Лаваль Шарль/Charles Laval(Постимпрессионизм)

1862-1894

Шарль Лаваль (фр. Charles Laval, 17 марта 1862 года, Париж — 27 апреля 1894 года, там же) — французский живописец, связанный с движением синтетизма (постимпрессионизм) и «школой Понт-Авена».

Шарль Лаваль родился 17 марта 1862 года в Париже в семье архитектора. Мальчик рано проявил интерес к живописи.

Его учителями живописи были Леон Бонна и Фернан Кормон.
В 1800 году Лаваль участвовал в Салоне с буколическим пейзажем «Сельский двор в Барбизоне». Работа осталась не замеченной критиками и не принесла успеха её создателю.

С тем же успехом Лаваль участвовал и в Салоне 1883 года. Критики холодно встречали его работы, не понимая их. Его товарищами по художественной студии были Анри Тулуз-Лотрек, Эмиль Бернар и Луи Анкетен.

В 1886 году Шарль Лаваль жил и работал на пленэре в Понт-Авене. Он остановился в пансионате Мари Глоанек, где состоялось знакомство , ставшее знаковым в его жизни. Он познакомился с Полем Гогеном.

В тот год Шарль Лаваль был одним из двоих постояльцев пансионата, с кем Гоген, стремившийся в это время к уединению, делил компанию: вторым был некий состоятельный молодой человек, оплачивавший счета Гогена.

В поисках новых впечатлений и экзотики, которые могли бы дать им ключ к «иному» искусству, Гоген и Лаваль а начале апреля 1887 года отправились в путешествие в Панаму.

В поисках дополнительного заработка Лаваль написал несколько академических портретов, используя свой опыт, полученный в мастерской Леона Бонна. Однако, новых заказов не поступало, и серия неудач вынудили Лаваля и Гогена покинуть материк и отправиться на Мартинику.

Здесь друзей ждали лишения, невзгоды и болезни. Во время одного из тяжелейших приступов лихорадки Лаваль едва не покончил с собой, но Гоген вовремя удержал его от этого шага.

Перенесший малярию и страдавший участившимися приступами безумия, летом 1888 года Лаваль вновь приехал в Понт-Авен, где Гоген провёл зиму. Лаваль вернулся с Антильских островов с многочисленными картинами и акварелями, которые произвели большое впечатление на Гогена — они просто очаровали его. В это время Гоген близко сошёлся с юным Эмилем Бернаром, и все три художника начали формировать новый шаблон художественной пластики.

Написанный в то время «Бретонский пейзаж» явно тяготеет к абстракции с широким разводом радужных цветов.

В Понт-Авене Лаваль, страдавший от туберкулеза, писал очень мало. С целью обмена, Винсент ван Гог заказал ему автопортрет.
Летом 1888 года Ван Гог, отчаянно скучавший по своим друзьям в Арле, пригласил Лаваля Гогена и Бернара к себе, с тем, чтобы основать «Мастерскую юга».

Лаваль, никогда до этого не встречавшийся с Ван Гогом, принял решение участвовать в обмене автопортретами, предложенном Винсентом Ван Гогом своим новым понт-авенским друзьям.

В 1889 году Шарль Лаваль с десятью своими работами принимает участие в выставке «импрессионистов и синтетистов» в кафе Вольпини по случаю Всемирной выставки 1889 года. Он выставляет свои работы рядом с Полем Гогеном, Эмилем Бернаром, Луи Анкетеном, Жорж-Даниэлем де Монфрейдом.

Благосклонных отзывов на свои работы Лаваль не получил. Критики единодушно отмечали, что живописная манера художника не отличалась оригинальностью: Лаваль во всём подражал своему кумиру Гогену. Полотна Лаваля до такой степени походили на работы Гогена, написанные в Понт-Авене, и привезённые с Мартиники, что последний, согласно воспоминаниям Бернара, даже просил художника не слишком подражать ему.

Позднее это сходство манер письма позволило мошенникам, промышлявшим подделками на арт-рынке, подделывая подпись Гогена на работах Лаваля выдавать их за неизвестные полотна более именитого художника.

Лаваль был соперником Гогена и в сердечных чувствах к сестре Эмиля Бернара Мадлен, с которой в конце концов обручился. Это стало причиной разлада в отношениях друзей, наступившего в 1889 году.

Как отмечают историки, именно тогда Лаваль вернул Гогену подаренный ему «Автопортрет» с дарственной надписья — «Другу Лавалю». По прошествии некоторого времени, Гоген передарил полотно своему новому другу, Эжену Карьеру, предварительно переписав дарственную надпись.

Шарль Лаваль скончался от туберкулёза 27 апреля 1894 года в возрасте 32 лет во время своего пребывания в Каире. Тело художника было перевезено во Францию и предано земле в Париже. Годом позже, там же в Каире умерла и его невеста Мадлен, заразившаяся от него.Много лет спустя, когда Лаваль будет забыт, Бернар и Гоген, став непримиримыми врагами, будут оспаривать друг перед другом изобретение того революционного живописного новшества, скрывая роль Лаваля, который исподволь привносил свой поэтический талант синтетизму.

При всей своей неоднозначности, странные и необычные изображения синтетистов восхитили и вдохновили будущих «Наби»: Пьера Боннара, Эдуара Вюйара, Мориса Дени, Майоля, Поля Рансона и Сюзанна Валадона.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.,Работы художника на Wikimedia Commons , Charles Laval paintings at the Musée d’Orsay.

Лагорио Лев Феликсович(Реализм, пейзаж)

1826—1905

Лев Феликсович Лагорио родился 9 декабря 1826 года в Феодисии в семье купца, негоцианта, масона Феликса Лагорио (1781—1857 годы), вице-консула королевства Обеих Сицилий, происходившего из аристократического генуэзского рода. Само место рождения будущего художника определило его дальнейшую судьбу.

Окончил Феодосийскую гимназию. Родители мальчика очень рано обнаружили у него влечение и способности к рисованию.

В 1839-1840 годах Лев Лагорио занимался в Феодосийской мастерской И.К. Айвазовского. Наставник с большим уважением относился к своему первому ученику, отдавая дань его необычайному таланту и удивительной работоспособности. Добрые воспоминания о своём наставнике Лагорио впоследствии сохранит на всю жизнь.

В 1842 году при непосредственном участии губернатора Таврии А.И.Казначеева, Лев Лагорио был принят в Императорскую Академию художеств в пейзажный класс М.Н. Воробьева.

Источником финансирования обучения Лагорио послужили личные средства герцога Максимилиана Лейхтенбергского.

Одновременно с обучением в академии, Лагорио брал уроки у А.И. Зауэрвейда, а позже у Б.П. Виллевальде. Будущего мариниста особенно привлекала морская тематика, и с целью совершенствования мастерства мариниста в 1845 году Лагорио совершил путешествие на военном фрегате «Грозящий», в 1846 году путешествовал на собственной лодке вдоль берегов Финского залива.

В 1847 году Лагорио удостаивается малой серебряной медали за работу «Финляндский вид», в 1848 году художник удостаивается большой серебряной медали за этюд с натуры.

В 1851 году Лев Лагорио за казённый счёт был отправлен на Кавказ , как было предписано «для написания тамошних видов».

Горы Кавказа в буквальном смысле слова пленили своей красотой художника. Особый интерес художника вызывала тема контраста густой тени и яркой освещённости горных хребтов лучами солнца, остающегося за пределами видимости картины.

Лагорио большей частью, создавал свои работы по тщательным этюдам с натуры, что придавало его картинам исключительную правдоподобность. К теме контрастности света и тени Художник неоднократно возвращался и в дальнейшем («Ущелье в горах» 1873 год)

В 1852 году, после окончания Академии, приняв российское подданство, Лагорио отправился в пенсионерскую поездку в Европу, где жил и работал в течении восьми лет.

В течение 1853 года Лагорио проживал в Париже, где изучал живопись французских мастеров в Лувре и Люксембургском дворце. В 1854 году художник переехал в Рим. В 1857 году после окончания пенсионерства, Лагорио получил разрешение продлить пребывание за границей на собственные средства сроком на два года.

В 1860 году художник вернулся в Россию. С собой он привёз около 30 работ, написанных им в Европе. За особенное искусство и познания в художествах», как было отмечено в документах и за картины «Фонтан Аннибала в Рокка-ди-Папа близ Рима», «Вид Капо-ди-Монте в Сорренто», «Вид Понтийских болот», минуя звание академика, Лев Феликсович Лагорио получил звание профессора пейзажной живописи .

В работах художника, написанных в Европе преобладают виды укромных уголков природы, садики, дикие скалы, часовни, крохотные водоемы посреди высоких гор.

В его итальянских пейзажах хорошо просматривается неповторимый почерк художника. Глубочайший реализм его работ восхищает.Все детали тщательно прописаны, для него не существовало ничего второстепенного.

Если это деревья, то выписаны все листочки, если на картине присутствует каменная кладка, то показана каждая выбоинка, каждая щербинка. Береговые утёсы на его работах по-настоящему фотографичны, а неаполитанские дома преувеличенно узнаваемы.

Признание выдающегося таланта художника столичной Академией художеств, увеличило его популярность в кругах столичной знати. Ему начали поступать многочисленные заказы.

В 1861 году Лагорио совершил поездку на Кавказ, после чего представил императору Александру II три картины кавказских видов: «Дарьяльское ущелье», «Эльбрус» и «Гут-гора», за которые был удостоен ордена святой Анны 3-й степени.

В 1863 году он снова отправился на Кавказ, в свите великого князя Михаила Николаевича, где ему довелось участвовать в реальных боевых действиях против горцев, за что он был награждён мечами к имевшемуся у него ордену.

В 1864 году художник вернулся с Кавказа и окончательно поселился в Санкт-Петербурге, проводя летние месяцы в Судаке, где у него была мастерская, и также ежегодно предпринимая заграничные поездки и поездки по России.

Для живописи Льва Лагорио 1860-х годов характерен интерес к ярким эффектам солнечного освещения, что продолжало традиции позднего романтизма.

Лишь в начале 1870-х годов наступил перелом: художника перестают увлекать внешне эффектные, солнечные пейзажи, и появляются другие более серьёзные темы : бури или кораблекрушения на море или же красочные и изящные лунные ночи.

Меняется и палитра художника : краски становятся более холодными ,но при этом более естественными. Даже кавказские виды Лагорио теперь предпочитает показывать не в ярком солнечном освещении, а при теряющемся в дымке неярком солнечном свете.

Начиная с 1880-х годов Лагорио много и плодотворно работал акварелью. Подобное увлечение было связано, с одной стороны, с пониманием художником ценности этюда как самостоятельного произведения,что произошло после того,как на XIII передвижной выставке в 1885году В.Д.Поленов показал большую серию палестинских этюдов.

С другой стороны, с 1880 года ежегодно проводились выставки Кружка русских акварелистов (с 1887 года — Общество русских акварелистов), действительным членом которого состоял Лагорио, что всячески стимулировало его работу в этой технике.

Одной из главных тем как акварелей, так и станковых картин художника продолжал оставаться Крым.
В 1885 году Лагорио получил заказ на серию картин с сюжетом о русско-турецкой войне, для чего посетил места сражений на азиатском и европейском театре военных действий.

В 1900 году Лев Лагорио был избран почётным членом Академии художеств, что являлось признанием заслуг художника перед отечественной живописной школой.
В последние пять лет своей жизни Лагорио больше работал акварелью, нежели маслом: начинал сказываться возраст художника.

Работая на пленэре и желая запечатлеть всё новые и новые морские мотивы, художник всё чаще отдавал предпочтение «быстрой» акварели.

В 1903 году на XI выставке Общества петербургских художников Лев Феликсович Лагорио выставляет один из последних своих шедевров картину «Новый свет», работу, получившую восторженные отклики критиков и простых посетителей выставки.

Лев Феликсович Лагорио скончался в С-Петербурге 17 ноября 1905 года, месяц не дожив до своего 79-ти летия.

Современники высоко ценили талант и творчество художника, что подтверждают строчки из некролога художнику:
«Мягкая „бархатная“ кисть Л.Ф.Лагорио словно каким-то волшебством переносила на полотно меняющиеся краски моря, сизые тона скал и воздушную дымку дали.

Это был настоящий поэт юга, южного моря и неба, поэт Крыма и Кавказа, изображению которых он с особенной любовью посвящал свои досуги». Работы художника на сайте.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”.

Ладюрнер Адольф Игнатьевич/Ladurner Adolphe(Батальный жанр, портрет.

1798–1855

Ладюрнер Адольф Игнатьевич (Ladurner) — Французский литограф и живописец батального жанра при дворе российского императора Николая I.Сын тирольского пианиста и композитора Игнация Ладюрнера (1766-1839), жившего в Париже с 1788. Получил художественное образование в Париже.

Ученик Ораса Верне.

Дважды выставлял свои произведения в парижском салоне(1824 году участвовал с картиной «Битва при Матаро» и в 1827 с работой «Главный штаб королевских улан»).

В 1830 году Ладюрнер по высочайшему приглашению прибыл в Санкт-Петербург, где вскоре приобрел благосклонность императора Николая I и в дальнейшем писал по заказам главы дома Романовых изображения военных парадов, разводов, лагерных сцен, форм обмундирования различных частей русского войска и т.п.

Работал в России с апреля 1831 по 1855. До приезда в Россию работал в Дрездене и Варшаве. С 1831 по 1838 занимал мастерскую Д. Доу в в Шепелевском доме, а в 1838 по „высочайшему указу» получил мастерскую и квартиру от Импереторской Академии художеств, но на службе в ней не состоял.

Сотрудничал с Ф. Танкером и Ф. Перро. В 1837 — академик Императорской академии художеств за „военную сцену».

В 1839 на звание профессора 3-й степени получил программу „написать картину, изображающую публичное собрание Академии».

В следующем году представил Совету Академии художеств неоконченную картину с сопроводительным письмом, в котором извинялся, ссылаясь на занятость императорскими заказами, и обещал окончить картину в кратчайший срок.

Благодаря участию А. Н. Оленина в 1840 получил звание профессора 3-й степени „по известным работам по части живописи баталической».

С 1840 принимал участие в разработке рисунков для Собрания мундиров Российской Армии, издаваемого Собственной Чертежной великого князя Михаила Павловича, за что в марте 1844 был награжден орденом Станислава 3-й степени (РГИА, фонд 789, опись 1,часть II, дело 2832,1844 год, лист 1, 1, оборот, лист 7).

Состоял художником при Редакции Российской Военной хроники. По заказу императора Николая I написал серию картин (более 40) одинакового формата (68 х 97) с изображением гвардейских полков для коллекции „Российская гвардия», которые затем были литографированы и выполнены на фарфоровых вазах и пластинах (РГИА, фонд 472, опись 17 (1/933), 1831 год, дело 26, лист 161,178).

Постоянный участник ежегодных академических выставок. Оставшиеся неоконченными после смерти художника картины и императорские заказы по высочайше одобренным его эскизам было поручено завершить Петру Тидеману, ученику Ладюрнера (РГИА, фонд 789, опись 2, 1855, дело 65, лист 3, 8).

Ладюрнер Адольф Игнатьевич умер в Санкт-Петербурге в 1855 году от параличного изнеможения спинного мозга.

Многочисленные произведения Ладюрнера размещены, главным образом, в императорских дворцах; из них в Эрмитаже — «Торжество открытия Александровской колонны», «Парад Лейб-гвардии Павловского полка на Марсовом поле», «Парад французских войск в присутствии короля Карла Х в октябре 1829 года», «Виды залов Зимнего дворца». Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс, UAB”Bestiary”,2012г,  Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Государственный Русский музей. Живопись. Первая половина XIX века. Каталог (К-Я). Санкт-Петербург. Palace Editions. 2007.

Лакомб Жорж/Georges Lacombe(Символизм, Постимпрессионизм)

1868–1916

Школа или группа: Наби
Жорж Лакомб (Georges Lacombe) – французский скульптор и художник, представитель французской художественной группы ‘Наби’.
Жорж Лакомб родился 18 июня 1868 года в Версале в культурной и состоятельной семье.

Мать Жоржа Лакомба, Лаура-Бонамур Лакомб (Laura Bonamour Lacombe), хорошо образованная и культурная женщина сама была довольно известной художницей, её пейзажи достаточно высоко ценились среди парижских любителей живописи того времени.

Заметив у сына любовь к рисованию, она всячески поощряла в дальнейшем его склонность к живописи.

Она же стала первым учителем Жоржа Лакомба. Продолжил своё художественное образование Жорж в парижской Академии Жюлиана.

Его наставниками в Академии были художники-импрессионисты Альфред Филипп Ролль и Анри Жерве.

С 1888 по 1897 год Жорж Лакомб, как и многие художники того времени, каждое лето проводил в Бретани, на этюдах в Камаре-сюр-Мер, работая и общаясь в тесном кругу художников и и писателей.

В 1892 году в Камаре-сюр-Мер происходит его встреча с Полем Серюзье, который знакомит Лакомба с идеями группы Наби.

Объединение художников, называвших себя «Наби», оформилось в 1889 году. Само слово «Наби»- древнееврейского происхождения, означает «пророк». Деятельность группы «Наби» представляла собой разновидность символизма в западноевропейском искусстве конца XIX — начала XX веков.

Представителями объединения являлись Морис Дени, Пьер Боннар, Эдуар Вюйар, Поль Рансон, Поль Серюзье и Анри-Гаспар Ибель. К группе в разное время примыкали: Феликс Валлотон, Керр-Ксавье Руссель, Жорж Лакомб, Аристид Майоль, Огюст Казалис, венгерский художник Иожеф Риппль-Ронаи и голландский живописец Ян Веркаде.

Решающую роль в художественном становлении всех этих людей,несомненно, сыграло творчество Поля Гогена.

Лакомб увлекается идеями группы и в том же 1892 году вступил в Наби. здесь же произошло знакомство Жоржа Лакомба с Эмилем Бернаром, а годом позже с Полем Гогеном, творчество которого, связанное с резьбой по дереву(с элементами символизма) оказало заметное влияние на творчество в скульптуре самого Жоржа Лакомба.

Уроки и советы Гогена очень помогли Лакомбу в его становлении как скульптора.

Его скульптурные достижения поистине грандиозны, что не помешало ему стать и очень хорошим живописцем , хотя некоторые историки живописи и известные критики принижали впоследствии художественную ценность его картин.

