Таннауэр Иоган Готфрид/Johann Gottfried Tannauer(Исторический портретный жанр)

1680–1737

Иоганн Готфрид Таннауер (нем. Johann Gottfried Tannauer, возможно Dannhauer, 1680—1733 или 1737) — немецкий живописец, портретист, миниатюрист.

Придворный художник при Петре I. Работал в Российской империи с 1711 по 1737г.

После манифеста Петра I о привлечении в Россию иностранцев особенно усилился наплыв немецких художников.

В маленькой Германии работы для них не было, поэтому художников привлекала работа в неизвестной и далекой России.

Одним из самых популярных немецких художников петровского времени был Иоганн Готфрид Таннауэр .

Он был один из первых мастеров, принявших приглашение Петра и заключил контракт о поступлении в русскую службу в Вене, в октябре 1710 года.

Родился в 1668 году в Саксонии в семье живописца. В молодости Таннауэр работал в Швабии часовщиком, потом занимался изготовлением музыкальных инструментов. В 1690-х годах решил посвятить свою жизнь живописи, которой стал обучаться в мастерской известного итальянского портретиста Себастьяно Бомбелли (Sebastiano Bombelli) в Венеции.

В конце XVII столетия Таннауэр прибыл во Фландрию, затем в Нидерланды, где совершенствовался в живописи, копируя произведения великого Рубенса.

Будучи рекомендован живописцем Купецким Петру Великому во время пребывания этого государя в Карлсбаде, переехал по высочайшему приглашению императора в Санкт-Петербург.

В начале 1710-х годов Таннауэр сопровождал императора в Прутском походе, состоял придворным живописцем дома Романовых до 1725 года, затем продолжал работать в Санкт-Петербурге до конца своей жизни.

Таннауэр писал в основном портреты особ императорской фамилии и сановных вельмож из близкого круга Петра Великого, также создал несколько батальных сцен.
Кистью художника исполнено несколько портретов Петра I (Русский музей и Эрмитаж), также портреты царевича Алексея Петровича (Русский музей), императрицы Анны Иоанновны (Царскосельский и Гатчинский дворцы), графа Петра Андреевича Толстого (Государственный Эрмитаж), генерал-аншефа Алексея Даниловича Татищева и генерал-прокурора графа Павла Ивановича Ягужинского (оба Усадьба-музей Кусково), дочерей Александра Даниловича Меншикова Марии и Александры (Меншиковский дворец). Иоганн Готтфрид Таннауэр скончался в 1737 году в Санкт-Петербурге.

Неоднократно писал портреты Петра I и Екатерины I.

Одной из самых известных его картин является конный портрет Петра: “Петр I в Полтавской битве” 1710-х годов.

Таннауеру принадлежит и несколько других портретов Петра I, из них на сегодняшний день известны профильный портрет из музея «Кусково» и портрет на фоне Полтавской битвы (1710-е годы, ГРМ).

По свидетельству современников, художник портретировал Петра I в 1714, 1722 и 1726 годах. Ему также доверили писать Петра на смертном ложе (ГЭ). Ф. К. Фридебург в 70-е годы XIX века насчитал по крайней мере шесть портретов Петра I работы Таннауера.

О художнике есть ценное упоминание в книге Я. Штелина «Любопытные и достопамятные сказания о императоре Петре Великом»: «В последние свои лета Петр Великий имел в своей службе искусного портретного живописца Данненгауэра, который совершенно на италианский вкус прекраснейшими красками и с отменным расположением света и тени совершенно подобные изображения сего Монарха и Его Супруги написал в различном положении» (Штелин Я. Любопытные и достопамятные сказания о императоре Петре Великом. — М., 1788. С. 120.).

После смерти Петра I Таннауер не покинул Россию, он лишь в 1728 году съездил ненадолго в Польшу.

Умер он в 1737 году в Петербурге.

У Таннауера были многочисленные русские ученики, среди них — Иван Никитин, первый русский портретист, П. Еропкин, впоследствии известный архитектор, и живописец Ф. Черкасов, уехавший в 1716 году в Италию.

Сын Таннауера, Иоганн Себастьян, учился гравированию при Академии наук.

По материалам: Википедия, Русского биографического словаря А. А. Половцова и Энциклопедического словаря Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Таннинг Доротея/Tanning Dorothea(Сюрреализм)

1910–2012

Доротея Таннинг (англ. Dorothea Tanning; 25 августа 1910, Гейлсберг — 31 января 2012, Манхэттен, Нью-Йорк) — американская художница, представительница сюрреализма.

До недавнего времени одна из последних живых участников движения сюрреалистов.

Потомок эмигрантов из Швеции,Таннинг родилась 25 августа 1910 года в городке Гейлсбург в штате Иллинойс в Америке.

В 1930 покинула семью и приехала в Чикаго учиться живописи Обучалась в колледже Кнокс, затем недолго в Академии искусств в Чикаго.

Переехав в Нью-Йорк в 1935 году, работала рекламным художником.В 1936 на выставке сюрреалистов и дадаистов открыла для себя современное искусство.

После посещения выставки «Фантастическое искусство, дадаизм и сюрреализм» (Фantastic Art, Dada & Surrealism) в 1936 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке и знакомства с кругом сюрреалистов Дороти Таннинг решает заниматься живописью профессионально.

В 1939-1941 годах Таннинг посещает Францию и Швецию, перед войной возвращается в штаты. В 1942 вошла в группу сюрреалистов, сформировавшуюся в Нью-Йорке вокруг Андре Бретона.

В 1943 сблизилась с Максом Эрнстом. Первая выставка ее картин прошла в галерее Жюльен Левай в 1944 году.

Темой ранних картин Дороти Таннинг в основном являлись сексуальные страхи и фантазии молодых женщин.

Сюрреалистическим работам Таннинг на протяжении долгой творческой деятельности всегда были свойственны колоритность, характерный почерк и мощь.

В Нью-Йорке Доротеа Таннинг встретила Макса Эрнста и вступила с ним в брак в 1946 году.

После свадьбы супруги переехали в Аризону, затем в середине пятидесятых во Францию. Спустя двадцать лет, после смерти Эрнста, Доротеа Таннинг возвращается в Нью-Йорк.
К этому времени, как художник, Таннинг была значительно более известна в Европе, чем на своей родине в США.

В Нью-Йорке Доротеа Таннинг начинает новую этапную серию картин, отмеченных новизной и разноплановостью («Все еще в Студии», 1978, — эта работа одного из наиболее живых и активных периодов в ее позднем творчестве).

Помимо своей деятельности художника, скульптора и иллюстратора, Таннинг создавала декорации и эскизы костюмов для балета и театров в Нью-Йорке, Лондоне и Париже. Доротеа Таннинг принимала участие в оформлении альбомов известных рок-групп (Pink Floyd и др.).

Картины Доротеи Таннинг находятся во многих собраниях живописи, в частности, в Галерее Тэйт в Лондоне, Центре Жоржа Помпиду в Париже, Музее современного искусства в Нью-Йорке и других музеях.

Выступала как живописец, скульптор, график, сценограф, книжный оформитель (работала над книгами Андре Пьейра де Мандьярга, Герасима Люка и др.). Принимала участие во второй выставке documenta (1959) в Касселе.В 1974 ретроспектива её работ была представлена в Центре Помпиду в Париже. К столетию художницы музей Макса Эрнста в Сеяне организовал в октябре 2010 экспозицию Happy Birthday Dorothea Tanning.

По материалам: Википедия, Официальный сайт художницы, Работы в музеях мира. Биографический материал о художнице.

Таулов Фриц( Frits Thaulow)

1847–1906

Фриц Таулов (норв. Frits Thaulow, 20 октября 1847, Христиания — 5 ноября 1906, Волендам, Нидерланды) — норвежский художник-пейзажист, один из наиболее значительных представителей норвежской живописи XIX века.

Родился в семье аптекаря.

Таулов учился в Академии художеств в Копенгагене у Карла Фредерика Сёренсена с 1870 по 1872 год, затем в 1873 — 1875 годах в Карлсруэ у Ханса Гуде. Так как Сёренсен был маринистом, то и Таулов начинал с морских пейзажей. Затем он переехал в Париж, где оставался до 1880 года, и испытал сильнейшее влияние французских импрессионистов.

Таулов также часто проводил время в художественной колонии скандинавских художников, основанной Микаэлем Анкером, в датском Скагене на северной оконечности полуострова Ютландия.

В 1880 году он вернулся в Норвегию, где наряду с Кристианом Крогом и Эриком Вереншёллем стал одной из крупнейших фигур художественной сцены Осло, выступавших за самостоятельную ценность искусства и распространением его за пределы круга интересов обывателей.

В 1882 году стал одним из основателей ежегодной выставки современного искусства в Осло, Høstutstillingen («Осенняя выставка»). В Осло Таулов в основном работал над городскими пейзажами, всегда на пленэре, изображая идущих по улицам людей.

Кроме того, он получил известность своими зимними пейзажами, изображением снега. В 1892 году Таулов снова переехал во Францию, в 1898 году, после путешествия в США, окончательно поселился в Париже.

Фриц Таулов был одним из немногих норвежских художников, получивших международную известность, при жизни он был достаточно финансово успешен и выставлялся в престижных галереях.

Умер в Нидерландах в 1906 году.

Тенирс Давид/Teniers David(Барокко, жанровые сцены)

1610–1690

Давид Тенирс Младший (нидерл. David Teniers; крещён 15 декабря 1610, Антверпен — 25 апреля 1690, Брюссель) — один из наиболее значимых художников и гравёров фламандский школы, наряду со своими соотечественниками Рубенсом и ван Дейком.

Писал картины на религиозные темы, жанровые сцены, сцены деревенской жизни, интерьеры, портреты, пейзажи. Старший из 4 сыновей художника Тенирса Старшего (нидерл. Teniers, David I, the Elder) и Димфны Вилде (нидерл. Wylde, Dymphna). Крещён 15 декабря 1610 г.

Первые уроки живописи брал у отца. Считается также, что он учился у Рубенса и Браувера, но подтверждающих этот факт письменных свидетельств не сохранилось. Принято также считать, что его ранние годы были непростыми, что было связано с финансовыми трудностями его отца, однако именно эти обстоятельства позволили ему довольно рано добиться успеха.

В 1633 г. он вступил в Гильдию Святого Луки (нидерл. Sint-Lucasgilde) Антверпена в качестве мастера, а 4 июля 1637 г. женился на дочери знаменитого художника Яна Брейгеля Старшего. Брак принёс ему солидное приданое, а также дружбу и покровительство Рубенса.

В 1644 г. занял должность декана антверпенской Гильдии Святого Луки. Эрцгерцог Леопольд Вильгельм Австрийский, назначенный в 1647 г. губернатором Испанских Нидерландов, стал покровителем художника и 1651 г. пригласил его в Брюссель к своему двору как придворного живописца и хранителя (исп. ayuda de cámara) обширных художественных коллекций.

Тенирс создал серию интерьеров этой галереи с картинами на стенах, а около 1655 г. он написал уменьшенные копии с 243 полотен старых итальянских мастеров из коллекции эрцгерцога, в которую всего входило свыше 500 картин.

