Уайет Джейми/James Browning Wyeth(Реализм)

1946–….

Джеймс Браунинг „Джейми“ Уайет (англ. James Browning Wyeth, род. 6 июля 1946, Уилмингтон, штат Делавэр, США) — современный американский художник-реалист.

Сын художника Эндрю Уайета и внук выдающегося художника-иллюстратора Ньюэлла  Уайета.

Биография:

Джейми Уайет родился в Уилмингтоне (штат Делавэр), вырос неподалёку в местечке Чеддс-Форд (штат Пенсильвания).

Джеймс «Джейми» Уайет был вторым ребенком Андрея и Бетси Wyeth, родившимся через три года после брата Николая.

С отрочества он привлекал к себе внимание публики как третье поколение известных американских художников.

Его детство прошло на ферме его родителей в Пенсильвании.

Он учился вгосударственной школе в течение шести лет, а затем в частном учебном заведении ,где преподавал его отец, концентрируясь на искусстве.

Его единственный брат Николай впоследствии стал стал арт-дилером.

В возрасте 12 лет, Джейми начал обучение живописи у своей тети Кэролин Уайет , известной художницы в ее NC Wyeth Доме-мастерской ,заполненной произведениями искусства и реквизита деда.

Утром он изучал английский язык и историю дома, и во второй половине дня вместе с другими учениками в студии обучался основам рисунка и композиции.

Он заявил позже, «Она была очень строгим учителем. Это не было интересно, но это было важно.»

Благодаря его тете,у Джейми появился интерес к работе с маслом, он пользовался средой на чувственном уровне: взгляд, запах и ощущение от него.

Кэролин и Говард Пайл были его самыми большими авторитетами, оказавшими существенное влияние на развитие его свою техники в работе с масляной краской.

В работе с акварелью, Джейми брал пример с отца. В то время как работы Джейми акварелью был похожи на работы его отца, его цветонаполнение его работ было более ярким.

Творческое становление юного Джейми проходило под влиянием многих факторов:работы его талантливых членов семьи, художественных книг, участие в выставках, встречи с коллекционерами и знакомство с мскусствоведами.

В 1965 году, в возрасте 19 лет он отправился в Нью-Йорке , чтобы изучить художественные особенности города и ближе познакомиться анатомией человека, посещая для этого городской морг.

Вначале, Уайет заинтересовался нефтью, первичной средой деда, хотя он также имел большой опыт в технике акварели и темперы, предпочтительным первичным средам отца.

В дополнение к изучению техники масла своей тетки, он также восхищался работами своего отца и деда, а также Говарда Пайла , учителя деда, а также Уинслоу Гомера и Томаса Икинса .

Джейми Уайет применяет более широкую палитру цветов, чем его отец, его работы ближе к творчеству тетушки и деда.

Художественные экперименты Wyeth шире, чем у его отца и деда.

Он активно пробует себя в рисуноке, литографии, офорет, яичной темпере, акварели, и смешанной технике.

Путешествуя по Европе, он изучал фламандских и голландских мастеров, и узнал, сложные и взыскателье процессы литографии, создавая значительное количество графических работ.

Как и его тетя Кэролин, Уайет активно пишет животных, таких как куры и собаки.

Чтобы придать им особую реалистичность , он обращает особое внимание на текстуру животного меха или перьев, глянцевитость глаз, траве вокруг ног.

Для создания желаемого эффекта, он использует мазки для текстуры и лак для блеска.

В 1966 году состоялась его первая персональная выставка. Его работы стали широко известны с открытием в 1971 году Музея Брендиуайн-ривер в Чеддс-Форде, где находится большая коллекция трёх поколений Уайетов.

Дважды в 1975 и 1987 годах посещал СССР. В 1987 году открывал в Ленинграде выставку Американский взгляд: Три поколения искусства Уайетов (An American Vision: Three Generations of Wyeth Art).

Работы Джейми находятся в коллекциях Музея реки Brandywine . Брендивайн Охрана. 2011 . художественного музея Фарнсворт , Музея американского искусства , Национальной галерее искусств , Национальная портретная галерея и Музея изящных искусств Сан-Франциско .

В 1972 году Уайет был назначен член совета Национального фонда искусств .

В 1975 году он стал членом совета управляющих Национального космического института .

Он является членом Национальной академии дизайна и американского общества Акварели .Он имеет много почетных степеней в том числе от Элизабеттаун колледжа (1975), Дикинсон юридического факультета (1983) и Pine Manor College (1987).

По материаалам: Википедия, Сайт художника, Каталог работ художника

Уайет,Ньюэлл Конверс/Newell Convers Wyeth(Романтизм,реализм)

1881–1945

Национальность: Американец, Художественное направление: Романтизм, Реализм, Школа или группа: Школа Брендивайн.

Ньюэлл Конверс Уайет (англ. Newell Convers Wyeth, также известный как N.C. Wyeth, 1882—1945) — живописец, иллюстратор, основатель династии Уайетов. Известен как иллюстратор детских книг издательства «Чарльз Скринберс Санс», в том числе «Том Сойер», «Робинзон Крузо», «Остров сокровищ».

Он был учеником художника Говарда Пайл и стал одним из величайших художников-иллюстраторов Америки.

Ньюэлл Конверс Уайетт (Newell Convers Wyeth) родился 22 октября 1882 года на ферме в небольшом городке штата Массачусетс, где и провел все свое детство.

Отец не одобрял желание сына рисовать, в отличие от мамы. Именно ее поддержка помогла сосредоточиться на изобразительном искусстве и получить азы образования у знаменитых художников.

Артистические наклонности дали о себе знать в достаточно раннем возрасте.

Уже в 12 лет он иллюстрировал акварельными рисунками свои любимые истории и книги.

Сотрудничество же с издательством Charles Scribner’s Sons можно назвать главным в его жизни, т.к. именно оно дало молодому художнику путевку в жизнь, заказывая ему время от времени иллюстрации, и именно серией из 25 книг Уайет вошел в историю, прочно укрепившись в народном сознании.

Популярность, которую принесла Уайету иллюстрация, все же не могла до конца удовлетворить его амбиций художника.

Оставался какой-то крохотный зазор, какая-то трещина неуверенности в том, что иллюстратор это все же не настоящий художник.

“Нельзя смешивать живопись и рисунок – одно не может перетечь в другое“, – радикально утверждал он.

Ньюэлл Конверс принимал искусство всерьёз.

Он имел устойчивую сконцентрированность, интеллектуальную страсть и в центре была жизнь его мастерской.

Когда дети Уайета занялись своим собственным делом, они были свидетелями рабочих привычек их отца и устойчивого потока издателей и художественных директоров к его мастерской в Чэддс Форд.

Они были поощрены самим начинать своё дело.

Их независимые рабочие места были в пределах легкодоступного расстояния и они интересовались работой друг друга.

Сообщалось, что они прятались, как улитки, когда так называемые «любопытствующие», приходили в их усадьбу, чтобы впустую отбирать у них время.

В то же самое время Ньюэлл Конверс сделал из своей мастерской развитую и неофициальную школу.

Он покровительствовал молодым многообещающим художникам и часто находил для них размещение поблизости.

Каждый в его семействе был поддержан в следовании по своему собственному направлению: Энн Уайет создала первую симфонию, когда ей ещё не было двадцати лет;

Натаниэль Уайет стал изобретательным учёным; Эндрю Уайет стал одним из лучших известных живописцев своего времени.

Ньюэлл Конверс Уайет погиб в 1945 году в автомобильной катастрофе. Его машина застряла на железнодорожном переезде перед приближающимся поездом. Кроме художника, в салоне находился его внук Ньюэлл.

Большая коллекция его картин представлена в Музее Брендиуайн-ривер, которому также принадлежит Дом-студия Н. К. Уайета.

По материалам: Википедия .Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,

Уайт Чарльз Генри (Charles Henry White)

1943–….

Родился в Квебеке, Канада, в 1943 году. Чарльз (Charles H. White) с раннего детства проиявил интерес к искусству. До шести лет он развивал свой талант, начиная с зарисовок карандашом птиц и животных. В четырнадцать лет, он перешел на живопись маслом. Уже подростком, многие его пейзажи успешно продавались.

В 1967 году окончил университет. Он путешествует активно ищет наиболее впечатляющие ландшафты, сочетающие элементы разных мест в одном, в совершенной и романтической обстановке. Его пейзажи нашли почетные мест в домах, где приорит — элегантность и спокойствие. “Я хочу общаться с людьми на эмоциональном уровне и поделиться с ними спокойствием, которым влияет природа на меня”

Обладая более чем сорокалетним опытом в создании произведений искусства, талант и опыт художника виден, когда вы сталкиваетесь с грациозностью садов и ландшафтов изображенных на пезажах. Каждая композиция классически разработана с акцентом на принципы дизайна, цвет и контраст.

Его техника создает световую многоуровневую работу, которая предлагает зрителю окунуться в мир спокойной красоты.

На протяжении многих лет художник пользуется признанием как критиков, так и коллег. Он завоевал многочисленные награды и его оригинальные картины находятся в собраниях по всему миру

Уайтли Бретт/Brett Whiteley(Неоэкспрессионизм)

1939–1992

Национальность: Australian,Художественное направление: Неоэкспрессионизм.
Бретт Уайтли (англ. Brett Whiteley, род. 7 апреля 1939 г. Сидней — ум. 15 июня 1992 г. Тиррул, Новый Южный Уэльс) — австралийский художник и график, был одним из ярких представителей лирического направления в абстрактном экспрессионизме.

Родился в Сиднее, Австралия. В 1956-1959 гг. учился в Национальная школа искусств Востока и Художественной школе Джулиана Эштона.Работал в рекламном агентстве. Осуществил путешествие по Италии, побывал в Париже и Лондоне (1960 г.).

Бретт Уайтли (Brett Whiteley) самостоятельно изучает творчество Матисса, Модельяни, китайскую каллиграфию. Бетховен, Боб Дилан, Артюр Рембо, Бодлер, Френсис Бекон, Пикассо, Ван Гог, Платон – каждый из этих музыкантов, писателей, поэтов, художников оказал влияние на его творчество.

Работы Уайтли охватывает широкий диапазон средств (живопись, графика, гравюры и скульптуры) и субъектов, включая ландшафты, интерьеры и натюрморты, фигуративные картины, ню и животных.

В самом начале карьеры художник создавал абстрактные работы, большинство его работ — сюрреалистические.

Известность художника резко возросла после выигрыша международного приза на II Биеннале в Париже (Международной биеннале молодого искусства) в 1962 г., тогда же состоялась его первая персональная выставка в галерее «Matthiesen».

Примерно в это же время он женился на Венди Юлиус Челси в Лондоне, брак с который будет длиться на протяжении более 25 лет, имел дочь.

В 1960-х годах Уайтли добивается международного признания.

Его работы выставляются в лондонской галерее Мальборо (Marlborough Galerie) и находят в Великобритании многочисленных почитателей.

В 1964 году художник принимает участие в выставке современного искусства documenta III в Касселе (в отделении живописи).

Уайтли активно работает, участвует в выставках Париже, Лондоне, Амстердаме, Берлине, Баден-Бадене, Штутгарте, на Венецианском биеннале и др.

Путешествует в США, посещает Нью-Йорк, Коннектикут, Вашингтон. Уайтли получает гранты, многочисленные награды, премии…

Возвращается в Австралию в 1966 г.

Известность Уайтли продолжала расти на протяжении 1970-х и 1980-х гг.

И опять он путешествует (на Маврикий и Кению, 1973 г.; в Венецию, Флоренцию, Рим, 1977 г.; в Испанию, Германию и Францию, 1982 г.; в Центральную Австралию, 1983 г. и др.).

В 1972-1973 годах выставляет знаменитую «Алхимию». Часть его работы от Алхимии с актом совокупления появится на обложке одноименного концертного альбома группы Dire Straits с дописанной гитарой и губами.

В 1985 году художник приобретает в Сиднее большое складское помещение, которое он переоборудует в мастерскую-студию и прилегающий к ней выставочный зал.

После завершения этих работ Б.Уайтли живёт при своей мастерской в 1988—1992 годах, вплоть до своей смерти.

Ныне эти помещения имеют свободный доступ и служат для осуществления различных культурных программ, выставок и пр.

Здесь также демонстрируется собрание картин, графических работ, рисунков и скульптур Б.Уайтли.

Уайтли стал зависим от алкоголя и пристрастился к героину, что приводило к приступам шизофрении.

Уайтли умер от передозировки героина в гостиничном номере в «Thirroul», Новый Южный Уэльс.

В 1999 г., картина Уайтли «Tree Jacaranda» (1977 г.) была продана за $1 982 000, что являлось рекордным для современного австралийского художника.

В 2007 г. одна из его картин продана за 3,5 млн. долларов США.

Уайтли обладал огромным талантом, он один из самых знаковых художников австралийского искусства ХХ в.

Творчество Б.Уайтли было отмечено различными национальными и международными наградами и призами, в том числе Орденом Австралии (1991).

Художник представлен на международном уровне в коллекции галереи «Тейт» в Лондоне и Музее современного искусства в Нью-Йорке, многих галереях рахных стран, в Национальной галерее Австралии, большинстве региональных австралийских галерей.

По материалам: Википедия, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи хх века”.

Уголино ди Нерио/Ugolino di Nerio(Готическое искусство)

1302–1349

Уголино ди Нерио (итал. Ugolino di Nerio, работал в Сиене с 1317 г. — ум. 1339—1349 г. в Сиене) — итальянский художник, известный также под именем Уголино да Сиена. Сиенская школа.

Биография:
Уголино ди Нерио был одним из самых верных последователей и учеников Дуччо.

Его имя несколько раз упоминается в архивных документах с 5 сентября 1317 по 6 февраля 1327 года, а Джорджо Вазари составил его краткую биографию.

Несмотря на это сведений о художнике крайне мало: неизвестны дата и место его рождения (предполагают, что он родился около 1280 года в Сиене), а его произведения, за исключением Полиптиха из церкви Санта Кроче, не имеют подписи и даты изготовления.

В связи со всем этим реконструкция творчества художника носит предположительный характер и меняется от одного автора к другому.

Согласно имеющимся документам, Уголино родился и вырос в артистической семье — его отец Нерио и два брата, Гвидо и Муччо, были художниками.