В 1893 году Жорж Лакомб принял участие в парижской выставке Наби. Молодой художник вёл активную светскую жизнь, приглашая своих друзей по Наби в дом подруги своей матери, удивительно красивой женщины, госпожи Габриэль Венгнер.

Её званые обеды, неизменно сопровождавшиеся концертами, являлись заметным событием в жизни окраины парижской столицы. В 1897 году Жорж Лакомб женился на одной из двух дочерей мадам Венгнер, восемнадцатилетней Марте, таким образом породнившись с этой фамилией.

В 1893 году Поль Серюзье занялся оформлением мастерской Лакомба в Версале( композиции утрачены), а Жорж Лакомб создал большие панно для салона мадам Венгнер -аллегорические изображения четырех времен года(сохранились только работы, посвящённые весне и осени).

Свидетельством незаурядного мастерства Жоржа Лакомба является кровать, украшенная четырьмя панно(резьба по дереву), где символически изображены Любовь, Рождение человека, Смерть и Сон. Это поистине удивительное произведение, по словам Агнес Гумберт, напоминает маорийскую скульптуру и предвосхищает абстракцию.

В 1897 году Жорж Лакомб покинул Наби, но именно период его нахождения в Наби традиционно считают наиболее значительным периодом его творческой карьеры.

В 1904 году произошла встреча Лакомба с знаменитым бельгийским художником Тео ван Рейссельберге (Theo van Rysselberghe), встреча, вдохновившая художника на знакомство с постимпрессионизмом.

В 1905 году по мотивам стихов Бодлера, Жорж Лакомб выполняет три барельефа («Проклятые женщины»).

Лакомб регулярно выезжал писать на пленэр. Он писал этюды в Бретане и а Алансоне.

Начиная с 1906 года Лакомб преподавал основы скульптуры а Академии Рансона, а в 1909 году создал знаменитый бюст Поля-Элье Рансона.
Жорж Лакомб был болен туберкулёзом и болезнь постоянно подтачивала его здоровье. Жорж Лакомб скончался 29 июня 1916 года в возрасте 48 лет в Алансоне, где и был похоронен.

Его долгое время считали великим скульптором, не признавая художественной ценности его живописных работ, но время всё расставило по своим местам, и мы с вами сегодня можем воочию увидеть созданные им произведения и в полной мере оценить его художественный талант.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.,Работы художника в музеях мира.

Ламбер Луи Эжен(Louis Eugene Lambert)

1825–1900

Французский художник. Родился в Париже, учился у Эжена Делакруа и Поля Делароша, а также много копировал в Лувре, в частности фламандских мастеров.

Был дружен с Жорж Санд.

Начал выставляться в 1847 году.

До этого, с 1845 года работал в журнале “Journal d’agriculture practigue”, картина Ламбера “Кот и попугай” имела большой успех в Салоне 1857 года.

Ламбер завоевал мировую известность как мастер изображающий кошек и собак и даже получил прозвище “Кошачий Рафаэль”.

В 1874 году художник был награждён Орденом Почётного легиона.

Лампи Иоганн Батист(Русская портретная живопись)

1751–1830

Лампи Иоганн Баптист Старший (нем. Johann Baptist von Lampi der Ältere; 31 декабря 1751 — 11 февраля 1830) — австрийский живописец, график, миниатюрист, мастер парадного портрета,живописец при дворе российской императрицы Екатерины II.

Родился в семье тирольского художника Матиаса Лампа, под руководством которого и получил первоначальное художественное образование.

Совершенствовался у Ф. Кёнига и Ф.-Н. Штрайхера в Зальцбурге, затем у Фр. Лоренци, ученика Дж. Б. Тьеполо, в Вероне.

Уже в это время он писал плафоны, напрестольные образа для церквей, исторические картины.

Успехи его были столь стремительны, что Веронская академия художеств избрала его в свои члены, когда ему едва исполнилось 25 лет.

В 1781—1788 годах жил в Вене, где быстро снискал себе популярность отличного портретиста. В 1786 году за портрет императора Иосифа II в костюме Великого магистра Ордена Золотого Руна был удостоен звания профессора Академии художеств в Вене и был избран членом её Совета.

В 1788 году по приглашению польского короля-мецената Станислава II Августа Понятовского приехал в Варшаву, где им были исполнены портреты самого государя и многих польских и литовских аристократов.

В 1791 году Г. А. Потёмкин-Таврический, находившийся тогда в Молдавии, пригласил художника в свою ставку в Яссах. Здесь им были написаны портреты самого генерал-фельдмаршала, секретаря его канцелярии В. С. Попова, генералов М. И. Платова и А. Г. Орлова, а также известный портрет князя А. А. Безбородко. В январе 1792 года через В. С. Попова был приглашён Екатериной II в Санкт-Петербург, где и пробыл пять лет.

Работая при русском дворе, пользовался особым покровительством фаворита императрицы, графа П. А. Зубова.

В 1792—1793 годах написал портрет Екатерины II во весь рост с натуры. За эту работу, помимо единовременного и щедрого вознаграждения в 12 000 рублей, художнику от русской казны было назначено ежегодное пособие (пенсион) в размере 1 000 рублей.

В 1794 году за портрет графа А. И. Мусина-Пушкина получил звание почётного вольного общника Императорской академии художеств.

В 1795 году за портреты Н. Б. Юсупова, П. В. Завадовского и А. И. Мусина-Пушкина для конфернц-зала Академии получил ценную коллекцию медалей.

Давал частные уроки, в том числе В. Л. Боровиковскому и миниатюристу И. И. Малышеву; оказал значительное влияние на Д. Г. Левицкого.

В 1797 году указом Павла I русская казна перестала выплачивать Лампи Старшему ежегодный пенсион и тот вынужден был вернуться в Вену.

Тем не менее, Лампи Старший вывез из России наилучшие воспоминания, и своего рода культ к русскому императорскому дому сохранялся долго и среди его потомков.

В Австрии, в 1798 году, художник получил потомственное дворянство, а через год — удостоен звания почётного гражданина Вены. Был избран членом Шведской Академии изящных искусств за портрет короля Карла XIII.

С 1800 года возглавлял Совет Венской Академии художеств, много сделав для развития художественного образования в Австрии.

Один из лучших его учеников тех лет — впоследствии известный художник стиля бидермейер Ф. Г. Вальдмюллер.

Имел собственную художественную мастерскую в Вене, где выполнялись многочисленные портретные заказы.

Здесь ему помогали оба сына, также художники-портретисты, Иоганн Баптист Лампи Младший (1775—1837) и Франц Ксавье Лампи (1783—1852). В 1822 году оставил занятия живописью и передал всё управление мастерской в руки старшему сыну.

И. Б. Лампи Старший состоял в браке дважды — с Анной Марией Франк (1772; скончалась в 1795) и Юлианой Регини (1802; скончалась в 1829) .

Лампи Старший представляет собой тот тип художника, который постоянно ищет (и находит) особо выгодные заказы и покровителей. Как в России, так и в Австрии, быстро снискал себе славу модного живописца, с лёгкостью выполнявшего многочисленные и щедро оплачиваемые работы.

По словам современников, успех обоих Лампи (отца и сына) был настолько значителен, что и при русском, и при австрийском дворах, не было в то время почти ни одного аристократа или сановника, не запечатлённого их кистью.

В своих портретах Лампи Старший создал образ удачливого царедворца, имевшего за плечами блестящую карьеру и занимавшего видное положение при дворе.

По замечанию историка искусства Э. Ф. Голлербаха, Лампи сумел «в обобщённой характеристике запечатлеть современный ему тип людей, некое коллективное лицо русской аристократии Екатерининского времени».

Центральное место в творчестве художника занимают парадные и полупарадные портреты, в ходе написания которых ему особенно удавалось эффектно поставить натуру и приукрасить её, но без значительного ущерба для сходства с действительностью.

В героях Лампи Старшего чувствуется деланная красивость, отстранённость от реалий жизни; выражения лиц — самоуверенные и горделивые.

Колорит его картин — насыщенный, но вместе с тем нежный и приглушённый; живописная манера — плавный мазок, смягчающий светотеневые градации; приём письма — свободный, особенно искусный в воспроизведении интерьеров и аксессуаров.

Всё это делает Лампи Старшего одним из лучших мастеров среди портретистов своего времени.

Среди лучших работ художника — портреты Потёмкина-Таврического (около 1790), императрицы Екатерины II, Н. Б. Юсупова, А. Н. Самойлова, А. А. Безбородко, А. И. Мусина-Пушкина (все — 1794), великой княгини Марии Фёдоровны (не позднее 1795), Е. С. Самойловой (1792—1796), П. А. Зубова (1793 и 1796), В. А. Зубова (1796), А. С. Строганова (1790-е).

Произведения Лампи находятся во многих музейных собраниях Европы, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Эрмитаже, Государственном Русском музее, Государственном Историческом музее, Национальном музее в Варшаве, Академии изобразительных искусств в Вене и других. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. , Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Ландини Андреа (Andrea Landini)

1847–1935

Итальянский живописец – жанрист и портретист, писавший также натюрморты.
Ландини родился во Флоренции, художественный талант обнаружил в самом раннем возрасте.
Учился в Академии художеств во Флоренции. Учителями Ландини были исторический живописец и портретист швейцарского происхождения, профессор Антонио Чизери (Antonio Ciseri, 25 октября 1821 — 8 марта 1891) и портретист и жанрист Риккардо Пасквини (Riccardo Pasquini, 1849 — 1937), который был даже моложе Андреа, но уже активно выставлялся в Турине и Милане.
После учебы, в поисках прибыльных заказов, Ландини уехал работать в Рим, а позже в Париж.
Ландини стал специализироваться на одном из популярных в то время жанров бытовой живописи, изображавшим с иронией и даже сатирой представителей духовенства в их обыденной жизни.

Этот жанр как бы высмеивал пышный и роскошный стиль жизни служителей католической церкви, лицемерие кардиналов, изображенных на картинах, их увлечение спиртным и чревоугодие.

Историки пишут, что коммерческий успех таких картин в последние десятилетия 19 века был связан с ростом «мамоннизма» (от имени Мамона — бога богатства и наживы у некоторых древних народов), процветающим средним классом и уменьшением уважения к представителям церкви, которые тоже поклонялись Золотому Тельцу и вели неподобающий священникам образ жизни.

Своими «церковными» полотнами Ландини добился популярности среди высшего флорентийского общества, которое заваливало художника заказами.

Ему приходилось писать по несколько копий своих же работ.

Заказчикам нравилось, что художник очень тонко, с вниманием к деталям изображает роскошные интерьеры с шикарной мебелью, гобелены и золоченую бронзу, стекло, посуду и изделия из серебра, кружевные скатерти и богатую оттенками пурпурную одежду кардиналов.
Художник экспонировал свои работы во Флоренции, в Париже и Риме. Его последняя выставка состоялась в 1911 году в Обществе французских художников в Париже. Умер Андреа Ландини в 1912 году в возрасте 65 лет.

Ландсир Эдвин Генри(Edwin Henry Landseer)

(1802-1873)

Эдвин Генри Ландсир (англ. Edwin Henry Landseer, 7 марта 1802, Лондон — 1 октября 1873, Лондон) — английский художник и скульптор эпохи романтизма.

Жизнь и творчество:

Э. Ландсир наиболее известен своими картинами о жизни животных и пейзажами Шотландии — как живописец; и как скульптор — статуями львов у подножия колонны Нельсона на Трафальгарской площади.

Эдвин Ландсир был младшим сыном гравёра по меди Джона Ландсира; одним из его братьев был художник Чарльз Ландсир. Обучался живописи у своего отца и у художника Бенджамина Р. Хейдона. В 1814 году он впервые выставил свои картины на Летней выставке в Королевской академии, а в 1815 году поступил в школу при Королевской академии искусств. В 1820-е годы Ландсир впервые посетил горную Шотландию и с тех пор неоднократно приезжал в эту страну «на этюды». По шотландским мотивам художник написал многочисленные полотна, многие из которых выставлены в крупнейших музеях Великобритании (например, в эдинбургском Музее Шотландии).

В 1826 году Ландсир стал членом-корреспондентом Королевской академии искусств, в 1831 — полным членом этой Академии, а затем и придворным художником королевы Виктории и её супруга, принца-консорта Альберта. В 1850 году Эдвин Ландсир был возведён королевой в рыцарское звание. В 1866 он был избран президентом Королевской академии искусств, однако отказался от этой должности.

В 1840 году художник перенёс тяжёлое нервное заболевание, отчего позже неоднократно страдал депрессиями, что не мешало ему продолжать рисовать до глубокой старости. Он писал в первую очередь изображения животных и пейзажи. Работы его распространялись также в графическом и литографическом видах, создав Ландсиру широкую популярность не только в Великобритании, но и на европейском континенте.

Художник зарабатывал также тем, что рисовал портреты собак богатых англичан. Именем ландсир в честь него названа одна из пород собак (пятнистая разновидность ньюфаундленда.

Э. Линдсер известен также как скульптор, создатель бронзовых литых скульптур животных (оленя, львов

Ланкре Никола/Lancret Nicolas(Рококо)

1690–1743

Никола Ланкре (фр. Nicolas Lancret; 22 января 1690 года, Париж — 14 сентября 1743 года, там же) — французский художник жанра рококо,ученик сперва Дюлена, а потом Ю. Жило и А. Ватто.

В эпоху Людовика XV, когда в искусство приходит, а затем и начинает господствовать стиль рококо, ему покровительствовала всесильная фаворитка короля маркиза де Помпадур.

Художник родился в Париже 22 января 1690 года.

Никола Ланкре прошел обучение сначала в мастерской художника П.Дюлена, затем, у К.Жилло, который одновременно был и учителем Ватто.

Жилло передавал своим ученикам вкус к изображению современных сюжетов, а также театральных сцен, особенно сцен из итальянской комедии.

Существует предположение, что Ланкре и Ватто познакомились именно в мастерской Жилло и были какое-то время дружны.

Ватто давал Ланкре советы, призывая его как можно больше работать с натуры, в частности писать с натуры пейзажи. И хотя дружба Ланкре с Ватто, неровный и неустойчивый характер которого отмечали биографы, оказалась недолгой, влияние творчества Ватто на Ланкре было длительным и плодотворным.

Попав под обаяние живописи Ватто, Ланкре стал его прилежным учеником и самым последовательным подражателем его манер. Он перенял у него также и тематику «галантных празднеств», исключительно популярную в этот период.

Однако, художнику не хватало глубины и возвышенности чувств, свойственных живописи Ватто.

Иногда можно ошибиться и принять произведения Ланкре за работы Ватто — настолько похожи их полотна.

Ланкре обращался к тем же сюжетам, что и Ватто: писал персонажей итальянской комедии дель арте и сценки « празднеств». Тем не менее в манере Ланкре больше приземленного реализма.

В 1719году Ланкре был принят в члены Королевской академии живописи и скульптуры как «мастер галантных сюжетов».

Вслед за этим к художнику пришел успех: после смерти Ватто и Жилло он стал одним из ведущих мастеров галантной живописи.

Ланкре пользовался покровительством французского короля Людовика XV, его живопись украшала многочисленные королевские резиденции, включая Версальский дворец.

Помимо картин художник создавал панно, расписывал ширмы и веера, делал эскизы для гобеленов. За свою творческую карьеру Ланкре создал более 700 произведении, включая аллегорические циклы и портреты (которые он часто изображал как жанровые сцены), а также иллюстрации к басням Лафонтена.

Его блистательные маскарады, приятность, хотя и несколько холодная, его манеры, приносили ему многочисленные заказы от крупных коллекционеров, таких, как герцог д’Антен, граф де Кариньян, Кроза, сюринтендант Кор. строений и Фридрих II, в собрании которого было более 25 картин художника («Танец», «Игра короля», «Бал», Берлин, Шарлоттенбург). Ланкре работал для замка Фонтенбло («Деревенская свадьба», 1737), дворца Ла Мюэт («Времена года», 1738, Париж, Лувр), Версальского дворца («Завтрак с ветчиной», 1735, Шантийи, музей Конде).

Действие в картинах Ланкре всегда происходит в саду, в парке или, реже, в современном интерьере.

Дамы и кавалеры, одетые в разнообразные костюмы — в пастухов и пастушек, в театральные или воображаемые наряды — предаются изящным занятиям и развлечениям.

Герои картин, по существу, одни и те же. Какой бы костюм ни выбрал для них художник, мы видим нравы и вкусы парижского общества — блестящего общества эпохи Регентства и начала правления Людовика XV.

Все герои Ланкре играют какую-либо роль, все в его картинах театрально — костюм, типаж, ситуация, атмосфера, пейзаж. Так было и в обществе той эпохи, где каждый играл роль, все равно в театре или в жизни, где царил дух театра и маскарада.

Ланкре — был самобытным и очень тонким живописцем. Он прекрасно владел искусством выстраивания групповых фигур объединения нескольких групп в единое гармоническое целое. Позы и жесты фигур в его картинах часто повторялись, но они всегда были оченьточны и естественны.

Никола Ланкре очень любил театр и часто посещал парижские “Оперу” и “Комеди Франсез”, там художник познакомился с гениальной балериной Камарго и с мадемуазель де Саллье, с которыми в дальнейшем Ланкре состоял в очень тесной связи и, великолепные портреты которых он написал.

В 1741 году Ланкре женился на внучке известного писателя Бурсо, автора драм и комедий, в том числе литературного труда «Эзоп в суде».Брак с Мари де Бурсо был недолгим, Ланкре умер два года спустя от воспаления легких; он скончался в Париже 14 сентября 1743 года.

Влияние Ланкре на развитие жанра «галантного празднества» невозможно переоценить. Ему посчастливилось пережить всех своих учителей и соперников, его влияние было более длительным.

Ланкре много сделал для распространения изысканого французского вкуса в Европе.

В 18 веке его картины собирали не только парижские коллекционеры , но монаршие особы, такие , как Фридрих II, стремившийся воспроизвести во дворце Сан-Суси стиль жизни французского двора, императрица Екатерина II.

Картины Ланкре до сих пор сохраняют свое хрупкое очарование, перенося нас в один из самых блестящих периодов культурной истории Франции.  Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Картины Ланкре в Эрмитаже, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Произведения Ланкрет в лондонском собрании Уоллеса, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,Wildenstein G. «Lancret. Biographie et catalogue critique». Париж, 1920, Guiffrey, «Lancret, sa vie et son oeuvre» (Париж, 1874).