Эти копии были использованы для изготовления гравюр, изданных в 1660 г. в альбоме «Театр живописи» (лат. Theatrum Pictorium), по сути первого в истории иллюстрированного каталога частной коллекции.

Эрцгерцог также рекомендовал художника европейским монархам, что повлекло огромное количество заказов. В частности, король Испании Филипп IV купил столько картин художника, что пришлось строить новое здание галереи, чтобы вместить их. Вильгельм II Оранский и шведская королева Кристина также были горячими поклонниками его таланта.

Дон Хуан Австрийский Младший, незаконнорожденный сын короля Филиппа IV и актрисы Марии Кальдерон, в 1656 г. занявший место эрцгерцога на посту губернатора, продолжал оказывать художнику покровительство и, по преданию, даже брал у него уроки живописи.

Жена художника, Анна Брейгель, умерла 11 мая 1656 г. Тенирс тяжело переносил вдовство и 21 октября того же года женился вновь на Изабелле де Френ (нидерл. de Fren, Isabelle), сестре Андре де Френа (нидерл. de Fren, André), секретаря консула Брабанта.

В 1662 г. он купил замок близ Вилворде у Елены Фурман, второй жены Рубенса, и её второго мужа Яна-Баптиста ван Брукховена (нид.). Замок стал его летней резиденцией. Он играл важную роль в основании антверпенской Академии художеств (англ.) в 1663 г. и был назначен её первым директором.

В том же году он был удостоен дворянского звания, после чего перестал требовать деньги за написанные им картины. Конец его жизни был омрачён не только болезнями, но и семейными дрязгами.

После смерти его второй жены в 1683 г. дети от первого брака начали против отца судебный процесс, который продолжался вплоть до его смерти 25 апреля 1690 г. и закончился только в 1692 г.

Его ранние работы вполне традиционны для фламандской живописи. С 1632 г. под влиянием Браувера он начинает писать жанровые картины и пейзажи с доминированием коричнево-серой гаммы.

На вершине своей карьеры, с 1640 по 1650 г., писал отличающиеся тщательностью манеры, небольшие по размерам жанровые сцены, главным образом идиллические сценки крестьянского быта. Его палитра становится ярче и изысканнее. Созданные им религиозные композиции трактованы в жанровом духе. В пейзажной живописи художника заметно сильное влияние Рубенса

.Пейзажам Тенирса («Горный пейзаж», 1640, Эрмитаж, Ленинград) свойственна тонкая разработка световоздушных эффектов,которые привлекают лиризмом. Исполненные легкими линиями, почти прозрачными красками, они кажутся пронизанными воздухом, проникающим сквозь пушистую листву рассеянным светом и вибрирующими тенями («Вид в окрестностях Брюсселя», Санкт-Петербург, Эрмитаж). Особенно характерны для Тенирса идеализированные идиллические сцены крестьянского быта («Деревенский праздник», 1646, «Крестьянская свадьба», 1652, обе — там же). Его портреты пронизаны скрытой иронией.

В больших по размерам, но мелкофигурных композициях, красивых по цвету и декоративному решению, Тенирс любил изображать веселые трапезы с танцами под открытым небом, крестьянские свадьбы («Деревенский праздник», 1646, Санкт-Петербург, Эрмитаж), создавая в них идиллические картины радостной, беззаботной, исполненной довольства жизни.

В последние 10 лет жизни его палитра вновь темнеет до изысканной светло-серебристой гаммы, а мазок становится тяжелее. В XVIII в. сюжеты полотен Тенирса часто воспроизводились на французских гобеленах. Произведения художника хранятся практически во всех значимых музейных собраниях мира.

По материалам :Википедия.

Терборх Герард/Terborch Gerard(Барокко, бытовой жанр)

1617-1681

Герард Терборх (нидерл. Gerard ter Borch; конец декабря 1617, Зволле — 8 декабря 1681, Девентер) — нидерландский живописец.

Герард Терборх считается одним из главных мастеров голландской жанровой живописи.

Свои первые шаги в искусстве он сделал под руководством своего отца, Герарда Терборха Старшего.

Первые картины младшего Герарда, датированные 1625 годом, бережно хранил отец, они сохранились и до нашего времени.

Это жанровые сцены, преимущественно ландшафты в окрестностях города Зволле. К 1632 году относятся упоминания о пребывании Герарда Терборха в Амстердаме.

В 1633 году Герард Терборх отправился учиться в Харлем к пейзажисту Питеру де Молину.

Двумя годами позже он получил должность мастера и соответственно право подписи собственных работ.

Первая картина мастера Терборха датируется 1635 годом. Летом того же года Терборх уехал в Лондон к своему дяде, Роберту Ван Версту, успешному гравёру по меди.

Здесь он познакомился с Антонисом Ван Дейком. Приблизительно в 1636 году Терборх вернулся на некоторое время в Зволле.

Откуда он ездил учиться в Италию и Испанию. В Мадриде он написал портрет испанского короля Филиппа IV, который не сохранился.

С 1640 по 1645 год он проживал в Голландии, преимущественно в Амстердаме.
В Амстердаме проснулся его интерес к жанровой живописи.

Он стал популярным портретистом благодаря своей поездке в Мюнстер на мирные переговоры между Голландией и Испанией в 1646 году по приглашению голландского посла Адриана Поу.

В Мюнстере Терборх написал портреты присутствовавших на переговорах дипломатов, чем привлёк внимание испанского посла графа Пеньеранда.

Граф принял Терборха на службу, и Герард Терборх присутствовал при заключении сепаратного мира между Голландией и Испанией 15 мая 1648 года.

Это событие он запечатлел в своей известной картине «Заключение мира в Мюнстере», хранящейся в настоящее время в Национальной галерее в Лондоне.

В том же году Герард Тербох вернулся в Голландию и работал в разных городах страны. Он жил поочерёдно в Амстердаме, Гааге, Харлеме, Кампене и Зволле.

За короткое время он достиг настоящего мастерства в жанровой живописи и стал наиболее значительным представителем жанра.

После женитьбы 14 февраля 1654 года остался в Девентере. С 1660 года он всё больше тяготел к портретной живописи, в это время Терборхом было создано лишь несколько жанровых картин.

Несмотря на длительное пребывание в заграничных поездках, Герард Терборх остался верным голландской школе живописи.

В ранних работах отчётливо прослеживается влияние Питера Кодде и Виллема Дуйстера и чувствуется интерес художника к изображению человеческих фигур. Люди на картинах Терборха освещены обычно с одной стороны или находятся в скудно обставленных помещениях.

Если вначале Терборх пишет в основном сцены из крестьянской жизни и солдат, то с 1648 года он специализируется на интерьерных сценах с небольшим количеством человеческих фигур: галантных пар, дам за чтением, письмом и музицированием.

Герард Терборх по-новому решил задачу расположения фигур и стал примером для подражания молодых мастеров — Габриэля Метсю, Питера де Хоха и Яна Вермеера.

На портретные работы Герарда Терборха повлиял харлемский художник Хендрик Пот.

Стиль Терборха сформировался к началу 1640-х годов и почти не менялся.Люди на портретах Герарда Терборха обычно одеты в чёрное и расположены на нейтрально сером фоне.

К числу лучших произведений мастера принадлежат такие работы мастера, как Концерт (ок. 1672–1675, там же), Туалет дамы (ок. 1660, Институт искусств, Детройт); Бокал лимонада (ок. 1665), Получение письма (1660-е годы; обе работы – Эрмитаж, Петербург). Не раз обнаруживал и большой талант портретиста (Автопортрет, ок. 1665–1670, Маурицхейс, Гаага).

Умер Терборх в Девентере 8 декабря 1681

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона, Каталог работ художника

Тербрюгген Хендрик/Terbrugghen Hendrick(Утрехтский караваджизм, портрет)

1587–1629

Хендрик Тербрюгген (нидерл. Hendrick Jansz Terbrugghen или нидерл. ter Brugghen; 1588, Девентер или Гаага — 1 ноября 1629, Утрехт) — нидерландский живописец.

Биография:

Место рождения будущего художника предположительно.

В начале 1590-х его семья переехала в Утрехт.Учился в Утрехте у А.Блумарта.

В тринадцатилетнем возрасте он начал учиться живописи, испытал влияние маньеризма.

В 1604 или 1607 приехал в Рим совершенствоваться в искусстве, по предположениям, познакомился с Рубенсом и с Караваджо.

Он внимательно изучал мастерство Караваджо, как и работы итальянских караваджистов (Орацио Джентилески).

На изобразительную манеру Тербрюггена повлияли также Аннибале Карраччи (соперник Караваджо), Доменикино, Гвидо Рени.

После возвращения через Милан и Швейцарию в Утрехт (1614) работал вместе с Г. ван Хонтхорстом и другими «утрехтскими караваджистами». В 1616 был принят в Гильдию Святого Луки, в том же году женился.

В 1626 приобрёл в городе большой дом.

В 1627 встречался с Рубенсом, приехавшим в Утрехт. Умер во время чумной эпидемии.

Жизнь Хендрика Тербрюггена оборвалась рано; он умер в расцвете сил, не успев осуществить всех возможностей свое­го таланта. Но созданные им произведения говорят о том, что художник сумел найти свой индивидуальный путь, оста­ваясь в пределах караваджистской школы.

Будучи одним из ведущих (наряду с Герардом ван Хонтхорстом) мастеров так называемого утрехтского караваджизма, Тербрюгген писал преимущественно полуфигуры певцов и музыкантов (“Флейтист”, 1621, Картинная галерея, Кассель; “Концерт”, 1626, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), религиозные и мифологические композиции, трактованные как жанровые сцены (“Призвание апостола Матфея”, 1621, “Заснувший Марс”, 1629, — обе в Центральном музее, Утрехт).

Зрелые произведения Тербрюггена выделяются созерцательностью эмоциональной атмосферы, мягкими, но отчетливыми светотеневыми контрастами, материальной осязаемостью пластической лепки, серебристым тональным колоритом.

Как для всех караваджистов, для живописи Тербрюггена очень характерна активная роль света.

Но в противополож­ность резким контрастам «погребного» освещения Каравад­жо или эффектам ночного освещения Хонтхорста, усиливаю­щим ощущение драматической напряженности, Тербрюгген трактовал свет в более жанровом, интимном характере.

Во многих композициях мастера горящая на столе свеча озаряет сцену мягким теплым светом и сообщает ей атмосферу камер­ности и уюта.

Кроме того, в отличие от большинства кара­ваджистов, художник часто обращался к солнечному днев­ному освещению.

Среди утрехтских последователей Кара­ваджо Тербрюгген выделяется как наиболее тонкий живо­писец и художник лирического склада.

Он умело сглажива­ет пестроту контрастов звучных желтых, голубых, красных, зеленых цветов картины единым тоном освещения — тепло­го вечернего или серебристого дневного.

Органичнее всего эти две грани дарования Тербрюггена — живописный талант и лиризм — объединялись в изображе­нии музицирующих компаний, придавая «концертам» ху­дожника особую привлекательность.