Из сохранившихся документов известно, что семейство жило на склоне невысокого холма известного в Сиене как Терцо ди Камолья. По всей вероятности обучение навыкам художественного ремесла Уголино прошёл в мастерской отца, продолжив далее совершенствоваться, работая у Дуччо.

На рубеже XIII—XIV веков Дуччо ди Буонинсенья был крупнейшим сиенским живописцем. Произведения Уголино демонстрируют подавляющую зависимость от творчества этого мастера, в связи с чем исследователи полагают, что Уголино наряду с Сенья ди Бонавентурой длительное время работал в его мастерской.

Ряд экспертов поддерживает точку зрения Джеймса Стабблбайна, что Уголино принимал участие в создании знаменитого алтарного образа «Маэста» (1308—1311), усмотрев его руку в поясных изображениях апостолов в верхней части (несмотря на то, что контракт, подписанный Дуччо, обязывал его написать весь алтарь своей рукой).

Около 1315 года Уголино ди Нерио выработал свою творческую манеру, которая отличалась от манеры Дуччо рядом особенностей.

Отличительной чертой изображённых им святых стало более тщательное наложение красок с целью придания большей рельефности изображению. В сложных многофигурных композициях он сокращал число персонажей, избегая деталей ради передачи сути драматического момента.

В поздних произведениях Уголино усиливается готическое влияние, постепенно вытесняющее «византийские» навыки, полученные в мастерской Дуччо. В 1319 году Дуччо скончался, и на место ведущего художника Сиены выдвинулся Симоне Мартини.

Влиянием именно этого мастера исследователи объясняют перемены в творчестве Уголино. Впрочем, приведённая реконструкция не имеет никаких документальных подтверждений, но основана лишь на попытках описать эволюцию мастера, выстроив приписываемые ему произведения в определённом порядке.

Имя Уголино ди Нерио обрело славу в первую очередь потому, что он выполнил два полиптиха для флорентийских церквей.

Редко какому сиенскому художнику удавалось получить контракт в конкурирующей Флоренции (за распределением заказов и дележом художественного рынка Флоренции зорко следила местная гильдия художников). Исследователи считают два этих заказа торжеством сиенской живописной школы, которая переживала в начале XIV века свой «золотой век».

Во Флоренции по заказу францисканского ордена Уголино создал полиптих для церкви Санта Кроче (сохранился частично), а по заказу доминиканцев написал полиптих для церкви Санта Мария Новелла (не сохранился, но возможно, что двумя его деталями были «Св. Андрей» из собрания Пола Гетти, Лос-Анджелес, и «Иоанн Креститель» из Народного музея, Познань).

В Берлин-Далем, лондонской Национальной Галерее, и нью-йоркском музее Метрополитен ныне находятся святые, и сцены страстей из него.

Кисти Уголино приписываются также: «Полиптих» и «Распятие» в Пинакотеке г. Сиена, пределла с изображением «Распятия и двух донаторов» (Лондон, Институт искусства Курто), и еще несколько «Распятий» и полиптихов с изображением «Мадонны с младенцем» и полуфигур святых.

По материалам:Википедия,Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи.

Уголино ди Тедиче/Ugolino di Tedice(Итало-византийское искусство)

1252–1279

Уголино ди Тедиче (итал.Ugolino di Tedice, документирован с 1252 по 1279 год, Пиза.) — итальянский художник из Пизы периода итало-византийского искусства.

Имя Уголино ди Тедиче было прочитано на расписном кресте, хранящемся ныне в Государственном Эрмитаже, Санкт Петербург. Подпись на кресте «VGOL NVS» означает «Уголино».

Специалистам к тому времени была известна одна работа художника Раньери ди Уголино, и сопоставив ее с крестом из Эрмитажа, и архивными данными, исследователи пришли к выводу, что создатель креста — отец художника Раньери ди Уголино, и брат другого художника Энрико ди Тедиче — Уголино ди Тедиче, чье имя в пизанских архивах впервые упоминается в 1252 году.

Согласно последним исследованиям, проведенным итальянскими учеными, Уголино ди Тедиче и Мастер Сан Мартино — это один и тот же художник.

Поскольку его брат, Энрико, тоже был художником, у исследователей творчества Уголино появилось вполне логичное предположение, что оба они прошли обучение в мастерской отца, который, вероятно, тоже был художником (в архивных документах есть свидетельства о некоем Тедиче Бурелли или Морелли), потому что такая практика была в то время наиболее распространенной.

Формирование искусства Уголино проходило под влиянием Джунта Пизано — самого известного в то время мастера, у которого он перенял внимание к анатомическим подробностям, передачу светотени, и драматическую экспрессию.

Первое упоминание его имени относится к 1252 году и связано с вступлением в права наследства.

Другой документ от 1260 года сообщает, что архиепископ Федерико Висконти дарует Уголино и его брату Энрике участок земли в счет оплаты за выполненные ранее художественные работы.

Специалисты предполагают, что к этому моменту у него была успешная мастерская. Кроме того, ученые полагают, что Уголино, судя по всему, с 1269 по 1277 год находился на службе у архиепископа Федерико Висконти, о чем могут свидетельствовать многочисленные записи в архивных документах этого периода.

До наших дней дошло всего четыре работы художника, и все они представляют собой расписные кресты.

Это, во-первых, единственный подписанный им «Крест» из Эрмитажа, Санкт Петербург, далее два «Креста» из Пизы, церкви Сан Мартино, и «Крест» из Музея искусства, Кливленд.

Причем, все неподписанные работы Уголино вызывают у исследователей разногласия в отношении их авторства, и атрибуции этих крестов меняются.

По материалам: Википедия

Угрюмов Григорий Иванович(Академизм, исторический жанр)

1764–1823

Григорий Ивановмч Угрюмов (30 апреля [11 мая] 1764, Москва — 16 [28] марта 1823, Санкт-Петербург) — исторический живописец и портретист; представитель классицизма.

Родился в 1764 году в Москве в семье купца-жестянщика родом из села Норского Ярославской губернии Ивана Михайловича Угрюмова, депутата Комиссии по составлению проекта Нового Уложения.

В 1770 году родственниками был определен в Воспитательное училище при Императорской Академии художеств.

Обучение живописи проходил в классе знаменитого Дмитрия Григорьевича Левицкого. По окончании Академии в 1785 году Угрюмов получил золотую медаль за картину по академической программе «Изгнанная Агарь с малолетним сыном Измаилом в пустыне».

Награда предоставляла молодому художнику право пенсионерской поездки в Италию для усовершенствования в живописи.

В 1787 году Угрюмов отправился в Рим, где пробыл четыре года, копируя античные статуи, картины Паоло Веронезе, Гвидо Рени, Тициана и других итальянских мастеров.

По возвращении в Санкт-Петербург в 1790 году Угрюмову было поручено преподавание курса исторической живописи в Академии художеств.

В 1794 году художник был признан «назначенным» в академики и в 1797 получил звание академика за картину «Испытание силы Яна Усмаря».

После этой картины Угрюмов получил первые заказы на написание картин от императорского дома Романовых.

1794 года он создал по высочайшим заказам исторические полотна: «Торжественный въезд Александра Невского в город Псков после одержанной им победы над немцами», «Взятие Казани», «Призвание Михаила Федоровича Романова на царство» и другие работы.

Благодаря своей творческой деятельности и незаурядному дару композиционного построения изображаемых исторических персонажей Угрюмов стал пользоваться широкой известностью в петербургских кругах и благоволением императрицы Екатерины II, а затем и императоров Павла I и Александра I;

по их заказам художник исполнял многосложные картины для важнейших строившихся в те времена в Санкт-Петербурге и Российской империи зданий: для Михайловского замка, собора Александро-Невской лавры, Казанского собора, собора в Одессе и других сооружений.

В 1800 году Угрюмов был удостоен звания профессора исторической живописи и постоянного члена Совета Академии художеств,

а в 1820 году стал ректором исторической живописи.

Для Казанского собора в Санкт-Петербурге Угрюмов исполнил образа «Святые Зосима и Савватий Соловецкие», два архангела на южной и северной дверях иконостаса, и также написал образа для церкви лейб-гвардии Финляндского полка.

Помимо этого Угрюмов довольно искусно писал портреты, в том числе: купца Водовозова, доктора Каменецкого, семьи купцов Серебряковых (все находятся в настоящее время в Третьяковской галерее в Москве).

Угрюмов Григорий Иванович был одним из первых российских художников исторического жанра, а как преподаватель, он подготовил многих замечательных живописцев — Андрея Иванова, Василия Шебуева, Алексея Егорова, Ореста Кипренского и других блестящих художников.

Угрюмов Григорий Иванович умер в 1823 году в Санкт-Петербурге.

По материалам:Русского биографического словаря А. А. Половцова и Энциклопедического словаря Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Удри Жан Батист/Oudry Jean-Baptiste(Анимализм)

1686-1755

Удри Жан-Батист— французский живописец и гравер, ученик сперва своего отца, Жака Удри., а потом Мишеля Серра и Никола де Ларжильера, до 1727 г. писал исторические картины, портреты, пейзажи, плоды и цветы, но затем посвятил свою кисть исключительно изображению животных.

Жан Батист Удри родился 17 марта 1686 года в Париже.

В 1707 году поступил в мастерскую Ларжильера, где изучал преимущественно цветовые решения голландских и фламандских мастеров.

Удри быстро достиг мастерства в передаче светотеневых и цветовых соотношений между предметами в картине, ему легко удается эффект trompe-l’oeil — «обманки» (например, картина «Белая утка», 1753, Лондон, частное собрание).

Несмотря на очевидную тягу к натюрморту, Удри начинает академическую карьеру, как и положено, с религиозных композиций и заказных парадных портретов («Святой Иероним», 1708, утрачена; «Граф и графиня Кастельбланко», около 1716, Мадрид, Прадо), не оставляя работу над натюрмортом.

Однако натюрморт уже вскоре перестает быть основным его призванием, и, перепробовав несколько видов композиций (картина «Натюрморт с обезьяной и скрипкой», 1719, Стокгольм, Национальный музей), художник всецело сосредоточивается на сценах охоты.

Произведения его отличаются приятным серебристым тоном колорита, верностью передачи характера животных и оживленностью приданных им движений. Особенно хорошо изображал он собак.

Одна из самых удачных его картин, большая сцена охоты с портретами Людовика XV и группы его придворных, находится в замке Марли, близ Парижа.

Образцы его живописи имеются во многих музеях; всего богаче ими Мекленбург-Стрелицкая галерея (36 картин) и Стокгольмский музей (11 картин).

В Государственном Эрмитаже — только две картины Удри, изображающие плоды и относящиеся к первому периоду его деятельности.

Как гравер, он исполнил 75 офортов, в том числе 7 изображений охотничьих сцен, 21 иллюстрацию к сочинениям Скаррона и 46 логогрифов и ребусов.

Дарование Удри в этой области оказывается быстро замеченным, и уже в 1723 году Удри получает королевский заказ на большие охотничьи сцены длядворца в Шантийи (ныне две — Шантийи, Музей Конде; одна — Руан, Музей изящных искусств).

С 1734 года Жан Батист Удри становится директором шпалерной мануфактуры в Бове, с 1736 — старшим инспектором мануфактуры гобеленов в Париже.

Художник выполнил огромное количество подготовительных картонов для ковровых мануфактур Гобеленов и Бове. Удри писал портреты (портрет Ф.де Лова, 1724, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), создавал гравированные иллюстрации к басням Ж. Лафонтена (1729-1734), сочинениям П. Скаррона (1726) и другим литературным произведениям.
Блистательное мастерство Удри, реалиста и декоратора, пользовалось вниманием всех европейских любителей охоты, его засыпали заказами, так что иногда он был вынужден дублировать раз найденные удачные композиции.

Превосходно скомпонованные, почти иллюзионистические в своей достоверности, охотничьи сцены Удри украшали не только французские (Версаль, Фонтенбло, Марли), но и другие королевские резиденции и дворцы Европы (цикл Королевские охоты, 1733—1746, 8 — Фонтенбло, 1 — Париж, Лувр; Экзотические животные, Шверин, Музей; Собаки в стойке перед дичью, Стокгольм, Нац. музей).

Удри — автор натюрмортов («Натюрморт с фруктами», 1721, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), сцен охоты («Охота на оленя», 1723,

Национальный музей, Стокгольм), в том числе серии картонов для гобеленов («Охоты Людовика ХV», 1733-1745),

анималистических композиций («Собака на стойке», 1725, «Лисицы» — обе в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург), в которых точность наблюдений и верность натуре сочетаются с изысканной декоративностью.

Умер Жан Батист Удри 30 апреля 1755 в Бовэ.

По материалам:Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона. — С.-Пб.: Брокгауз-Ефрон. 1890—1907.Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика: Энциклопедия. — М.: Белый город. Редактор Л. П. Анурова. 2006. Википедия

Уикс Эдвин Лорд

1849–1903

Эдвин Лорд Уикс – американский художник-ориенталист.
Эдвин Лорд Уикс (Edwin Lord Weeks, 1849-1903) родился в штате Массачусетс.

Его родители были крупными торговцами чаем и специями из Ньютона (пригород Бостона). Их немалые доходы позволяли поощрять и оплачивать путешествия сына и его занятия рисованием. Он побывал во Флорида-Кис и Суринаме в Южной Америке. Самая ранняя известная картина была им написана в 18 лет, уже тогда он начал показывать оригинальную технику и знание композиции. В 21 год он начал работать в собственной студии в Ньютоне, а в 1870 г. он женился на Френсис Роллинс Хейл (она была родом из Нью-Хепмшира).

В 1871 г. Уикс вместе со своим другом-иллюстратором отправляется в путешествие в Египет, Святую Землю и Сирию до Дамаска (в Бейруте его друг умрет от лихорадки). В 1872 г. художник пишет свою первую ориенталистскую работу, изображающую порт в Танжере. Во время пребывания в Марокко он познакомился с шотландским академиком Робертом Гэвином, который жил и работал в Танжере в 1870-х гг. После возвращения в Бостон Уикса бостонские журналы и газеты публикуют его работы, художник устраивает первую выставку своих картин.

Воодушевившись неподдельным интересом пулики к своим произведениям, Уикс собирается провести некоторое время в Париже и продолжить работу над картинами в ориенталистском направлении.