Ланфранко Джованни/Lanfranco Giovanni(Барокко)

1582-1647

Джованни Ланфранко (итал. Giovanni Lanfranco) (26 января 1582, Парма — 30 ноября 1647, Рим) — итальянский художник и выдающийся представитель фресковой живописи высокого барокко.

Помимо фресок Ланфранко знаменит своими алтарными изображениями.

Итальянский художник и выдающийся представитель фресковой живописи высокого барокко, прозванный «Кавалером ди-Стефано».

Родился 26 января 1582 года в Теренцо, близ Пармы.

Его первым учителем в Парме был Агостино Карраччи, который тогда работал у герцога Рануччо Фарнезе в Палаццо дель Джардино и который привил художнику принципы классицизма.

После смерти своего учителя (1602); Ланфранко вместе с Бадалоккио (другим учеником Карраччи) едет в Рим, где они попадают в круг Аннибале Карраччи. Благодаря Аннибале, Ланфранко получает заказ на фрески и картины для Камерино дельи Эремити (то есть «отшельников», название происходит от сюжета росписей), которая примыкает к Палаццо Фарнезе.

Эти произведения (ныне Рим, церковь Санта-Мария дель Орационе э Морте, и Неаполь, Каподимонте) показывают, что уже в своих первых работах, художник отказывается от официальных классических принципов и использует выразительные средства — контрасты света и тени, свободную композицию, — восходящие к натурализму Караваджо и его последователей.

Некоторые пейзажи — например, в картине «Вознесение Марии Магдалины» (Неаполе, Каподимонте) — создают удивительно правдоподобное впечатление, которое решительно противостоит идеализированному видению Аннибале Карраччи.

После смерти Аннибале (1609) Ланфранко возвращается в Парму и в 1610-1612 изучает произведения Корреджо, люминизм и смелое чувство пространства которого его очаровывают.

Путешествие в Эмилию вновь связывает его с ранними работами Аннибале Карраччи, исполненными под веницианским влиянием; он вдохновляется великолепным колоритом и динамичной композицией этих работ.

В те годы Ланфранко создал такие картины, как «Мадонна, св. Карло Борромей и св. Варфоломей» (Неаполь, Каподимонте) и «Св. Лука» (Пьяченца, Колледже Нотариле). Его темперамент, романтический в своей основе, уводит его от академизма и расцветает в серии картин на религиозную тематику, написанных по возвращении художника в Рим для различных римских церквей («Мадонна со св. Антонием и св. Иаковом», Вена, Музей истории искусств).

Для всех них характерны ярко выраженные контрасты полных, крепких и натуралистических форм с интенсивным освещением, исходящим, кажется, из сверхъестественного источника, но производящим реалистический эффект.

Помимо фресок художник Джованни Ланфранко знаменит своими алтарными изображениями.

Будучи искусен преимущественно во фресковой живописи, украсил ею несколько церквей в Риме, Парме и особенно в Неаполе, но написал также немало картин и масляными красками.

Ланфранко был очень способным художником, опытным техником, но в то же время холодным и поверхностным маньеристом, запятнавшим память о себе в истории живописи свей ненавистью к более талантливому, чем он, Доменикино.

В Риме его растущая слава обеспечила ему обилие заказов. Большая роспись купола «Вознесение Марии» пользовалась особенным успехом.

Заваленный заказами, Ланфранко стал писать свои картины в небрежной, выхолощенной манере.

За мозаикой для алтаря делла Навичелла в Соборе Святого Петра с изображением апостола Петра, идущего по воде с Иисусом в 1634 года последовала работа по росписи церкви ордена иезуитов «Джезу Нуово» в Неаполе.

Вернувшемуся в Рим художнику покровительствовали папа Павел V и Урбан VIII.По возвращении в Рим в 1646 для росписи трибуны в ц. Сан-Карло аи Катинари, где тридцатью годами раньше он исполнил алтарь «Благовещение», один из своих шедевров, он спустя год умер, не успев закончить фрески.

Ланфранко скончался 30 ноября 1647 года в Риме.

Помимо Эмилии, Рима и Неаполя, произведения Ланфранко находятся в различных городах Италии. Его искусство оказало влияние на многих художников, как итальянских (Анастасио Фонтебуони, Франческо Коцца, Джачинто Бранди), так и французских (Симон Вуэ и Франсуа Перрье).

Искусствоведы относят творчество Джованни Ланфранко к переходному периоду в итальянской живописи — от школы Карраччи к манере письма Пьетро да Кортона.

Лучшими из его произведений считаются живопись в церкви Сант-Андреа делла-Валле, в Риме, и церкви иезуитов, в Неаполе, и картина «Св. Людовик, наделяющий бедняков пищей», в венецианской акдемии художеств.

В Государственном Эрмитаже в С-Петербурге имеются две картины Л.: «Благовещение» и «Бог-Отец». Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Работы художника на Wikimedia Commons, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,

Ларжильер Никола/Nicolas de Largilliere(Портретный жанр)

1656–1746

Никола де Ларжильер (фр. Nicolas de Largillière) (крещён 20 октября 1656, Париж – 20 марта 1746, Париж) – французский живописец.

Родился в начале отктября 1656 года (крещен 10 октября) в Париже в семье торговца.

Начиная с 1668 года Никола учился в Антверпене в мастерской Антони Губо, позднее он около двух лет прожил в Лондоне.

В 1672 г. принят в антверпенскую гильдию св. Луки. В восемнадцатилетнем возрасте вновь отправился в Англию, свёл знакомство с Питером Лели, под руководством которого в 1675—1679 гг. производил (вместе с Антонио Веррио) реставрацию картин в Виндзорском замке и создавал собственные произведения исторического содержания, а также писал натюрморты и портреты; испытал влияние Рубенса и ван Дейка.

Мастерство живописца привлекло внимания Карла II, который хотел оставить его у себя на службе; но раскрытие Райхаузского заговора в 1683 г. поставило под угрозу безопасность его как католика, и Ларжильер вынужден был покинуть страну.

С 1682 г. Ларжильер работал в Париже, где посвятил себя в первую очередь портретной живописи.

В Париже его высоко оценивали Лебрён и Адам ван дер Мейлен. Блестящее владение цветом и живость мазка привлекали в его студию многих тогдашних знаменитостей: актрис, общественных деятелей, известных проповедников.

Среди самых известных моделей живописца были Пьер Даниэль Юэ, епископ Авраншский, кардинал де Ноай, семейство Дюкло и президент Ламбер с семьёй.
За время пребывания в Лондоне он написал портрет Карла II и начал портрет королевы.

Вернувшись в начале 1686 г. в Париж, стал почётным членом Французской академии. В качестве вступительного произведения он представил портрет Лебрёна — одну из вершин своего творчества.

Портретируемый представлен за работой, в окружении классических бюстов и статуэток.

В 1690 г. Ларжильер внесён в списки членов Академии как исторический живописец. Высшим достижением его в этой области являются многофигурные композиции, созданные для парижской церкви Сен Этьен дю Мон в 1694 году.

Ещё одно историко-библейское полотно, появившееся позже, в 1720 г. («Въезд Христа в Иерусалим»), свидетельствует, помимо всего прочего, о незаурядном даровании пейзажиста.

В портретных произведениях Ларжильера, как и у других его коллег того времени, пейзаж также играл важную роль и использовался как задний план для фигур. Пейзажные фоны и переливчатый пастельный колорит у Ларжильера предвосхищают искусство рококо.

Портреты — лучшая часть наследия художника.

В них он с течением времени добивался всё большей свободы и естественности в живописи, в изображении поз, нарядов. От фламандской школы в искусстве Ларжильера присутствуют такие черты, как тёплые тона, широкие густые мазки, волнистые линии, придающие картинам динамизм.

Одним из самых реалистичных полотен художника и одним из шедевров французской портретной живописи является «Мужчина в лиловом одеянии» (1700).

Стилистически эта работа близка появившемуся через два года портрету скульптора Шарля Буше. Некоторые черты техники масляной живописи роднят эти произведения с творчеством Веласкеса.

Три разных жанра, в которых преуспел художник, воплотились в 1710 г. в картине «Людовик XIV с семьёй», персонажами которой стали сам Людовик, воспитательница его правнука и заказчица картины, герцогиня Вантадур, ее воспитанник, малолетний герцог Бретонский (умерший три года спустя), сын короля, Дофин Людовик, и, наконец, старший сын этого последнего, герцог Бургундский.

Помимо основного, портретного жанра произведения, на полотне позади принца присутствует пейзаж, а рядом с гувернанткой — натюрморт.

Годом позже создан автопортрет мастера — единственный, где он изображает себя на открытом воздухе, в обществе жены и дочери, а не за работой у мольберта в полумраке студии, как в других случаях (в том числе в последнем, созданном в 1725 г. автопортрете; в нём противопоставление света и темноты напоминает о караваджевском «кьяроскуро»).

В 1714 г. появилась одна из самых необычных работ художника — «Этюд различных типов кистей рук», из которого видно, насколько широко автор владел приёмами живописи маслом: густыми слоями он пишет сами руки, тонкими изображает ткань (Ларжильер славился мастерством в передаче текстуры).

1718 г. — год создания знаменитого портрета Вольтера.

Ближе к концу жизни Ларжильер всё больше пишет мужские портреты лиц, принадлежащих к парижской буржуазии, чьи имена, как правило, не установлены (в этой сфере его основным соперником был Иасент Риго, который, однако, предпочитал писать аристократов).

Как портретист он на протяжении шестидесяти лет создал гигантское количество работ (1500, по свидетельству его современников); его эволюцию определить достаточно трудно, в виду того, что многие из этих портретов находятся в частных собраниях.

Его клиентура, чуть менее аристократическая, чем у его друга Риго, состояла из эшевенов, финансистов и других крупных буржуа.

Интимные портреты кисти Ларжильера отмечены топкостью индивидуальных характеристик.

Он вообще предпочитал частные заказы официальным: это было связано с меньшей ответственностью и более быстрой оплатой.

Художник также создавал групповые портреты, призванные увековечить какое-либо торжественное событие («Заседание парижской ратуши в 1687», эскиз к утраченной картине). Успех сопутствовал и карьерному росту.

В 1722 г. художник стал директором, а в 1743 г., за три года до смерти, — канцлером Академии.

Скончался Никола де Ларжильер 20 марта 1746 года в Париже.

После смерти Ларжильера стали известны широкой публике некоторые его пейзажи и натюрморты; лучшая из этих работ — «Лесной пейзаж».

Самым выдающимся учеником мастера был Жан Батист Удри. Другие ученики — Жак Франсуа Дельен и шведский живописец Густав Лундберг.

Ларжильер оказал сильное влияние на развитие европейской портретной живописи XVIII века.

Музей Ашмола (Оксфордский университет), Музей Fitzwilliam (Кембриджский университет), Гонолулу Музей искусств , Лувр , Национальная галерея искусств (Вашингтон), Нельсон-Аткинс художественный музей (Kansas City, Missouri) , Музей изящных искусств де Страсбург и Пинакотека Брера (Милан), Гюльбенкяна музей , Музей Nacional де Арте Антига (Лиссабон), Детройтский институт искусств (Детройт)- вот лишь небольшой перечень музеев экспонирующих работы Ларжильера.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Работы художника на Wikimedia Commons, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,Работы Ларжильера в музеях мира.

Ларсон Симеон Маркус/Simeon Marcus Larson(Романтизм)

1825 -1864

Симеон Маркус Ларсон -выдающийся шведский художник-пейзажист, наиболее яркий представитель шведской плеяды выпускников Академии Дюссельдорфа.

Маркус Ларсон родился 5 января 1825 года в шведском городке Атвидаберг , расположенном в регионе Эстергётланд в семье мелкого землевладельца, отец мальчика владел небольшой сельскохозяйственной фермой.

Увлечение рисованием появилось у мальчика очень рано, и родители видя несомненные творческие задатки у маленького Маркуса с раннего детства старались их всячески развивать. Первым наставником будущего художника стал местный художник, имя которого история не сохранила.

В 1842 году, после смерти отца, оставшийся фактически без средств к существованию, Маркус был вынужден переехать на заработки в Стокгольм. Ларсон был принят на работу в одно из местных издательств.

Владелец издательства, оценив художественные способности нового работника, решил привлечь его к оформлению издававшихся произведений.

Работа Маркуса нравилась его работодателю, и молодой человек получил разрешение на посещение вечерних курсов в Шведской Королевской Академии художеств.

Обучение в Академии и благосклонные отзывы наставников Ларсона о его творчестве, позволили Маркусу Ларсону поверить в свои силы и принять непростое решение о начале самостоятельной творческой карьеры художника.

В 1848 году Ларсон успешно завершил своё обучение и переехал в Хельсинборг, где начал преподавать живопись в местной школе.

Одновременно Маркус Ларсон много и плодотворно пишет, оттачивая своё мастерство и вырабатывая собственный неповторимый стиль. В ранних работах художника ощутимо чувствуется влияние творчества Карла Йохана Фалкрантца (29 ноября 1774 — 29 ноября 1861), члена Академии искусств (1803), профессора (1815), известного шведского художника , «отца» шведской пейзажной живописи…

В работах Ларсона часто просматривается тема океана, вблизи которого он жил :Hav i mansken (1848 год), Skepp på stormigt hav(1852 год).

В 1849 году Маркус Ларсон посещает Копенгаген, где знакомит со своими работами выдающегося художника-мариниста Вильгельма Мелби, академика Копенгагенской Академии Художеств.Работы Ларсона не оставили равнодушным мэтра пейзажной живописи. Он дал несколько уроков морской живописи Маркусу, а его замечания и советы очень пригодились художнику впоследствии.

Летом 1850 года Маркус Ларсон принял участие в морской экспедиции по Северному морю на корвете Lagerbjelke. Как впоследствии говорил сам Ларсон, морское путешествие обогатило его новыми эмоциями и дало возможность по-настоящему ощутить мощь и величие морской стихии, а многие наброски и этюды, сделанные во время морского похода легли в основу его будущих картин.

В этом же году Маркус Ларсон посещает Норвегию, где упоённо пишет местную природу. Горы, реки и водопады становятся основной темой его работ в Норвегии.

С целью продолжения своего образования в 1852 году Маркус Ларсон переехал в Дюссельдорф, где поступил в дюссельдорфскую Академию художеств, созданную в 1773 году как Академия живописи, архитектуры и скульптуры при пфальцграфе Нойбургском на базе школы живописи, основанной в 1762 Ламбертом Краге .

После присоединения Дюссельдорфа к Пруссии в 1815 году Академия стала королевской Академией художеств, и в середине века начала принимать учеников из разных стран, чем и воспользовался Ларсон.

Его педагогом пейзажной живописи стал известный немецкий художник, выпускник Санкт-Петербургской Академии художеств Андреас Ахенбах(1815-1910).

Он познакомил Маркуса Ларсона с школой реалистического пейзажа, которая резко контрастировала с романтическими картинами, создававшимися в то время современниками художника.

Маркус Ларсон очень много работал в это время, его художественное мастерство быстро росло, равно как и известность среди немецких владельцев художественных галерей. Признание среди арт-дилеров Германии и большое количество заказов от местных любителей живописи — вот главный итог его художественной карьеры в Германии к середине 50-х годов XIX столетия.

В 1855 году Ларсон переехал в Париж, где жил и работал в течение трёх лет. В 1855 году на Всемирной выставке трудов промышленности, сельского хозяйства и изящных искусств в Париже, одна и работ Маркуса Ларсона «Пейзаж с водопадом» была удостоена «почётного упоминания».

В 1858 году Маркус Ларсон вернулся в родную Швецию с намерением поселиться в провинции Смоланд. На собственные средства художник построил большую виллу, которую в дальнейшем планировал переоборудовать в художественную школу.

Он мечтал заняться преподаванием пейзажной живописи для молодых и талантливых художников Швеции. Но его мечтам не суждено было сбыться. Осенью 1858 года Ларсон отправился в Копенгаген, где всю осень и весну следующего 1859 года жил и выставлял свои произведения. В это время на его виле случился пожар и всё сгорело.

Судьба нанесла ему ещё один удар. В огне погибли и многие его произведения, что фактически лишило Ларсона всяких средств к существованию.В 1860 году Маркус Ларсон навсегда покинул Швецию. Пробыв некоторое время в Хельсинки, художник переехал в Санкт-Петербурге, где в 1861 году он, будучи придворным художником, участвовал в годичной выставке в Императорской Академии художеств.

Вот, что писали в газетах о его участии:
С-ПЕТЕРБУРГ. На годичной выставке в Академии художеств придворный живописец Маркус Ларсон выставил под видом картин полотна, на которых с различными закорючками и вычурами, полосами и зигзагами намалёваны пестрейшие краски.
Г-н придворный живописец требует за некоторые из своих, похожих на волнистый ситец, полотен по 1600 рублей серебром. Какой забавник!
«Современник». Сентябрь 1861 года.

В 1862 году Маркус Ларсон отправляется в Лондон На III Всемирную выставку. Однако, его участие в Выставке осталось практически незамеченным, за годы, прошедшие с предыдущей парижской выставки, его имя успели забыть. Ко всем прочим невзгодам добавилась ещё одна — Ларсон заболел туберкулёзом. Болезнь прогрессировала и художник угасал на глазах.

25 января 1864 года в возрасте 39 лет Симеон Маркус Ларсон скончался в Лондоне, где и был похоронен. Художник прожил короткую , но очень яркую творческую жизнь.

Он вошёл в историю живописи, как «художник Швеции XIX века» и отмечен, как наиболее выдающийся из шведских «художников Дюссельдорфа».

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Marcus Larson». Nationalencyklopedin (in Swedish). Retrieved 19 March 2010.

де Ласло Филип Алексис/Philip Alexius de László(Портретная живопись)

1869—1937

Филип Алексис де Ласло родился 30 апреля 1869 года в Будапеште с еврейской семье.Отец мальчика был ткачом.

Первой фамилией Филипа была Лауб, но в 1891 году семья сменила ее на Ласло. Главным юношеским увлечением будущего художника была фотография, живопись в эти годы была у юноши на втором месте.

Всё изменилось после поступления Филипа в Национальную Академию Искусств. Первыми наставниками де Ласло были известные венгерские живописцы Берталан Секей и Карой Лотц.

Именно они заметили необычайный художественный талант молодого юноши и привили ему особую любовь к портретной живописи.

Позже, получив государственную стипендию, Филип де Ласло продолжил обучение в мюнхенской Королевской Баварской академии, а ещё позже в академии Джулиана в Париже.