Ритм силуэтов фигур, повороты, наклоны голов, переданное мимикой лиц и осве­щением настроение обладают музыкальной выразитель­ностью.

С полотен художника как будто доносятся звуки веселой песенки («Концерт», 1626, Государственный Эр­митаж, Ленинград) или мелодия лирического дуэта («Кон­церт», 1628/29, Ледбери, собрание Батхерст).

Особой красо­ты выражения достиг Тербрюгген в картине «Флейтист» (1621, Государственные художественные собрания, Кассель).

Ме­лодия флейты, которую с серьезной сосредоточенностью вы­водит юноша, кажется материализованной в струящихся потоках дневного света, объединяющих в гармоничный ак­корд светло-желтые, голубые и оливковые тона.

Серебрис­тый колорит и созерцательное настроение этого произведе­ния предвещают поэтическое искусство Вермера Дельфтского.

Признание:

Живопись Тербрюггена, отличающуюся глубокой меланхолией и драматической силой, высоко ценили Рембрандт, Халс, Вермеер. Рубенс считал его лучшим из мастеров Утрехта. Работы Тербрюггена представлены в крупнейших музеях Европы и США.

Произведения:
-Поклонение волхвов (1619, Амстердам, Королевский музей)
-Флейтист (1621, Кассель, Художественная галерея)
-Призвание Святого Матфея (1621, Утрехт, Главный музей)
-Царь Давид, играющий на арфе (Варшава, Национальный музей)
-Фома неверующий (ок.1621-1623, Амстердам, Королевский музей)
-Игроки (1623, Миннеаполис, Художественный институт)
-Старик, пишущий при свече (1623—1627, Нортгемптон, Художественный музей Смитовского колледжа)
-Волынщик (1624, Кёльн, музей Вальраф-Рихартс)
-Освобождение апостола Петра (1624, Гаага, Мауритцхёйс)
-Поющий лютнист (1624, Лондон, Национальная галерея)
-Святой Себастьян, врачуемый Святой Ириной (1625, Оберлин, Огайо, Алленовский мемориальный художественный музей)
-Распятие с Богоматерью и Святым Иоанном (ок.1625, Нью-Йорк, музей Метрополитен)
-Вакханка с обезьянкой (1626, Лос-Анджелес, музей Гетти)
-Концерт (1626, Лондон, Национальная галерея)
-Иаков, укоряющий Лавана (1627, Лондон, Национальная галерея)
-Меланхолия или Мария Магдалина (1627—1628, Торонто, Художественная галерея)
-Демокрит (1628, Амстердам, Королевский музей)
-Гераклит (1628, Амстердам, Королевский музей)
-Дуэт (1628, Париж, Лувр)

Ценовые рекорды:

Работа «Волынщик» была продана 29.01.2009 на аукционе «Sotheby’s» за $10,2 млн при эстимейте $4—6 млн.
По материалам: Википедия, Энциклопедия мировой живописи. Работы художника в музеях мира., Перечень работ художника.

Тернер Уильям(Joseph Mallord William Turner)

1775-1851

Британский художник. Предшественник импрессионистов.

Родился 23 апреля 1775 года в Лондоне. Отец Уильяма был цирюльником. Непростая обстановка в доме (душевная болезнь матери) заставила будущего художника переехать в Брентфорд к дяде. Уже в это время Тернер начинает проявлять интерес к живописи. Окончив школу, он поселяется в Лондоне. В этот период Тернер много работает у топографов и архитекторов. Один из них, Томас Молтон, становится первым учителем Уильяма в искусстве живописи.

В 1789 году Тернер поступил в Академию художеств в Лондоне. Значительное влияние на формирование мировоззрения начинающего художника оказал Рейнолдс. В этот же период Тернер работает для доктора Моро. Эта работа заключалась в копировании рисунков друзей доктора Моро.

В 1787 году художник создает свою первую акварельную работу. В это время он работает исключительно над акварелями и только значительно позднее начинает писать маслом. В 1790 году состоялась выставка в Академии, на которой был представлен один из акварельных пейзажей, написанных Тернером. Впоследствии участие художника в таких выставках стало регулярным.

Начало века для Тернера было ознаменовано работой над панорамой «Битва на Ниле», посвященной войне с французами, и картиной «Пятая египетская казнь». Последняя была приобретена меценатом Уильямом Бекфордом. С 1791 года Тернер был художником-сценографом в «Пантеон Опере», а также давал уроки живописи.
В 1802 году Тернер становится членом Королевской академии художеств. Он решает отправиться в Париж, чтобы познакомиться с произведениями, представленными в Лувре. Впечатления, полученные по пути туда, стали основой для картины ««Мол в Кале. Французские рыбаки выходят в море; прибывает английское пассажирское судно». Продолжал работать художник и в Швейцарии, которую он посетил вскоре.

Тернер стал самым молодым среди художников, получивших звание королевского академика. При этом художник непрерывно работал над усовершенствованием своей техники.

В своих картинах он создает новый вид пейзажа, раскрывающий переживания и воспоминания художника.

Образы людей, практически всегда встречающиеся в работах Тернера, подчеркивают бессилие человека перед природной стихией.

Большую известность имели картины Тернера, посвященные войнам при Наполеоне («Поле Ватерлоо», «Трафальгарская битва»). Новаторское творчество позднего периода оценивалось публикой неоднозначно.

Тернер умер 19 декабря 1851 года в Лондоне.

Тизи Бенвенуто/Tisi Benvenuto(Эпоха возрождения,Маньеризм)

1481-1559

Бенвенуто Тизи, прозвище Гарофало(итал. Benvenuto Tisi Garofalo, настоящее имя Benvenuto da Tisi) (1481, Феррара — 6 сентября 1559, там же) — итальянский художник.

Своё прозвище художник получил по гвоздике на своём гербе. Некоторые картины Гарафало, помечены вместо подписи изображением гвоздики (по-итальянски «гвоздика» — garofalо).

Биография:
Родился в местечке Тизи близ Феррары в 1481 году.

С 1491 года Гарафало состоял в Ферраре на обучении у Доменико Панетти, а в 1498 г. отправился в странствия, которые привели его в Кремону в мастерскую Боккаччио Боккаччини.

В январе 1499 г. он тайно покинул своего учителя и оправился в Рим, где работал вместе с флорентийцем Джованни Балдини.

В 1501 г. он перебрался в Болонью, где два года работал в мастерской Лоренцо Коста, потом вернулся в Феррару в 1504 г. и работал некоторое время с братьями Досси.

В 1509 г. состоялся его второй переезд в Рим, где Бенвенуто Тизи работал с Рафаэлем, пытаясь приблизить ломбардский стиль к стилю Рафаэля.

В 1512 г. Тизи вернулся в родной город, где выполнял многочисленные заказы герцога Альфонса. В 1531 году Тизи ослеп на один глаз.

Опасаясь полностью ослепнуть он дал обет, безвозмездно трудиться, включая выходные, над фресками и картинами для Феррарского монастыря бернардинок.

После чего проработал еще около двадцати лет, пока окончательно не потерял зрение в 1550 году. Фрески не сохранились.

Скончался Бенвенуто Тизи 6 сентября 1559 года в Ферраре.
В России Гарофало высоко ценили с 1720 года когда Петр Беклемишев (он был дипломатическим представителем, Петра I в Италии) преподнес его «Положение во гроб» Петру I как работу «славного и древняго аутро именованного Рафаэль Д`Урбино».

Восемь картин «Феррарского Рафаэля» (рафаэлевских по композиции) обедневший монастырь в 1792 году продал Папе римскому Пию VI. Спустя полвека половину из них купил Николай I.

Для Эрмитажа были приобретены четыре картины Гарофало: «Брак в Кане Галилейской»; «Аллегория Ветхого и Нового Заветов», «Несение креста» и «Чудо с хлебами и рыбами».

Последняя в 1931 году, была передана во вновь организованный Дальневосточный художественный музей Хабаровска.
Антология работ:
-Домиником и Екатерины Сиены (ок. 1500-1505) — Национальная галерея , Лондон
-Поклонение ребенка (1508-1509) — Пинакотека Nazionale , Феррара
-Поклонение волхвов (ок. 1520-1530) — Высокий художественный музей , Атланта
-Мадонна с младенцем (1510) — Galleria арте Studiolo, Милан
-Нептун и Паллас (1512) — Художественная галерея, Дрезден
-Мадонна делле Nuvole (1514) — Пинакотека Nazionale, Феррара
-Святой Екатерины Александрийской (ок. 1515-1530) — Национальная галерея, Лондон
-Мадонна дель Baldacchino (1517) — Национальная галерея, Лондон
-Мадонна с младенцем на троне со святыми Уильяма Аквитании, Клэр, Антония Падуанского и Франциска (1517-1518) — Национальная галерея, Лондон
-Видение святого Августина (ок. 1518) — Национальная галерея, Лондон
-Избиение младенцев (1519) — Пинакотека Nazionale, Феррара
-Святое семейство со святыми Иоанном Крестителем, Элизабет, Захарии и Франциска  (1520) — -Национальной галерее в Лондоне
-Моление о чаше (1520-е годы-1530) — Национальная галерея, Лондон
-Крещение Христа (1520-1525) — Музей искусств Бирмингема , штат Алабама
-Мадонна дель Pilastro (1523) — Пинакотека Nazionale, Феррара
-Мадонна на троне со святыми (1524) — собор , Феррара
-Языческую жертву (1526) — Национальная галерея, Лондон
-Аллегория любви (ок. 1527-1539) — Национальная галерея, Лондон
-Благовещение (1528) — Musei Capitolini , Рим
-Мадонна на троне со святыми (1532) — Модена
-Мадонна во славе (1532) — Musei Capitolini, Рим
-Воскрешение Лазаря (1534) — Пинакотека Nazionale, Феррара
-Чудо свиней (ок. 1535) — Алнвик Castle , Нортумберленд
-Христос и самарянин девушку (1536)
-Триумф Вакха (1540 завершился Гарофало, из недостроенного 1517 проекта по Рафаэль) — Картинная галерея Alte Meister , Дрезден, Германия
-Благословение святого Иоанна Крестителя (1542) — Сан-Сальваторе, Болонья
-Преобразование Святого Павла (1545) — Галерея Боргезе , Рим
-Благовещение (1550) — Пинакотека ди Брера , Милан
-Святое семейство — Musee De Анже
-Святое семейство
-Иисус в сад
-Мадонна с младенцем на троне — Данидин Галерея Public Art , Данидин.
-Мадонна на троне со святыми
-Мадонна с Сент-Джон и Сент-Элизабет — Институт Курто , Лондон
-Марс, Венера и Купидон — королевский замок Вавель , Краков
-Святой Себастьян — Музей ди Каподимонте , Неаполь
-Стиральные ноги Христа — Национальная галерея , Вашингтон

По материалам: Википедия, Джорджо Вазари. Жизнеописание БЕНВЕНУТО ГАРОФАЛО, (Garofalo) // Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих., Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона.
Произведения Гарофало на сайте Census of Ferrarese Paintings and Drawings.