Прибыв в Париж вместе со своей женой, Эдвин Лорд Уикс подал заявку на обучение в мастерской знаменитого Жана-Леона Жерома в Школе изящных искусств. Ожидая ответа, он начал заниматься в частной мастерской Леона Бонна (близкого друга Жерома, который путешествовал с ним по Северной Африке). Уикс так был доволен занятиями, что, когда на его заявку Жером ответил согласием, молодой художник не захотел покидать мастерскую Леона Бонна. Несмотря на то, что бостонские журналы начали называть Уикса «учеником Жерома» на самом деле он никогда им не был и всегда называл себя «учеником Бонна». У Бонна был очень интересный подход к обучению своих студентов, радикально отличающийся от принципов преподавания в Школе изящных искусств. Бонна был 31 год, и он придерживался реалистического направления в живописи. Он наставлял своих учеников как можно меньше уделять внимания деталям человеческих фигур в пользу изображения всего объекта как целостного предмета. Занятия в мастерской Бонна в течение полутора лет предоставили Уиксу отличную подготовку к созданию ориенталистских работ – он впитал в себя реалистический стиль, а также методы работы на пленэре, когда он учился предугадывать и изображать стихийное изменение света и тени. Уикс вернулся в Каир весной 1875 г., следующей осенью путешествовал в Марокко, лето проведя в Париже. По возвращении в Америку в феврале 1877 г. он организовал выставку в Бостоне. Критика очень хорошо его принимала, и работы хорошо продавались. Вырученных средств было достаточно, чтобы провести несколько лет в Индии. В 1878 г. он возвращается в Париж и впервые выставляет свою картину в Парижском Салоне.

Путешествую в Марокко следующей зимой, Уикс, желая избежать северных портов, облюбованных туристами, планировал в сопровождении своей жены посетить Рабат на Атлантическом побережье: они пересекли Гибралтарский пролив и высадились в Танжере, где к ним присоединился Роберт Гэвин. Путешественники взяли с собой припасы на три месяца. Однако, достигнув Рабата, они обнаружили, что страна страдает от голода. Художник начал распространять хлеб нуждающимся взамен на натурное позирование, чего местные жители не хотели делать без платы. Уикс решил вернуться в Париж в феврале, но его обратный путь был сопряжен со многими опасностями. Несмотря на них, художник решил через год вернуться в Марокко. Он направился в глубь страны до Марракеша в сопровождении вооруженной охраны. От местных властей он получил разрешение на рисование на улицах, где художник поддался очарованию пестрых базарных площадей и древних памятников марокканской культуры. До 1880 г. Уикс не выставлялся ни в Америке, ни в Париже.
В 1883 г. Уикс отправляется в Индию. Его картины были такими интересными, что в 1892 г. он еще раз отправится в Индию с журналистом Теодором Чайлдом: он писал серию статей об Индии, а Уикс должен был выполнить иллюстрации. Предвидя нелегкий путь по суше, они планировали отправиться из Санкт-Петербурга по Каспийской железной дороге до Самарканда, затем через Герат в Афганистане. Но вспышка холеры в России помешали этому пути, и они решили следовать древним караванным путем из Трапезунд по Черному морю до Тебриза, а затем через Курдистан. Они прибыли в Трапезунд в июле 1892 г. и начали собирать караван. Они приобрели три большие крытые повозки, каждая из них была запряжена четверкой лошадей. Таким составом они отправились в юго-западном направлении в Персию. Однако едва они двинулись, их кони увязли в болоте, одна лошадь едва не погибла. К счастью, животных удалось спасти. Их путешествие было настоящей авантюрой, насыщенной приключениями. Авария с повозками следовали одна за другой, лошади были изранены, они ночевали в караван-сараях или других временных пристанищах. Представители турецких властей проверяли их паспорта и имущество в каждом населенном пункте, где они останавливались. За неделю они достигли границы с Грузией, начались дожди, и грунтовые дороги превратились в грязь. Они с трудом пересекли опасный перевал. От горы Арарат они продвигались вдоль озера Урмия и вдоль Курдистанской границе. Уикс считал путешествие через персидские деревни столь же захватывающим, как преодоление горных перевалов. Однако, приближаясь к Тебризу, они встречали одну похоронную процессию за другой — они двигались прямо в эпидемию холеры. Теодор Чайлд заболел брюшным тифом, и ему нужно было время для восстановления сил. Приближалась зима, и путешественникам нужно было двигаться дальше. Они решили отправиться в Тегеран, затем на юг к Исфахану и Ширазу; достигнув Бушира, они могли сесть на пароход до Индии. Их караван теперь состоял из десяти лошадей. Уикс все более романтизировал свои приключения, каждый день после обеда и перед сном он записывал события, с ними происходившие. Достигнув Тегерана, он был поражен красотой этого большого города, в Исфахане его удивляла архитектура, а в воздухе витал запах спелых фруктов. Спустя день или два после отъезда в Шираз, у журналиста начали проявляться симптомы брюшного тифа, и Уикс отправил его обратно в Исфахан для лечения. Но было слишком поздно, Чайлд умер на обратном пути. В Ширазе художник раздобыл список зараженных селений, в городе у него появились влиятельные друзья. Здесь он уже не ел, сидя на земле, а обедал за столом и вел беседу с персидскими вельможами, одетыми в европейские костюмы. 29 ноября 1892 г. на берегу портового города Бушир он сел на пароход «Occidental», попрощался со своими персидскими товарищами и отправился в Индию. В экзотичной Индии он провел два года, а затем вернулся в Париж, где прожил следующие тринадцать лет. Его картины этого периода стали настоящими шедеврами и принесли ему славу величайшего художника-ориенталиста. В 1896 г. он стал кавалером ордена Почетного Легиона. Он продолжал писать вплоть до своей смерти в 1903 г. в Париже.

Уилан Майкл/Michael Whelan(Фэнтази)

1950–….

Майкл Уэлан(англ. Michael Whelan) — известный американский художник в жанре фантастики, специализирующийся на иллюстрации фантастических книг. Многократный лауреат премии «Хьюго».

Биография:
Майкл родился 29 июня 1950 в городе Калвер, Калифорния, в семье авиакосмического инженера, переезжавшей с места на место.

Сам Уэлан отмечал, что постоянное присутствие рядом с космическими стартовыми площадками, возможно, повлияло на его пристрастие к фантастике.
Майкл поступил в 1965 году в Rocky Mountain School of Art в Денвере и с 1968 по 1973 учился в San Jose State University.

Желание узнать, как создать профессиональное портфолио привели Майкла в Art Center College of Desing в Лос-Анджелесе.

Это один из ведущих колледжей графического и промышленного дизайна в мире, специализирующийся на руководствах по работе в коммерческом искусстве профессиональных художников. Майкл был принят в качестве студента-второкурсника, и переехала на юг в Бербанк.

Строгий ускоренный курс обучения в Art Center отнимал достаточно много времени, и, по истечении девяти месяцев Майклу назрела необходимость прервать занятия, чтоб иметь возможность устроится на полный рабочий день и финансово обеспечить свое существование.

Однажды по пути в класс в Art Center, он увидел объявление о San Diego Comic Con 1974, где мелким шрифтом в углу было написано предложение присылать свои работы на выставку конвенции. Он не мог позволить себе посетить саму конвенцию, поэтому, отдав работы, поехал обратно в Лос-Анджелес и когда вернулся, узнал, что его работы имели успех и были проданы.

Это придало Майклу достаточно уверенности, чтобы отправить слайды своих работ Дональду Уоллхейму в DAW Books в Нью-Йорке. 14 августа 1974 года, г-н. Уоллхейм предложил ему заключить контракт с издательством.

Желая получить точную оценку своих шансов, Майкл послал, также, несколько картин на World Science Fiction Convention в Вашингтон. Он вошел в арт-шоу уже как «Профессиональный художник», а не «Любитель», и занял первое место своей научно-фантастической картиной OUTBOUND.

Его работы увидел молодой немецкий литературный агент Thomas Schluck, который также являлся представителем художников. Schluck связался с Майклом о предложении покупки права на работу, которую он там видел, так что, пожалуй, первые опубликованный обложки Уэлана были на европейских книгах.

Его первая профессиональная сделка по продаже была совершена с Marvel Comics, которая купила несколько работ художника прямо из портфолио и нанял его на оформление обложки. Дональд Уоллхейм дал Майклу заказ на обложку для «The Enchantress of World’s End» Лина Картера.

Как и многие молодые художники Нью-Йорка, Майкл посещал студию Нила Адамса и сделал с ним несколько живописных работ. Нил организовал интервью Майкла с издательством Ace books, которые также наняли его.

Майкл продал некоторые работы на конвенции научной фантастики LunaCon в Нью-Йорке, и одним из покупателей был Харлан Эллисон.

С этого времени Майкл Уэлан никогда не оставался без заказов.

Его ранние обложки для DAW и Ace были разнообразны: сборники лучших рассказов в жанре хоррора за год, серия книг «Саги об Элрике» Майкла Муркока, оформление цикла Бима Пайпера «Маленький пушистик».

В 1976 году художник переехал в Коннектикут, занявшись иллюстрацией профессионально. Его работы для книг Энн Маккефри из серии «Драконы Перна» завоевали премию «Хьюго» в 1980, его первую профессиональную премию.

В последующие годы Майкл получал «Хьюго» шестнадцать раз, установив рекорд для этой премии. В 1992 году ему был вручен Супер-Хьюго с формулировкой «Лучшему художнику за последние 50 лет».

В 2009 году Майкл получил известие, что он будет включен в Зал Славы Фантастики (Science Fiction Hall of Fame) в Сиэтле, штат Вашингтон.

Уэлан стал первым художником, присоединившимся к элитному списку, который включает таких гигантов как Герберт Уэллс, Мэри Шелли, Рэй Брэдбери, Стивен Спилберг.

На недавнем IlluXcon Майкл встретил Джереми Кренфорда, арт-директора Blizzard Entertainment. Они обсуждали возможность сделать большую картину для своих корпоративных офисов. Ему было предложено изобразить Deathwing, огромное существо из мира Warcraft ™.

Майкл женат на Одри Прайс, у них двое детей: Алекса и Эдриан. Он увлекается музыкой и восточными единоборствами, и имеет чёрный пояс по Кэмпо.

В конце 1990-х здоровье художника было сильно подорвано, он страдал от болезни Лайма и рака простаты. Врачам удалось поставить Майкла на ноги в 2000 году. В последние годы Майкл редко работает под заказ и больше времени посвящает рисованию в свое удовольствие.

Среди немногих исключений — обложки для книг Брендона Сандерсона из серии «Колесо Времени»; Уэлан согласился взяться за серию после смертей её автора Роберта Джордана и основного иллюстратора серии Даррелла Свита.

В свободное от заказов время Майкл рисует сюрреалистические картины и пейзажи. Его работы наполнены символикой, переходящей из картины в картину и являющейся своего рода авторским знаком.

Так, целая серия картин построена на интерпретации раковины улитки. Есть серия символических картин, посвящённых христианским добродетелям (благоразумие, мужество, смирение, нежность), изображенным в виде женщин.
Работы:

Среди произведений, над оформлением которых работал Уэлан —
•«Память, Скорбь и Тёрн» и «Иноземье» Тэда Уильямса,
•«Вечный Воитель» Майкла Муркока,
•«Тёмная Башня» Стивена Кинга (включая внутренние иллюстрации),
•«Драконы Перна» Энн Маккефри,
•«Боги Марса» Эдгара Р. Берроуза
•«Хроники холодного пламени» Селии Фридман,
•«Ученик Убийцы» Робин Хобб
•обложки альбомов групп Sepultura и Meat Loaf.

Награды:

•Шестнадцать Премий «Хьюго», в том числе двенадцать как лучшему художнику (1980, 1981, 1982, 1983, 1984, 1985, 1986, 1988, 1989, 1991, 1992, 2000, 2002). Спецприз «Лучшему художнику за последние 50 лет».
•Премия «Балрог» как лучшему художнику (1980)
•Три Всемирных Премии Фэнтези (1981, 1982, 1983)
•Одиннадцать премий «Чесли» (профессиональная премия художников-фантастов).
•Золотая медаль Общества Иллюстраторов (1997)
•Включен в Зал Славы Научной Фантастики.

По материалам:Википедия,  Сайт художника.

Уилки Дэйвид/David Wilkie(Романтизм)

1785–1841

Дейвид Уилки (англ. David Wilkie; 18 ноября 1785 — 1 июня 1841) — шотландский живописец.
Родился в Калтс, Шотландия, в семье бургомистра.

Учился в в Эдинбурге.

С 1805 г. учился в Лондоне в Королевской Академии художеств.

В 1814-1828 гг. посетил европейские страны, в 1840 г. — Ближний Восток.

С 1806 г. стал выставляться, в 1811 г. был избран королевским академиком.

Его первая важная жанровая картина, «Ярмарка» (1804 г.), была выполнена в голландской манере, в подражание Д. Тенирсу Младшему и А. Ван Остаде.

Сформировавшийся стиль, Уилки сохранял в течение следующих 20 лет.

Автор живых по характеристикам и естественных по композиции картин на бытовые («Слепой скрипач», 1806 г.) и исторические темы, а также портретов.

Он рисовал скромные сельские интерьеры и жителей с проницательной наблюдательностью и острым вниманием.

Успехи художника в живописи были вознаграждены профессиональными наградами.

В ноябре 1809 г. он был избран ассоциированным членом Королевской академии, когда едва достиг возраста, установленного тогдашними законам, а в феврале 1811 года он стал полноправным академиком.

В 1812 году он открыл выставку своих картин в Pall Mall , но эксперимент оказался неудачным, поввлекший за собой значительный материальный ущерб для художника.

Картины Уилки пользовались большой популярностью, на Королевской выставке Академии в 1822 г. они были защищены барьерами от многочисленных зрителей.

Изменение стиля письма произошло с 1825 по 1828 гг., когда с целью улучшения здоровья он посетил Италию, Германию, Швейцарию и Испанию.

Впечатленный картинами испанских живописцев Д. Веласкеса и Б. Мурилльо, он начал использовать широкую манеру письма и более смелое использование цвета.

Уилки сопровождал сэра Томаса Лоуренса, как придворный живописец короля в 1830 г., а в 1836 г. был посвящен в рыцари.

В 1840 г. он посетил Святую Землю, чтобы познакомиться с природой Ближнего Востока, задумав картину на религиозную тему.