В 1900 году на парижской Всемирной выставке золотой медали был удостоен портрет Папы Льва XIII кисти де Ласло, что явилось большим успехом для молодого художника.
В этом же году Филип де Ласло женился на Люси Мадлен Гиннес, своей первой и единственной любви.

Молодые люди познакомились в Мюнхене в 1892 году. Люси была представительницей древнего, знатного и очень богатого рода Гиннесов, и родственники девушки считали молодого художника крайне нежелательной партией для неё.

Отец Люси запретил молодым людям встречаться, и их разлука продолжалась долгих семь лет. Разлука молодых закончилась только после смерти отца Люси в 1900 году.

Любящие сердца вновь встретились и поженились в Ирландии. Брак оказался долгим и счастливым. В семье родилось шесть детей.

Материальное положение де Ласло постепенно улучшилось, художник много и плодотворно работал, а дружеские и семейные связи супруги способствовали получению Филипом всё новых и новых заказов.

Впоследствии почти все дети де Ласло связали свои судьбы с членами аристократических фамилий Британии, что также способствовало успешному развитию карьеры художника.

В 1903 году Филип де Ласло вместе с семьёй переехал из Будапешта в Вену, а в 1907 году перебрался на постоянное место жительства в Англию.

Выполняя многочисленные заказы Филип де Ласло много путешествовал по миру, но до конца жизни Лондон оставался его второй родиной.

В эти годы ведущий лондонский портретист того времени Джон Сингер Сарджент (1856-1925) практически перестал писать в портретном жанре, и де Ласло прочно занял его место.

Свой первый заказ от царствующих особ, Филип де Ласло получил еще в 1894 году, когда ему было поручено написать портреты болгарского принца Фердинанда и принцессы Марии-Луизы.

Заказчики высоко оценили написанные работы и с тех пор заказы от королевских домов стали поступать художнику достаточно регулярно.

Художнику всегда удавалось показать портретируемого в наилучшем свете, не прибегая при этом к лести и искусственному приукрашиванию образа.

Художнику всегда удавалось правдиво и достоверно запечатлеть в образе наиболее характерные черты заказчика.

Критики не без основания сравнивали художественный талант Филипа де Ласло с талантом таких великих мастеров мировой живописи, как Ван Дейк или Тициан.

Вершиной творчества де Ласло многие историки называют удивительный по красоте портрет королевы-матери, законченный художником в 1925 году, когда она была ещё молодой герцогиней Йоркской.

Последние годы жизни художник много болел и почти не работал.

В 1936 году у него произошёл сердечный приступ, через небольшой промежуток времени ещё один, и 22 ноября 1937 года ,в возрасте 68 лет Филип Алексис де Ласло скончался в своём доме в лондонском Хампстеде, где и был похоронен.

За свою творческую жизнь Филип Алексис Де Ласло создал портреты многих выдающихся личностей эпохи, в том числе государственных деятелей, военных, ученых, писателей и аристократов.

Де Ласло также имел значительный успех в США, где его клиентами были президенты Франклин Рузвельт , Уоррен Хардинг, Кальвин Кулидж и Герберт Гувер, и многие другие видные американские граждане.

Читая сегодня исторические материалы о жизни и деятельности великих личностей прошедшей эпохи, благодаря творчеству Филипа де Ласло мы получаем уникальную возможность ,»совершать путешествия во времени», словно в живую знакомясь с объектами нашего интереса. Низкий поклон ему за это.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Philip de László exhibition catalogs, Articles on de Laszlo from website dedicated to John Singer Sargent.

Латур Жорж де/Georges de La Tour(Реализм)

1593—1652

Жорж Дюмениль де Латур, также Ла Тур (фр. Georges de La Tour; 14 марта 1593 — 30 января 1652) — лотарингский живописец, крупнейший караваджист XVII века, мастер светотени.

В XVIII-XIX веках его имя было предано забвению.
Родился в местечке Вик-сюр-Сей и жил близ Люневиля до самой своей смерти.

Помимо нескольких документов, содержащих сведения о его женитьбе в 1621 году, назначении официальным художником Люневиля в 1644 году и главным живописцем короля в 1646 году, нет никакой информации о жизни мастера.

Ни одно из его произведений не может быть датировано с полной достоверностью. Однако известно, что лотарингский герцог Генрих II в 1623 и 1624 годах купил несколько картин Ла Тура.

Испытал воздействие Караваджо и мастеров нидерландского караваджизма. С 1620 года Латур работал в Люневиле, с 1639 года он — «живописец короля». Ранние жанровые сцены Латура («Шулер», Лувр, Париж), религиозные композиции зрелого периода («Новорождённый» или «Рождество», Музей изящных искусств, Ренн; «Скорбящая святая Магдалина», Лувр, Париж; «Отречение апостола Петра», 1650, Музей изящных искусств, Нант) отмечены сдержанным колоритом, лирической созерцательностью, пластической обобщенностью форм, выдержанным в теплых, красновато-коричневых тонах, сиянием мягкого, рассеянного света, придающего духовность и тонкую эмоциональность бытовым мотивам.

Важнейшим эмоциональным началом в картинах Л., выдержанных преимущественно в киноварно-коричневой цветовой гамме, становится ровное сияние свечи или факела, рассеивающее густой мрак.

Религиозные композиции Л., отмеченные обобщенностью форм, благородной сдержанностью эмоций и проникновенно-созерцательным настроением, носят характер сцен из обыденной жизни ( «Иосиф-плотник», 1640-е г., Лувр, Париж).

Творчество мастера, забытое после его кончины, было заново открыто только в 1940-х годах; первая публикация о нём вышла в 1915 году.

Для его картин характерна геометрически строгая композиция и напряжённость религиозного чувства.

Картины Латура обычно представляют собой освещённые пламенем свечи ночные сцены, написанные в манере Караваджо.

Художник любил изображать библейские персонажи в обличье нищих и крестьян, создавать композиции, персонажи которых освещались единственным источником — свечой.
Типичными для его творчества являются такие работы, «Поклонение пастухов» (Лувр), «Мученичество св. Себастьяна» (Берлин-Далем).

Картины Латура на бытовые и религиозные сюжеты немногословны, просты, подчас даже несколько суровы. Жизнь в Лотарингии, сохранявшей в своей культуре местные черты Средневековья, наложила отпечаток на его творчество.

Латур — художник своего времени, глубоко чувствовавший современную ему эпоху. Предположительно, он посетил Италию. Воздействие караваджизма он, ощутил через фламандских караваджистов.

Латур всегда отдавал предпочтение работам больших размеров, наделяя большие фигуры почти скульптурной объемностью.

Группу его произведений составляют фигуры слепых музыкантов-рылейщиков, изображенных во весь рост,гораздо реже,
изображённых поколенно.

В руках они держат народные струнные инструменты — рыли, чем-то напоминающие гусли. Самое известное полотно — «Рылейщик» (Нант, Музей изящных искусств) с изображением в профиль мастерски написанного в профиль слепого музыканта. Работа экспонируется в собрании музея Прадо.

Так же достоверно художник писал святых и апостолов, похожих на нищих странников.

Общепризнанными шедеврами Латура являются «Рождество» (или Новорожденный; Ренн, Музей изящных искусств) — одно из самых лиричных произведений мастера, «Поклонение пастухов», «Святой Иосиф-плотник» (оба — Париж, Лувр) и «Явление ангела Святому Иосифу» (Нант, Музей изящных искусств).

Однако, несомненной вершиной творчества Латура является — «Святой Себастьян, оплакиваемый Святой Ириной» (Берлин, Государственные музеи).

Одна работа мастера — «У ростовщика» — хранится во Львовской галерее искусств.
В российских музеях его работ нет. Этьен (род. 1621), сын художника, тоже стал живописцем.

Учеником Ла Тура также был его племянник Франсуа Нардуайен, умерший от чумы в 1636 году.

Творчество мастеров реалистической живописи XVII века, вновь открытых в XX столетии, было предметом острой полемики, прежде чем обрело понимание со стороны критиков и признание широкой публики.

Исключением не стал и Жорж де Латур. Подлинность его картин в Лувре ныне не подвергается сомнению.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.,Интернет-ресурс Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Статья Т. Каптеревой»Жорж де Латур «,2008г.И. С. Немилова, Ж. де Латур, Л.-М., 1958; Золотов Ю. К., Ж. де Ла Тур, М., 1979; G. De la Tour. [Catalogue]. Musйe de l’Orangerie Exposition. 10 mai — 25 septembre 1972, P., 1972.,  Georges de La Tour at Gallery of Art.

Латур Морис Кантен/La Tour Maurice Quentin(Пастельный портрет)

1704—1788

Великий французский портретист Морис Кантен де Латур, работавший преимущественно пастельными карандашами, родился 5 сентября 1704 года в Сен-Кантене (департамент Эна).

В молодости Латур уехал в Париж, где обучался живописи у Клода Дюпуша. Приятная манера исполнения камерных пастельных портретов, отличавшихся достоверным сходством, вскоре сделала художника популярным.

С 1724 года он обосновался в Париже и начал серьезно работать в области пастели. Интерес к этой технике появился у него под влиянием произведений итальянской художницы Розальбы Каррьера, которая во время своих приездов в Париж буквально покорила французов.

Известно, что Латур копировал ее пастели (две такие копии сохранились), увлеченный их живостью и остротой выражения.

Первые два произведения Латура (портреты его самого и жены живописца Буше), выставленные в парижском салоне 1737 года, доставили ему звание сопричисленного к Королевской академии художеств.

В 1742 году Латур создал одно из лучших своих произведений — «Портрет аббата Юбера».

Здесь, в отличие от других портретов, герой изображен не сам по себе, а в определенном окружении, которое помогает глубже проникнуть в мир этого человека.

В начале сороковых годов Латур переходит от погрудных или поколенных портретов к фигурам в рост, от камерных изображений к картинам большого размера.

Некоторые его пастели достигали свыше двух метров высоты и полутора метров ширины.

Но и в этих парадных портретах художник остается реалистом, стремится к объективности, к критическому анализу своих моделей, даже если они занимают высокое положение в свете.

В 1746 году Латур был избран ее действительным членом Королевской академии художеств. В 1750 году по велению Людовика XV Морис Кантен де Латур удостоен чести быть первым «живописцем короля».

Подлинные шедевры портретного искусства Латура были созданы в середине века.

В Салоне 1753 года Латур представил восемнадцать портретов ученых, философов, артистов — людей, прославивших Францию, близких ему по духу и убеждениям.

В портретах 50-х годов Латур воплотил новых героев того времени — людей умных, волевых, способных к действию..

К пятидесятым годам относятся и лучшие подготовительные наброски Латура, которые обладают самостоятельной эстетической ценностью и иногда более остро, чем законченные портреты, раскрывают характер изображенных людей.

Среди них особенно выразительны женские образы — певицы Мари Фель, балерины Камарго, актрисы Жюстины Фавар. Для каждой из них Латур находит строго индивидуальную форму выражения, в которой воплощаются их внешний облик и характер.

Латур продолжал работать и в шестидесятые годы, создавая прекрасные портреты вроде «Нотариуса Ледегива» (1761) и серии автопортретов.

Последние двадцать лет своей жизни из-за тяжелой болезни работал мало.

В 1766 году Морис Кантен де Латур посетил Голландию с целью ближе ознакомиться с творчеством Рембрандта, Рубенса и других фламандских и голландских живописцев. На протяжении долгой творческой жизни художнику Латуру позировали Вольтер, Руссо, д’Аламбер, король Людовик XV, маркиза Помпадур, Габриэль Бернар де Руэ, художники, актрисы, кардиналы, общественные деятели (портрет философа д’Аламбера, 1753, автопортрет — обе картины в Лувре, Париж).

Лучшими картинами Латура, помимо вышеперечисленных, считаются портреты живописца Рету, проповедника Фиакра, президента де Рио, госпожи Салле, госпожи Буассиер, аббата Леблана, наследной принцессы саксонской, аббата Гюбера, самого художника, госпожи Леконт, Мармонтеля, Сильвии, польской королевы Марии Лещинской и некоторых других. Многие произведения Латура были гравированы выдающимися мастерами 18 столетия.

В последний раз Латур выставлялся в Салоне в 1773 году.

В 1784 году художника перевезли в его родной город Сен-Кантен, где горожане встретили своего знаменитого земляка звоном колоколов.

Но Латур уже не мог на это реагировать.

Через 4 года, в 1788 году, там же, в Сен-Кантене художник скончался.

Художник умер, не составив завещания; его брат передал городу Сен-Кантен все картины и этюды художника, которые составляют основу музея этого города.

В его самых удачных портретах не просто передано сходство с моделью, но во взгляде, улыбке, недовольной гримасе проступает психология модели.

В цветовой гамме преобладают синие и жемчужно-серые тона, часто встречается розовый, красный и желтый.

Все детали старательно прописаны, а фон удачно нюансирован полутонами. Латур изобрел для своих пастелей фиксатор, тайну состава которого никто, кроме него, не знал.

Морис Кантен Латур был личностью значительной. Как и герои его портретов, он воплощал собой черты, типичные для того времени, — независимость суждений, презрение ко всяким условностям, гордое сознание своей талантливости, значимости своей деятельности.

Склонный к теоретическим рассуждениям, как и многие художники XVIII столетия, Латур оставил много ценных мыслей об искусстве.

Особенно интересны его «Размышления о живописи, моем жанре и его трудностях», изложенные в письме к маркизу Мариньи 1 августа 1763 года, где Латур выступает поборником правды, ратует за необходимость изучения природы, натуры, говорит о сложностях портретного искусства.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Статья В. Шалабаевой «де Латур, Морис Кантен» Сто памятных дат. Художественный календарь на 1988 год. М.: Советский художник, 1987.,Работы художника в музеях мира.

Лебедев Клавдий Васильевич(Исторический и бытовой жанр)

1852–1916

Лебедев Клавдий Васильевич(16 [28] октября 1852 — 21 сентября [4 октября] 1916, Москва) — русский художник исторического и бытового жанра, живописец религиозной тематики.

Родился в 1852 году в крестьянской семье.

Обучение живописи проходил в Строгановском училище и Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Василия Григорьевича Перова и Евграфа Семеновича Сорокина.

В 1881 году Лебедев был награжден большой серебряной медалью и получил звание классного художника третьей степени.

Клавдий Васильевич Лебедев писал свои картины в жанре историческом и бытовом, создавал произведения в духе реализма на современные темы и темы русской истории X-XVII столетий.

Оставил большое наследие в виде исторических полотен и акварелей со сценами из «домашнего быта» княжеской и боярской Руси.

С 1877 года Лебедев участвовал в выставках Московского училища живописи, ваяния и зодчества, Петербургской Академии Художеств, Товарищества передвижников.

С 1891 года Клавдий Лебедев стал действующим членом художественного объединения Товарищества передвижных художественных выставок.

В 1893 году принимал участие во Всемирной художественной выставке в Чикаго.

В 1897 году Клавдий Лебедев был удостоен звания академика живописи, в 1906 году избран действительным членом Академии художеств. Лебедев очень много работал по теме церковной и религиозной живописи.

Клавдий Васильевич Лебедев создал иконы для иконостаса болгарской церкви Святого Стефана в Стамбуле.

Совместно с художником Алексеем Ивановичем Корзухиным Лебедев расписывал Вознесенский собор в городе Елец. Более ста созданных художником эскизов и рисунков хранятся в собрании церковно-археологического кабинета Московской духовной академии.

Оригинальные акварели и рисунки Лебедева также хранятся в музее истории религии.

В 1894-1898 годах преподавал в Академии Художеств в Санкт-Петербурге в должности профессора натурного класса, с 1890 года преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

В начале XX века Лебедев иллюстрировал Библию картинами по Священной истории Ветхого Завета. Иллюстрировал русские сказки, сотрудничал с журналами «Живописное обозрение», «Всемирная иллюстрация», «Нива».

Участвовал в иллюстрации книги «Великокняжеская, царская и императорская охота на Руси». Был штатным художником издательства Ивана Дмитриевича Сытина.

Его искусство — это исторические темы в духе реализма.

Его история X—XVII веков пользовалась большой популярностью в прошлом и остаётся не менее интересной в наше время.

Картины живописца можно увидеть в Третьяковской галерее, собрании археологического кабинета Московской духовной академии и в других музеяж
Лебедев Клавдий Васильевич скончался в 1916 году в Москве.

До конца своей жизни живописец оставался верен избранной исторической тематике, а его познания позволяли выполнять работы, не просто высокохудожественно, но и исторически достоверно.

Своими произведениями Лебедев мастерски воспевал красоту русского человека, его духовную силу.

Все его работы пронизаны любовью к России и славной русской истории.   Работы художника на сайте.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, .Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,«Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство «Советская энциклопедия», 1986.

Лебрен Шарль/Le Brun Charles(Классицизм)

1619—1690

Шарль Лебрен (фр. Charles Le Brun, 24 февраля 1619, Париж — 22 февраля 1690, Париж) — французский художник и теоретик искусства, глава французской художественной школы эпохи Людовика XIV.

Родился 24 февраля 1619 года в Париже.В возрасте одиннадцати лет по протекции будущего канцлера Франции Пьера Сегье поступил в ученики к Симону Вуэ.

В возрасте пятнадцати лет выполнял заказы кардинала Ришелье, был замечен признанным мастером Никола Пуссеном, в 1642 отправился вместе с Пуссеном в Рим.

Благодаря стипендии от Сегье Лебрен проработал в Риме, под началом Пуссена, четыре года.

Вернувшись в Париж, Лебрен приобрёл новых влиятельных покровителей, в том числе суперинтенданта финансов Никола Фуке, по заказу которого был написан портрет Анны Австрийской, а затем перешёл на службу к кардиналу Мазарини.

Работая в замке Во-ле-Виконт, Лебрен попал в центр интриг Мазарини, манипулировавшего соперничеством Фуке и Кольбера. Проявив себя в этом «деле» с лучшей стороны, он приобрёл уважение победителя — Кольбера.

Придя к власти, Кольбер среди прочего возглавил многочисленные художественные учреждения и фабрики Франции, на которые опиралось культурное влияние Короля-Солнца.

Лебрен, его протеже, в 1648 году организовал вновь созданную Королевскую академию живописи и скульптуры, в 1660 — Мануфактуру Гобеленов,

директор Королевской мануфактуры гобеленов и мебели (с 1663) в 1666 — действующую по сей день Французскую академию в Риме.