Джорджо Вазари «ЖИЗНЕОПИСАНИЯ НАИБОЛЕЕ ЗНАМЕНИТЫХ ЖИВОПИСЦЕВ, ВАЯТЕЛЕЙ И ЗОДЧИХ»

Тимашевский Орест Исаакович(Исторический и бытовой жанр)

1822–1866

Тимашевский Орест Исаакович — русский художник, живописец исторического и бытового жанра, академик живописи.

Родился в 1822 году в семье крепостного крестьянина.

В возрасте двадцати двух лет получил вольную от своего помещика Булгакова.

Обучался в Академии художеств в качестве вольноприходящего слушателя, затем академиста в классе знаменитого исторического живописца, профессора Федора Антоновича Бруни.

За время обучения в Академии Тимашевский получил малую серебряную медаль и большую серебряную медаль за картину «Три девушки» и за эскиз «Милосердный самаритянин» в 1848-1849 годах.

При окончании академического курса в сентябре 1850 года Тимашевский был награжден малой золотой медалью за написанную по заданной программе картину «Возвращение блудного сына в отеческий дом» и удостоен звания классного художника.

В следующем году Орест Тимашевский представил написанную на предложенную академией тему картину «Первые христианские мученики при святом князе Владимире, святые Феодор и Иоанн, пострадавшие в Киеве в 983 году»; за нее художник получил большую золотую медаль и в 1852 году был отправлен за границу в пенсионерскую командировку от Академии художеств.

Летом 1859 года Тимашевский прислал из Рима в Санкт-Петербург картину «Римский народный праздник», которая первоначально экспонировалась на выставке Общества поощрения художников, а затем была помещена в картинной галерее Академии художеств.

За эта картину и ряд других произведений итальянского периода Тимашевский в 1860 году был удостоен звания академика.В 1864 году живописец возвратился в Россию.Орест Исаакович Тимашевский рано ушел из жизни, он умер в Петербурге в 1866 году.

По материалам:Русский биографический словарь А. А. Половцова, Энциклопедия «Выдающиеся русские живописцы»

Тинторетто Якопо/Tintoretto Jacopo(Ренессанс и маньеризм)

1518–1594

Якопо Робусти, более известный как Тинторе́тто (итал. Jacopo Robusti, Jacopo Comin, Tintoretto; 1518 или 1519—1594) — живописец венецианской школы ,один из величайших мастеров школы позднего Ренессанса..

Художник родился в Венеции, по разным источникам (между концом сентября и началом октября 1518 — согласно ‘Documentazione sull’uomo e l’artista’ — в 1519 либо 1518 году.

Своё прозвище Тинторетто («маленький красильщик») он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore).

Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника.

После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело.

О ранних работах художника достоверных сведений ма­ло. Известность ему принесла картина «Чудо святого Марка», где изображено, как спускается с неба святой, чтобы защи­тить от палачей раба-христианина.

С тех пор недостатка в заказах не было, у художника. Венецианские церкви, Дво­рец дожей, цеховые организации и филантропические брат­ства становятся его главными заказчиками.

Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности:
-«Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные совершенно в духе Тициана (обе находятся в венецианской академии художеств)

-«Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», две огромные картины в хоре церкви Санта-Мариа дель Орто, в Венеции, в которых уже заметна его оригинальность.

-В полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо св. Марка» (в Галереи академии), «Брак в Кане Галилейской» (в ризнице церкви Санта-Мариа делла Салуте), «Философ Диоген» (в Новой Библиотеке, в Венеции), «Открытие мощей св. Марка в Александрии» и «Перенесение их на корабль» (в Ст. Библиотеке, там же)

-Многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям, например «Венера, Вулкан и Амур» (в Старой Пинакотеке, в Мюнхене), «Рождество Христово» и «Омовение ног» (в Эскориальском дворце, в Мадриде), «Несение креста» (в венской галерее), «Девять муз» (в Гемптонкортском музее в Лондоне), «Юдифь» (в мадридском музее дель-Прадо) и «Рождество Иоанна Крестителя» (в Эрмитаже, в СПб.).

В 50-х—60-х годах складывается зрелый стиль худож­ника. Головокружительные пространственные построения, мощные световые эффекты, изображение массы людей в динамическом порыве в экстазе удивления или востор­га, — все это не только не страшило Тинторетто слож­ностью исполнения, а стало, так сказать, основной его спе­циализацией.

Больше всего удивляет эмоциональная глу­бина бурных, можно сказать, театральных композиций художника («Введение Марии во храм», ок. 1551 —1556 гг.; «Брак в Кане», 1561; «Похищение тела св. Марка», «Спа­сение сарацина», «Нахождение тела св. Марка», 1562—1566; «Тайная вечеря», 1566).

Усиливающиеся с годами драма­тизм и психологическая разработанность образов вызывают изменения в колорите, переход от чистых сияющих красок к глубоким контрастирующим напряженным тонам.

Неко­торые подлинные шедевры Тинторетто, как, например, «Спасение Арсинои»* (1555) по силе романтической взвол­нованности и колористической красоте не имеют себе равных среди картин современников.

В произведениях более позднего периода Тинторетто по-иному относится к пространству, пейзажу, как бы раство­ряющему в своей безграничности человека. Краски приглу­шаются, зато свет создает единую вибрирующую среду, благодаря чему все, что окружает героев картин, начинает жить с ними единой жизнью.

Соответственно возрастают поэтичность и одухотворенность общего настроения. Эти новшества находят выражение прежде всего в капиталь­ном труде художника — десятках огромных панно для фи­лантропического братства — скуола ди Сан Рокко. Часть этих картин Тинторетто написал безвозмездно, он вообще порвал к этому времени со своими знатными заказчиками, недовольными его новой манерой.

К 90-м годам относится последний вариант «Тайной ве­чери» Тинторетто. Эта знаменитая картина поражает преж­де всего феерическими световыми эффектами.

В таком же остродраматическом духе решены баталь­ные композиции Тинторетто и «Рай» во Дворце дожей (80-е — 90-е годы). В превосходных реалистических портре­тах этих лет старый мастер, казалось, предвосхищал Рем­брандта, проникновенно внимая душевным движениям сво­их моделей.

Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения.

Таковы, например, портреты дожа Николо де Понте (в венской галерее), адмирала Н. Капелло (у герцога Девонширского, в Англии), медика А. Везаля (в мюнхенской пинакотеке), самого художника (в копенгагенском музее) и некоторые др.

Всецело преданный искусству, Тинторетто воспитал в любви к нему и своих детей. Его дочь, Мариетта Робусти (1560—1590), образовавшаяся под отцовским руководством, успешно занималась портретной живописью.

Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расстаться с обожаемым родителем, которому суждено было вскоре после того оплакивать её безвременную кончину.

Брат художницы, Доменико Робусти (en:Domenico Tintoretto) (1562—1637), подобно сестре, ученик своего отца, усвоил себе его манеру и пользовался известностью преимущественно как искусный портретист.

Заметный след оставило искусство Тинторетто в веках. Эль Греко, Рубенс, Веласкес, Делакруа, Суриков отдавали должное его непревзойденному дару в своих высказыва­ниях и живописных исканиях.
В честь Тинторетто назван кратер на Меркурии.

Работы Тинторетто:
-«Тайная вечеря»
-«Происхождение Млечного Пути»
-«Похищение Елены»
-«Автопортрет», ок. 1547
-«Страшный суд» (Церковь Санта Мария дель Орто, Венеция)
-«Вакх, Венера и Ариадна» (Лондонская Национальная галерея

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона (1890—1907).Тинторетто Якопо. Биография, картины.

Тиссо Жак-Жозеф

1836–1902

Джеймс Тиссо (англ. James Tissot, собственное имя Жак-Жозеф Тиссо, 15 октября 1836 – 8 августа 1902) — французский художник, работал в Англии.

Родился в Нанте.

Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена. В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет.

В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи.

Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris.

Сражался на франко-прусской войне.

Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.

В 1870-гг. Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен.

Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 г. в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза.

Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину.

Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет.

В 1896 г. серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне.

Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков.

В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея.

Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.

Тициан Вечеллио/Tiziano Veccellio(Позднее Возрождение)

1488–1576

Тициан Вечеллио(итал. Tiziano Vecellio, 1488/1490—27 августа 1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения.

Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.

Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья.

Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный.

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. Точная дата его рождения неизвестна.

Когда Тициан уже был в пожилом возрасте, он указал в своём письме к Филиппу II, что родился в 1474 году, но это маловероятно.

Писатели-современники, жившие во времена уже пожилого Тициана, дают данные года рождения, варьирующиеся между 1473 и 1482 годами.

Большинство современных исследователей считают, что наиболее вероятной датой рождения Тициана является 1490 год. Нью-Йоркский музей Метрополитен и Исследовательский институт Гетти придерживается даты 1488 года

Молодые годы:
возрасте 10 или 12 лет Тициан приехал в Венецию. Он работал в мастерской Себастьяно Цуккато, потом в мастерской Джентиле Беллини, затем у Джованни Беллини.

Он знакомится с Лоренцо Лотто и другими художниками, представителями венецианской школы живописи.

Но самые тесные отношения у него завязываются с Джорджоне.

Первыми работами Тициана, выполнявшимися совместно с Джорджоне, были фрески в Фондако деи Тедески, от которых сохранились лишь фрагменты.

К ранним работам Тициана относятся: портрет Джероламо Барбариго (1509), впоследствии вдохновивший Рембрандта на «Автопортрет», и «Мадонна с младенцем и святыми Антонием Падуанским и Роком» (около 1511)

. Эти святые, как полагали современники Тициана, могут защитить от чумы, свирепствовавшей в это время в Венеции и унесшей жизнь Джорджоне в 1510 году.

Стиль Тициана в это время очень похож на стиль Джорджоне, он дописывает за него картины, которые остались незавершёнными.

В 1511 году он отправляется на несколько месяцев в Падую, где в Скуола дель Санто пишет фрески о чудесах святого Антония Падуанского.

Тициан пишет много мадонн и женских портретов. «Его образы в этот период спокойны и радостны, отмечены жизненным полнокровием, яркостью чувств, печатью внутренней просветлённости.

Мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок.»[4] Наиболее известными картинами этого периода являются «Цыганская мадонна» (около 1511), а также «Любовь земная и Любовь небесная» (1514) – картина, написанная по заказу Николо Аурелио, члена Совета десяти, и «Женщина с зеркалом» (около 1514).

В 1516 для Альфонсо д’Эсте он пишет «Динарий кесаря».

Выработка своего стиля:
После смерти Джорджоне и отъезда Себастьяно дель Пьомбо в Рим, в Венеции не осталось художников, способных соревноваться с Тицианом.

После смерти Джованни Беллини в 1517 году Тициану присвоен титул первого художника Венецианской республики.

Внимательно изучая работы Рафаэля и Микеланджело, Тициан постепенно вырабатывает свой стиль.

«В этот период художник отдавал предпочтение монументальным композициям, исполненным пафоса и динамики.