Он умер, возвращаясь на родину, прямо на корабле (г. Мальта, в море близ Гибралтара).

Его похороны изображены на картине Тернера «Похороны в море» (1841 г.).

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Уилсон Мэй/May Wilson(Feminist Art, Mail Art, Поп-Арт)

1905–1986

Май Уилсон (р. 1905-д. 1986) американская художница. Пионер феминистского и мэйл-арт движения в Америке.

Уилсон родилась в Балтиморе, штат Мэрилэнд в малообеспеченной семье. Ее отец умер, когда она была ещё совсем маленькой, и её воспитание легло на плечи матери , единственным источником дохода которой была тяжёлая надомная работа.

Уилсон бросила школу после девятого класса, чтобы устроиться на работу стенографисткой и начать помогать матери.

Когда ей исполнилось двадцать, она вышла замуж за молодого адвоката, Уильяма С. Уилсона-младшего.

Мэй работала вплоть до рождения своего второго ребёнка, после чего посвятила всю свою энергию воспитанию детей и ведению домашнего хозяйства.

В 1942 году Мэй с мужем и детьми переезжают Таусон, штат Мэрилэнд.

Она начала посещать заочные курсы по искусству и его истории в нескольких учебных заведениях, в том числе в Чикагском университете.

В 1948 году, после вступления в брак ее дочери, пара переехала на север Towson где организовала фермерское хозяйство.

Здесь Мэй много времени уделяет занятию живописью, она с удовольствием даёт частные уроки живописи некоторым соседям.

Основной темой её работ становятся сцены повседневной жизни, написанные в плоской, целенаправленно примитивной манере.

Мэй выставляет свои работы в местных галереях и ресторанах.

В 1952 и 1958 годах она получает награды за участиев выставках в Музее искусств Балтимора.

В 1956 году, сын художницы, писатель Уильямс С. Уилсон, дал Рэю Джонсону, основателю Нью-Йоркской заочной школы живописи адрес своей матери.

Так началась дружба и творческое сотрудничество между Джонсоном и Уилсон, которые будут длиться остаток жизни Уилсон.

Уилсон стала неотъемлемой частью Джонсон мэйл-арт круга и была вовлечена в Нью-Йоркский авангард с помощью писем и небольших работ, которые она обменивалась с видными его представителями Джрджем Брехтом, Эдом Рейнхардтом, Леонардом Коэном и многими другими.

После развода, весной 1966 года она переехала в Нью-Йорк и стала регулярно принимать участие в легендарных вечерах в отеле Челси под псевдонимом “Бабушка Мозес из подполья”(Уилсон был тогда уже 61 год).

К тому времени Уилсон уже работала с методом фотомонтажа.

Из присылаемых Джонсоном журналов, Мэй ножницами вырезала узоры в образах пин-ап девушек и мускулистых парней, пока они не начинали напоминать салфетки, или снежинки, как их называла Уилсон.

Уилсон украшала ими свой номер в отеле , а позже студию на Западной 23-й улице. Примерно в это же время она начинает создавать свою знаменитую серию”смешные портреты”.

Уилсон также активно экспериментировала с работами в жанре “мусорного или нежелательного “искусства.

Выставлявшиеся работы включали в себя высокие каблуки, простыни, Кастрюли, тостеры, винные бутылки, лед лотки и завернутые куклы младенца.

Работы Уилсон были источниками вдохновения для сюрреалистов и дадаистов того времени.

После ее смерти в 1986 году ее работы неоднократно отмечались на многочисленных выставках и ретроспективах в Музее искусств Балтимора.

По материалам:Энциклопедия «Современные художники Америки», Википедия.

Уилсон Шарон Майя/Sharon Maia Wilson

1955–2005

Шарон Майя Уилсон(Sharon Maia Wilson),американская художница, жила и работала в течение 30 лет в своей студии Тусоне,штат Аризона.

Живописи обучалась самостоятельно.

Прекрасно разбиралась во всех стилях , широкую известность приобрела благодаря своим удивительно красочным, наполненным ярким солнечным светом работам, выполненным маслом.

Её яркие работы являются гимном любви, радости и жажды жизни.

Чудесный свет в картинах Sharon Maia Wilson как-будто свидетельствует о том, что впереди ещё лучшие времена и места, это видение, которое она пронесла через всю свою жизнь.

Любимое дело давало ей силы бороться с неизлечимой болезнью, художница мечтала и передавала на холст образы тех мест, где она была счастлива когда-то.

Многочисленные цветочные композиции художницы написаны в манере импрессионистов.

Умерла Sharon Maia Уилсон в 2005 году, оставив после себя чудесные картины в галереях по всему миру.

Шарон Майя Уилсон была очень плодовитой художницей.

Её работы отмечены многочисленными восторженными публикациями по всему миру, и находятся во многих галереях.

Семья художницы решила, что все средства от продажи ее картин пойдут на исследования, связанные с лечением рака груди.

По материалам: Энциклопедия «Современные художники Америки», Сайт художницы

Уильямс Роберт/Robert L. Williams II(Лоуброу арт)

1943–….

Роберт Уильямс — американский художник- карикатурист , основатель журнала культуры и искусства Juxtapoz.

Уильямс был одним из группы художников, которые создали западный комикс- часть молодёжноё культуры конца 60-х годов.

Наряду с другими “подземными карикатуристами” такими как Роберт Кошка, S, Клей Уилсон и Гилберт Шелтон сочетая Калифорнийскую автомобильную культуру, кинематографическую апокалиптику и нуара ,Уильямс смог создать новый жанр живописи “психологическую образность”

Известными коллекционерами его искусства являются Николас Кейдж , Леонардо Ди Каприо , Арти Шоу , Дебби Харри , Энтони Кидис , фон голландский , Станислав Szukalski , Эд Руша , и Тимоти Лири .

В настоящее время он живет в долине Сан-Фернандо в Калифорнии со своей женой Сюзанной, котораяй также является профессиональным художником.

Роберт Л. Уильямс II родился 2 марта 1943 года в Альбукерке, Нью-Мексико.

Родители Роберта , Роберту Wandell Уильямс и Бетти Джейн Свинк в раннем возрасте заметили интнрес маличика к рисованию и акварельной живописи.

Он был зачислен в первый класс Военной академии Старка.

Уильямс с детства полюбил автомобили. Его отец владел Parkmore, кинотеатром под открытым небом, который часто посещался Хот-одерами.

Уильямс получил свой первый автомобиль, 1934 Ford Five-окно купе, в 12 летнем возрасте в подарок от отца. Его изображение можно увидеть во всех ранних работах художника.

После развода родителей в 1956году, 12-летний Роберт остаётся с матерью в Альбукерке. За связь с уличной преступностью мальчика исключают из 9-го класса школы.

Чтобы избежать возможного тюремного заключения, в 1963 году 20-летний Уильямс перееэжает в Лос-Анджелес, где поступает на художественные курсы Лос-Анджелесе City College.
После этого он непродолжителбное время училсяв Калифорнийском институте искусств (ранее Chouinard художественный институт ), где был прозван «иллюстратором»

В конце 1960-х, Уильямс много пишет маслом.

Именно в этот период он создал свои «Супер мультфильмы”, картины, которые включали аппетит для уничтожения и В стране сетчатки наслаждений .

Эти картины были написаны в технике “старых мастеров”.Работы были тщательно прописаны ,хорошо продавались, но требовали очень много времени для своего создания.

В 1980 году Уильямс стал участвовать в движении панк-рок и обнаружил, новых ценителей своего таланта.

В этот период он опубликовал Zombie Mystery Картины , которые повлияли и вдохновили множество художников благодаря его яркими, сексуальными, и ультра-насильственным изображениям.

Эти работы были выполнены быстро, на пересеченном холсте, и были проданы через лист ожидания в связи с большим спросом.

В 1994 году Уильямс основал Juxtapoz журнал о творческом новых артистов, один из самых -распространяемых художественных журналов.

В 2010 году Уильямс был включён в Биеннале Музея Американского искусстваУитни в Нью-Йорке и с выпуском полнометражный документального фильм о нём.

9 октября 2010 года, Уильямс был удостоин награды в рамках Beyond Eden ярмарке в Голливуде за выдающиеся достижения в области мирового искусства.

По материалам: Википедия, Официальный сайт художника.

Уильямс Фред/Frederick Ronald (Fred) Williams(Экспрессионизм)

1927–1982

Национальность: Australian,Художественное направление: Экспрессионизм,Жанр: пейзаж.

Фредерик Рональд (Фред) Уильямс (23 января 1927 — 22 апреля 1982)- австралийский художник и гравер.

Он был одним из самых известных художников Австралии, и один из наиболее выдающихся художников ХХ века в жанре экспрессионизма.

У него было более семидесяти прижизненных персональных выставок во время его карьеры в Австралии, а также выставка Фред Уильямс — Пейзажи континента в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1977 году.

Фред Уильямс родился в 1927 году в Ричмонде , пригороде Мельбурна, Австралия,в семье инженера-электрика и домохозяйки .

Уильямс бросил школу в 14 летнем возрасте и поступил учеником на фабрику по производству картонной продукциик Shopfitters.

С 1943 по 1947 год учился в школе Национальной галереи, Мельбурн,
Школа Галереи обучала традиционной и академической живописи, имела долгую и славную историю.

Он также брал начал уроки живописи у George Bell в его собственную художественную школу в Мельбурне.

Это продолжалось до 1950 года. Белл был консервативным современным художником, но очень влиятельный живописцем.

С 1951 по 1956 года, Уильямс учился в Челси школе искусств Челси, Лондон (теперь Челси Колледж искусств и дизайна )

и в 1954 году он организовал травильный курс в Центральной школе искусств и ремесел .

Он жил в маленькой комнате в South Kensington , получая дотации на свою художественную практику.

Уильямс смог вернулся в Мельбурн в 1956 году, когда его семья смогла послать ему дешевый билет на корабль, перевозивший гостей Мельбурнской Олимпиады.

Начиная с 1957года ,он начал писать пейзажи , и это оставалось главной темой в его творчестве.

В последние годы своей карьеры, Уильямс написал большую серию пейзажей , которая была приобретена Крупнейшей горнодобывающей компанией Австралии и затем передана в Национальную галерею Австралии в Канберре.

В ноябре 1981 года Уильямс был поставлен диагноз неоперабельный рак легких.

Он умер менее чем через полгода в городе Хоторн 22 апреля 1982, в возрасте 55 лет.

По материалам:Википедия, Галерея художника.

Уистлер Джеймс Эббот

1834–1903

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler, 1834—1903) — англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии.

Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.

Биография:

Джеймс Уистлер родился 10 июля 1834 г. в Лоуэлле (штат Массачусетс). Его отец, Джордж Вашингтон Уистлер, известный инженер-железнодорожник, в 1842 г. был приглашён для строительства дорог в Россию, он проектировал Николаевскую железную дорогу. В России Джеймс, среди прочего, выучил в школе французский язык и посещал Академию художеств. По возвращении в США учился в военном училище в Вест-Пойнте, но был отчислен за отставание по химии. Тогда же, в 1850-х, Уистлер начал создавать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858 году.

В 1855 году он уехал в Париж, где учился живописи у Шарля Глейра, испытал влияние Коро и Курбе, а также прерафаэлитов. Его произведения вызвали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати.

Уистлер подал на него в суд за клевету и выиграл процесс, однако судебные издержки сделали его банкротом. В 1879 году удалился в Венецию, где в течение 14 месяцев занимался акварельными зарисовками и выполнил полсотни офортов, по возвращении в Лондон был избран президентом Общества английских художников.
Был другом французского художника Альфонса Легроса и склонил его к переезду в Англию.

В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества, вращался в одном кругу с Оскаром Уайльдом и Обри Бердслеем. В оправдание своего искусства написал трактат «Изящное искусство создавать себе врагов» (1890). Художник скончался 17 июля 1903 г. в Лондоне. Похоронен на лондонском кладбище при церкви св. Николая в Чизуике.
Творчество:
В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством. С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура. Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями».

В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами. Он не одобрял культ пленэра и говаривал, что «писать с натуры лучше всего дома». Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта. Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий. В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.

Уитни Ричард/Richard Whitney(Контемпорари Реализм)

1946–….

Ричард Уитни — американский художник родом из Нью-Гемпшира .

Уитни преимущественно пишет в жанре портрета и пейзажа , его картины в настоящее время находятся во многих художественных коллекциях и галереях по всему миру.

Журнал “Город и деревня» назвал Ричарда Уитни один из двенадцати лучших портретистов Америке.

Он широко известен за пределами США  благодаря своим реалистическим картинам и был назван «одним из лучших ныне живущих художников нашего поколения «.

Уитни  был удостоен Сотбис в Нью-Йорке в качестве живого мастера классической традиции.

Он выиграл более 40 региональных и национальных наград и является обладателем трех грантов от Гриншилдс ‘Фонда Монреаля.

Картины Уитни висят в более чем 600 государственных и частных коллекций по всей территории Соединенных Штатов и за рубежом.

Они присутствуют в коллекциях Музея искусства и истории Анкориджа, Музея Андерсон House, Музея Ньюарк, Пентагона, Гарвардского университета, и Католического университета Португалии.

Ричард Уитни родился в 1946 году, окончил Университет Phi Beta Kappa штата Нью-Гемпшир в 1968 году.

В течение пяти лет учился у Сидни Ф. Уиллиса и у выдающегосяя Бостонского художника,  Ives Gammell.

Более пятнадцати дилеров и агентов представляют интересы  Уитни по всей территории США.

Ричард Уитни является членом Общества иллюстраторов, Национального клуба искусств, Allied Artists Америки, Профессиональной Лиги американских художников , Американского общества классического реализма, Бостонской гильдиин художников и Общества Коплиа.

Уитни является членом совета общества Американского Ренессанса двадцать первого века и Центра искусств.

Он также является почётным членом и Председателем Консультативного совета Американского общества художников-портретистов, крупнейшего общества портретистов в мире.

Картины Уитни были замечены  национальным кабельным телевидением США  и были предметом многочисленных газетных и журнальных публикаций.

Уитни является соавтором книги реализма в революции: Искусство Бостонской школы. Его картины были также воспроизведены в книге Эдмунд Тарбелл и Бостонской школы живописи .

Уитни путешествовал в Европе, Японии, Аляске и по странам Карибского бассейна, читал лекции и вел практические занятия по всем Соединенным Штатам.