С 1668 года директор Королевской академии живописи и скульптуры.

Лично руководя и Академией, и промышленными цехами, Лебрен непосредственно повлиял на вкусы и мировоззрение целого поколения художников, став важнейшей фигурой «стиля Людовика XIV».

Сам король разделял и поощрял искусство Лебрена, в особенности после триумфальных торжеств 1660 года и завершения интерьеров Во-Ле-Виконт в 1661.

В том же году он заказал Лебрёну серию полотен из истории Александра Македонского; первое же из них принесло художнику дворянство и титул «Первого королевского живописца» (Premier Peintre du Roi), а также пожизненную пенсию.

С 1662 Лебрен контролировал все художественные заказы двора.

Он лично расписывал залы Аполлоновой галереи в Лувре, интерьеры замка Сен-Жермен и Версаля (Военный Зал и Зал Мира).

Подлинный диктатор художественной жизни Франции во второй половине XVII века, Лебрен руководил созданием масштабных декоративных ансамблей Лувра, Версаля и др. (росписи плафонов, картоны для гобеленов, эскизы садовой скульптуры, мебели, светильников и прочее).

В живописи Лебрена характерная для классицизма нормативность композиции, театрализованная патетика сочетаются декоративной пышностью в духе барокко (серия картин «История Александра Македонского», 1660-1668, Лувр, Париж; «Моление о чаше», Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Шарль Лебрен не только руководил Королевской Академией живописи и скульптуры (основана в 1648 году), определяя ее решения и руководя дебатами в ней, но стал в 1671 году также директором Королевского кабинета картин, то есть фактически — первым директором Лувра.

Этот компетентный и умный человек сосредоточил в своих руках огромную власть. Удивительно, что при этом Лебрен оставался также хорошим живописцем.

Своим кумиром он выбрал Пуссена и ту стилевую систему, к которой обязывали его принципы, но как декоратор Лебрен стоял ближе к художнику Пьетро да Кортона.

Вне всякого сомнения, наиболее любопытным произведением Лебрена сегодня представляется «Канцлер Сегье», конный портрет его первого покровителя, изображенного вместе со свитой.

Этот портрет стал объективной и типично французской альтернативой драматизму и динамике интернационального стиля барокко.

В реалистической трактовке данного портрета неожиданным образом проступают сдержанность и цельность, присущие скульптурному барельефу.

Вместе со смертью Кольбера в 1683 году закончилось и «правление» Лебрена.

Преемником стал его соперник, художник Пьер Миньяр, живописная манера которого не намного отличалась от манеры Лебрена, хотя в академических дебатах они всегда занимали противоположные позиции.

«Пуссенизм» отступил только тогда, когда вкусам нового столетия ближе оказалась менее формализованная его альтернатива — «рубенсизм».

С падением Кольбера маркиз де Лувуа, вопреки воле короля, пытался отстранить Лебрена от работы при дворе.

Академия, верная Лебрёну, переизбрала его на новый срок, однако придворные интриги подорвали здоровье стареющего художника и он умер, не успев завершить росписи Версаля, которую доделывал по его эскизам Ноэль Куапель.

Скончался Шарль Лебрен 22 февраля 1690 года в Париже.     Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб.,Работы в музеях мира, 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Сайт Шарля Лебрена.

Лебур Альберт Шарль

1849–1928

Albert-Charles Lebourg; 1 февраля 1849, Монфор-сюр-Риль[fr], Франция — 7 января 1928, Руан) — французский художник-пейзажист, последователь импрессионизма и постимпрессионизма, представитель руанской школы живописи. Кавалер ордена Почётного легиона.
Родился 1 февраля 1849 года в Монфоре. Учился в мастерской архитектора Друэна в Руане, в то же время поевшая городскую Школу живописи и рисунка.

Друэн познакомил Лебура со своим другом, пейзажистом Виктором Деламаром, у которого юноша брал уроки живописи. С этого момента пейзаж стал жизнью и судьбой художника.

В 1867 году Лебур приехал в Париж, где был очарован картинами Курбе и Мане на выставке в Салоне. В его пейзажах отчетливо просматривается влияние этих художников. С 1872 по 1876 год он жил в Алжире, преподавал графическое искусство в местном Обществе изящных искусств.

В эти годы он писал в манере, сходной с импрессионистской. Как впоследствии и Моне, Лебур брал один и тот же мотив и писал его неоднократно, пытаясь передать нюансы состояния.

В 1877 году художник вернулся в Париж, где познакомился с импрессионистами: среди наиболее близких его друзей были Дега, Моне и Сислей. Увидев в Лебуре единомышленника, они пригласили его к участию в выставках группы.

Художник показал свои работы на Четвертой (1879) и Пятой (1880) выставках импрессионистов. В то же время, с 1883 по 1895 год он продолжал выставляться в парижском Салоне.

В период с 1886 по 1895 год Лебур жил поочередно то в Париже, то в Нормандии, писал виды Сены, пейзажи Буживаля, Руана и Онфлера.

В последующие годы он много путешествовал по Европе: побывал в Голландии (1895, 1896, 1897), Англии (1900), Швейцарии (1902).

В 1905 году предпринял поездки в Бордо и Ла Рошель. Результатами этих поездок становились пейзажи, которые год от года приобретали все большую свободу письма.

В 1896 году в парижской Галерее Манчини состоялась большая выставка пейзажей, акварелей и рисунков художника.

В 1900 году он принял участие во Всемирной выставке в Париже. В 1903 году Лебур стал Кавалером ордена Почетного легиона.

В 1918 году в галерее Жоржа Пти состоялась большая ретроспективная выставка его картин.

Живописная карьера Лебура фактически завершилась в 1921 году, когда он перенес удар, последствием которого стал паралич. Он умер в Руане 7 января 1928 года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Albert Lebourg at the Musée d’Orsay, Paris.

Левери Джон(Sir John Lavery)

1856–1941

Сэр Джон Левери (20 марта 1856, Белфаст — 10 января 1941, Килкенни), ирландский художник-портретист.

Джон Левери родился в Белфасте в католической семье, он был сыном обедневшего проповедника. Его отец утонул во время эмиграции в Америку в 1859 году, когда ему было три года, мать умерла вскоре после этого.
Джон был отправлен сначала к родственникам в Северную Ирландию, а затем в Эйршир, Шотландия, где он работал в Глазго учеником фотографа-ретушера вплоть до семнадцати лет. Возможно, именно в фотосалоне и возникла у юноши любовь к рисунку и живописи.
Сначала Левери учился в Шотландии в в Академии Холдена (the Haldane Academy) в Глазго, куда поступил примерно в 1874 году. С 1879 года в возрасте 23 лет он уже считался независимым художником.
С 1879 по 1881 Джон жил в Лондоне, где в течение шести месяцев учился в Школе искусств Heatherley.
Уже весной 1881 г. он отправился в Париж и поступил в Академию Р. Жюлиана.
Впоследствии художник выезжал на плэнер в Шотландии, Англии и Ирландии, но пейзажи, главным образом, связаны с Францией и Танжером, где Левери купил дом.
В 1885 году он вернулся в Глазго, став одним из организаторов и ведущих членов, вместе с Джеймсом Гатри, неофициальной группы художников известной, как «Школа Глазго» (the Glasgow School). Эту группу еще называют «Парни из Глазго» (Glasgow Boys). Работы художников характеризуются отсутствием сюжета, но отличаются большой экспрессией и приверженностью идеалам натурализма
Большой популярности в качестве ведущего портретиста Левери достиг уже в 1880 году, участвуя в выставках в Европе и Америке. Первый крупный успех пришел к художнику в 1886 году после показа на выставке в Королевской Академии в Лондоне его картины «Партия в теннис» (Tennis Party, 1885, Музей Абердин), которая тут же была куплена для своей коллекции Новой Пинакотекой Мюнхена.
В 1889 году Левери женился на Кэтлин МакДермотт, которая спустя два года (1891) умерла от туберкулеза вскоре после рождения дочери Эйлин (1890-1935), позднее леди Семпилл.
Левери очень любил путешествовать. С 1890 г. он часто посещал Марокко, приобретает там дом, много рисует.
В 1896 году переехал в Лондон, где пользовался студией, принадлежащей Альфреду Исту.
В Лондоне он сблизился с Джеймсом МакНиллом Уистлером и оказался под влиянием его творчества. Например, картина «Миссис Фицрой Белл» (1894, Глазго) имеет явные параллели с портретами Уистлера
В Лондоне Левери стал вице-президентом Международного общества, которое было создано в 1897 г. для проведения регулярных международных выставках в Лондоне. Председательствовали в Обществе поочередно Уистлер и Роден. Но участвуя в работе Общества, Левери экспонировал свои работы не только в Лондоне, но и в Париже, Риме и Берлине.
В 1910 году Левери был удостоен персональной выставки на Венецианском Биеннале.
В 1911 году он, наконец, был избран членом Королевской Академии. В этом же году Левери написал серию картин с Анной Павловой.
1917 году два ведущих портретиста Левери и Уильям Орпен были назначены официальными военными художниками, Левери, в частности, английского Королевского флота. Одной из его обязанностей было написать капитуляцию немецкого флота на Rosyth (Fife) в 1918 году.
В том же 1917 году глава бюро пропаганды военного правительства (УВП) Чарльз Мастерман заказал Левери и Орпену портреты британских военных лидеров во Франции.
К сожалению, вскоре после получения приглашения, серьезная автомобильная авария во время во время бомбардировочного налета на Цеппелин помешала ему выполнить этот заказ. Плохое состояние здоровья не позволило художнику поехать во Францию и на Западный фронт. Левери остался в Англии рисовать тыл и писал военные корабли, самолеты и дирижабли.
В 1904 году, во время своей поездки в Бретань, Левери, к тому времени уже вдовец, познакомился с ирландско-американской красавицей Хазель Мартен Трюде (Hazel Martyn Trudeau, 1887–1935), дочерью крупного промышленника из Чикаго ирландского происхождения.

После этой встречи Хазель была помолвлена с каким-то канадским врачом, который умер вскоре после их вступления в брак.

Сердце Хазель было свободно, и в 1909 году (по другим сведениям в 1910) Джон женился во второй раз. Жена родила ему дочь Алису, позже госпожа Алиса Джек МакЕнери.
Хазель сразу стала центральной фигурой в светском обществе Лондона, и Левери часто утверждал, что его успех портретиста отчасти случился благодаря ее авторитету и связям.
После войны Левери был посвящен в рыцари, а в 1921 году был избран академиком Королевской Академии.

В начале Второй мировой войны Джон вернулся на родину и поселился в тихом местечке Килкенни.
В 1940 году мэтр опубликовал свою автобиографию «Жизнь художника» (The Life of a Painter).
Левери продолжал писать картины и участвовать в выставках в Королевской Академии вплоть до своей смерти.
Умер Левери 10 января 1941 года в городке Килкенни в возрасте 84 лет, как написали в некрологе, «от естественных причин», и был похоронен на кладбище Путни Вале (Putney Vale).

Леви Эмиль/Levy Emile(Академизм, исторический жанр)

1826-1890

Эмиль Леви (фр. Émile Lévy; 29 августа 1826 года, Париж — 4 августа 1890 года, там же) — французский художник и иллюстратор, ученик Абель де Пюжоля и Пико.

Эмиль Леви родился 29 августа 1826 года в Париже.

Первоначально обучался живописи в мастерских художников Александра Абеля де Пюжоля и Франсуа-Эдуара Пико, затем проходил обучение в Школе изящных искусств в Париже.

Впервые Эмиль Леви выставил свои картины в Салоне 1848 года.

В 1854 году Леви получил академическую премию Приз де Рома, дающую право продолжения образования в Италии, за картину «Абрахам, моющий ноги ангелам» (Париж, Школа изящных искусств).

В 1855 году картина Леви «Ной, стремящийся в Ханаан», направленная художником из Рима для участия во Всемирной выставке в Париже, была куплена французским правительством.

Эмиль Леви специализировался на изображении в своих картинах античных классических и библейских сюжетов.

Картины живописца Эмиля Леви ценились современниками за привлекательную и мягкую манеру письма, точность пропорций фигур и предметов, изящество поз в духе неоклассического стиля.

Особенно широкую известность Леви принесли картины со старинными пасторальными любовными сценами.

Помимо пасторальных картин, Эмиль Леви также создавал драматические произведения со сценами жестокости и насилия, например, такие полотна как «Смерть Орфея» (1866, Музей Орсэ, Париж) и «Суд Мидаса» (1870, Музей Фабра, Монпелье).

Вследствие своего иудейского воспитания и образа жизни, Леви в своих картинах часто использовал сюжеты из Ветхого Завета, такие как «Рут и Наоми» (1859, Музей изящных искусств, Руан), описывал еврейские ритуалы (картина «Праздник еврейской семьи в средневековье»).

В картинах позднего периода творчества Леви пробовал затронуть более актуальные темы.

Художник писал портреты современников, в основном женщин, изображая знатных светских дам в длинных платьях и драгоценностях, используя смелые насыщенные краски для изображения фона картины.

Леви заслуженно считался одним из лучших представителей новейшей французской живописи.

Своими декоративными работами Леви украсил несколько парижских общественных зданий и богатых частных домов -плафонами и стенными панно.

Скончался Эмиль Леви в Пасси 4 августа 1890 года.   Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира.

Левитан Исаак/Levitan Isaak(Реализм)

1860-1900

Исаак Ильич Левитан (3 (16) октября или 18 (30) августа 1860 — 22 июля (4 августа) 1900) — русский художник еврейского происхождения, мастер «пейзажа настроения».

Исаак Ильич Левитан родился 30 августа 1860 года в небольшом литовском городке Кибарты Ковенской губернии.

Отец его был мелким служащим, семья была большой и жила небогато. В начале 70-х годов Семья Левитана переезжает в Москву, затем скоропостижно скончалась мать Исаака, а спустя непродолжительное время умирает и отец.

Когда Исааку исполнилось 13 лет, он был принят в число учеников Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

В сентябре 1876 года Левитан начинает обучение в пейзажной мастерской А. К. Саврасова, а позже его учителем становится В. Д. Поленов.

Уже в стенах Училища Исаак не только обнаружил огромные способности, но и сумел сказать новое слово в русском пейзаже.

С 18-ти лет начал выставлять свои картины, вскоре обратившие на себя всеобщее внимание.

Благодаря своему таланту и трудолюбию Левитан отлично закончил училище, однако Совет училища отказал ему в присуждении Большой серебряной медали.

После окончания училища Левитан принимал участие в передвижных выставках, его картины пользовались большим успехом.

Был членом “Товарищества передвижников”. Ему удалось преодолеть сценические условности классико-романтического пейзажа, отчасти сохранявшиеся у передвижников.

Необыкновенно восприимчивый к впечатлениям природы, он в своих картинах и акварельных рисунках, передавал поэтическое настроение, возбуждаемое видом ее разнообразных явлений, не пускаясь при этом в отделку подробностей, он верно и смело схватывал в ней то, от чего возникает такое настроение.

Чутко восприняв новации импрессионизма, он, тем не менее, никогда не отдавался чистой, радостной игре света и цвета, пребывая в кругу своих образов, овеянных “мировой тоской”.

Уже ранние работы художника удивительно лиричны (“Осенний день. Сокольники”, 1879).

Именно это его произведение было в 1880 году приобретено Третьяковым , что явилось признанием художественного таланта Левитана.

Помимо пейзажной живописи Левитан также работал над декорациями для Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова.

В 1880-1884 годы Исаак Левитан пишет с натуры в Останкине.
Результатом становятся такие его работы, как «Сосны», «Дубовая роща. Осень», «Дуб».

Зрелый период Левитана как мастера пейзажа-картины, умеющего превратить простой мотив в типический образ России, открывается Березовой рощей (1885 — 1889).

Уже в те годы солнечные полотна иногда уступают место пейзажам, проникнутым трагическим ощущением одиночества, тоски. Левитан был тяжело болен и его не покидала мысль о близкой смерти.

В 1887 году Левитан отправляется на Волгу. Волжская природа дает художнику новые пейзажные сюжеты, появляются полотна «Вечер. Золотой Плёс», «После дождя. Плёс», «Вечер на Волге».

С 1890 по 1895 год Левитаном написаны лучшие его произведения. Это картины «У омута», «Над вечным покоем», «Владимирка». Картину «Владимирка» Исаак Левитан преподнес в дар Третьяковской галерее.

Весной 1894 года художник приезжает в Тверскую губернию, здесь им были написаны такие полотна, как «Весна. Последний снег»,»Март», «Цветущие яблони», «Золотая осень», «Большая дорога. Осенний солнечный день».

В 1898 году Исаак Левитан удостаиватся звания академика пейзажной живописи.

В 1898 году Левитан начинает  преподавание в том самом училище, в котором учился сам.  Он мечтал создать Дом пейзажей — большую мастерскую, в которой могли бы работать все русские пейзажисты.

Его картины с успехом демонстрируются на Всемирной выставке в Париже, на выставке в Мюнхене.

Но вскоре здоровье Левитана резко ухудшается, лечение за границей мало помогает. 4 августа 1900 года Исаак Левитан скончался.

Свою последнюю большую картину художник назвал “Озеро, Русь”. Широкая гладь воды отражает облака, освещенные солнцем.

На дальнем берегу, насколько видит глаз, поля, деревушки, купола церквей. Все в картине — солнце, ветер, несущиеся облака — пронизано ощущением счастья. Трудно поверить, что это полотно писал умирающий художник.

Левитан прожил всего сорок лет, однако,вобрав в себя все лучшие стороны Серова, Коровина, Остроухова и целого ряда других своих друзей, он смог из всех этих элементов создать свой собственный стиль, который явился вместе с тем и стилем русского пейзажа, по справедливости названного “левитановским”. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Сайт художника,  Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г,Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Исаак Левитан. , Воспоминания современников о Левитане (Александр Бенуа, Сергей Дурылин, Мария Чехова, Антон Чехов, Фёдор Шаляпин, Константин Коровин), Художник Исаак Левитан. (Картины, биография, творчество.

Лега Сильвестро/Lega Silvestro(Маккьяйоли)

1826—1895

Сильвестро Лега (итал. Silvestro Lega; 8 декабря 1826, Модильяна — 21 сентября 1895, Флоренция) — итальянский художник, один из главных представителей движения маккьяйоли.