Он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен».

Он создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы. Характерными творениями являются «Вознесение Богоматери» (1516—1518), «Мадонна и Младенец со святыми Франциском и Блэзом, а также с молящимся Альвизе Гоцци» (1520), «Ариадна и Вакх», где видно влияние Рафаэля. «Андреане» (около 1523—1524) написаны под влиянием Микеланджело.

В портретах Тициан старается выразить максимально точно характер портретируемого — «Мужчина с перчаткой» (1523), «Портрет Томмазо Мости» (предположительно 1520).

В «Мадонне Пезаро» (1526) уже виден собственный стиль Тициана.

В 1525 году Тициан женится на Чечилии Сольдано, к тому времени матери двух его сыновей, однако в 1530 она умирает во время родов второй дочери Тициана, Лавинии.

Зрелость:
Тициан пользуется покровительством Федерико Гонзага, герцога Мантуи.

В 1533 году император присвоил Тициану дворянское звание графа Палатинского.

В 1534 у Тициана умирает отец.

«Конец 1530-х—1540-е гг. — время расцвета портретного искусства Тициана.

С удивительной прозорливостью изображал художник современников, запечатлевая самые различные, порой противоречивые черты их характеров: уверенность в себе, гордость и достоинство, подозрительность, лицемерие, лживость и т.д.

Наряду с одиночными он создавал и групповые портреты, беспощадно вскрывая скрытую сущность взаимоотношений изображенных, драматизм ситуации.

С редким искусством Тициан находил для каждого портрета наилучшее композиционное решение, выбирал характерные для модели позу, выражение лица, движение, жест.

С 1530-х гг. в каждой картине Тициан находил неповторимо индивидуальное колористическое решение.

Колорит складывался из тончайших тональных оттенков, причём тщательно дифференцировались ведущие и подчинённые краски, слагающиеся из еле уловимых нюансов.

Этот развитый колоризм Тициан в немалой степени определяет глубочайший психологизм и эмоциональность тициановских портретов.

Колористический строй произведения художник выбирал с таким расчётом, чтобы эмоциональное звучание цвета отвечало главным чертам характера человека.[4] К лучшим портретам этого периода относятся «Портрет Федерико Гонзага» (1529), «Портрет Карла V с собакой» (1533), «Портрет графа Антонио ди Порчиа» (1535), «Портрет архитектора Джулио Романо» (около 1536), «Красавица» (1536-1537), «Кларисса Строцци» (около 1542), «Рануччио Фарнезе» (1542), «Портрет Пьетро Аретино» (1545).

Он создаёт замечательные женские образы в «Кающейся Магдалине» (около 1533), «Венере Урбинской» (до 1538).
Библейским сюжетам посвящены работы «Введение Марии во храм» (1534-1538), «Благовещение» и «Ужин в Эммаусе» (обе – середина 1530-х).

В 1545 году Тициан едет в Рим писать портреты папы Павла III, там он встречается с Микеланджело.

Для создания портретов в 1548 он едет в Германию по приглашению императора Карла V, где пользуется большим почётом и уважением. Легенда повествует о том, что когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору».

В 40-е годы Тициан создаёт монументальные полотна: «Коронование терновым венцом» (1542), «Се человек» (1543), несколько вариантов «Данаи».

Художник достигает вершин своего мастерства.

С помощью композиционных и колористических решений Тициан способен передать на полотне самый сложный характер, движение души, трагизм ситуации, воспеть волю к жизни или красоту человеческого тела.

Он создаёт такие шедевры как «Глория» (1551-1554), «Венера и Адонис» (1554), «Портрет мужчины в военном костюме» (1550-е), «Девушка с веером» (около 1556), «Диана и Актеон» (1556-1559), «Похищение Европы» (1559-1562), «Венера перед зеркалом» (около 1555), «Аллегория благоразумия» (середина 1560-х), «Кающаяся Мария Магдалина» (1560-е).

К этому периоду относится и самый знаменитый автопортрет, на котором художник изобразил себя с кистью в руке.

Поздний период:
«Отличительное свойство поздних работ Тициан — их тончайший красочный хроматизм.

Мастер строит колористическую гамму, подчинённую приглушённому золотистому тону, на неуловимых оттенках коричневого, сине-стального, розово-красного, блёкло-зелёного.

Поздние картины Тициана переливаются множеством полутонов, приобретающих воздушность.

Манера письма художника обретает исключительную свободу. И композиция, и форма, и свет строятся с помощью красочной лепки.

К концу жизни Тициан выработал новую технику живописи. Он накладывал краски на холст и кистью, и шпателем, и пальцами.

Прозрачные лессировки в его поздних картинах не скрывают подмалёвка, обнажая местами зернистую фактуру холста. Из сочетания многообразных по форме свободных мазков, как бы обнажающих творческий процесс художника, рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма.»

К последним шедеврам относятся «Положение во гроб» (1559), «Благовещение» (около 1564-1566), «Венера, завязывающая глаза Купидону» (около 1560-1565), «Несение креста» (1560-е), «Тарквиний и Лукреция» (1569-1571), «Св. Себастьян» (около 1570), «Коронование терновым венцом» (около 1572-1576), «Пьета» (середина 1570-х).

В 1575 году в Венеции начинается эпидемия чумы. Тициан, заразившись от своего сына, умирает 27 августа 1576 года. Его нашли на полу мертвым с кистью в руке.

Вопреки законам, предписывавшим сжигать тела умерших от чумы, Тициан был похоронен в венецианском соборе Санта Мария Глориоза дей Фрари (Собор Святой Марии Словущей или Успения Девы Марии; итал.: Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari ).

На могиле Тициана высечены слова:«Здесь лежит великий Тициан Вечелли —соперник Зевсов и Апеллесов»

Искусство Тициана, наиболее полно раскрывшее своеобразие венецианской школы, оказало большое влияние на становление крупнейших художников 17 века от Рубенса и Веласкеса до Пуссена.

Живописная техника Тициана оказала исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до 20 века, развитие мирового изобразительного искусства.

По материалам: Википедия, Статья»Тициан Вечеллио да Кадоре — один из величайших художников всех времен и народов».Картины живописца на artcyclopedia.com.

Ткаченко Михаил Семёнович(Пейзажная живопись, марина)

1860–1916

Ткаченко Михаил Семенович — российский живописец-пейзажист и маринист украинского происхождения.

Родился в 1860 году в Харькове. Начальное художественное образование получил в родном городе у провинциального живописца Д. Безперчего.

После пятого класса Харьковского реального училища поступил в 1879 году в Императорскую Академию художеств, где сначала обучался вольноприходящим учеником, а потом как полноправный академист по 1887 год обучался в Академии у Павла Петровича Чистякова, Владимира Донатовича Орловского и Михаила Константиновича Клодта.

Работы молодого художника 1880-х годов «Вид мельницы», «Хутор», «Серенький день», «Донецк», «Вечер», «У пруда», «Тетушкин лес», «Пейзаж», «Тихий уголок», «Родное гнездо», представленные на академических выставках, раскрыли незаурядный талант молодого пейзажиста.

За свои успехи в рисовании и живописи Ткаченко был награжден практически всеми академическими медалями.

Он окончил академический курс в 1887 году в звании классного художника и с большой золотой медалью, присужденной ему за написанную по программе Академии картину «Сельское кладбище».

После окончания Академии художеств Ткаченко получил право как академический пенсионер на поездку в Европу для совершенствования в живописи.

Проживал в основном в Париже, ежегодно приезжая в Россию и Украину для написания многочисленных пейзажей.

В 1888–1892 годах Ткаченко посещал студию Ф. Кормона, был членом Русского клуба художников, где подружился с Алексеем Петровичем Боголюбовым и Николаем Николаевичем Гриценко, под влиянием которых увлекся маринистической живописью.

Ткаченко писал не только марины, но и сцены морских баталий: «Наваринское сражение», «Бой брига «Меркурий» с турецкими кораблями 14 мая 1829 года» и другие батальные картины-марины.

С 1891 года регулярно выставлялся в парижских салонах, творчество мастера неоднократно отмечалось медалями и наградами.

Три персональные выставки Ткаченко состоялись в Париже в конце XIX – начале ХХ века.

Из картин художника, появлявшихся на публичных выставках, наиболее интересные — «Родное гнездо», «Весенний день», «Старые тополя», «Лето», «Полдень» и «В мастерской художника» (Русский музей).

С 1902 года Ткаченко занимал должность Главного художника Морского ведомства Российской Империи.

На Всемирной выставке в Париже в 1900 году и Международной художественной выставке в Льеже в 1905 был удостоен золотых медалей.

В 1895 был награжден орденом Почетного Легиона, в 1909 году Ткаченко был присвоен царский орден Святого Станислава третьей степени.

Работы художника хранятся в Государственном Русском музее, Национальном художественном музее Украины, Сумском художественном музее, Харьковском художественном музее, других картинных галереях и множестве частных собраний. Ткаченко Михаил Семенович умер в 1916 году в Париже.

По материалам: Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона.

Токке Луи/Tocque Louis(Портретный жанр)

1696-1772

Жан-Луи Tocqué (19 ноября 1696 — 10 февраля 1772) был французский художник, мастер портретного жанра, представитель рококо.

Жан-Луи Tocqué родился 19 ноября 1696 году Париже , столице Королевства  Франции . Его отец, который также был художником, умер 3 апреля 1710, когда  Луи  еще не было четырнадцати.

Искусству живописи обучался у Никола Бертена и Жана Марка Натье.

В 1731 году художник Луи Токе за портреты представителей семьи королевского дома Франции и парижской аристократии был принят кандидатом в члены Королевской Академии художеств, а в 1734 году стал ее действительным художником.

В 1730-х годах Токе был удостоен монаршей милости писать портреты королевы, дофина Людовика XV и его супруги Марии Лещинской (польки по происхождению), благодаря чему получил известность не только во Франции, но и за ее пределами.

В 1756-1758 годах Луи Токе был приглашен в Россию канцлером Воронцовым для написания портрета императрицы Елизаветы Петровны.

За полтора года пребывания в России написал несколько портретов Елизаветы Петровны и придворных, в том числе портреты семьи канцлера М.И. Воронцова.

В 1760 возвратился в Париж; по пути останавливался в Копенгагене, где написал портреты датского короля и членов королевской семьи.

С 1769 — член Копенгагенской Академии художеств. В России Токе, помимо исполнения нескольких портретов императрицы Елизаветы Петровны, написал несколько портретов знатных лиц, в их числе, портреты графа Разумовского, князя Бестужева-Рюмина, графа Чернышева, графини Головкиной и некоторых других.

Присущие Токе живописное мастерство, тонкая холодная серебристая цветовая гамма оказали заметное влияние на формирование стиля живописи таких русских мастеров, как Рокотов и Левицкий.

Живописец Луи Токе вошел в историю французского и европейского искусства (не только искусства Франции, Токе, например, также являлся действительным членом Датской академии художеств) как блестящий мастер парадного аристократического портрета.