По материалам: Википедия, Персональный сайт художника

Ульянов Николай Павлович(Модерн и неоклассицизм)

1875–1945

Ульянов Николай Павлович-русский и советский живописец, график, представитель модерна и неоклассики.

Заслуженный деятель искусств РСФСР (1932),член-корреспондент АХ СССР (1949). Лауреат Сталинской премии третьей степени (1948).

Родился в 1875 году в городе Елец. В 1889-1901 годах учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Николая Николаевича Ге и немногим позднее в мастерской Валентина Александровича Серова. Испытал влияние В. Н. Мешкова, Н. В. Неврева, И. М. Прянишникова, К. А. Савицкого.

Ульянов работал во многих различных жанрах живописи. Писал портреты, из которых наиболее примечательны: портрет А. С. Глаголевой, 1911; портрет поэта и философа В. И. Иванова, 1920; портрет скульптора А. С. Голубкиной, 1937; портрет К. С. Станиславского за работой, 1947.

Писал картины жанровой тематики: «Парижская витрина», 1911; «Кафе», 1917; «Карусели» и «Качели», 1909-1920-е годы.
Работая в области портрета («К. С. Станиславский за работой», 1947, ГТГ; Государственная премия СССР, 1948) и историко-портретного жанра (серия живописных и графических работ «Пушкин в жизни», 30-е гг., ГТГ, ГРМ; «Лористон в ставке у Кутузова», 1945, ГТГ), с 20-х гг. перешёл от некоторой условности форм и цветовой гаммы к большому колористическому многообразию, к убедительному воссозданию драматизма исторических коллизий.

Был членом художественных объединений «Союз русских художников», «Мир искусства», «Четыре искусства».

В 1900-х годах Ульянов увлекался импрессионизмом, в дальнейших творческих поисках подражал символистам, кубистам и футуристам. Пытался выработать собственную систему, характеризующуюся множественностью изобразительных приемов, создать своеобразный дробленый кубистический стиль.

В 1920-е годы оставил авангардные поиски, вновь вернувшись к стилистике несколько академизированного модерна. Развивал традиции живописного символизма в сценографии, сотрудничая с руководством МХАТа, Малого театра, Оперного театра имени К. С. Станиславского.

Такое художественное видение Ульянова обусловило его длительное сотрудничество с Константином Станиславским и другими театральными режиссерами. Ульянов работал как художник театра, оформляя спектакли: «Драма жизни» К. Гамсуна (1907), «Проделки Скапена» Ж. Б. Мольера (1918), «Дни Турбиных» М. Булгакова (1926) и «Кармен» Ж. Бизе (1935).

В 1930–1940-е годы обратился к неоклассическим по духу образам истории и художественного творчества.

Примечательны следующие работы Ульянова, как художника исторического жанра: «Пушкин в жизни» (1930-е), «Лористон в ставке у Кутузова» (1945).

Работа живописца «Александр Сергеевич Пушкин с женой перед зеркалом на придворном балу» (1936, Институт русской литературы, Петербург) стала хрестоматийной.

Занимался Ульянов и преподавательской деятельностью, как педагог, вел уроки живописи в студия Е. Н. Званцевой в 1901–1907 годах и в ВХУТЕМАСе в 1918–1922 годах.

Николай Павлович Ульянов умер в 1949 году, похоронен в Москве на Введенском кладбище.

По материалам: Википедия

Унтербергер Франц Рихард

1838–1902

Франц Рихард Унтербергер сын австрийского антиквара Франца Унтербергера родился в Инсбруке 15 августа 1838 года. Унтербергер получил художественное образование в Германии в академии Мюнхена, где учился с 1853 в классе Клемента фон Циммерманна и Юлиуса Ланге и затем продолжил обучение в академии Веймара у Альберта Циммерманна.

В 1858 всместе со своим учителем Юлиусом Ланге он посетил Милан, но возвратился в Мюнхен в следующем году из-за нестабильной политической ситуации.

В 1859 Унтербергер отправился Дюссельдорф, где занимался живописью под руководством известных пейзажистов братьев Освальда и Андреаса Ахенбахов, оказавших на него большое влияние.

В 1860 вместе с Андерсом Ахенбахом он совершил путешествие по Норвегии и Бельгии. Позднее он неоднократно посещал Норвегию, Данию, побережье Англии и Шотландии.

В 1864 году Унтербергер обосновался в Брюсселе, где и провёл остальную часть жизни, выезжая летом в Нейли-сюр Сен (Neuilly-sur-Seine) в пригороде Парижа с частым посещением Сицилии и южной Италии, особенно Неаполя и его окрестностей, где нарисовал некоторые из своих лучших картин.

В 1874 году участвовал в художественной выставке в Вене, где имел большой успех и получил медаль от австрийского императора Франца Иосифа.
Наиболее известны его живописные картины с видами Италии, Венеции в частности. Первый раз посетил Италию в 1858 году, здесь он несколько месяцев прожил в Милане. С 1864 года и до самой смерти Унтербергер обосновался в Брюсселе.

Унье Жорж/Georges Hugnet(Дадаизм, Сюрреализм)

1906–1974

Жорж Hugnet (11 июля 1906 — 26 июня 1974), — французский художник-график.

Поэт, критик, издатель, книга связующего, дилер редких книг и Collage Maker Hugnet был несовершеннолетним, но заметным игроком на межвоенной парижской арт-сцене.

Он сотрудничал с Пикассо, Дюшаном, Миро, Гертрудой Стайн и другими звёздами того времени.

Главным достижением Жоржа Унье является «Любовь Семья из Spumifers,» серия небольших работ, выполненных в 1947-48 годах, которая основана на черно-белых открытках из Прекрасной эпохи, изображающих довольно молодых женщинв фривольных позах .

Для каждого из этих пикантных изображений Hugnet добавил, гуашью при помощи острого конца кисти, красочного, смешного монстра: глазастые химеры выполнены в виде элементов птиц, рептилий и млекопитающих.

Hugnet назвал свои маленькие существа «Spumifers,» выдуманным словом с эротическим подтекстом.

Он планировал собрать 40 из них в книгу под названием «Любовь Семья из Spumifers», но он так и не завершил этот проект.

В 1960 Hugnet дал 33 имени Spumifers и причудливо юмористические описания, которые Ubu Галерея опубликовала в переводе на английском языке в мягком переплёте .

Психоаналитически, Spumifer можно представить как проекцию непокорной сексуальной реакции зрителя к смазывающей способности изображения.

Но чувство приличия в изображениях открыток также присутствует.

. В то время как они показывают свои прелести для похотливого интереса зрителя,, женщины появляются в позах классической элегантности, как мраморные скульптуры.

Они ближе к одалискам французского академика В.А. Бугро , чем к полностью раскованным моделям сегодняшнего порнографического искусства.Hugnet был очень заметной фигурой в Додо движении и сюрреализме.Умер Жорж Унье 26 июняч 1974года в возрасте 68 лет в Сен-Мартен-де-Ре, где и похоронен.

По материалам: Википедия, Энциклопедия»Мастера сюрреализма»

Уоллис Кент (Kent R. Wallis )

1945–….

Kent R. Wallis современный американский художник импрессионист, родился 10 января 1945, в Огден, штат Юта, начал свою официальную деятельность искусства довольно поздно по сравнению с большинством других художников
Получил степень бакалавра от Университета штата Юта в области делового администрирования в 1969 году, после чего в течение шести лет проработал в области маркетинга и финансов. Но в 1975 году, резко сменил свой род деятельности, став художником. Он чувствовал в себе нереализованный потенциал как живописца и потребность своего выражения через живопись. Он перевез свою семью в Логан, штат Юта, где открыл художественный магазин, что позволило ему полностью посвятить себя живописи. Kent R. Wallis — талантливый самоучка, в картинах которого можно увидеть элементы и романтического реализма и импрессионизма. Используя невероятно красочную и сочную палитру цвета, он создает пейзажи умиротворяющие своим спокойствием, тишиной и уютом.

В живописи Kent R. Wallis есть частное очарование, чистое и тихое восхищение, которые говорят о простой, бескорыстной любви к цвету и форме. За годы до того, как импрессионизм полюбился миру , Кент сам был очарован холстами великих живописцев 19-го столетия. Теперь, с радостью и поэтическим вдохновением,
он создает холсты танца со светом. Так было не всегда . Двадцать лет назад, Kent Wallis был профессионалом в деловом мире, который никогда не брал в руки кисть. Но его восхищение работой других убедило его жену, что живопись — его скрытый талант, ждущий выражения. После ее убеждений он начал ночное «хобби», которое оказалось делом его жизни. В течение шести месяцев Wallis оставил бизнес ради искусства, начав карьеру, которая принесла восхищение коллекционерам всей страны. Изображения окружающей местности около его сельского дома вызывают ощущение ароматных летних дней детства. Перспектива является близкой, мастер сосредоточился на виньетках пестрого света и тихих объединениях цвета.
«..То, что действительно волнует меня, является цветом особенным, смешанным с солнечным светом. Я пишу достаточно быстро, чтобы поймать эту красоту. Я не смотрю на живопись как на интеллектуальное усилие. Мой подход — больше чувства чем интеллектуальный процесс — я только чувствую свой путь в восхищении природой. Я не горжусь своим успехом… Я только описываю то, что вижу… Но если бы страна отвернулась от импрессионизма, то я все равно продолжал бы писать, чтобы отобразить чистоту и цвет всего этого. Это — все что я делаю. »
Kent R. Wallis — член престижного Society of American Impressionist (Общества американских импрессионистов), так же как Plein Air Painters of America (Общества уличной живописи Америки).

Уоллис Эрик (Eric K. Wallis)

1968–….

Современный художник-импрессионист Эрик К. Уолис (Eric K.Wallis) родился в 1968 году, в Аризоне, Соединенные Штаты.

Страсть к рисованию явственно обозначилась уже в семилетнем возрасте, писать будущий художник начал сразу масляной краской на пленэре, вместе со своим отцом, Кентом Р. Уолисом. Они часами бродили по близлежащим горам, лесам и сельским угодиям в поисках простого, тихого, но «берущего за душу» красотой, пейзажа. Эрик стал вундеркиндом в живописи благодаря стараниям своего опытного отца.

За несколько лет во время и после учебы в художественной школе, Эрик неоднократно удостаивался различных призов и получил множество наград, однако он до сих пор продолжает искать новые, более выразительные способы рисования, возможно это служит причиной того, что импрессионистская манера живописи Эрика не стоит на месте, продолжая развивать глубину цвета и текстуры.

После окончания местной средней школы Эрик решил получить музыкальное образование и поступил в университет штата Юта, по классу ударных, но очень быстро понял, что это не его, изменил направление и приступил к изучению живописи. Эрик учился под руководством Адриана ван Сухтелен, экстраординарного фигуративного художника, приверженца традиционного стиля живописи, брал уроки у Глена Эдвардса из Арт Центра, также почитателя традиционной манеры, который однако, научил Эрика работать в свободной, импрессионистской технике.Профессионально Wallis занимается рисунком с 1990 года
После окончания университета в 1992 году, Эрик получил степень бакалавра в живописи. В течении последних семнадцати лет Эрик работает по 10-12 часов в день, чтобы не отставать от спроса на свои красочные картины.
Из под его кисти выходит более двухсот картин в год. С каждым годом число поклонников его таланта неуклонно растет. Ни один год не проходит без его выставки, в том числе и на престижных площадках.

Уорд Линд/Lynd Kendall Ward(Экспрессионизм)

1905–1985

Линд Кендалл Уорд(англ. Lynd Kendall Ward, 26 июня 1905, Чикаго — 28 июня 1985, Рестон, Виргиния) — американский художник и график.
Жизнь и творчество:
Уорд был сыном методистского проповедника и политика Гарри Ф. Уорда.

Детство его прошло в различных штатах — в Массачусетсе, Иллинойсе и Нью-Джерси.

Уорд решил стать художником ещё в раннем возрасте (по его собственному утверждению, после того, как он прочитал «наоборот» свою фамилию (получилось draw).

Изучал искусство в Колумбийском университете в Нью-Йорке. Во время учёбы Уорд знакомится со своей будущей женой, Мэй Мак-Нир.

После завершения образования в 1926 году они сочетаются браком и уезжают в Европу, где Уорд, при лейпцигской Высшей художественной школе, изучает технику печати и буквенную графику.

Познакомившись с творчеством бельгийского ксилографа Франса Мазереля, американский художник перенял его идею создания бестекстовых книг-иллюстраций.

Первая книга Л. Уорда такого рода, чисто графическая новелла Божий человек (Gods’ Man), вышла в свет в октябре 1929 года, в ту неделю, когда разразился мировой экономический кризис.

Всего художник выпустил шесть таких, построенных на гравюрах по дереву, книг. Последняя, Вертиго (Vertigo), вышла в 1937 году, и была наиболее сложной по исполнению.

За свою жизнь Л. К. Уорд иллюстрировал около 200 книг, некоторые из которых были написаны его женой Мэй.

Хотя художник считается «отцом графической новеллы», в которой он использовал ксилографию, он также охотно работал и с другими техниками — акварелью, тушью, масляными красками, увлекался литографией и проч.

Талантливый график, Уорд был весьма востребованным иллюстратором в книгоиздательском бизнесе — в частности, он длительное время сотрудничал (с 1938 года) с компанией Heritage Limited Editions Club, специализировавшейся на классической литературе.

Придерживаясь крайне левых политических взглядов, сторонник социализма, Л. Уорд не скрывал их и в своём творчестве.

Л. К. Уорд был членом Национальной Академии Дизайна, Общества иллюстраторов, Американского общества графического искусства.

Лауреат различных почётных премий, среди них — премия библиотеки Конгресса за его ксилографии, медаль Калдекотта за иллюстрации к детской книге The Biggest Bear, и др.

Шесть его книг получили Почётную медаль Ньюбери, и две — медаль Ньюбери. С 1979 года художник жил в Рестоне, штат Виргиния.Первая «графическая новелла» Gods’ Man (1929) Л.Уорда создана во взаимопроникновении таких разных стилей, как модерн и экспрессионизм, в ней чувствуется влияние таких мастеров, как Франс Мазерель и Отто Нюкель.

Линд Уорд скончался 28 июня 1985 года в возрасте 80 лет в американском городке Рестон, штат Вирджиния, где и похоронен.