Сильвестро Лега родился в Модильяне в семье землевладельца. С 1838 года учился в колледже ордена пиаристов, где проявил большую склонность к рисованию.

В 1843 году переехал во Флоренцию, где учился в Академии художеств в классе Э. Полластрини и занимался в студиях Л. Муссини и А. Чизери.

В 1848—49 гг. принимал участие в движении Рисорджименто, воевал в Тоскане и Ломбардии, был последователем идей философа и политика Джузеппе Мадзини.

Вернувшись во Флоренцию в 1850 году Лега продолжил обучение в Академии художеств у Дж. Беццуолли.

Получил серебряную медаль за картину «Давид, играющий перед Саулом». В конце 1850-х годов сблизился с Джованни Фаттори, Телемако Синьорини и Адриано Чечони, составив вместе с ними основу движения маккьяйоли, выступавших против академического стиля в искусстве.

Сильвестро Лега в середине 1850-х гг. пытался работать в монументальной живописи, расписал церкви в Тредоццо (1856) и Модильяне (1857), где чувствуется влияние романтизма.

В 1861 году во Флоренции прошла Всеитальянская выставка, где Лега показал созданные в конце 1850-х гг. работы на сюжеты из событий борьбы за объединение Италии — «Засада берсальеров в Ломбардии» (1859—61, «Генерал Гарибальди в Варезе в славные дни 26 мая» (1859), «Итальянские берсальеры, ведущие пленных австрийцев» (ок. 1860).

Лега получил вторую премию выставки, сделав важный вклад в развитие исторического жанра итальянской живописи.

С 1961 года Лега работал на пленэре на берегу реки Арно. Он писал в основном пейзажи, жанровые сцены, зарисовки с натуры, уделяя особое внимание изображению атмосферы света и воздуха.

Тогда были написаны картины «Красный зонтик» (1860-е), «Крестьянская идиллия» (1861), «Прогулка в саду» (1862), «Беседка» (1864), «Партия в крокет» (1862—67), «После обеда» (1868), «Романтическое чтение» (1870).

Лега с помощью ярких красочных пятен пытался передать живописность тосканской природы. Бытовые жанровые картины Лега близки к веризму и бидермайеру — «Пение скворца» (ок. 1867), «Женщина в кухне» (1870).

После 1872 года Сильвестро Лега практически прекратил занятия живописью из за резкого ухудшения зрения.

Он не смог заниматься и преподаванием.

В 1875 году Лега попытался создать во Флоренции галерею современного искусства, но не нашёл финансовой поддержки. Знакомство с творчеством импрессионистов подвигла Лега снова заняться живопись.

В 1880—85 гг. Лега жил в Белларива, а в 1886—96 гг. — в Габбро. Тогда он написал пейзажи «Сад в Белларива» (1882), «Церковь Св. Кристины в Габбро» (1880), портреты знакомых «Элеонора Томасси в саду» (1885), «Паола Бандини в саду» (1893), художника П. Номеллини (1889), скульптора Р. Карниелло, (1873), дона Джованни Верита (1885) и крестьян «Девочка из Габбро» (1886—96), «Прядильщица» (1885).
Художник скончался 21 сентября 1895года в возрасте 68 лет во Флоренции, где и был похоронен.

Пейзажи и портреты Лега отличаются яркой декоративностью и чёткой контрастностью.

Его творчество оказало большое влияние на развитие итальянского веризма. Полотна Лега в настоящее время находятся в основном в частных коллекциях, а также в галереи Питти во Флоренции, галерее Брера и Галерее современного искусства Милана, городском музее Форли.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира.

Ле Дантю Михаил Васильевич/Le Dantue(Русский кубизм и примитивизм)

1891–1917

Михаил Васильевич Ле-Дантю (Ледантю, Лё-Дантю, Le Dantue) (8 февраля 1891 — 25 августа 1917) — русский художник, представитель кубизма и примитивизма..

Михаил Васильевич Ле-Дантю принадлежит к числу живописцев, сумевших за молниеносно-краткий жизненный срок, отпущенный ему судьбой, в полной мере реализовать свой дар, стать истинным художником, мастером.

Родился 8 февраля 1891 года. В 1908 году Михаил Васильевич закончил реальное училище.

Страсть к рисованию, проявившаяся в три года привела молодого человека сначала в студию Я.Я. Ционглинского, затем — Вернштейна, а через год, летом 1909, он поступил в Академию художеств.

Возмужание Ле-Дантю как личности и как художника шло очень стремительно, словно в предчувствии недолгого жизненного пути.

Студент Ле-Дантю тесно сблизился с группой художников, образовавших «Союз молодежи», энергично ищущих новых дорог в искусстве, стремящихся к творчеству, адекватному народившемуся 20 веку.

В январе 1912 года Ле-Дантю решился на важный шаг — он порвал с Академией художеств; уехав в Москву, вместе со своими новыми друзьями участвует в подготовке знаменитой, эпатажной выставки «Ослиный хвост», где молодые талантливые бунтари М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Шевченко, С.М. Романович и другие выступают с невиданными, варварски-яркими полотнами, близкими по стилистике к фольклорному искусству примитиву.

В 1910-е годы, первоначально сосредоточенное во Франции, развитие кубизма охватило многие страны Европы. Важную роль в пропаганде этого течения в живописи сыграла книга-манифест Глеза и Метценже «О кубизме».

Не избежал модного увлечения и молодой Ле Дантю. В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда». Ряд крупных российских авангардистов, — Аристарх Васильевич Лентулов, Любовь Сергеевна Попова, Надежда Андреевна Удальцова, — учились в 1911-1913 годах в парижской Академии «Ла Палетт» у Лефоконье и Метценже.

Вместе с этими и рядом других художников-кубистов Михаил Ле Дантю участвовал в работе художественного объединения «Бубновый валет», ведущего свое начало от одноименной выставки, организованной в 1910 году в Москве.

Большое влияние на формирование творческого стиля Михаила Васильевича Ле Дантю оказала также полугодовая поезка в Тифлис в 1912 году, в дом родителей его друга — грузинского художника и будущего историка искусства Кирилла Зданевича.

Там Михаил Ле Дантю обратил внимание на работы неизвестного художника-самоучки Нико Пиросманишвили, картины и вывески которого украшали стены грузинских магазинов, харчевен и пивных.

Необычайно интенсивны в биографии художника предвоенные годы: он участвовал в выставках, углубленно изучал древнее и примитивное искусство, занимаясь в музее Археологического института, писал теоретические работы, читал лекции и выступал на диспутах.

С 1914 года художника начали привлекать задачи воплощения категории времени на двухмерной плоскости холста, введения «четвертого измерения» в живопись — близость к исканиям футуристов демонстрирует полотно «Поворот автомобиля» (Орловская картинная галерея), где быстрота, динамика технического чуда 20 века нашли выражение в центростремительной разлетающейся композиции, чей ритм создает осязательное впечатление крутого виража на большой скорости.

Ле-Дантю обладал огромным влиянием на окружающих; его талант, ум и преданность искусству создали вокруг него круг единомышленников-почитателей — среди них нельзя не назвать литератора и типографа Илью Зданевича, художников Н.Ф. Лапшина, В.М.Ермолаеву.

Осенью 1915 года на квартире В.М. Ермолаевой устраивается выставка почти всех произведений Ле-Дантю, его первая и последняя по настоящее время выставка. Той же осенью Михаила Васильевича мобилизуют на военную службу, и после нескольких месяцев обучения во Владимирском пехотном училище прапорщика Ле-Дантю отправляют на фронт, на передовые позиции. В окопах первой мировой войны он проводит последние месяцы своей жизни.

Наиболее известной работой художника Ле Дантю считается картина «Сазандар», являющаяся портретом играющего грузинского музыканта.

Михаил Васильевич Ле Дантю ушел из жизни преждевременно,25 августа 1917 года он погиб во время катастрофы военного эшелона.

Памяти Михаила Ле-Дантю Илья Зданевич посвятил пятую пьесу своей известной пенталогии «питерка дейстф аслаабличья» — «ЛидантЮ фАрам».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Михаил Ледантю на сайте www.artru.info.

Лейбль Вильгельм/Leibl Wilhelm(Романтизм,импрессионизм)

1844–1900

Вильгельм Мария Хубертус Лейбль (нем. Wilhelm Maria Hubertus Leibl; 23 октября 1844, Кёльн — 4 декабря 1900, Вюрцбург) — немецкий художник, выдающийся представитель немецкого реализма.

Вильгельм Мария Хубертус Лейбль (нем. Wilhelm Maria Hubertus Leibl;) родился 23 октября 1844года в Кёльне в семье капельмейстера Кёльнского собора Карла Лейбля. Первые уроки живописи Вильгельм получил у польского живописца Германна Беккера, у которого обучался с 1861-1864 годы.

В 1864 году Лейбль поступил в мюнхенскую Академию изобразительных искусств, где познакомился с Хиртом, Хайдером и Шперлем. Его наставниками были Германн Аншюц, Александр Штреубер и Артур Георг фон Рамберг, а с 1868 года —Карл Теодор фон Пилоти.

В 1869 году у художника в Мюнхене появляется мастерская, в которой он работает совместно с художниками Теодором Альтом, Рудольфом Хиртом дю Френе и Иоганном Шперлем.

Ранний период творчества Вильгельма Лейбля отмечен влиянием французской реалистической живописи, в частности работ Густава Курбе («Критики», 1867-1868, частное собрание; портрет Пала Синеи-Мерше, 1869, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Старая парижанка», 1869; «Кокотка», 1870 — обе в Музее Вальраф-Ри харц, Кёльн).

Одной из лучших работ раннего периода творчества Лейбля считается «Портрет госпожи Гедон», благодаря которому он обрёл друга в лице Гюстава Курбе. Работа была выставлена художником на Всемирной выставке в Мюнхене в 1869 году.

В том же году Лейбль переехал в Париж, где впоследствии написал свою знаменитую «Кокотку»(Юную парижанку) (Кельн,музей Вальраф-Рихарц).

Творчество Курбе привлекало внимание Лейбля ,прежде всего, своими реалистическими работами. В Париже Лейбль познакомился также с работами Эдуара Мане, и пришёл в восхищение от его творчества. В 1870-1873 годах Вильгельм Лейбль вновь живет в Мюнхене.

Именно здесь в 1870 году происходит объединение вокруг Лейбля художников, исповедовавшие схожие с ним взгляды, в так называемый «Кружок Лейбля». Это были Вильгельм Трюбнер, Карл Шух, Теодор Альт, Карл Хайдер, периодами также Ганс Тома.

В 1872 году Лейбль пишет свою первую большую многофигурную композицию — «Общество за столом».
Зрелый период творчества художника отмечен влиянием старых немецких мастеров («Жительницы Дахау в трактире», 1874-1875, Национальная галерея Берлин-Далем; «Неравная пара», 1876-1877, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне; «Деревенские политики», 1876-1877).

С 1873 года Лейбль отдалился от мюнхенской культурной жизни и проживал с художником Иоганном Шперлем в Берблинге и Бад-Айблинге в Верхней Баварии. Он много и плодотворно пишет в это время.

В 1876-1877 Лейбль написал картину «Деревенские политики» (Винтертур, собрание Оскара Рейнхарта) — первое в его творчестве изображение крестьянского быта, в котором законченный реализм каждой детали свидетельствует о творческой зрелости художника.

Его картины, написанные в Верхней Баварии, не имеют ничего общего с идиллией или радостью повествования и изображают человека в естественной среде обитания без прикрас.
Избегая острой социальной тематики, художник правдиво изображал крестьян, баварских девушек, привлекая серебристой тональной живописью. В 1892 году Лейбль получил профессорское звание.
Лейбль также охотно писал портреты «Лина Кирхдорфер» и «Вильгельм Трюбнер» (1871—1872, оба портрета в Собрании Оскара Райнхарта, Винтертур), портрет художника Затлера с собакой (1870), портрет белокурой крестьянки (1876, обе картины — Новая Пинакотека, Мюнхен).

Вильгельм Лейбль был прекрасным рисовальщиком, но никогда не делал на холсте предварительных рисунков.

Начиная обычно с самых ответственных, по его мнению, деталей портрета: лба и глаз, затем он тщательно перемешивал краски на палитре и наносил их твердо и энергично на холст ровным слоем, пользуясь при этом либо широкими мазками одного цвета, либо легкими мазками разных оттенков.

Его работы отличались высокой материальностью форм и тонким чувством цвета.
Поздние работы Вильгельма Лейбля написаны в свободной импрессионистической манере живописи,распространявшейся в то время Германии когда локальный свет переходит в новое живописное качество под влиянием пленэрных рефлексов (портрет ветеринара Рейндля, 1890; Новая пинакотека, Мюнхен; «Прядильщица», 1892, Музей изобразительных искусств, Лейпциг; «В кухне», 1898; «Девушка у окна», 1899 — обе в Музее Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн).

Вильгельм Лейбль скончался 4 декабря 1900 года в возрасте 56 лет в Вюрцбурге, где и был похоронен.

Вильгельм Мария Хубертус Лейбль вошёл в историю мировой живописи, как один из крупнейших реалистов 19 столетия.

Творческое наследие Лейбля представлено главным образом портретами и сюжетными картинами со сценами быта немецких крестьян, в которых исключительно правдиво переданы цельные и яркие образы.

Наряду с Менцелем,Вильгельм Лейбль является самым значительным представителем немецкой реалистической живописи XIX века.    Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб, ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г, Работы художника на Wikimedia Commons .

Лейден Лукас/Leyden Lucas(Северный Ренессанс)

1494-1533

Лукас ван Лейден, Лука Лейденский, Лукас Хюйгенс (нидерл. Lucas van Leyden) (Лейден 1494 — Лейден,1533) — нидерландский живописец и гравёр.
Родился в 1494 году в Лейдене.
Учился живописи сначала у своего отца Хуге Якобса (работы последнего до настоящего времени не сохранились), потом у Корнелиса Энгелбректса .

Очень рано овладел искусством гравюры и работал в Лейдене и Мидделбурге.

Карел ван Мандер сообщает о том, что Лукас был неутомимым художником, который в детстве раздражал свою мать, так как он расходовал много свечей, рисуя долгие часы после наступления темноты.

Также её тревожило, что, слишком много работая, сын подрывал своё здоровье. По словам ван Мандера, ещё мальчиком он общался только с другими молодыми художниками, гравёрами по стеклу и ювелирами.

Как рассказывает ван Мандер, за акварель с изображением святого Хуберта Лукас получил от некоего Йохана ван Локхорста из Лейдена (ум. в 1510 году) по 1 золотому флорину за каждые из своих 12 лет. Начав работать профессионально в молодом возрасте, несмотря на раннюю смерть, он оставил значительное творческое наследие.

В своих картинах художник Лука Лейденский стремился сочетать правдивость и точность передачи отдельных фигур и деталей с созданием целостной, жизненно-выразительной сцены, с ощущением жизни как сложного, динамичного и противоречивого явления.

Где Лукас изучал искусство гравирования, неизвестно. Мотивы для своих гравюр и картин, перерабатывая их, он брал у Маркантонио Раймонди. Он очень быстро стал первоклассным гравёром: самое раннее из известных произведений Лукаса («Магомет и монах Сергий») датируется 1508 годом, тогда ему было приблизительно 14 лет, однако в этой работе не обнаруживается никаких следов незрелости.

В 1514 году Лукас вошёл в гильдию живописцев Лейдена. Он побывал в Антверпене в 1521 году, в то время, когда по Нидерландам путешествовал Альбрехт Дюрер. В 1527 году Лукас побывал в Мидделбурге, встретившись там с Мабузе.

Непрерывный ряд датированных гравюр позволяет проследить за развитием Лукаса как мастера графики на протяжении всей его жизни. Одним из тех, кто оказал наибольшее влияние на Лукаса, был Дюрер.

В 1522 году художник вступил в гильдию святого Луки в Антверпене, затем вернулся в Лейден, где умер в 1533 году.
Сохранилось семнадцать живописных работ Лукаса, ещё двадцать семь известны из описаний Карела ван Мандера, а также по современным копиям или графическим работам Яна де Бишопа, выполненным в конце XVII века.

Макс Фридлендер в своей работе, посвящённой Лукасу не определил ясной закономерности в развитии его стиля, в значительной степени потому, что в круг его произведений были включены некоторые картины, атрибуции которых позднее признаны ошибочными.

Четыре основных этапа творчества художника выделяет Элис Лоутон Смит: ранние композиции с поясными фигурами (1506—1512), появление в произведениях Лукаса пейзажей (1512—1520), влияние антверпенской живописи (1521—1525) и поздние работы (1525—1531) — многофигурные композиции на фоне лесных пейзажей (например, «Исцеление Иерихонского слепца»).

Лука Лейденский писал жанровые сцены (“Игра в шахматы”, около 1510, Картинная галерея, Берлин-Далем), замечательные по жизненной свежести портреты (автопортрет, около 1514, Музей герцога Ульриха, Брауншвейг).

Присущие искусству Луки Лейденского элементы карнавальности, красочность, жизнелюбивая искренность проявились и в его позднем творчестве, когда он обращался к приемам романизма (“Исцеление иерихонского слепца”, 1531, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Живописные работы Лукаса ван Лейдена ценятся не так высоко, как его графические работы, но он, несомненно, был одним из выдающихся нидерландских художников своего времени.Он считается одним из первых художников Нидерландов, обращавшихся к жанровой живописи.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г. Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Works by Lucas van Leyden at the Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa.

Лейкерт Шарль Анри Жозеф/Charles Henri Joseph Leickert(Реализм)

1816–1907

Charles Henri Joseph Leickert (1816–1907) Шарль Анри Жозеф Лейкерт — бельгийский художник, мастер голландского пейзажа, специализировался в основном на изображении городских ландшафтов.

Шарль Анри Жозеф Лейкерт родился 22 сентября 1816 года ,в Брюсселе ,Бельгия.

Еще ребенком он перебрался в Гаагу, где поступил в Академию изящных искусств.

В Академии юный Лейкерт изучал живопись и рисование, беря частные уроки у таких известных в то время художников, как Бартоломеус ван Хове, Вейнанд Нёйден и Андреас Схелфхаут.

Влияние Вейнанда Нёйдена на творчество Лейкерта особенно заметно в пристрастии последнего к живописным городским ландшафтам, оживленным такими характерными деталями как сушка белья в прачечной (Городской ландшафт, 1860; Гаага).