Картины художника Токе всегда отличает тонко выбранная композиция, ясный рисунок, и эффектное представление своих моделей. Скончался художник 10 февраля 1772 года в Париже.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона.

Торелли Стефано/Torelli Stefano(Портретный жанр)

1712—1784

Торелли Стефано (Torelli Stefano) — итальянский художник, мастер портрета и исторического жанра, работавший при дворе российских императоров.

Родился в 1712 году в Болонье в семье живописца. Живописи обучался сначала у своего отца Феличе Торелли, затем у известного художника Франческо Солимены.

Как самостоятельный мастер работал в Неаполе и Риме.
В 1740 году Август III пригласил Торелли в Дрезден для постоянной работы при дворе.

Росписи дрезденских дворцов, выполненные художником, погибли во время второй мировой войны: лишь в видах Дрездена кисти Белотто изображения человеческих фигур принадлежат Торелли.

В 1740-1760-е годы он работал в немецких городах — в Байрейте, Фрауенбурге, Ростоке, расписывал плафоны, писал портреты и алтарные картины.

Последний заказ такого рода, перед тем как по приглашению И.И.Шувалова отправиться в Петербург, — десять настенных картин с аллегорическими композициями в зале аудиенций ратуши города Любека (1759-1761).

В 1762 году Стефано Торелли был призван ко двору российского императорского дома и с того времени до конца своей жизни трудился в Санкт-Петербурге, украшая своим живописным искусством плафоны и стены императорских дворцов, портретируя особ монаршей фамилии, важных аристократических лиц, сановных вельмож и государственных деятелей эпохи Екатерины II.

Cтефано Торелли попал в Россию уже зрелым мастером. В России Торелли, назначенный профессором Академии художеств, продолжает работать с той же интенсивностью и размахом, то есть делать «все»: портреты, плафоны, стенные росписи, пышные аллегорические композиции и мифологические сцены выполняются им быстро и с равной умелостью.

Это обеспечивает ему успех и возможность большого количества заказов.

Среди произведений Торелли не все известны и далеко не все сохранились до наших дней — можно лишь доверять описаниям биографа.

Однако до нас дошло едва ли не главное по значению произведение Торелли — его цикл работ по оформлению Китайского дворца в Ораниенбауме, включающий девять настенных панно с изображениями муз и плафон на тему «Венера и грации» для так называемого Зала Муз (конец 1760-х — начало 1770-х), панно «Похищение Ганимеда» и «Юнона с гением» для Большого зала (1768), картины «Тоскующий Марс», «Венера», «Диана и Эндимион» для Сиреневой гостиной.

В картинах и плафонах Торелли почти нет прямых линий — здесь все состоит из прихотливых изгибов, рокайльных завитков, все тяготеет к формам круга и овала; материальные формы подчеркнуто лишены конструктивности.

Изысканность блеклых гамм, оживленных позолотой, капризная асимметрия орнамента — бесконечных арабесок, растительных мотивов, развевающихся лент, мечтательно-изнеженное опадание линий и складок — эти черты, в полной мере проявившиеся в живописи, украшающей Китайский дворец, присущи большинству работ Торелли.

Но приверженность Торелли стилю рококо была основной причиной того, что его изысканное и умелое искусство не получило широкого отклика, не сделалось предметом подражаний (подобно тому как это произошло десятилетием раньше с Ротари).

В России уже набирал силу классицизм, формировалась иная эстетика, для которой естественными были работы А. Лосенко и П. Соколова, а сама по себе живописная свобода картин Торелли воспринималась как нечто отжившее.

Характерно, что портреты Торелли гораздо строже и проще его композиций; в них есть психологическая точность и зоркость видения, — лишь только когда сама модель «провоцирует» художника на облегченное, декоративно-нарядное решение, появляются портреты, выполненные в светлой гамме, где содержание образов сведено к красоте, очарованию и грации («Портрет графини А.А.Чернышевой»)

Торелли жил в России c 1762г до конца жизни и был захоронен в Санкт-Петербурге в 1780г.

Из произведений, исполненных Стефано Торелли в России, наиболее значимы: портреты Петра Великого, Елизаветы Петровны, Екатерины II в виде Минервы, расточающей награды за ученые и художественные заслуги, великого князя Павла Петровича в отрочестве, графини Анны Александровны Чернышевой, гофмаршала и обер-егермейстера Семена Кирилловича Нарышкина, адмирала Осипа Михайловича Дерибаса, княгини Белосельской-Белозерской, графини Сиверс, а также эскиз предполагавшейся картины «Коронование Екатерины II» и фрески в Ораниенбаумском дворце.

Стефано Торелли был художник даровитый, развившийся главным образом на изучении произведений школы Карраччи; он ловко владел кистью, отличался свежестью и естественностью красок и даже в рисунке был менее манерен, чем большинство его современников.

Талантливо рисовал также карикатуры.
В разнообразной картине «россики» (творчества иностранцев на русской службе) каждое художественное явление в разной степени помогало формированию — сложными и опосредованными путями — самостоятельной русской школы. Сыграл свою роль в этом неоднозначном процессе и Стефано Торелли.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907

Торренс Бернардо/Bernardo Torrens(современное искусство,гиперреализм)

1957–….

Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) — испанский художник — гиперреалист.

Родился в столице Испании Мадриде в 1957.

В работах Торренса очевидна и жесткая контурность и многозначительность образов, которые всегда являлись знаками испанского реализма.

Этот канон в испанском искусстве был установлен в семнадцатом столетии художниками Сурбараном, Риберой, Веласкесом.

Испанские реалисты в своих картинах концентрировали внимание на нескольких объектах или на единственном отдельном объекте.

Эти объекты (образы), живописуемые испанскими художниками с большой тщательностью и представленные с изящной детализацией, в картинах севильских мастеров обладают некоей мистической мощью и силой.

Точно такие же качества свойственны и образам в гиперреалистических работах Торренса.

Объекты его картин, это прежде всего мужчины и женщины, оторванные от непосредственной среды, и в этом смысле они схожи образам персонажей средневековых этических пьес.

На картинах Бернардо Торренса они часто представлены нагими, в полном расцвете юности.

Они позируют с ритуалистической благородной сдержанностью, демонстрируя чуткую любовь, хрупкую красоту, гордость, иногда ущербность и горе, собственно, фундаментальные образные основы мужских и женских энергий.

Торренс отдает долг художникам Севильи семнадцатого столетия, и сам признает, что получает специфическое вдохновение от созерцания работ Веласкеса.

Работы Микеланджело, мастера формы, жеста и линии, являются также важным источником его творчества.

Картины Торренса принимают постоянное участие в многочисленных групповых выставках работ художников-гиперреалистов в Европе и США.

Персональные выставки Бернардо Торренса: 2005 Галерея Бернардуччи и Мейзеля, Нью-Йорк; 2004 Галерея Мариески, Милан, Италия; 2002 Центр современного искусства, Пальма де Мальорка, Испания; 1997 Центр Сала Пелайрас, Пальма де Мальорка, Испания; 1993 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания; 1993 Галерея Майсснера, Нью-Йорк; 1992 Художественная галерея, Майами, Флорида; 1992 Галерея европейского искусства, Женева, Швейцария; 1992 Галерея «Художественная Азия», Гонконг, Китай; 1991 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания; 1988 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания. Картины Бернардо Торренса находятся во многих частных и общественных собраниях в США, Канаде, Италии, Испании и Германии

По материалам: Энциклопедия «Современные художники Испании

Торрескассана и Салларес Франческо/Francesco Torrescassana y Sallares

1845–1918

Испанский Живописец.Изучал живопись в Школе живописи Llotja в Барселоне, где учился у художника Марти Альсина (Martí Alsina).
В 1864 на художественной выставке в Мадриде был удостоин почетного упоминания.
В 1866 году на выставке в Барселоне одна из работ художника была приобретена для местного музея.
Получив Римскую премию, Франческо продолжил художественное образование в Париже и Риме, где познакомился с наиболее важными художественными течениями конца 19 века.
Торрескассана пытался работать во всех жанрах, но больше всего преуспел в портрете и пейзаже.
Его картины, тяготеющие к натурализму, богаты цветовой гаммой и интересны по колориту.
Отмечу, что художник не добился ни национальной, ни, тем более, мировой славы, но его картины, которые принимали участие во всевозможных выставках и конкурсах, неизменно получали большое признание и получали многочисленные награды.

Тройон Констан

1810–1865

Французский художник.

Выходец из семьи живописцев по фарфору, Тройон сначала делал росписи (пейзажи) по фарфору.

Вскоре он стал настоящим специалистом в жанре пейзажа.

Его первые произведения восходят к голландской живописи XVII в., точнее, к произведениям Якоба ван Рёйсдала (<Лесоруб>,1839, Ла Рошель, музей).

Однако в них заметны и непосредственные наблюдения природы. Этот веризм появляется в некоторых ранних исторических пейзажах; история часто была лишь поводом для того, чтобы картины художника приняло консервативное жюри Салона.

<Товий и ангел> (Салон 1841, Кельн, музей Вальраф-Рихарц) -пример гармоничного сочетания классического порядка, близкого пейзажам Клода Лоррена, и непосредственной наблюдательности реалиста.

В 1843 Тройон знакомится с Руссо и Дюпре, благодаря которым его тяга к реальности еще больше усиливается.

Однако в отличие от них Тройон не стремится передавать свои сокровенные чувства.

Изображая природу, он всегда избегает драматизма.

Поездка в Голландию в 1847 завершила основной период его творчества; здесь на произведениях Поттера Тройон учится анималистическо му жанру.

Список его анималистических картин, в которых он обновил свое творческое вдохновение, очень велик (например, <Отправление на рынок>, 1859, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

У Кёйпа он учился растворять туманные дали в угасающем свете; его <Паром> (ок. 1849, Париж, Лувр) напоминает <Вид Дордрехта> Кёйпа (Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена).

Его поздние морские пейзажи, написанные около 1860 на берегах Ла Манша, где он работал вместе с Буденом, свидетельствуют о новаторском характере его творчества.

Его поиски световых эффектов и техника мелких мазков чистых цветов (<Возвращение стада>, 1856, Реймс, Музей изящных искусств) сделали Тройона одним из предшественников импрессионистов.

Первый среди пейзажистов <школы 1830 года>, он познал успех и почести. У него было множество подражателей, самая известная среди которых — Роза Бонер; именно ее легковесное искусство, переполнившее салоны, способствовало возникновению некоторого предубеждения по отношению к Тройону, который, тем не менее, остается наиболее значительным французскиманималистом XIX в.

Произведения Тройона представлены в Париже (Лувр и музей Орсэ, собрание Шошар), а также во многих провинциальных и иностранных музеях (в частности, Гаага, музей Месдаг; Нью-Йорк, музей Метрополитен; Бостон, Музей изящных искусств; Чикаго,

Художественный институт; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж;
Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина: музеи Кельна, Гамбурга, Лейпцига и Мюнхена).

де Труа Жан Франсуа/Jean-François de Troy(Исторический жанр)

1679—1752

Жан-Франсуа де Труа (фр. Jean-François de Troy; 27 января 1679 года, Париж — 26 января 1752 года, Рим ) — французский художник рококо; сын и ученик Франсуа де Труа (1645—1730).