По материалам: Википедия, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”.

Уоррен Джим

1949–…

Джим Уоррен (англ. Jim Warren, род. 24 ноября 1949, Лонг-Бич, Калифорния) — американский художник коммерческого толка. Работает в направлении сюрреализма. Наряду с работами позитивного, жизнеутверждающего содержания создал ряд специфических, некоммерческих картин, выражающих страшные фантазии, содержащих пугающие деформации человеческого тела. Мастер моренной тематики. Блестящий специалист по изображению света, воды, человеческого тела.
Родился в Лонг-Бич, Калифорния, США, в семье Дона и Бетти Уоррен. В 1967г. понял, что художник — его главное призвание.
Биография:
Джим Уоррен не имел специального художественного образования. Отдельные навыки он получил, учась в художественном классе средней школы. Далее в колледже он проходит курс живописи. Но в целом в интервью называет себя художником-самоучкой. В школе выбирал между профессиями рок-музыканта, фокусника и живописца. Окончательно определился в 1967 году, решив стать художником, «богатым и знаменитым». В 1975 году получает главный приз на выставке в Вествуде. В 1981 году получает премию Грэмми за лучшую обложку для первого номера журнала «Против ветра». С 1985 года рисует более 200 книжных обложек, в том числе для книг таких авторов, как Артур Кларк, Робин Кук и Клайв Баркер, киноафиши для «Фантома», «Ночи живых мертвецов», «Восковых фигур», а также ряд обложек для журналов «Зона Сумерек» и «Хэви-метал». Картина «Земля. Люби её или потеряешь» была широко признана критиками в 1990 году, неоднократно тиражировалась на обложках журналов, плакатах, рекламных щитах, футболках. С 1996 года пишет серию портретов (Жюльетт Льюис, Уиллэнда, Майкла Пэрнелла), вышедших под названием «Персонифицированные картины». Портретируемые модели изображались среди фантастических пейзажей, в окружении необычных существ. В 1997 году празднует 30-летие своей художественной карьеры. Свою первую книгу «Работы Джима Уоррена: Американский оригинал» издал в 1997 году. В 2002 году опубликовал книгу «Нарисованные миры». Сотрудничает с кинокомпанией The Walt Disney Company.
Творчество:
На картинах придаёт антропоморфные или зооморфные черты волнам, морской пене, облакам, скалам. Составляет человеческие лица из элементов пейзажа. Обращается к мифологическим темам (фигуры русалок, единорогов). Основные замыслы работ: одухотворённость всего сущего, красота природы, недопустимость её загрязнения, оптимизм, счастье, чудеса этого мира, замечаемые лишь зорким глазом. Своё главное правило выражает в идее: «К чёрту правила… Рисуй то, что тебе нравится».
Работы:
Картины:
— Portraits of Juliette Lewis (Vacation, Cape Fear) Marine life artist Wyland, and Michael Parnell (CEO of Oakley sunglasses), among others.
— Warren/Disney collaboration paintings released as fine art prints in 2004
— Collaboration with artist Michael Godard to combine his horses and romance themes with Godard’s mischievous olive people in 2009.
— Portraits of John Stamos unveiled at Fame Wall, NYC in 2009.
— Portraits of the Beach Boys 50th Anniversary unveiled at Fame Wall, Hollywood, Ca Sept 23, 2010
— Portraits of Kristen Chenoworth and also Sean Hayes (both in «Promises, Promises» on Broadway will be unveiled at Fame Wall in NYC some time in 2010.
Книги:

— The Art of Jim Warren: An American Original Art Lover Products, 1997. ISBN 978-0965877503.

— Painted Worlds, 2002, Paper Tiger

В настоящее время Джим живет в Кливленде (Филадельфия).

Уорхол Энди/Warhol Andy(Поп-Арт)

1928–1987

Э́нди Уо́рхол (англ. Andy Warhol; настоящее имя — Андрей Варгола, словацк. Andrej Varhola, русин. Андрій Варгола, англ. Andrew Warhola; 6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом.

Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт».

Энди Уорхол – один из крупнейших художников современности. Его творчество неотделимо от такого понятия как «массовая культура».

Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути.

Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов-русинов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Стропковском районе северо-восточной Словакии.

Он стал рано проявлять таланты в искусстве и изучал коммерческое искусство в Институте технологии Карнеги (сейчас — «Carnegie Mellon University») в Питтсбурге.

Он не всегда хорошо учился в колледже и часто оставался непонятым своими сверстниками и руководителями.

После окончания образования в 1949 году он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру в иллюстрировании журналов и в рекламе.

Он стал хорошо известен благодаря своим эксцентричным чернильным рисункам обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.

В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола.

Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления.

Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в кислотной манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна.

Поговоривали, что в качестве «последнего штриха» Уорхол просил своих любовников помочиться на подобное «произведение искусства». Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на работы из этой серии.

В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.

Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Самая ранняя короткометражка Уорхола изображает фелляцию двух мужчин.

Большинство из его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Эди Седжвик. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсирует первую альтернативную рок-группу — The Velvet Underground.

Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодежи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — в 1968 г. выстрелила в «учителя», тяжело ранив его.

Хотя жизнь Уорхола удалось спасти, в течение двух последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 году умер от последствий этого ранения. Братья перевезли тело художника в Питтсбург для погребения в римской греко-католической церкви Св. Духа.

По материалам: Википедия, Сайт художника ,Коллекция Энди Уорхола в Питсбурге

Уотерхаус Джон Уильям/John William Waterhouse

1849–1917

Джон Уильям Уотерхаус — английский художник, один из самых ярких представителей прерафаэлитов.

Годы жизни: 1849 — 1917 гг.

В настоящее время считается одним из самых дорогих художников Великобритании и мира. Картина St. Cecilia была прождана за 6 миллионов фунтов.

Джон родился в Риме в семье художников, так что само происхождение обязывало его к тому, что бы стать известным живописцем. С самого детства он жил среди картин, красок, полотен, мольбертов и т.д., и, можно сказать, что впитал любовь к искусству с молоком матери. В 1870 году его семья переезжает в Лондон, где Джон Уильям Уотерхаус поступает Королевскую Академию Художеств. Наверное, одной из самых знаменитых картин художника стала «Сон и его сводный брат Смерть» которая выставлялась каждый год на протяжении всей его жизни. Не менее известной картиной является «Леди из Шалот», которая посвящена Лилейной Деве из легенды о короле Артуре, которая умерла от неразделённой любви к Ланселоту. Всего существует три версии картины, которые Джон Уильям Уотерхаус написал в разные годы. Таким образом, мы видим, что эта картина имеет большое значение не только для мирового искусства, но и занимала особое место во всём творчестве и сердце художника.

Изучая его полотна, можно заметить, что всё его искусство обращено не просто к мифологии, но к трагическим или властным женщинам, которые в них упоминаются. Именно непростая судьба персонажей различных преданий заставляли художника вырывать из творческого подсознания яркие образы. Просматривая картины этого замечательного живописца, вы можете заметить, что на некоторых картинах присутствует одна и та же модель. Лишь недавно удалось идентифицировать её личность. Любимой моделью художника оказалась мисс Мюриэл Фостер. Она присутствует на таких полотнах, как: Миранда, Тристан и Изольда с любовным элексиром, Психея вступающая в сад Амура и другие. Джон Уотерхаус очень много выставлялся как в Англии, так и далеко за её пределами. Его искусство относят к прерафаэлитам, хотя лично он не состоял в этой организации. Характер, стиль письма, особое отношение к древней мифологии — всё это почерк прерафаэлитов, который был не чужд и Джону Уильяму.

Уотсон Гомер/Homer Watson(Реализм)

1855–1936

Гомер Рэнсфорд Уотсон (Homer Watson)самый известный канадский художник-пейзажист.

Родился в Дуне в провинции Онтарио. Учился живописи самостоятельно.

В 1874 — 1875 годах он работал в студии известного фотографа Вильяма Нотмана, которая находилась в Торонто.

Там он познакомился с Люсиесом О’Брайеном, Генри Перре и Джоном Артуром Фрейзером.

Он овладевал техникой письма, копируя работы других художников, когда учился в педагогическом училище Торонто

Осенью 1881 Уотсон вместе со своей женой переезжают в новый дом, который будет служить художнику творческой мастеской вплоть до его кончины.

За год до этого одна из работ Уотсона «Пионер Mill» приобретается генерал-губернатором Канады господином Лорном для королевы Виктории, за сумму в $ 300.

В 1882 году королева изъявляет желание приобрести ещё одну работу Уотсона «Последний из засухи» и Лорн вновь договаривается с художником о покупке.

Эти две сделки “окрыляют” художника, позволяя ему утвердиться в своих творческих возможностях и приносят финансовую независимость.

В 1882 году Гомер Уотсон был избран членом Королевской канадской художественной академии.

На начальном этапе творчества он испытывал влияние английских художников Томаса Гейнсборо и Джона Констебля, однако позднее в его творчестве центральное место стал занимать сельский пейзаж, – на своих полотнах он запечатлел труд крестьян и жизнь в деревне.

Картины, написанные им в конце жизни в импрессионистской манере, менее удачны.

Уотсон продолжал работать в своём доме вплоть до своей смерти 30 мая 1936 года.

Его сестра, Фиби, оставался в доме до своей смерти в 1947 году.

В следующем году имение было продано, и стало Школой изобразительных искусств.

Инструкторы школы вошли такие знаменитости, как Фред Варли.

Школа действовала до 1966 года. Последние частными владельцами дома Уотсона были граф Патнэм и Том и Ruthe Кэли.

В 1981 году город Китченер приобрел исторический дом длятого, чтобы сделать из дома музей художника, который функционирует и в настоящее время.

По материалам:Википедия, Дом-музей Уотсона

Уоттс, Джордж ФредерикWatts George Frederick

1817–1904

Джордж Фредерик Уоттс (англ. George Frederic Watts, 23 февраля 1817, Мэрилебон — 1 июля 1904, Комптон) — популярный английский художник-символист и скульптор Викторианской эпохи. Уоттс стал известным ещё при жизни благодаря своим аллегорическим работам, таким как «Надежда» и «Любовь и жизнь». Эти картины должны были стать частью эпического символистичного цикла «Дом жизни», где эмоции и желания изображены с помощью универсального языка символов.
Биография:
Отец Уоттса был настройщиком и изготовителем фортепиано. В десять лет будущий художник стал учеником скульптора Уильяма Бенеса. Довольно поздно, в восемнадцать лет, поступил в Школу искусств при Королевской академии, учился там недолго. Работой, которая принесла Уоттсу известность стала картина «Триумфальное шествие Каратакуса по улицам Рима» (1842). Это произведение победило в конкурсе, проводившемся в Вестминстерском зале Парламента и принесло Уоттсу премию в 300 фунтов. Полученные деньги дали ему возможность совершить в 1843—1847 годах путешествие в Италию, где под влиянием шедевров искусства античности и Возрождения сформировался стиль Уоттса. После возвращения из Италии Уоттс прославился как портретист и мастер масштабных аллегорических композиций. Сам художник утверждал, что его искусство обращено прежде всего к ценителям-интеллектуалам, а главной задачей считал стремление к правде и красоте через пробуждение воображения человека. Дружил с прерафаэлитами, посещавшими салон Принсепов в Кенсингтоне, сам не примыкал этому течению, однако его ранние работы несут отпечаток их стилистики.

С 1851 по 1875 год художник жил в доме супругов Принсеп и был учителем их сына Валентайна. По настоянию Уоттса, мальчик получил художественное образование. В период жизни у Принсепов Уоттс создал множество портретов знаменитых людей, в том числе Лейтона, Теннисона, Карлейля, Суинберна и других. Большая часть исследователей творчества художника считает портреты лучшей частью его наследия. Перемена стиля художника в конце 60-х — начале 70-х годов объясняется его обращением к скульптуре. За картины, выполненные в строгой монохромной гамме с героями, напоминающими античные скульптуры, Уоттса назвали Викторианским Микеланджело. Техника Уоттса резко отличалась от техники большинства художников того времени, предпочитавших заглаженную живописную поверхность. Он писал корпусно, густыми мазками вязкой краски: чтобы удалить излишки масла, Уоттс предварительно выдавливал краску на бумагу. Г. К. Честертон отмечал, что живопись Уоттса подобна «фрескам некоего доисторического храма».

В 1864 году Уоттс женился на актрисе Эллен Терри. Брак распался через одиннадцать месяцев. Второй женой Уоттса в 1886 году стала шотландка, художница по керамике Мери Фрезер-Титлер (1849—1938). С 1891 года супруги жили в поместье Лимнерлиз (Комптон, Суррей). В 1903 году рядом с поместьем открылся Музей Уоттса, в экспозицию которого вошла бо́льшая часть произведений художника.

В 1885 и 1894 годах художнику предлагался титул баронета, однако Уоттс отказался от него, так же как и от поста президента Королевской академии.

Уоттс умер в поместье Лимнерлиз 1 июля 1904 года. Похоронен в часовне, построенной по проекту его жены, рядом с Музеем Уоттса.

Утагава Куниёси/Utagawa Kuniyoshi(Период Эдо)

1797–1861

Национальность: Японец.Художественное направление: Период Эдо.Школа или группа: Школа Утагава.
Утагава Куниёси (яп. 歌川 国芳?, род. 1798 г. Эдо — ум. 14 апреля 1861 г. Эдо) — один из крупнейших японских художников и мастеров цветной гравюры конца периода Эдо.

Утагава Куниёси родился в семье красильщика шёлка. Отец его, Янагия Китиэмон, был в дружеских отношениях с Утагавой Тоёкуни, главой художественной школы Утагава.

Первые уроки рисования мальчик получил в возрасте 10 лет, когда у них в семье проживал художник Кунинао.

Другим учителем Куниёси считается Кацукава Сюнъэй, научивший его изображению сатирических и фантастических сценок, а также образов и актёров театра кабуки.

В 1811 году мальчик поступает учеником в мастерскую Тоёкуни, где обучается до 1814 года. Тоёкуни также даёт ему его художественное имя — Куниёси.

Первые годы художественной деятельности были для Куниёси малоудачны. В 1814-16 годах он занимается иллюстрированием книг, в 1817 году не создаёт вообще ничего нового, в период с 1818 года по 1826-й находится лишь несколько издателей, согласившихся напечатать некоторые его работы.