Зимние темы в пейзажах Лейкерта, такие, как «Зимний пейзаж за городом» (1850, Амстердам), напоминают работы Андреаса Схелфхаута.

В использовании света,как средства обеспечения структуры композиции, Шарль Лейкерт превзошёл мастерство своего учителя, но в изображении льда ,техника и мастерства Схелфхаута остались для него недостижимы.

Шарль Лейкерт всегда уделял в своих работах большое внимание тончайшим нюансам вечернего и утреннего неба, а также театральным представлениям облаков. Именно это делало его работы особенно реалистичными.

Лейкерт писал преимущественно пейзажи,в том числе и городские, особенно предпочитал изображать зимние ландшафты.

Почти все свои работы художник написал в Нидерландах.

Он много и плодотворно работал, и был исключительно плодовитым художником, часто, в силу разных обстоятельств, повторяя себя.

В 1841—1848 годах Лейкерт жил и работал в Гааге.

К гаагскому периоду творчества Шарля Лейкерта относятся его лучшие работы. В 1849 году художник переехал в Амстердам, где жил и работал до 1883 года.

В 1856 году Шарль Анри Жозеф Лейкерт становится членом Королевской академии искусств Амстердама. Это была заслуженная оценка его мастерства.

Начиная с 1860 года качество работ Лейкерта сильно упало.

Он начал многократно повторять собственные произведения(написанные им
зимние городские пейзажи Хаастрехта и Роттердама (1871), фактически идентичны), и по причине злоупотребления алкоголем, его владение кистью стало менее качественным.

Однако, нельзя не отметить, что в лучшие свои творческие годы, художнику удалось написать несколько поистине блестящих городских, водных и зимних пейзажей, относящихся к вершинам голландского романтизма.

Именно к таким работам относится и знаменитый «Городской пейзаж», экспонирующийся в Государственном Эрмитаже С-Петербурга.

В конце жизни Шарль Лейкерт совершил путешествия по Италии, Франции и Германии.

В возрасте 71 года Шарль Лейкерт переехал в немецкмй Майнц, где провёл последние годы своей жизни.

Шарль Анри Жозеф Лейкерт скончался 5 декабря 1907 г. в возрасте 91 года в Майнце, где и был похоронен.

Значительную часть наследия Шарля Лейкерта составляют эскизы, выполненные им в импрессионистском стиле.

В городском музее Майнца хранится основная часть его творческого наследия в виде альбомов и рисунков.     Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,Картины художника в музеях мира.

Лейстер Юдифь Янс/Judith Jans Leyster(Барокко)

1609-1660

Юдифь Янс Лейстер (нидерл. Judith Jans Leyster) — нидерландская художница.
Юдифь Лейстер родилась 28 июля 1609 года в Харлеме в семье портного. Первое профессиональное обучение прошла в мастерской караваджиста из Утрехта Хенрика Тербрюггена.

В 1629 году Лейстер начала посещать мастерскую Франса Хальса в Харлеме. Влияние этих живописцев на творчество Юдифь Лейстер очень чувствовалось в последующих работах художницы.

Утрехтские карававаджисты всегда выступали против абсолютно далёких от жизни принципов академизма, призывали обратить внимание к обыденной действительности, к каждодневному быту простых людей.

Обращая особое внимание к проблеме передачи света в своих картинах, утрехтским караваджистам удавалось придавать своим полотнам особую жизненность, создавать атмосферу реального присутствия в изображаемых интерьерах.

Сознательно нарушая возведённую академизмом границу между зрителем и Великим искусством, они как бы устанавливали незримый контакт между моделями их картин и наблюдающими за ними зрителями.

Всё это с успехом применяла в дальнейшем в своём творчестве Юдифь Лейстер. Сюжеты её работ отличала мягкость и утончённая женственность. Особенно близкими по духу и творческому темпераменту художницы оказались эксперименты с эффектами света и тени.

Умело используя в своей работе особенности изображения предметов при разном освещении, Лейстер удалось добиться выдающихся результатов.
Во многом, благодаря этому в 1633 году Юдифь Лейстер была принята в Гильдию Святого Луки — союз художников Харлема, что характеризовало её как первоклассного мастера, поскольку женщин принимали в Гильдию крайне неохотно, и такие случаи были единичны.

Юдифь Лейстер была очень успешной художницей, владела собственной мастерской, куда набирала учеников.

Если ранние, утрехтские, работы художницы полностью соответствовали художественным принципам утрехтских караваджистов (полуфигурные изображения Гераклита и Демокрита, Собрание Дюгтерен в Арнеме), то с переездом в Харлем живописная манера Лейстер изменилась.

Период 1629-1635 годов был самым плодотворным в творчестве Лейстер. Именно в это время художница создала большинство своих полотен. В её работах, портретах, натюрмортах и жанровых сценах кроме влияния манеры Франса Хальса заметно также и влияние манеры манеры её брата, художника Дирка Лейстера.

Подобно им художница изображала оживлённые жанровые сцены, сюжеты которых были очень популярны в кругах голландской буржуазии того времени.

Отличительной особенностью творчества Юдифь Лейстер является также большое количество детских изображений, написанных с искренней теплотой и любовью.
На рубеже 20-30 годов Лейстер написала несколько работ, свидетельствовавших о её сильном увлечении творчеством Франса Хальса.

Этому способствовали и личные мотивы. В 1636 году художница связала свою судьбу с Я. М. Моленаром, жанровым живописцем, учеником Франса Хальса и стала ярой последовательницей Хальса.

Юдифь Лейстер настолько хорошо усвоила живописные особенности письма своего великого педагога, с его широким смелым мазком,и непревзойдённым искусством свето-тени, что и сегодня некоторые произведения художницы вызывают ожесточённые споры относительно истинного авторства(считаются принадлежащими кисти Хальса).

Вскоре после своего замужества Лейстер вместе с семьёй переезжает в Амстердам. Её творчество переживает ещё один перелом. Вместо хальсовской манеры письма в её работах этого периода чувствуется влияние творчества Вермеера, хотя главенствующим в её творчестве по-прежнему остаётся жанровый портрет.
Период жизни в Амстердаме был очень сложным для Лейстер.

Помимо забот, связанных с воспитанием детей , на её плечи легли ещё и заботы по управлению семейным бизнесом, так как муж был полностью занят выполнением поступавших заказов.

В 1649 году Лейстер с семьёй вернулась в родной город. До наших дней почти не дошли поздние произведения художницы. Это свидетельствует о том, что в силу определённых причин, в последние годы жизни Лейстер, вероятно, вообще прекратила заниматься живописью.

Юдифь Янс Лейстер скончалась от простудного заболевания 18 февраля 1660 года в возрасте 50 лет в Харлеме, где и была похоронена.
Для истории искусства Юдифь Янс Лейстер осталась прежде всего верным последователем Франса Хальса.

Если сравнивать художественное наследие Юдифь Лейстер с наследием Франса Хальса, то несомненно, при всём нашем уважении к ней, Лейстер представляет собой явление совершенно иного масштаба, чем Хальс.

Она была исключительно талантливым подражателем, которой удавалось развивать идеи других. Голландская живопись того времени представлена многими подобными мастерами.Эта уникальная плеяда живописцев в дальнейшем получила название «малые голландцы».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Работы художницы в музеях мира, Works and literature on Judith Leyster.

Лейтон Фредерик/Leighton Frederick(Академизм)

1830–1896

Барон Фредерик Лейтон (англ. Frederic Leighton, 3 декабря 1830 — 25 января 1896) — английский художник, яркий представитель викторианского академизма (салонного искусства), в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.

Фредерик Лейтон родился 31 декабря 1830 года в Скарборо, графство Йоркшир.

Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед был придворным врачом российского императора Александра I.

Лейтоны имели довольно большое состояние, что позволяло им путешествовать по всей Европе. Фредерик Лейтон начал рисовать с девяти лет.

В 1842 году он поступил в Берлинскую академию искусств, а после окончания продолжил обучение во Франкфурте. Еще через три года его приняли в Академию художеств во Флоренции.
В 1850 году он вместе с семьей вновь оказался во Франкфурте и наконец-то смог завершить учебу. В Германии Лейтон приступил к работе над первыми масштабными полотнами (это были сцены из жизни итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия).

В 1852 году Лейтон предпринял первое в своей жизни самостоятельное путешествие. В ноябре этого года он посетил Рим.

В 1855 году в Риме он завершил работу над своей «Мадонной Чимабуэ» и отослал ее в Лондон, на выставку Королевской Академии. Картина получила хвалебные отзывы и была приобретена королевой Викторией за 600 гиней.

О Лейтоне заговорили в артистических кругах Англии. После этого успеха художник переехал в Париж.

Посетив в 1855 году Всемирную выставку в Париже, Лейтон влюбился в этот город. Следующие три года с небольшими перерывами,он провел здесь, совершенствуя свое мастерство.
В 1857 году Лейтон переехал в Алжир. Он увлёкся восточной культурой, и восточные мотивы стали часто появляться в его работах.

В дальнейшем он посетил Сирию, Египет, Турцию, но «экзотическое путешествие» 1857 года произвело на него самое сильное впечатление.

В 1859 году Фредерик Лейтон возвращается в Англию, где одну из его работ приобретает принц Уэльский.

Более того, в лице августейшей особы, художник обретает не только престижного клиента, но и верного друга. Популярность художника стала стремительно расти, и он стал получать заказы от самых богатых и влиятельных англичан.

Фредерик Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур.

Он часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника.

Лейтон обладал большим даром рисовальщика.
Уже в начале 1860-х годов его ежегодный доход составлял около 4000 фунтов стерлингов- очень значительная сумма по тем временам,и в 1864 году Фредерик Лейтон становится обладателем раскошного особняка в столице Британии.

В 1864 году положение Лейтона еще более упрочилось — он стал членом Королевской Академии.

Интересы художника не ограничивались живописью, он очень любил классическую музыку, с увлечением организовывал любительские концерты.

В 1869 году Лейтона назначили инспектором художественных школ при Королевской Академии. Он продолжает много писать.

Наиболее значительным произведением, созданным Лейтоном в эти годы, стали две фрески «по индустриальным мотивам» , находящиеся в настоящее время в Лондонском музее Виктории и Альберта.

В 1878 году Фредерика Лейтона избрали президентом Королевской Академии и наградили французским орденом Почетного легиона. Тогда же ему был присвоен дворянский титул.

В 1880 году правительство Италии предложило художнику прислать свой автопортрет для уникальной коллекции автопортретов знаменитых живописцев, экспонируемой ныне в галерее Уффици.

А в 1896 году, перед самой смертью, Фредерик Лейтон первым из британских художников удостоился титула барона.

25 января 1896 года Фредерик Лейтон скончался.

Гроб с телом Великого живописца выставили в Королевской Академии, а 3 февраля Лейтона со всеми почестями похоронили в лондонском соборе святого Павла.

Этот мир покинул величайший художник своего времени, но его прекрасные картины остались с нами в память о нём и его удивительном времени. Дом-музей Фредерика Лейтона.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Leighton Gallery at MuseumSyndicate, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Frederic-Leighton, 114 works by Frederic Leighton,

Лембесис Полихронис/греч.Πολυχρόνης Λεμπέσης(Портрет, иконография)

1848-1913

Полихронис Лембесис(греч.Πολυχρόνης Λεμπέσης)— один из самых значительных греческих художников «Мюнхенской школы» греческой живописи.
Лембесис Полихронис родился 18 декабря 1848 года на острове Салпмина в семье беженцев из Беотии, приехавших на остров в годы освободительной войны.

Саламин — это крупнейший из Саронических островов Греции, расположенный недалеко от Афин.
Любовь к рисованию у Полихрониса проявилась в детстве. Маленький мальчик много времени проводил в саламинском монастыре Фанеромени, расписанном в 1735 году выдающимся иконописцем византийской школы Георгисом Марку из Аргоса.

Маленький Полихронис часами разглядывал многочисленные изображения святых , которыми были покрыты внутренние покои, испытывая при этом глубокие чувства восторга и душевного трепета от увиденного.

Почти вся православная иконография, представавшая перед глазами будущего живописца не могла оставить его равнодушным.Эмоциональное потрясение от увиденного Лембресис сохранил в дальнейшем на всю жизнь.

Родители видели увлечение Полихрониса рисованием, и не препятствовали этому. Первоначальное художественное образование Лембесис получил в Афинах.

Педагоги оценили художественный талант Лембесиса и настоятельно рекомендовали ему продолжить своё обучение.

Для этого требовались немалые средства, которых у родителей Полихрониса не было. Помог случай… Другом и одноклассником Лембесиса по афинской художественной школе оказался сын известного в то время политика Д.Вулгариса, который и посодействовал решению вопроса о выделении Лембресису стипендии для продолжения образования.

Лембресису были выделены средства для дальнейшего обучения в Мюнхенской Академии изящных искусств — одной из известнейших и старейших художественных школ (академий) Германии. Педагогом в Академии у Полихрониса Лембесиса стал Николаос Гизис.

В 1880 году Лембресис вернулся в Афины и поселился в столичном районе Тисио. Он много и плодотворно работает. Пишет многочисленные пейзажи, к которых с удивительной непосредственность показывает национальный «греческий характер», не теряя объекты в пространстве и не идеализируя их( Малышка на траве (Афины, Коллекция Калканиса).

Лембесис также много работает в портретном жанре и приобретает известность , как первоклассный портретист.

Его портреты отличались выразительной свободой и тонкой передачей характера. Обилие заказов от зажиточных горожан греческой столицы способствовало некоторому улучшению его финансового положения.

Он с успехом портретирует членов известных и уважаемых фамилий греческой столицы: Капсалисов, Сантаросов, Серпьерисов, Левидисов и многих других. Одновременно с этим его приглашают учителем рисования к детям будущего премьер-министра Греции С. Драгумиса.

В 1900 году Полихронис Лембесис двумя своими работами участвует во Всемирной выставке в Париже, а в 1903 году выставляет ряд своих работ на международной выставке в Афинах.

И там и там художник получает очень благосклонные отзывы критиков на свои работы.

Полихронис Лембесис был одним из очень немногих греческих художников, обучавшихся в Западной Европе и занимавшихся иконографией.

Очень значительными являются работы Лембесиса в церквях Святых Феодоров на Первом кладбище, Святого Константина в Пирее, Богородицы в Ампелакиа на Саламине, «Рождество» в церкви Богородицы в Ампелакия Саламины и «Платитера тон уранон» (Икона Божией Матери «Знамение») в церкви Святого Георгия в Каритси.

В последующие годы творческая активность художника снижается и в афинских выставках 1908 и 1910 годов художник участвовал исключительно старыми своими работами.
В последние годы жизни имя Лембесиса было практически забыто современниками, заказы поступать перестали и художник почти перестал заниматься живописью.

Последними написанными им работами являются Святой Минас и Святая Лавра в церкви Святого Минаса на Саламине, датируемые 1909 годом.

Испытывая нужду, будучи в психологически и морально подавленном состоянии от творческой неудовлетворённости и преждевременно состарившийся, Лембесис тихо проводил последние годы своей жизни в своём домике в Тисио всеми забытый и покинутый.

Полихронис Лембесис скончался 12 сентября 1913 года в возрасте 64 лет в Афинах, где и был похоронен.

Лембресис умер в полной нищете, и для его похорон даже пришлось распродавать его имущество: а рынке в Пирее местным рыбакам и бакалейщику были проданы все принадлежавшие художнику картины по цене 2 — 5 драхм каждая.

Вырученной суммы с трудом хватило для организации похорон.Сообщение о смерти Лембесиса было отмечено мелким шрифтом в одной пирейской газете и двух художественных журналах.

Имя художника было вновь открыто любителям живописи в 60-х годах прошлого столетия, когда по его творчеству было написано несколько монографий, а в марте 1963 года в Саламине местное общнство «Еврипид» организовало выставку-ретроспективу работ Полихрониса Лембесиса.

Вместе с росписями в церквях Афин, Пирея и Саламины, число дошедших до нас работ художника не превышает ста.

Некоторые из наиболее известных его работ экспонируются в Национальной художественной галерея (Афины) (Обнажённая, Мальчик с кроликами, Племянница художника, Портрет брата), Галерее Э. Авероф в Мецово (Девочка с голубями)и в Фонде Теллоглио в македонской столице (Хулиган).

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М, ООО”Оникс”,2005г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г.,Τραγικότητα χωρίς μύθο.

Леммен Жорж/Georges Lemmen(Неоимпрессионизм)

1865—1916

Жорж Леммен родился 25 ноября 1865 года в бельгийском городке Схарбек(недалеко от Брюсселя) в семье известного архитектора.

Родители мальчика всячески культивировали в семье любовь к искусству, и, заметив у маленького Жоржа талант к рисованию, организовали его обучение в специальной школе рисования.

В девятилетнем возрасте Жорж Леммен впервые принял участие в брюссельской выставке Изобразительных искусств.

Работы юного художника остались практически не замеченными, но впечатления от первой своей выставки , Леммен сохранил на всю жизнь.

В период с 1877 по 1883 годы Жорж Леммен регулярно принимает участие в выставочной деятельности различных салонов Гента, Брюсселя и Антверпена.
В 1878 году Леммен сдаёт экзамены и поступает в Академию Изобразительных искусств.

В начале 1880-х годов юный Леммен познакомился с работами Дега и Тулуз-Лотрека. Мальчик был поражён мастерством исполнения увиденных полотен, и в дальнейшем творчество этих живописцев оказало на Леммена большое влияние.

В 1883-1884 годах, учась в Академии, Жорж Леммен подвергается влиянию творчества Кнопффа, писателей-символистов и английских прерафаэлитов.

Персонажи своих первых работ Леммен изображал в спокойной домашней обстановке, у них ,как правило, отсутствующий взгляд, и сами они выглядят нематериальными, потусторонними.

Начиная с 1885 года стиль художника меняется — чувствуется влияние творчества Тулуз-Лотрека и Дега. Палитра художника становится светлее, а сами полотна более выразительными, полными житейского натурализма.

Много внимания в своём творчестве Жорж Леммен уделял портретной живописи. Ему очень нравилось работать в этом жанре. Его портреты , это не просто красиво написанные лица, а работы, предпочтение в которых отдаётся невидимому в образе портретируемого, его душе.

В 1888 году Жорж Леммен присоединился к художественному обществу «Les Vingt»(фр. Двадцатка), широко известному, как «Общество XX»,
группе художников, дизайнеров и скульпторов, организованной в 1883-м году адвокатом Октавом Маусом (Octave Maus).