Франсуа Де Труа учился у своего отца, Франсуа де Труа (1645, Тулуза — 1730, Париж).

В 1699-1706 он посетил Италию, где на него большое впечатление произвели картины великих венецианских художников Веронезе и Тинторетто.

По возвращении в Париж, он в 1708 был принят в Академию за картину «Аполлон и Диана, поражающие стрелами детей Ниобы» (Монпелье, музей Фабра); в ней художник еще отдает дань искусству Лафосса. Ранние картины де Труа отмечены также сильным влиянием Гверчино («Сусанна и старцы», 1715, Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; «Лот с дочерьми», «Сусанна и старцы», 1721, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Эти темы станут характерны для всего последующего творчества художника, который в своих галантных, аллегорических, мифологических и религиозных произведениях избирал такие сцены, иконография которых позволяла изобразить обнаженные женские фигуры («Вакх и нимфы» и «Вакх и Ариадна», Берлин-Далем, музей: «Вирсавия», 1727, Анжер, музей; «Сусанна и старцы», 1727, Руан, Музей изящных искусств; «Лот с дочерьми», 1727, Орлеан, Музей изящных искусств; «Смерть Лукреции»и «Смерть Клеопатры», 1731, Страсбург, Музей изящных искусств), «Аполлон и Дафна», «Рождение Венеры», «Юпитер и Леда» и «Юпитер и Калисто» (Берлин, Шарлоттенбург).

В 1716 де Труа был назначен помощником профессора, а в 1719- профессором Кор. Академии. Он был, по сути, историческим живописцем, но создал также ряд пейзажей (1730, Кембридж, музей Фицуильям) и портретов.

Некоторые приписываемые ему произведения исполнены, на самом деле, его отцом. Среди ранних картин художника следует упомянуть жанровые сцены, изображающие светское галантное общество, к которому он принадлежал («Развязанная подвязка», «Признание в будуаре», Нью-Йорк, собрание Райтсмена; «Тревога», Лондон, музей Виктории и Альберта; «Общество в парке», 1731, Берлин, Шарлоттенбург).

Его заказчиками были многие важные персоны и даже сам король. Так, в Версале он написал дессю-де-порт для комнаты королевы (1734), участвовал в создании серии из девяти сцен «Экзотической охоты», заказанной в 1736 для малых апартаментов короля («Охота на льва», Амьен, музей Пи-кардии), а для столовой написал «Завтрак с устрицами» (Шантийи, музей Конде; пандан к картине Ланкре, там же).

Для столовой в Фонтенбло он исполнил «Завтрак на охоте» и «Охоту на оленя» (1737, эскиз Лондон, собрание Уоллес). Отчаявшись получить заказы на крупные декорации, де Труа предложил картоны для мануфактуры Гобеленов.

В 1736 он предствил восемь эскизов «История Эсфири» (частное собрание), написанных легкими мазками, в свободной манере; они легли в основу картонов (Париж, Лувр), созданных художником в Париже, а затем в Риме в 1737-1740.

Эта серия имела огромный успех (в частности, «Триумф Мардохея») и стала замечательным образцом искусства де Труа; большие театральные композиции, иногда несколько пустынные и упрощенные, но исполненные очень виртуозно; по колориту они близки Ван Дейку, а по своей помпезности и динамизму — Рубенсу («Историю Марии Медичи» которого де Труа мог видеть в Люксембургском дворце).

В 1737 умер Никола Флейгельс, директор Французской Академии в Риме; его место занимает де Труа. В августе 1738 он переезжает в Рим. В 1740, после окончания «Истории Эсфири», он становится членом Академии св. Луки за картину «Ромул и Рема» (Рим, Академия св. Луки). Успех «Истории Эсфири» побудил художника к созданию новой серии картонов для шпалер

. В 1743 он отправил в Париж семь эскизов, изображающих «Историю Ясона и Медеи», которые были с интересом встречены критикой (Лондон, Нац. гал.; Бирмингем, Барберовский институт; частное собрание).

Картоны (музеи в Ле Пюи, Клермон-Ферране, Тулузе и Анжере), нередко сильно отличающиеся от первоначального замысла, были исполнены в 1743-1746 и выставлены в Салоне в 1748. Прием был прохладный, отчасти потому, что роскошные композиции уже вышли из моды, отчасти потому, что фантазия художника истощилась.

Де Труа работал также для римских церквей («Воскресение» и «Мадонна с блаженным Иеронимом Эмилиани». Его последними произведениями стали «Несение креста», «Мученичество св. Стефана» и «Моление о чаше», предназначавшиеся для собора в Безансоне, где они находятся и сегодня.

Де Труа был замечательным педагогом. Уважаемый своими учениками, он предоставлял им полную свободу. Он оказал определяющее влияние на молодого Вьена, которого особенно вдохновили картины де Труа «Сусанна и старцы» и «Лот с дочерьми», выставленные в Салоне в 1750 (Пуэрто-Рико, музей; работы Вьена на те же сюжеты — Гавр, Музей изящных искусств и Нант, Музей изящных искусств).

Последние годы жизни де Труа были омрачены ссорой с маркизом де Мариньи. В 1751 впавшего в немилость художника заменил на его посту Натуар. Но де Труа не уехал из Рима, где и умер 24 января 1752.

Жертва неоклассицистической реакции, де Труа, однако, является одним из крупнейших исторических живописцев XVIII в.

Его восхищение картинами фламандских и венецианских мастеров, его изобретательность и богатство воображения, быстрота исполнения и разнообразие палитры все это делает де Труа одним из самых ярких художников-декораторов.

Особо следует отметить его галантные сцены, почти уникальные во французском искусстве, оказавшие влияние на развитие английской живописи, а также его эскизы, непосредственные и виртуозные, без которых наши знания о французском искусстве XVIII в. остались бы неполными.

По материалам: Википедия,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона (1890—1907).

Тулмуш Огюст (Auguste Toulmouche)

1829–1890

Огюст Тулмуш (Auguste Toulmouche)- французский живописец, мастер салонной живописи,типичный представитель салонной живописи тех лет.

Он был художником изображавщим красивых женщин в интерьере . Жеманные светские красавицы в роскошных интерьерах, читающие любовные письма, собирающиеся на бал, любующиеся на себя в зеркало, отдыхающие на кушетке…

Сочетание тщательно выписанных деталей нарядов и интерьеров, высокой техники письма с достаточно примитивными сюжетами. Огюст Тулмуш родился в Нанте 21 сентября 1829.

Он был учеником Марка Габриэля Шарля Gleyre (1806-1874). Дядя художника был скульптором и поэтому художник с детства жил среди искусства и среди прекрасного.

Художник брал уроки живописи у ведущих мастеров своего времени и постепенно сам становился популярным. В 1848 году проходит его первая выставка в Париже, а, в 1852 году он завоевывает медаль третьего класса, ,и его работу покупает император Наполеон III в свою коллекцию.

Императрица Евгения тоже не отстает от мужа и в 1861 году, после вручения художнику медали второго класса, покупает также и его картины.

Такое высокое внимание обеспечивает художнику популярность и хорошую продаваемость его работ.

Сюжеты же его картин очень просты: он внимательно наблюдал за женщинами и фиксировал на своих полотнах увиденное.

В 1878 году Огюст Тулмуш получает медаль третьего класса .

В 1870 году Тулмуш становится Кавалером ордена Почетного легиона .

Огюст Тулмуш умер в Париже 16 октября 1890.

де Тулуз-Лотрек Анри(Henri de Toulouse-Lautrec)

1864-1901

Французский художник-импрессионист, мастер плаката.

Анри де Тулуз-Лотрек родился 24 ноября 1864 года в Альби в одной из самых аристократических и прославленных семей Франции. В возрасте 14 лет молодой Лотрек повредил ноги и остался калекой на всю жизнь. Тело взрослого человека с короткими ногами при росте 1,5 метра.

Тем не менее, физическое уродство Лотрек компенсировал тонким умом, отличным остроумием, и неиссякаемой энергией.

Талант художника появился у Тулуз-Лотрека очень рано, он учился у Пренсето, в Школе изящных искусств в мастерской Бонна, у Кормона, и, тем не менее, свой стиль живописи у Тулуз-Лотрека сформировался под влиянием идей Дега и искусства японской гравюры.

Лишенный нормальной, традиционной жизни, Тулуз-Лотрек жил полностью своим искусством. Он обосновался на Монмартре в Париже, центре развлечений — кабаре и богемной жизни, которую он так любил рисовать. Цирки, кабаре и танцевальные клубы, бордели – вся ночная жизнь Парижа того времени, нашла яркое отражение на холстах художника и литографиях.

Сам Тулуз-Лотрек также был частью парижского полусвета. Он сидел в переполненном ночном клубе или ресторане, наблюдал, делал зарисовки. А на следующее утро, в своей студии, по эскизам создавал великолепные картины.

Самой яркой темой творчества Тулуз-Лотрека стало кабаре Мулен-Руж в 1890-е годы. На его картинах и афишах можно увидеть популярных артистов того времени – Жанну Авриль, Ла Гулю, Валентина Бескостного.

Тулуз-Лотрек был одним из первых художников, поднявших жанр плакатов и афиш на невиданную высоту. Его «афишное» творчество это сочетание сплошных заливок цвета с четким контуром, динамической перспективой и элементами модерна.

Всю свою жизнь Тулуз-Лотрек много пил. И со временем, напряженная работа, распутный образ жизни и пьянство подорвали его здоровье и в 1901 году Анри де Тулуз-Лотрек большой художник ночной жизни Парижа, скончался.

Туоктмен (Твачтман)Джон Хенри(John Henry Twachtman)

1853-1902

Американский художник, импрессионист

Родился 4 августа 1853 года в Огайо в США. Первые уроки рисования он брал в студии Френка Давенека. В этот же период Туоктмен учится в Цинциннати в Школе рисунка. В 1875 году Туоктмен переезжает в Мюнхен, чтобы продолжить образование. Его преподавателем стал Людвиг фон Лофтца. Через два года художник отправился в путешествие в Венецию вместе с Чейзом и Давенеком. В 1878 году Туоктмен снова возвращается в Америку. С этим периодом связано время признания художественной ценности работ Туоктмена. Их он представил в Обществе американских художников, членом которого вскоре стал.

Туоктмен работал преимущественно над пейзажами. В своих работах они изображал красоты родной страны. В 1880 году художник посещает Флоренцию. Здесь он не только продолжает работать над картинами, но и занимается педагогической деятельностью. Он преподает в школе Давенека.

На живописную манеру художника значительное влияние оказал А. Мауве. С ним Туоктмен познакомился в Голландии, когда много работал на плэнэре. Свое мастерство художник будет оттачивать во время обучения в Париже с 1883 по 1885 годы. В это время он совершенствует свое умение работать с цветом, использовать все его оттенки. В этот же период Туоктмен обучается в Академии Жюлиана.