На жизнь Куниёси зарабатывает в основном набивкой и ремонтом напольных соломенных матов. Живёт в постоянной нужде, к тому же в 1820 году он женится.

С 1827 года положение художника улучшается. Он получает от издателя по имени Кагая Китибэй заказ на создание 5 картин для серии гравюр 108 героев Суйкодэн.

Листы эти хорошо раскупались, и Куниёси были поручены и все остальные «герои» серии. Художник создаёт также изображения серии героев других произведений и преданий, литературные иллюстрации, сцены из театра кабуки, пейзажи.

К 1842 году он занимает почётное место среди мастеров художественного направления укиё-э, войдя в тройку его лучших художников — наряду с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Кунисадой.

В 1842 году, в результате так называемых «реформ Тэмпо», изменились и условия работы для художников укиё-э.

Так, им было запрещено отныне изображить театральные сцены, актёров, гейш и куртизанок.

Куниёси пишет свою «кошачью» серию, делает гравюры из воспитательной серии для домохозяек и детей, изображает национальных героев в серии Традиции, мораль и благочиние.

В 1843 году мастер был предупреждён властями за изготовление карикатур на сёгуна и его первого министра, его гравировальные доски были конфискованы и уничтожены. Постепенно строгость запретов расшатывается, и к концу 1840-х — началу 1850-х годов художник возвращается к теме кабуки.До 1855 года Куниёси работает во всех областях цветной гравюры, но с 1855 он ограничивается исключительно областью книжной иллюстрации.К 1853 году художник скопил значительное состояние, которое затем разделил среди своих учеников.

По материалам:Википедия, Энциклопедия «Мастера цветной гравюры Японии»,  Япония от А до Я. Энциклопедия. EdwART. 2009

Утагава Кунисада/Utagawa Toyokuni III(Период Эдо)

1786–1865

Сфера деятельности: эстамп.Национальность: Японец. Художественное направление: Период Эдо. Школа или группа: Школа Утагава.

Утагава Кунисада (яп. 歌川 国貞?, известен также как Утагава Тоёкуни III (яп. 三代歌川豊国)) — крупнейший японский художник и мастер цветной графики (ксилографии) периода Эдо.

Биография:

Подробных сведений о жизни Утагавы Кунисады сохранилсь немного.

Родился он в Хондзё, восточном пригороде Эдо, и первоначально носил имя Сумида Сёгоро (яп. 角田 庄五朗 Сумида Сё:горо:?), а также Сумида Сёдзо (яп. 角田 庄蔵 Сумида Сё:дзо:?).

Там же и умер по прошествии почти 80 лет. Отец скончался, когда мальчику не исполнилось ещё и года.

Семья жила на доходы от принадлежавшего ей парома. Талант к рисованию проявился у будущего художника рано.

Его рисунки понравились Утагаве Тоёкуни, руководителю школы Утагава (англ.), в то время известному художнику, изображавшему портреты актёров театра кабуки, и в 1800 году он берёт юношу в ученики.

От своего учителя Сумида Сёгоро получил имя КУНИсада, первый иероглиф которого был взят из имени ТоёКУНИ.

Первый известный оттиск работы Кунисады относится к 1807 году, однако следующие датируются уже 1809-10 годами.

С 1808 года он работает как иллюстратор книг, причём популярность рисунков Кунисады растёт с каждым годом.

В 1809 году он уже называется «звездой» школы Утагава, а в 1810-11 годах оценён как равный по мастерству своему учителю Тоёкуни.

В 1808 или 1809 годах появляется его первая серия портретов театральных актёров; одновременно выходят серии видов города Эдо и бидзинга.

В 1813 году был официально признан вторым по значению мастером стиля укиё-э (после его учителя Тоёкуни).

Начиная с 1810 года Кунисада использует псевдоним Гоготэй, встречающийся вплоть до 1842 года на всех его гравюрах по тематике кабуки, а с 1825 года также псевдоним Котёро — для всех остальных своих работ.

В 1844 году Кунисада принимает имя своего учителя, и некоторые работы подписывает как Тоёкуни III.

Утагава Кунисада входит в первую тройку великих мастеров укиё-э, вышедших из школы Утагава — наряду с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Куниёси, при жизни далеко превосходя этих двух последних как по популярности, так и по продаваемости своих работ.
Творчество:

К концу 2006 года известно около 15 500 художественных разработок Кунисады, которые охватывают порядка 23 500 листов.

Это огромное количество соответствует реальности, так как известно, что за годы своего творчества художник создал от 20 000 до 25 000 «сюжетов», в которые вошли 35-40 тысяч отдельных листов.

Наибольшее внимание школа Утагава уделяла изображениям, связанным с театром кабуки и играющим актёрам.

На долю этого жанра приходится около 60 % работ Кунисады.

В то же время многочисленны в его творчестве и произведения бидзинга (прекрасных женщин), составляющие 15 % от его общего наследия (что больше, чем у современных Кунисаде художников).

Делал он также портреты борцов сумо.

Довольно редки его пейзажи и изображения воинов — примерно по 100 листов по каждому из этих направлений.

Менее изучена учёными его деятельность как иллюстратора книг, хотя, по всей видимости, в этой области искусства Кунисада был не менее активен, нежели в цветной гравюре.

По материалам: Википедия, Описание творчества Кунисада. Статья о художнике.

Утагава Тоёкуни/Toyokuni I,Kurahashi Kumakichi(Период Эдо)

(1769–1825)

Сфера деятельности: эстамп.Национальность: Японец. Художественное направление: Период Эдо. Школа или группа: Школа Утагава.

Утагава Тоёкуни — один из крупнейших японских художников и мастеров школы Утагава (одно из направлений укие-э (см. УКИЕ-Э)).

Изображения актеров, театральных сцен, иллюстрации.цветной гравюры периода Эдо.
Родился в Эдо в семье знаменитого мастера кукол.

Настоящее имя -Курахаи Кумакити. С юных лет он был связан с театральной средой, особенно с театром Кабуки. Ученик Утагавы Тоёхару — основателя школы Утагава.

Испытал влияние К. Утамаро.С 1786 г. делал иллюстрации к популярным новеллам и коротким рассказам. Сначала работал в жанре бидзинга (изображение красавиц).

Слава пришла к нему позже, когда художник увлекся портретами актеров. Знаменитая серия Тоёкуни «Актеры на сцене», созданная между 1793 г. и 1796 г., имела большой успех у публики.

В его изображении актеров нет гротескности Сяраку, Тоёкуни ближе реальный сценический облик актера.

Он умел передать характерные позы, жесты, напряженность драматической ситуации.Для творчества Т., тяготевшего к плавной повествовательности и манерной грациозности композиций, типичны также многочисленные ксилографии с изображениями гейш.

В 1796–1797 гг. Тоёкуни создает погрудные изображения актеров. В них он передает не столько характер и темперамент, сколько внешний облик, сценическое выражение лица актера.

Тоёкуни заимствовал все лучшее, что было у его знаменитых современников, например, Киёнага, Сигэмасу, Сяраку, Утамаро.

Он занял ведущее место среди художников якуся-э (после кратковременного взлета Сяраку).

В этом жанре Тоёкуни удалось вытеснить с главенствующих позиций школы Тории и Кацукавы и придать статус монополии школе Утагавы, которую она удерживала в течение всего ХIХ в.

Школа Утагавы была единственной школой Укиё-э, которая пользовалась поддержкой бакуфу — правительства Японии. Среди многочисленных учеников Тоёкуни — Кунимаса, Кунисада, Куниёси и другие.Он умер в Эдо в 1825 в возрасте 57, в окружении многочисленных своих учеников.

По материалам:Википедия, Энциклопедия»Японские мастера периода Эдо.

Утамаро Китагава/Kitagawa Utamaro(Период Эдо)

1753–1806

Сфера деятельности: живопись, эстамп.Национальность: Японец. Художественное направление: Период Эдо. Школа или группа: Школа Китагава.

Китагава Утамаро (яп. 喜多川歌麿, 1753—1806) — японский художник, один из крупнейших мастеров укиё-э, во многом определивший черты японской классической гравюры периода ее расцвета в конце ХVIII века, прославился превосходными рисунками и гравюрами, изображающими красавиц из чайных домиков, магазинов и увеселительных кварталов Эдо.

Среди предполагаемых мест рождения художника фигурируют Эдо (ныне Токио), Киото и Осака.
Его имя при рождении — Нобуёси, а Утамаро — псевдоним, который художник стал использовать с 1781 г.

После смерти отца Утамаро переехал из провинции Мусаси в Эдо. Здесь он поступил в студию Торияма Сэкиэн — художника школы Кано — и оставался там в течение семи лет.
Карьера художника развивалась постепенно, определенными этапами, и незаурядность его творчества стала заметна только после 40 лет.

Самые ранние работы середины 1770-х гг. — обычные иллюстрации к дешевым популярным брошюрам, в том числе к либретто и путеводителям по театрам, а также к фарсам и новеллам, известным как «кибеси».

Под псевдонимом Тоеаки художник сделал несколько незатейливых изображений актеров в манере мастера театральной гравюры Кацукава Сюнсе (1726—92).

Приблизительно в 1782 художник взял псевдоним Утамаро. К концу 1780-х гг. он уже не только выпустил серию многолистовых интерьерных и пейзажных композиций, но также нарисовал иллюстрации к альбомам, которые оказались одними из самых превосходных книжных иллюстраций за всю историю укие-э. Это — «Эхон муси эрами» (1788, «Книга насекомых»), «Кегэцубо» (1789, «Монах — Безумная Луна»), «Гинсэкай» (1790, «Серебряный мир»), «Сиохи но цуто» (1790 либо 91, «Дары крабовых приливов»), а также «Момо тидори кека авасэ» («Книга птиц»).
Период Кансэй:
В свой самый плодотворный период в годы Кансэй (1789—1801) Утамаро создал очень оригинальные и запоминающиеся работы.

В это время он серьезно занимался композиционными построениями изображения на единичном листе стандартного формата (обан ) (38 на 25 см).

На этих гравюрах 1790-х гг. фигуры персонажей он показывает как в полный рост, так и в поясном виде.

Изображения привлекательных куртизанок и девочек из чайных домиков стали самым полным и обстоятельным выявлением «ключевого» жанра укие-э за все время его развития.

В самом деле эти работы наиболее разработано и полно дают представление о женской красоте в японском изобразительном искусстве.

Для Утамаро существенно показать женщину такой, какой она выглядит в самых характерных обстоятельствах, окружении и своих занятиях.

Большое число изображенных в полный рост женщин – это популярные красавицы и дамы полусвета в своих салонах, либо в самых дорогих домах любви квартала Есивара.

Эволюция рисунка Утамаро приводит его к все более пристальному разглядыванию этих женщин, что весьма очевидно его выбором изображений по пояс и по грудь (окуби-э).
Многие женские персонажи на его гравюрах всего лишь идеализированные стереотипы, однако изображения прославленных красавиц, таких как Нанивая Окита и Такасимая Охиса, имеющих еле заметные отличия в лице, могут быть признаны почти как портретные.
Рисунки для издателей:
Утамаро делал рисунки для многих издателей, но самое тесное сотрудничество было с Цутая Дзюдзабуро (1750—97), выпустившим большую часть его шедевров.

Художнику весьма повезло, что он оказался с конца 1770-х гг. под присмотром этого издателя и смог плодотворно рассчитывать на покровительство Цутая до самой его кончины.

Полагают, что Утамаро находился рядом с Цутая в течение этих последних лет.

В мастерской Цутая вне всякого сомнения работали самые лучшие граверы и печатники того времени, поэтому ассоциация художника с издателем гарантировала, что оттиски по рисункам Утамаро будут не только верными оригиналу, но и высокачественно исполнены.

В течение 1790-х гг. Утамаро был самым популярным художником укие-э.

Однако к концу 1790-х гг. наметился спад в творчестве и отсутствие новых идей.

В 1804 художник был приговорен к тюремному заключению за то, что изобразил важного исторического деятеля Тоетоми Хидэеси (см. ТОЕТОМИ Хидэеси) в манере, которую власти сочли непочтительной.

Пробыл в тюрьме недолго, однако похоже, что творческий заряд художника совсем угас, и Утамаро умер спустя 2 года.

По материалам:Википедия, Описание творчества Утамаро.

Уткин Пётр Саввич(Символизм, пейзаж, натюрморт)

1877–1934

Пётр Саввич Уткин-(9 октября 1877, Тамбов — 17 октября 1934, Ленинград) — художник, символист. Один из организаторов в 1904 в Саратове выставки символистов «Алая роза»; выставки в 1907 в Москве «Голубая роза».

Большая часть работ погибла в пожарах в Ленинграде во время Великой Отечественной войны.

Родился в 1877 году в Тамбове в семье мелкого служащего. В саратовской студии Общества любителей изящных искусств, а затем в Боголюбовской рисовальной школе (в дальнейшем — училище) он начал свое художественное образование.

Учился в рисовальной школе при Саратовском обществе изящных искусств у Г. Бараки и В. Коновалова, затем в Боголюбовском рисовальном училище под руководством Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова, влияние которого на творчество Уткина было особенно велико.

1897 года Уткин обучался живописи в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, у И. И. Левитана, В. А. Серова, К. А. Коровина.

В 1902 году расписывал саратовскую церковь Казанской Божьей Матери совместно с П. В. Кузнецовым и К. С. Петровым-Водкиным. В 1900-е годы Уткин (вместе с А. Матвеевым и П. Кузнецовым) работал над художественным оформлением роскошной виллы Я. Е. Жуковского в его крымском имении Новый Кучук-Кой.

Уткин был одним из деятельных участников и организаторов выставок символистов «Алая роза» в Саратове и «Голубая роза» в Москве. В 1904 году на выставке символистов «Алая роза» были представлены произведения В. Борисова-Мусатова, М. Врубеля, П. Кузнецова и других московских и саратовских художников, идейно близких друг другу.

Выставка «Голубая роза» 1907 года под патронажем журнала «Золотое руно» и его издателя, мецената Н. П. Рябушинского стала значительным событием в русском искусстве начала ХХ века.

Участниками выставки были Н. П. Крымов, П. В. Кузнецов, А. Т. Матвеев, Н. Д. Милиоти, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, С. Ю. Судейкин, П. С. Уткин, Н. П. Феофилактов, А. В. Фонвизин и другие живописцы.

