Как и многие из его современников, Доминго уделял большое внимание использованию света в качестве основного элемента в живописи.
Его ранние работы были созданы под влиянием сдержанной палитры Эдуардо Росалеса, ну, и конечно, как я указал выше, Веласкеса и Гойи.Мастерство художника, как рисовальщика и колориста, лучше всего выражено в его портретах.Они считаются одними из лучших произведений этого жанра в Испании в конце 19 века.

Однако, как утверждают искусствоведы, технические возможности Франсиско не соответствовали силе его таланта, поэтому многие из его работ состоят из небольших жанровых картин, в которых он изображал бытовые

сцены 17 и 18 веков в стиле Эрнеста Мейсонье.При этом, искусствоведы считают отцом современной валенсийской школы живописи.Доминго и Маркес умер в Мадриде в 1920 году, оставив сына Роберто, который тоже стал художником.

Источники: Википедия, Энциклопедия испанской живописи.

Доре Поль Гюстав/Paul Gustave Doré(Иллюстрации)

1832–1883

Французский график и живописец, иллюстратер и гравер, является одним из наиболее известных и плодовитых иллюстраторов второй половины 19 века.
Gustave Dore pодился в семье строителя мостов Пьера-Луи-Христофора Доре.

С самого раннего детства поражал окружающих мастерством рисунка, например в десятилетнем возрасте выполнил иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. Спустя некоторое время в 1841 году семья художника перебирается в Бур.

Этот переезд оказал огромное влияние на всю художественную деятельность Доре. В 1847 году Доре вместе с матерью переезжает в Париж, где Гюстава определяют в лицей Шарлемань.

Затем молодой художник отправляется к главному редактору «Журналь пур рир» Филипону с серией рисунков подвигов Геракла и принимается в число сотрудников, получая при этом зарплату в 5000 франков.

В конце этого же года выходит альбом литографий «Подвиги Геркулеса», изданный Обером, в котором указывалось, что автор этих литографий — пятнадцатилетний художник, выполнивший их без учителя и классических штудий.

Известно, что художник делил свой рабочий день на три части: утро посвящалось графике, полдень — живописи, вечер — снова графике.

Доре так и не получил художественного образования, но проводил время в Лувре и Национальной библиотеке, изучая картины и гравюры. В том же 1847 году был опубликован альбом литографий «Подвиги Геркулеса».

В 1848 году художник становится участником салона, где выставляет свои работы. Спустя 4 года он порывает свои отношения с журналом. С этого момента Гюстав Доре занимается оформлением дешёвых изданий.

В 1853 году иллюстрировал Байрона. В 1854 году появляются иллюстрации к «Гаргантюа и Пантагрюэлю» и выходит альбом литографий «Парижский зверинец».

В 1855 году вышли в свет рисунки к «Озорным рассказам» Бальзака. 1860-е гг. принесли миру иллюстрации к «Аду» и «Раю» Данте, к сказкам Шарля Перро, к приключениям барона Мюнхгаузена и Дон Кихоту.

В 1867 году в Лондоне была проведена выставка произведений французского художника. С 1869 года сотрудничает с Блэнчардом Джероллдом. Блэнчарда Джероллда вдохновило издание «Microcosm of London» Томаса Роуландсона, Уильяма Пайна и Рудольфа Акерманна, изданное в 1808 году.

Поэтому возникает идея создать многосторониий образ Лондона и уместить его в одном издании. В результате этого Гюстав Доре подписывает пятилетний проект с Grant & Co. Художник обязывается пребывать в Лондоне в течение трёх месяцев и получает сумму в размере 10,000 £ в год в качестве трудовой оплаты.

Книга London: A Pilgrimage с 180 иллюстрациями увидела свет в 1872 году. Однако издание было холодно встречено критиками, именно так отнеслись к графику Art Journal и Westminster Review .

В 1870-х годах Доре выполнил цикл гравюр «Версаль и Париж», а также оформил издание по истории Испании. Доре называют величайшим иллюстратором XIX века за непревзойдённую игру света и тени в его графических работах.

Похоронен на кладбище Пер-Лашез.

Дрейпер Герберт Джеймс

1863–1920

Герберт Джеймс Дрейпер (1863–1920) последователь прерафаэлитов и классиков, английский художник викторианской эпохи возрождения.

Представитель неоклассицизма.

Он родился в Лондоне, учился в школе St John’s, а затем в Королевской Академии в Лондоне, и побывал в нескольких учебных поездках в Риме и Париже между 1888 и 1892 гг.

В 1889 году он выиграл в Королевской Академии путешествий стипендию и отправился в Испанию, Италию, Францию, Голландию и Бельгию. В 1890-х он работал и как иллюстратор. В 1891 он женился на мисс Иде Уильямс, в этом браке родилась дочь.