Вернувшись в родную страну, художник живет на ферме в штате Коннектикут. Это место стало очень дорогим для художника. Огород, сад и дом, расположенные на этой ферме, впоследствии были отображены на многих картинах Туоктмана. По этим работам можно проследить, какое влияние на художника оказали идеи импрессионизма. Сама ферма «Холи Хаус» стала местом, где собирались американские мастера импрессионизма.

Однако, несмотря на влияние тенденций импрессионизма на творчество Тоуктмана, ему удалось сформировать собственный стиль. Из всех пейзажей чаще всего художник обращался к изображению зимней природы. В этих работах его главная задача – передать все тонкие моменты состояния природы.

В 1893 году состоялась выставка в Нью-Йорке, на которой, наряду с работами Моне и Уира, были представлены картины Туоктмена. В 1897 году художник стал одним из создателей группы «Десять американских живописцев». Помимо работы над картинами Туоктмен попробовал себя и в педагогической деятельности. С 1889 года он работал в Художественной Студенческой лиге.

Джон Туоктмен скончался 8 августа 1902 года в штате Массачусетс.

Тупылев Иван Филиппович(Исторический и бытовой жанр)

1758–1821

Тупылев Иван Филиппович — русский живописец, художник исторического и портретного жанра. Родился в 1758 году в семье подмастерья Петергофской бриллиантовой и агатовой мельницы, то есть гранильной фабрики. В 1764 году в возрасте шести лет родственники определили мальчика в престижное Воспитательное училище при Императорской Академии художеств.

Во время обучения за успехи в рисовании Тупылев получил первую серебряную медаль в шестнадцать лет. В 1777 Иван Тупылев получил вторую серебряную медаль, в следующем году молодой живописец был награжден малой золотой медалью за картину «Проклятие Хама», а в 1779 за академическую программную работу «Пророк Илия воскрешает сына вдовицы» художнику была присуждена большая золотая медаль, учрежденная госпожой Ржевской для художников, отличившихся в экспрессии.

В 1779 году молодой человек отправился в Париж, где проходил обучение под началом Луи Жан Франсуа Лагрене Старшего (директор Французской художественной академии в Риме с 1781 года по 1787 год).

У которого Тупылев Иван Филиппович научился построению четкой композиции и светлой палитре, используемых при написании красок. Первой серьезной работой живописца, по мнению критиков, была «Крестьянские крестины» (1780, холст, масло), эта картина единственная в творчестве художника, отражающая быт простого народа. После окончания обучения у Лагрене молодой человек возвращается назад в Санкт–Петербург. За написанные в Париже картины «Убиение Авеля» и «Вулкан приковывает Прометея» в 1784 году Тупылев Иван Филиппович получает звание «назначенный» в академики (аналогично современному званию кандидата наук).

В 1785 году художнику заслуженно присуждается звание академика. Основанием для официального назначения звания послужила картина «Велизарий, сидящий при дороге в положении просящего милостыню, и с ним мальчик». После этого академическая карьера Тупылева Ивана Филипповича складывается блестяще. Поступив в Петербургскую академию художеств простым преподавателем, Иван Филиппович в скором времени становится адъюнкт-профессором (современное значение заместитель профессора академии), а в 1800 году ему присуждается звание профессора исторической живописи.

В качестве официального признания заслуг Тупылева Ивана Филипповича перед престолом он был назначен руководителем Императорской шпалерной мануфактуры и исполнял свои обязанности в период с 1818 года по 1821 год. В начале 19 века Иван Филиппович выполнил ряд образов для Казанского собора (Санкт–Петербург). В 1813 по государственному заказу работает над серией рисунков, изображающих баталии Отечественной войны 1812 года. В возрасте 63 лет в 1821 году Иван Филиппович умирает.

Наиболее известными картинами Тупылева Ивана Филипповича считаются «Велизарий» (находится в музее Академии Художеств) и образа в его исполнении в Казанском соборе (Санкт-Петербург):»Зачатие святой Анны» и «Воспитание Богородицы» (в главном иконостасе) и «Явление воскресшего Христа апостолу Фоме» (в иконостасе правого придела). Довольно широко обычной публике известны такие его произведения как: «Плутовская игра» (1785 год, холст, масло), «Александр Македонский перед Диогеном» (1787 год, холст, масло), «Пирам и Фисбе» (1779 год, холст, масло), «Крестьянские крестины» (1780, холст, масло).

В силу своего образования в Императорской академии художеств Тупылев Иван Филиппович в первую очередь относится к рангу исторических живописцев. Так же писал портреты людей из царской фамилии и других важных лиц своей эпохи. Но самый заметный для потомков вклад Тупылева Ивана Филипповича остался Казанском Соборе (Санкт–Петербург), в нем Иваном Филипповичем оформлено три иконостаса. При написании картин нецерковного содержания художника прежде всего привлекала идея выражения человеческих страстей и эмоций или, так называемой, «экспрессии». Как отмечают критики картины Тупылева Ивана Филипповича яркие представители русского искусства конца 18 – начала 19 веков (продолжение западноевропейского искусства 16 – 17 веков).

Творчество этого замечательно русского художника было крайне незаслуженно забыто на долгие годы. На сегодняшний день ни один музей мира не располагает даже частичным собранием картин Тупылева Ивана Филипповича , отражающим его творческую жизнь. В основном, художественное наследие этого живописца рассеяно по частным собраниям и коллекциям картин. По единичным картинам творчество художника также представлено в части региональных художественных музеев (например, Коми, Уфы и т.д.), но к музеям картины также попали в дар от коллекционеров–меценатов.
По материалам:Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Тура Козимо/Tura Cosimo(Кватроченто)

около 1430 — 1495

Козимо Тура (итал. Cosimo Tura или итал. Cosmè Tura, ок.1430, Феррара – 1495, там же) – итальянский живописец Раннего Возрождения.
Представитель феррарской школы.

Для искусства Козимо Туры характерны резкая экспрессивность, жесткость рисунка, холодный колорит, чеканность деталей.

Как художник сложился в кругу феррарских и падуанских мастеров, испытал влияние позднего Донателло и Андреа дель Кастаньо; с 1451 года придворный художник герцогов д’Эсте.

Главный мастер феррарской школы Козимо Тура расписал огромный Зал месяцев в герцогском палаццо Скифанойя.

Этот шедевр — календарный цикл, в котором были представлены миф, астрология и придворные занятия по временам и месяцам года, — заложил основу светской живописи; подражания ему вскоре появились в Падуе и других местах.

В картинах и фресках художника Козимо Тура (росписи дворца Скифаноя в Ферраре, около 1470; “Святой Иероним”, конец 1470-х годов, Национальная галерея, Лондон; “Святой Антоний Падуанский”, 1484, Галерея, музей и собрание медалей д’Эсте, Модена; “Мария с младенцем”, 1484, Галерея Академии, Венеция) ренессансные черты, в том числе характерные для феррарской школы пластическая четкость форм и перспективное построение архитектурных фонов, сочетаются с воздействием искусства поздней готики, проявившимся в резкой экспрессивности образов, напряженной мимике лиц, четком контурном рисунке, звучных, холодных красках.

Козимо Тура относился к числу художников, которые быстро развивают характерные особенности найденной ими манеры.

Причудливые персонификации календаря вызвали к жизни фантастические формы и костюмы. Живопись художника Козимо Тура кажется будто пронизанной напряжением, заставляющим форму трепетать в страстном катаклизме.

Поверхности смяты в складки, заостренно-упругие и сверкающие металлическим блеском, — изощренные и захватывающие метафоры эмоции.

Они создавали завораживающую иллюзию скульптуры, приводившую в восторг как заказчиков Тура, так и его подражателей. “Алтарь Роверелло” из которого происходят луврская “Пьета” и еще одна картина в Лондоне, был одним из самых крупных достижений в поэтичной живописи позднего 15 столетия.
Произведения художника:
-Sant’Antonio da Padova (Модена, Галерея Эсте)
-San Sebastiano, San Cristoforo (Берлин, Государственный музей)
-L’Annunciazione, S. Giorgio che uccide il drago (Кафедральный собор, Феррара)
-Madonna (Нью-Йорк, собрание Пратта)
-Santi e donatore (Рим, галерея Колонна)
-Vergine e Angeli, La primavera (Лондон, Национальная галерея)
-Figura di Santo (Филадельфия, собрание Джонсона)
-S. Domenico (Флоренция, Уффици)
-Pietà, S. Antonio (Лувр)
-Annunciazione (Ричмонд, собрание Кука)
-Cristo morto (Вена, Государственный музей)
-L’Adorazione dei Magi (Кембридж, США, Музей Фицуильяма)
-Tondi di S. Maurelio (Феррара, Пинакотека)
-Santo Vescovo (Милан, музей Польди Пеццоли)
-Musico (Дублин, Художественная галерея)
-Santo (Кен, Франция, Художественный музей)

По материалам: Википедия.

Тьеполо Джованни/Tiepolo Giovanni(Рококо и Неоклассицизм)

1696-1770

Джованни Батисто Тьеполо (итал. Giovanni Battista Tiepolo, варианты написания имени: Gianbattista или Giambattista — Джанбаттиста или Джамбаттиста; 5 марта 1696, Венеция — 27 марта 1770, Мадрид) — крупнейший художник итальянского рококо, мастер фресок и гравюр, последний великий представитель венецианской школы.

Биография:

Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 года в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения.

Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.

В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта.

В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ — картину «Принесение Исаака в жертву».

В 1717 году молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья.

В 1719 году он женился на Марии Чечилии Гварди, сестре известных художников Гварди — Франческо и Джованни Антонио.

От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.

С 1726 года по 1728 год Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец.

Это принесло ему известность и новые заказы — Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо.

В 1740 Тьеполо получил заказ на роспись потолка на втором этаже Скуолы Кармини. Ещё более воздушными, невесомыми представляются его фрески на тему апофеоза семейства Пизани на вилле в Стра.

По наблюдению Александра Бенуа,если разглядывать в бинокль гениальный плафон Тьеполо на вилле Гримани в Стра, то моментами иллюзорность доходит до чего-то жуткого.

Просто не хочется верить, что эти улыбающиеся, весёлые, полные жизни существа, ныряющие и плавающие среди серых туч, и сами эти тучи были только живописью, пятнами красок по штукатурке.

К 1750 году к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 года по 1753 год он создал свою центральную работу — фресковое убранство Вюрцбургской резиденции.

Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран президентом Падуанской академии.

В 1761 году испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни.

Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 года.

Стиль Тьеполо:

Фрески — очень сложный вид изобразительного искусства.

Большие масштабы требуют подготовительных работ и точного геометрического расчёта.

Очень трудно учесть также, как будет видеть фреску зритель с разных точек зрения.

Те свобода и лёгкость, с которой строил свои фресковые композиции Тьеполо, до сих пор поражают зрителей и художников.

Это свобода в выборе композиции и в выборе расстановки фигур, свобода в выборе красок и направления динамики развёртывания композиции, свобода в ощущении энергичного, экспрессивного движения кисти, свобода в акцентировке деталей.По материалам: Википедия, Иллюстрированная биография и работы художника.