Голуборозовцы стремились к воплощению мечты о гармонии духа, о единстве и совершенной форме. Живопись мастеров художественного объединения «Голубая роза» создавала особый мир мечтаний, видений и слегка приоткрытых тайн.

Поэтика символизма, влечение к романтически-оккультным темам бытия претворялись в работах художников-голуборозовцев в феерических образах-видениях.

Мечтательность и музыкальность живописи «голуборозовцев» были свойственны и полотнам Уткина с их характерными названиями «Сон», «Мираж» и т. п. Его фантастические пейзажи, нередко выдержанные в излюбленных символистами сине-лиловых тонах, причудливая живопись, напоминающая морозные узоры на стекле («Мимоза», 1900-е), создали художнику репутацию самого последовательного символиста.

Творческое дарование Петра Саввича Уткина отмечено особым лиризмом, одухотворенностью, музыкальностью произведений, звучащих в унисон с эпохой Серебряного века русского искусства.

Большая часть картин исполнена художником в зеленовато-голубой и серебристо-синей тональности.

После революции Уткин преподавал в Рисовальном училище имени А. П. Боголюбова, в студии изобразительных искусств Пролеткульта в Саратове, а с 1931 года в Институте живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской академии художеств в Ленинграде.

Работы художника хранятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, во многих региональных музейных собраниях.

К сожалению, значительная часть работ художника погибла в блокадном Ленинграде во время Великой Отечественной войны.Уткин Петр Саввич скончался в 1934 году в Ленинграде.

По материалам: Энциклопедия Русской живописи.

Чжао Уцзи/Zhào Wújí(Информель)

1920–2013

Сфера деятельности: живопись, рисунок.Национальность: Француз, Китаец. Художественное направление: Информель.Школа или группа: Парижская школа (Эколь де Пари).Жанр: абстрактная живопись.

Чжао Уцзи (фр. Zao Wou-Ki, кит. упр. 赵无极, пиньинь: Zhào Wújí); 13 февраля 1921, Пекин — 9 апреля 2013, Ньон, Швейцария) — французский живописец, график, художник книги китайского происхождения, представитель новой Парижской школы.

Биография:

Родился в образованной семье старой аристократии, с 1935 по 1941 год учился каллиграфии и живописи в художественной школе Ханчжоу, в 1941—1947 годах преподавал в ней.

Так как в это время шла война с Японией, то он вместе со школой переезжал по стране: сначала в провинцию Цзянси, потом в Хунань, затем — в Сычуань.

В 1948 году приехал в Париж, поселился на Монпарнасе, познакомился с П. Сулажем, Х. Хартунгом, Н. де Сталем, А. Джакометти, М. Э. Виейрой да Силва, А. Мишо.

С 1952 года регулярно выставлялся в парижской галерее Пьера, участвовал в выставках в США, Швейцарии, Великобритании, Японии, Китае, Италии, Испании.

В 1964 году получил французское гражданство.

Работал как книжный оформитель в изданиях А. Мишо (1950, 1981, 1995), Р. Шара (1957, 1974), А. Мальро (1962), Сен-Жон Перса (1965), А. Рембо (1966, 1967), Э. Паунда (1972), Р. Каюа (1974, 1976), Л. С. Сенгора (1978), Ф. Жакоте (1981), Лорана Гаспара (1981, 1985), Х. Джебрана (1992), И. Бонфуа (1993, 1994, 1996) и многих других.

В последние годы вместе со второй женой жил в Дюлли (кантон Во), на берегу Женевского озера.

Испытав влияние П. Клее (он открыл его для себя во время поездки в Швейцарию в 1951), выработал впоследствии собственный нефигуративный стиль, сочетающий достижения западного абстракционизма с китайскими живописными традициями.

В 1993 награждён французским орденом Почётного легиона, в 1994 — Императорской премией Японии, в 2001 — премией Фонда Тейлора.

В 2002 Чжао Уцзи избран членом Академии изящных искусств Франции. В 2008 большая ретроспективная выставка его графики прошла в Национальной библиотеке Франции.

Чжао Уцзи до своей смерти 9 апреля 2013 года занимал пятую строчку рейтинга самых дорогих ныне живущих художников.

Аукционная стоимость его 35 работ, входящих в 5000 самых дорогих произведений изобразительного искусства в мире, составляет 127,607 млн.$. Средняя стоимость работ Чжао Уцзи 3,645 млн. $.

Резкий скачок цен на работы художника произошел после его крупной ретроспективной выставки в Париже в 2003 году, которую посетило более 135000 зрителей.

Картины привлекли внимание крупных коллекционеров Тайваня и Китая, которые заплатили значительные суммы за несколько его работ.

Все самые дорогие картины Чжао Уцзи, выполненные в стиле абстрактного экспрессионизма, проданы после 2006 года.

По материалам: Википедия, Литографии и гравюры на ParisBeijing галерея. ,Самые дорогие работы художника. 

Уччелло Паоло/Uccello Paolo(Раннее Возрождение)

1397-1475

Паоло Уччелло(итал. Paolo Uccello; настоящее имя итал. Paolo di Dono) (1397, Флоренция — 10 декабря 1475, там же) — итальянский живописец, представитель Раннего Возрождения, один из создателей научной теории перспективы.

Современник Мазаччо, работы которого оказали на него большое влияние.

Работал во Флоренции в мастерской Лоренцо Гиберти в 1407-1411 годах, а также в Венеции, Падуе и Урбино.

В 1415 г. был принят в цех врачей и аптекарей, а в 1424 г. — братство Св. Луки.

С 1425 по 1430 г. выполнял мозаики для собора Сан Марко в Венеции.

Первая дошедшая до нас датированная работа Уччелло — фреска с изображением английского кондотьера Джона Хоквуда во флорентийском соборе (1436).

В ранний период творчества Уччелло тяготел к традициям поздней готики, но под влиянием Донателло, Филиппо Брунеллески, Мазаччо страстно увлекся проблемами нового ренессансного искусства.

Органически сочетая любовь к живописи и к науке, он изучал строение растений и животных, законы построения пространства по правилам математической перспективы.

Уччелло создал три варианта монументальной исторической композиции “Битва при Сан-Романо” (середина 1450-х годов, Уффици, Лувр, Париж и Национальная галерея, Лондон ), ставшей одним из истоков европейского батального жанра.

Эта картина “Битва при Сан-Романо” является одной из трех работ Учелло, изображающих победу флорентийцев над сиенцами в битве при Сан-Романо в 1432 году.

Первоначально они висели в большом зале Палаццо Медичи во Флоренции.

Выдающийся талант Учелло проявлялся всегда в изобилии деталей и странных форм, а также в неподражаемых пейзажах на дальнем плане.

Живописец, мозаичист, декоратор и мастер инкрустации, Учелло был одним из самых искусных и добросовестных мастеров своего времени.

Основное внимание Паоло Уччелло уделял ракурсу, сложным разворотом многочисленных фигур.

Перспектива понималась Уччелло не просто как художественный прием, а как общий для природы и искусства закон.

Для многих работ Уччелло характерна изысканная декоративность, красочность и фантастичность; ряд работ овеяны духом куртуазности (например, картина «Св. Георгий»).

Произведениям Уччелло также свойственны смелые, динамичные композиционные построения, звучность яркого, нарядного колорита, поэтическая сказочность (“Битва святого Георгия с драконом”, Музей Жакмар-Андре, Париж и Национальная галерея, Лондон) или героическая приподнятость образов (“Кондотьер Джованни Акуто”, фреска во флорентийском соборе Санта-Мария дель Фьоре, 1436).

В последние годы работал мало. Умер в бедности. В музеях России произведения Уччелло отсутствуют.

По материалам:Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика. Википедия.

Уэлливер Нил/Neil Gavin Welliver(Контемпорари Реализм)

1929–2005

Нил Уэлливер (Neil Welliver; 22 июля 1929 г.- 5 апреля, 2005 года) — выдающийся американский художник-пейзажист и педагог.

Лидер живописного реализма. Преподавал в Йельском Университете с 1956 г. и в Пенсильванском Университете с 1966 года до его выхода на пенсию.

Лидер живописного реализма, выходящих из абстрактного экспрессионизма.

Около 40 лет посвятил изучению и изображению пейзажей штата Мэн.

Грубый, мускулистый мужчина, который жевал табак и несколько напоминал Эрнеста Хемингуэя как внешне, так и мужским шовинизмом.

Родился в Пенсильвании 22 июля 1929 года. Окончил филадельфийский Kолледж Искусств (ныне Университет Искусств) и получил степень магистра изящных искусств, степень в Йельском Университете, где он учился у известного художника-абстракциониста Йозефа Альберса.

Нил Уэлливер признан одним из ведущих американских художников-пейзажистов своего поколения.

Его работы представлены во многих музеях, и среди них — Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Музей Метрополитен, Музей Современного Искусства в Нью-Йорке, Бостоне, Музее Изящных Искусств.

«Его огромные картины лесных пейзажей штата Мэн являются одними из сильнейших образов в современном американском искусстве»,- писал критик Роберт Хьюз в журнале»Тайм»,

добавив, что картины содержат «эмоциональную интенсивность, которая выходит за пределы обычных границ реализма».

Его личная жизнь была отмечена многими трагедиями, в 1975 году он потерял в результате произошедшего пожара свой ​​дом, студию, и все свои хранившиеся в студии работы.

В 1976 году умерла его дочь , а вскоре после этого он пережил смерть своей второй жены.

В 1991 году трагически погиб его сын Эли , и его второй сын Сайлас.

Из выживших детей, один — актер Тит Уэлливер.

Нил Уэлливер умер в 2005 году от пневмонии в Белфасте, Штат Мэн.

По материалам : Википедия, Биографическая статья о художнике, Пейзажи художника

Уэст Бенджамин/Benjamin West(Рококо, Неоклассицизм)

1738–1820

Годы творчества:1756 — 1819. Сфера деятельности: живопись. Национальность: Американец, Британец. Художественное направление: Рококо, Неоклассицизм.Жанр: историческая живопись.

Бе́нджамин Уэ́ст (англ. Benjamin West; 10 октября 1738, Спрингфилд, Пенсильвания — 11 марта 1820, Лондон) — англо-американский художник, известный своими крупномасштабными историческими полотнами.

Биография:
Бенджамин Уэст родился в Спрингфилде в семье трактирщика, был десятым ребёнком в семье.

Позже семья переехала в Ньютаун-Сквер, штат Пенсильвания, где его отец владел заведением «Square Tavern», до сих пор существующим в городе.

Уэст говорил Джону Гальту (John Galt), с которым позже сотрудничал в работе над мемуарами «The Life and Studies of Benjamin West» (1816, 1820), что когда он был ребёнком, индейцы показали ему, как писать картины, смешивая глину с берегов рек с медвежьим жиром в горшке.

В живописи Уэст был самоучкой.

В 1746—1759 годах работал в Пенсильвании, рисуя по большей части портреты.

Когда он побывал в Ланкастере в 1756 году, оружейник Уильям Генри предложил ему написать полотно «Смерть Сократа» (Death of Socrates) на основе гравюры из «Древней Истории» Шарля Роллена.

Результатом стала работа, значительно отличавшаяся от оригинала, названная «самой претенциозной и интересной картиной, созданной в колониальной Америке» («the most ambitious and interesting painting produced in colonial America»).

Англиканский священник Уильям Смит, бывший в то время ректором колледжа Пенсильвании, увидев картину в доме Уэста, решил оказать ему помощь.

Он предложил ему начать обучение и начал знакомить его с богатыми и влиятельными людьми Пенсильвании, в 1756 году Уэст отправился в Филадельфию для обучения живописи.

В это время он познакомился с Джоном Волластоном — художником, иммигрировавшим в США из Лондона.

Изучал технику Волластона по написанию переливающихся шёлковых и атласных тканей, а также перенял некоторые манеры его письма, в частности — изображение людей с большими миндалевидными глазами, что ценилось клиентам.

Он был близким другом Бенджамина Франклина, написал его портрет. Франклин был крёстным отцом второго сын Уэста, Бенджамина.

После Пенсильвании работал в Нью-Йорке, создавая портреты.

В 1760—1763 годах, при содействии Смита и Уильяма Аллена, совершил поездку в Италию, посетил многие итальянские города, изучая искусство, что позволило расширить тематику его картин.

В Италии он создавал копии картин Тициана и Рафаэля.

В 1763 году переехал в Англию, где поступил на службу к королю Георгу III, писал портреты членов королевской семьи, создал два портрета самого короля.

В Лондоне он подружился с известным английским живописцем Джошуа Рейнолдсом, вместе с ним участвовал в создании Королевской Академии художеств, основанной в 1768 году.

В 1770 году Уэст написал одну из самых своих известных и противоречивых картин — «Смерть генерала Вольфа», выставленную в экспозиции Королевской Академии художеств в 1771 году.

Хотя сначала картина получила негативную оценку Рейнолдса и других художников, посчитавших её оскорблением исторической живописи (люди на картине были одеты в современную, а не в античную одежду), но она стала пользоваться большим успехом, с неё делали копии другие живописцы, и в итоге Рейнолдс одобрил картину. Существует несколько её вариантов.

В 1772 году Георг III назначил Уэста историческим живописцем при дворе с ежегодным жалованием в 1 000 фунтов стерлингов (занимал должность до 1801 года).

С 1791 года и до самой смерти был инспектором картин в коллекции короля.

После смерти Рейнолдса в 1792 году стал вторым президентом Академии художеств, занимал этот пост до 1805 года.

В 1802 году посетил Париж.

Среди учеников Уэста — американские художники Вашингтон Олстон, Гилберт Стюарт, Чарльз Уиллсон-Пил, Джон Синглтон Копли, Чарльз Бёрд Кинг.

Уэст умер в своем доме в Ньюмен-стрит, Лондон, 11 марта 1820, и был похоронен в соборе Святого Павла.

По материалам: Википедия, «Уэст Бенджамин». БСЭ, 3-е издание, «West, Benjamin». Encyclopædia Britannica from Encyclopædia Britannica 2007 Ultimate Reference Suite (2007).,1750 Шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. — Минск, Харвет 2007.

• The Winterthur Library Overview of an archival collection on Benjamin West.

• The Benjamin West Drawings Collection, including 33 of his drawings and sketches, is available for research use at the Historical Society of Pennsylvania