С 1894 начался самый продуктивный период его работы. Он сосредоточил свое внимание, главным образом на мифологических сюжетах из древней Греции.

Его картина «Плач по Икару», завоевала золотую медаль на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Хотя Дрейпер не был членом Королевской Академии, он принимал участие в ежегодной экспозиции с 1897 года.

Дрейпер был довольно известным художник при своей жизни.

В последние годы его популярность был утрачена и в наши дни он почти забыт.

Но сейчас он вышел из тени и его заслуги пересматривается.

Умер 22 сентября 1920 года в Лондоне.

Известен работами на историческую и мифологическую темы, а также портретами своих современников: «Водная нимфа», «Вампир», «Елисей и сирены», «Жемчуг Афродиты».

ван Дусбург Тео

1883–1931

Тео ван Дусбург[1] (нидерл. Theo van Doesburg, настоящее имя Christian Emil Marie Küpper; 30 августа 1883, Утрехт — 7 марта 1931, Давос) — нидерландский художник, архитектор и скульптор, теоретик искусства, один из основателей группы «Стиль» и художественного направления «неопластицизм
Жизнь и творчество:

Вместе с Питом Мондрианом организовал движение абстрактного искусства «Стиль» (De Stijl), программу и основные идеи которой выразил в издаваемом им художественном журнале того же названия. Основой взглядов ван Дусбурга была попытка, объективную гармонию произведения искусства свести во всех формах к определённым геометрическим элементам. Эту теорию ван Дусбург широко пропагандировал во время путешествия по Германии, Австрии и Чехословакии в 1917 году. Эти новые принципы вскоре оказали значительное влияние на развитие архитектуры, литературы, графики и музыки.

По профессии ван Дусбург был архитектором, живописи же учился самостоятельно. Прямоугольному построению картин Мондриана ван Дусбург противопоставил диагональное, назвав его «контракомпозицией». Для защиты своей художественной позиции, не совпадающей с манерой Мондриана, художник излагает свои идеи в изданном им в 1930 году журнале «Арт конкрет», вышедшем всего один раз. Во время своего кратковременного увлечения дадаизмом ван Дусбург издаёт в 1922 году дада-журнал «Мекано». В 1926—1928 годы ван Дусбург работает совместно с Гансом Арпом и Софией Тобер-Арп над перестройкой и оформлением ночного ресторана «Обетт» в Страсбурге. Тео ван Дусбург со своим движением «Стиль» оказал значительное влияние на появившееся позже конкретное искусство.

Избранные произведения:
-«Композиция противовеса VIII» 1924 Чикаго, Институт искусств
-«Витраж III» 1917 Гаага, Королевский музей изобразительного искусства
-«Комната в доме Барта ван дер Лигта» 1919 Гаага, Королевский музей изобразительных искусств
-«Контра-конструкция, дом художника» 1923 Гаага, Королевский музей изобразительных искусств
-«Конструкция цвета в четвёртом измерении пространства-времени» 1924.

Дьюинг Томас Уилмер(Thomas Wilmer Dewing)

1851–1938

Томас Уилмер Дьюинг — американский художник, пейзажист. Представитель тонализма.

Родился 4 мая 1851 года в Newton Lower Falls, штат Массачусетс.

Учился в Академии Жюльена в Париже, а затем продолжил свое творчество в студии в Нью-Йоркt.

Женился на художнице Марии Дьюинг Оки (Maria Oakey Dewing).

Thomas Wilmer Dewing получил известность благодаря его тонально приближенному характеру письма. Его картины по своему жанру близки к английскому эстетизму.

Излюбленной темой художника были женские образы часто сидящие и играющие на инструментах, либо пишущих письма, либо мечтательно проводящие время на природе, но всем им характерно ощущение прозрачности и цветовой гармонии.

Дьюинг был одним из членов » Ten American Painters», группы американских импрессионистов.

Особенно интересны его картины, написанные в изумрудной цветовой гамме. Как правило, он писал женщин.

Они музицируют, пишут письма, читают, гуляют в саду, примеряют вечерние платья… Их лица почти не видны, их выражение трудно уловить… Часто мы видим их издали, что создаёт какую-то загадочную и таинственную атмосферу.

Дьюинг никогда не прописывает детали пейзажа, — прописаны только фигуры, а всё вокруг пребывает как будто в легкой дымке или тумане.

Некоторые критики находят в работах Дьюинга черты французского символизма.

Наиболее известные работы: «Лето» 1890, «Перед зеркалом» 1910, «Лютня» 1904, «Комедия» 1895, «В саду» 1892, «Леди с лютней», «Пианино» 1891.

Умер 5 ноября 1938 года.

Дэтти Цезарь-Огюст

1847–1914

Cesare-Auguste Detti родился в Spolete, Италия, 28 декабря 1847 и умер в Париже 19 мая 1914.

Считается историческим живописцем. Detti получил свое официальное образование в l’Academie de Saint-Luc.

Он развивал свои способности у Marsal y Fortuny (1838–1874) и Francesco Podesti (1800–1895).

После завершения своего образования, он начал выставляться.

Его первая выставка была в Неаполе в 1872 году, а затем в Риме в 1876 году.

Затем Detti начал получать приглашения, на выставки по всему миру.

Он отправился в Париж в 1876 году, чтобы открыть свою студию.

По приезду в Париж, участвовал в выставке в салоне Des Artistes Francais.

В 1889 году Detti был награжден бронзовой медалью на l’Exposition Universelle, и получил серебро в 1900 году.

Признание художник получил за жаровую живопись и отображение исторического костюма 19 века.

Дювенек Фрэнк

1848–1919

Фрэнк Дювенек (англ. Frank Duveneck) — американский художник, портретист, скульптор, график и педагог.

Представитель реализма. Родился 9 октября 1848 г.

Родился в семье немецких эмигрантов. После смерти его отца, Бернгарда Деккера, мать Фрэнка выходит замуж вторично, и мальчик берёт фамилию отчима. Ф. Дювенек начинает изучать живопись в Цинциннати.

В 1869 году он уезжает в Германию и поступает в Королевскую Академию искусств в Мюнхене, в класс Уильяма Чейза. По окончании учёбы открывает в Мюнхене собственную художественную мастерскую.

В 1873 году Ф.Дювенек возвращается в Америку и 2 года преподаёт в Механическом институте Огайо. В 1875 он снова в Мюнхене, в 1876 году художник едет в Париж, а на следующий год — на 9 месяцев в Венецию.

В 1879 он совершает новое путешествие в Италию. В 1886 году Дювенек женится на своей ученице, 20-летней уроженке Бостона, художнице Элизабет Бут (жившей в то время во Флоренции и учившейся живописи у Ф. Дювенека).

Через 2 года Элизабет умирает в Париже от воспаления лёгких. Пережив эту трагедию, Фрэнк на время оставляет живопись и обращается к скульптуре.

Вернувшись в США, художник селится в Цинциннати, где и остаётся до конца своих дней, преподавателем в местной Академии искусств.

Среди его учеников следует отметить Дж. У. Александера, Джозефа Родефера де Кампа, Кеньона Кокса, Джона Генри Твичтмана. В начале своего творческого пути Ф. Дювенек пишет преимущественно портреты в реалистической манере.

После пребывания во Франции и Италии он создаёт также пейзажи и бытовые сценки, постепенно эволюционируя в сторону импрессионизма.

Умер 3 января 1919 г. Среди его самых известных картин «Леди с Поклонником» 1873, «Свистящий Мальчик» 1872, «Флорентийская Цветочница» 1887, «Сиеста» 1887, «Итальянский дворик» 1887, «Девочка с граблями» 1884, портреты «Женщина с незабудками», «Портрет Француазы Хинкел», «Портрет Мэгги Вильсон», «Элизабет Бут Дювенек».

Дюпре Жюль

1811–1889

Французский художник.

Дюпре начал свое творчество с росписи по фарфору на фабрике своего отца.

После короткого   пребывания в мастерской пейзажиста Диебола, он начинает самостоятельно работать на натуре.

Вскоре после своего первого участия в Салоне (1831), Дюпре знакомится с Теодором Руссо; они работают вместе, и подчас бывает трудно разграничить их взаимные влияния.

Вместе они путешествовали по Франции, вплоть до конца своей дружбы в 1849. Лучшим примером того периода является картина <Шлюз> (1846, Париж, Лувр).

Он был поражен работами английских пейзажистов (Констебль), открытыми им в Лондоне в 1834, а также голландскими художниками XVII в., которым он подражал (<Водопой>, 1836, Реймс, Музей изящных искусств; <На дороге>, 1856, Чикаго, Художественный институт).

Дюпре был противоречивой личностью. Являясь одним из наиболее  характерных представителей Барбизонской школы, он оказался в ней чисто случайно и, в отличие от его соперников, его романтизм со временем усиливался.

Его поздним произведениям, нередко вдохновленным берегами Северного моря, присуща порывистость кисти и лиризм, забытый современниками (<Дюны>, ок. 1787, Глазго, Художественная гал.).

Он создал также прекрасные офорты.

Его произведения представлены в Лувре (25 картин), в музее Месдаг в Гааге (7 картин), в Музее изящных искусств в Реймсе и в Художественном институте в Чикаго.

Его брат, Виктор Дюпре (1816, Лимож — 1879, Париж) был его учеником. Он писал пейзажи, очень близкие к пейзажам брата, но не достиг, однако,его популярности.