Среди членов «Общества XX» находились такие выдающиеся художники, как Жорж Сёра, Камиль Писсарро, Джеймс Уистлер и многие другие. Здесь Жорж Леммен познакомился с живописцем Тео ван Рейссельберге.Это знакомство открыло для художника такое течение в живописи, как неоимпрессионизм.

В эти годы художник много и плодотворно работает. Он пишет многочисленные виды Мааса, конные соревнования, флотилии, ярмарки, портреты, пейзажи, в том числе на морскую тему.

Неоимпрессионизм всецело захватил художника, и с этого момента Леммен начал писать исключительно в стиле пуантилизма, изобретенного Жоржем Сёра в результате увлечения им своей теорией цвета.

Наиболее известная работа Жоржа Леммена этого периода – «Пляж в Хейсте». Резкие контрастные цвета в «Пляже в Хейсте» нанесены типичными пунктирными мазками, свойственными неоимпрессионизму.

Леммен неоднократно бывал в Хейсте ,популярном прибрежном курортном городке в Западной Фландрии недалеко от границы с Нидерландами. Многие прибрежные сцены на других картинах Леммена писались художником на натуре в Хейсте, месте, где часто работали и другие бельгийские художники того времени.

Художник участвовал в выставках Салона Независимых в Париже, выставлялся в других городах. Он продолжал писать пуантилистическим способом вплоть до 1895 года, после чего разочаровавшись в нём решает оставить пуантилизм, чтобы внести свой вклад в развитие бельгийского ар-нуво.

Картина «Две сестры»(1894 год) — одно из последних произведений, написанных Лемменом в названной манере. Мастер наносит краску на холст, используя не мазки, а точки или квадраты разного размера, положенные друг на друга.

В основе этого художественного принципа лежал оптический прием, когда с определенного расстояния глаз зрителя воспринимал образ целиком, соединяя микроэлементы картины.

Жорж Леммен создал множество книжных иллюстраций, несколько картин для вышивания, плакатов, керамических изделий, ковров, рисунков, пастельных и гуашевых работ в этом стиле.

До конца своей жизни, несмотря на всеобщее признание, Жорж Леммен всегда оставался недоволен своей работой. Ему было стыдно показывать другим свои работы, он всегда считал их художественно несовершенными. А еще он сожалел о том, что не сумел обеспечить достойной жизни своим жене и детям.

Жорж Леммен скончался 5 июля 1916 года в возрасте 50 лет в бельгийском городе Уккел, где и был похоронен.

Творчество художника испытало влияние различных направлений: символизм, прерафаэлитизм, декоративно-прикладное искусство, ар-нуво.

Но ближе всего его сердцу оказалась техника знаменитого тогда пуантилизма, в этом стиле Жорж Леммен проработал свой самый большой художественный период, оставив нам с вами прекрасное художественное наследие.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Работы художника на Wikimedia Commons.

Лемуан Франсуа/Lemoyne Francois(Классицизм, исторический жанр)

1688-1737

Франсуа Лемуан, также Франсуа Ле-Мойн (фр. François Lemoyne; François Le Moine; 1688, Париж — 4 июня 1737, Париж) — французский художник эпохи рококо.

Франсуа Лемуан, также Франсуа Ле-Мойн (фр. François Lemoyne; François Le Moine), знаменитый французский живописец и рисовальщик первой половины 18 века родился 14 июня 1688 года в Париже в семье кучера при французском королевском дворе.

Первым учителем рисования маленького Франсуа был его отчим Роберт ле Врак.
В 1701 году 13-и летний Франсуа поступил в Королевскую Академию живописи и скульптуры в класс Луи Галлоша(Louis Galloche, 24 августа 1670 — 21 июля 1761), а спустя шесть лет перешёл в класс Робера Турньера (Robert Tournieres, 1667 — 1752). Обучение Лемуана в Академии длилось до 1713 года.

Стоит отметить, что в 1711 году за картину «Вооз и Руфь» (Booz et Ruth), Лемуану была присуждена Римская премия, дававшая право посещения Рима с последующим пребыванием в Италии за счёт средств, выделяемых Академией, однако а связи с отсутствием средств, премия Лемуану выплачена не была.

В 1718 году Франсуа Лемуан получил звание академика за картину «Геркулес и Какус» (Париж, Музей Лувра).

После этого популярность Лемуана начала стремительно рости и он начал получать заказы на циклы монументальных работ: сцены, посвященные жизни Иисуса Христа для монастыря в Амьене (1715—1720, ныне — Санс, Синодальный дворец), эскиз плафона Королевского банка в Париже — Олимп (1718, Париж, Музей декоративных искусств).

В 1722 году Франсуа Лемуан познакомился с Франсуа Берже, оказавшим сильное влияние на его творчество.

В 1723—1724 оба молодых художника совершили длительное учебное путешествие по Италии, посетив Рим, Болонью, Неаполь и Венецию. Пробыв в Италии около года, Лемуан вернулся в Париж, где открыл свою мастерскую и стал вести жизнь свободного художника.

Среди его учеников в разное время были Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Донат Нонотт и Лоран Карс.

Знакомство с произведениями С. Риччи и А. Пелегрини, а также поездка в Италию оказали заметное влияние на живописную манеру Лемуана: колорит его работ стал светлее, цвета — более сочными, фактура красочного слоя сделалась густой, и наполненной светом(Геркулес и Омфала, 1723, Париж, Лувр; Преображение, 1723, Париж, церковь Св. Фомы Аквинского; Мадонна во славе 1731—1732, Париж, церковь Сен-Сюльпис).

Художник много работал в Версале, написал для ратуши большую композицию Аврора и Кефал (1724); для зала Мира в Версальском дворце аллегорию Людовик XV, дарующий мир Европе (1728—1729), выполненную под влиянием Рубенса.

В 1727 году Лемуан был удостоен должности адъюнкт-профессора Академии, а в 1733 году был избран профессором.

В 1727 году на конкурсе исторических полотен,объявленном в Академии, Франсуа Лемуан разделил первое место с Жаном-Франсуа де Труа (Jean-François de Troy, 1679 – 1752).

В 1728 году художник получил заказ Людовика XV на роспись потолочного плафона для Салона Эркюль в Версальском дворце и в течение трех лет, начиная с 1733 года, работал над этой росписью, названной «Апофеоз Геракла».

Лемуан покрыл большое пространство потолка мифологическими сюжетами и персонажами , а сами фигуры, как и цветовая гамма росписи, были выполнены в стиле рококо.

«Апофеоз Геракла» был завершен в декабре 1736 года, и за эту работу Людовик XV сразу же присвоил Лемуану звание Первого придворного живописца.

Работая над «геркулесовским плафоном» Франсуа Лемуан тяжело заболел — у него проявилась крайне тяжёлая форма шизофрении.

Физическое переутомление от напряженной работы над заказом и постоянные придворные интриги завистников при дворце ,а также смерть любимой жены сильно повлияли на здоровье художника и довели его до безумия.

4 июня 1737 года, через несколько часов после завершения работы над картиной «Время, охраняющее Правду от Лжи и Зависти» (Time Saving Truth from Falsehood and Envy, 1737, коллекция Уоллеса, Лондон), во время параноидального приступа, Франсуа Лемуан покончил жизнь самоубийством, заколов себя девятью ударами кинжала.

Тело художника было в тот же день предано земле в Париже.

В своих монументальных произведениях Франсуа Лемуан стремился следовать существовавшим традициям «большого стиля» XVII в., однако в несколько смягченном варианте, без его величавой строгости, приспосабливаясь к вкусам двора.

Станковые картины Лемуана напоминают работы А. Ватто. Они написаны в светлых тонах, наполнены красивыми дамами и изящными кавалерами в роскошных нарядных туалетах, или посвящены любовным похождений героев мифологии: Нарцисс (1728, Гамбург, Кунстхалле), Венера и Адонис (1729, Лондон, собрание Уоллес). Эти работы создавались для того, чтобы радовать глаз и развлекать, они прекрасно вписывались в нарядные интерьеры дворцов придворной знати.

Прихотливый рококо становился главенствующим стилем эпохи и живопись Лемуана стремилась соответствовать ему.

Один из самых утончённых живописцев 18 века, Франсуа Лемуан предопределил своим творчеством принципы декоративной живописи Франции эпохи рококо.

Историки называют художника одним из ведущих мастеров французской декоративной живописи 18 века. После смерти Лемуана мода на большие аллегорические потолки прошла…. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы Франсуа Лемуана в музее Пола Гетти.

Ленен Луи и его братья/Le Nain Louis(Классицизм, жанровые сцены)

1593–1648

Луи Ленена(Le Nain Louis) и его братьев Антуана Ленена (Le Nain Antoine)и Матье Ленена(Mathieu Le Nain)-французские живописцы.

Все трое родились в городке Лан, расположенном в Пикардии, на севере Франции в зажиточной и достаточно просвященной семье; но достоверно подтверждена только дата рождения младшего из блатьев Ленен ,Матье Ленена — 1607 год, датами рождения Антуана Ленена и Луи Ленена принято считать 1588 год и 1593 годы соответственно.

Их отец, Исаак Ленен , происходил из семьи земледельцев и виноградарей в окрестностях Лана; он купил должность королевского сержанта соляного амбара (1595) и владел многими домами, виноградниками, лугами и лесами в Лане и окрестностях. Из пяти братьев трое младших стали художниками.

Обучение братьев Ленен живописи началось в 1626 году, когда они в течение года брали уроки у одного проезжего художника.

В дальнейшем Антуан Ленен, будучи старшим, сам взялся за обучение младших братьев. В 1629 году Антуан Ленен с братьями переехал в Париж, где его вскоре зачислили в сен-жерменскую корпорацию художников.

С 1629 года братья Ленен имели общую мастерскую в Париже, писали групповые портреты на медных досках («Семейный портрет», 1642, Музей Лувр, Париж), сцены из крестьянской жизни, в которых по особенному преподносили обыденные явления, придавали фигурам торжественную значительность, наделяли образы крестьян высоким чувством собственного достоинства («Возвращение с сенокоса», 1641, «Кузница», «Трапеза крестьян», 1642, — все в Лувре, Париж; «Семейство молочницы», 1640-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Мастерская, где трудились три брата,постепенно стала знаменитой.

В 1632 году братья получили заказ от города Парижа на «Портрет эшевенов» (до наших дней не сохранился).

До 1643 Матье Ленен работал над портретом королевы Анны Австрийской (до наших дней не сохранился).

Затем они расписывали капеллу Марии в Сен-Жермен-де-Пре (ансамбль погиб во время Революции) и создавали алтарные картины для четырех капелл собора Парижской Богоматери.

В 1648 году все трое удостоились чести быть принятыми в Королевскую Академию живописи и скульптуры, что являлось большим успехом для того времени.
Луи Ленен был наиболее талантливым из трех братьев.

Начальные уроки живописи он получил у брата Антуана, и его первые самостоятельные работы трудно выделить из множества совместно написанных ими картин.

Находясь под впечатлением творчества старшего брата, в 20-х годах Луи Ленен создаёт работы «Юные музыкан­ты» и «Мастерская художника» с типично фламандским подходом к решению темы.

В 30-х годах Луи Ленен посетил Италию и испытал воздействие модного там тогда течения — караваджизма. Вернувшись с запасом ярких, свежих впечат­лений, он сознательно обратился к монументализации своих жанровых работ.

Простые и обыденные сюжеты, получали в его исполнении особую значитель­ность, живописную красоту и торжественность. «Воз­вращение с сенокоса» (1641), «Трапеза крестьян» (1642), «Остановка всадника», «Посещение бабушки» (1642), «Семья молочницы» — наиболее удачные полотна Луи Ленена.

Все эти работы отличает чёткость и продуманность композиции с вполне ощутимым контрастом между воздушностью изображённого пейзажа и ощутимой материальностью фигур, вынесенных на передний план.

Точный рисунок, национальный типаж персонажей и размеренное спокойствие общей эмоциональной атмосферы кар­тин являлись основными особенностями творческой манеры Луи Ленена.

В образах крестьян,изображённых на его работах напрочь отсутствовали гру­бость и слащавая идеализация. Его герои — серьезные люди, тру­женики с честными открытыми лицами и подкупающей уверенной нето­ропливостью в движениях. Их манеры полны достоинства, в облике угадывается сознание собственной силы.

Трактовка крестьянского образа Луи Лененом была достаточно смелой и новаторской по тем временам. Мир крестьян Ленена — это не мир униженных и оскорбленных, нет ни тени заби­тости, житейской подавленности.

Наоборот, ясно чувствуется внутреннее бла­городство, огромная человечность при полной художе­ственной убедительности.
Ленен был подлинным реалистом, , активно и творче­ски показывавшим окружающий мир.

Портреты кисти Луи Ленена — «Портрет маркизы Фарбен Янсон», «Портрет мальчика» — просты и бесхитростны, религиозные композиции носят ярко выраженный жанровый характер. Не­многочисленные пейзажи отличаются верностью наблюде­ния, некоторой интимностью восприятия природы и удивительным и неподражаемым мастерством передачи серебристого, прозрачного воздуха.

Луи Ленен внезапно скончался 24 мая 1648 года. Спустя два дня умер старший брат Антуан.

Матье Ленен , будучи единственным наследником братьев становится владельцем большого состояния. Матье Ленен постепенно прекращает занятие живописью, а с 1662 года после получения ленты ордена Святого Михаила, что приравнивалось к получению дворянского звания всячески стремится больше не вспоминать о своем прежнем ремесле и не иметь ничего общего с памятью о братьях.

Творческое наследие братьев Ленен основано на пятнадцати подписанных и датированных периодом 1640-1647 год полотнах.

Портретные работы братьев Ленен в их творческом наследии представлены крайне слабо. Известно лишь несколько достоверных портретов, разных по формату и манере: «Маркиз де Тревиль» (1644 год, частное собрание), «Портрет пожилой дамы»(копия с оригинала,, 1644 год, музей Кальве, Авиньон) и «Мужской поясной портрет» (1644 год, музей Ле Пюи).

Лучшей же частью творчества братьев Ленен являются крестьянские жанровые полотна , разные по манере и качеству. Наиболее известные работы — «Крестьянское семейство» (Музей Лувра, Париж) и «Трапеза крестьян» (1642 год, музей Лувра, Париж).
Наиболее ценное достоинство картин братьев Ленен — богатство колорита, чувство цвета. Их излюбленная гамма строится на сочетаниях спокойных серых, коричневых и белых цветов с небольшими вкраплениями более ярких красок.

Такую мягкость тона, прозрачность, такую выразительность фактуры можно встретить лишь у очень одаренных колористов Работали в близкой манере, подписывались одной фамилией, поэтому их работы с трудом поддаются различению.

Более известен Луи Ленен , ему приписывают преобладающую часть картин из крестьянской жизни. Преобладающую часть миниатюр приписывают Антуану Ленену, портреты — Матье Ленену, который стал официальным художником города Парижа (1633) .

Творчество братьев Ленен заново открыл в середине XIX в. писатель и историк искусства Жюль Шанфлёри. Их работы повлияли на творчество Г.Курбе, дружившего с Шанфлери.

Почти забытые с конца XVIII в., сегодня братья Ленен стоят в ряду величайших французских живописцев.   Работы художников на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, В. Шалабаева Сто памятных дат. Художественный календарь на 1988 год. М.: Советский художник, 1987год., Работы художников на Web Gallery of Art.

Леонардо да Винчи

1452–1519

Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции.

Первые годы жизни Леонардо провел вместе с матерью.

Его отец Пьеро вскоре забрал своего трехлетнего сына на воспитание. Леонардо не имел фамилии в современном смысле; «да Винчи» означает просто «(родом) из городка Винчи».

Полное его имя — итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, то есть «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».

Существует легенда о начале пути великого художника. К отцу Леонардо будто бы обратился крестьянин. Он передал нотариусу круглый щит из фигового дерева и попросил найти художника, способного расписать этот щит. Пьеро не стал искать специалиста и поручил работу сыну.

Леонардо написал на щите медузу. Ошеломлённый отец после этого отправил Леонардо 14-ти лет учиться к лучшему живописцу Тосканы, Андреа дель Верроккьо. У него Леонардо обучился гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки.

Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.

Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов.

Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем.

Тогда Леонардо было 24 года, но после этого периода, о его жизни известно очень мало, но, предположительно, у него была собственная мастерская во Флоренции в 1476–1481 годах. У Леонардо было много друзей и учеников. Что же касается любовных отношений, достоверных сведений на этот счёт нет.

По некоторым версиям, у Леонардо была связь с Чечилией Галлерани, фавориткой Лодовико Моро, с которой он написал свою знаменитую картину «Дама с горностаем». Во Франции , куда Леонардо, переехал, он почти не рисовал.

У мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи.

Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. 2 мая 1519 года он скончался в окружении учеников и своих шедевров в Кло-Люсе. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз.

На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».

Леписье Николя -Бернар/Lepicie Nicolas-Bernard(Гравюра, портрет)

1735 — 1784

ЛЕПИСЬЕ Никола -Бернар Lepicie, Nicolas-Bemard. (1735, Париж — 1784,Париж)- французский художник.
Николя-Бернар Леписье родился 16 июня 1735 года в Париже в семье известных французских художников-гравёров того времени Франсуа-Бернара Леписье(1698 — 1755) и Рене Элизабет Марлье (1714—1773).

Франсуа-Бернар Леписье с 1737 года являлся секретарём и историографом Королевской академии живописи и скульптуры , а в 1754 году опубликовал каталог картин, принадлежащих королевскому двору, с историческими справками о каждой работе и краткими биографиями художников.

Художественная и культурная среда в которой прошло детство Николя-Бернара сформировала художественный вкус будущего художника и однозначно определила будущую профессию юноши. Учителем и наставником Николя -Бернара Леписье был великий Карл Ванлоо.

В 1769 году Николя-Бернар Леписье был принят в Королевскую Академию живописи и скульптуры в Париже. Три года спустя, в 1772 году, он стал доцентом Академии , а в 1777 году, профессором.

Выдающиеся мастера того времени: Карл Верне , Жан-Фредерик Шаля, Жан-Антуан-Теодор Giroust , Жан-Жозеф Taillasson , Анри-Пьер Danloux , Жан-Батист Рено и Николя-Антуан Таунай и многие другие совершенствовали своё художественное мастерство под его руководством.
Своей известностью Николя-Бернар Леписье обязан, главным образом, портретам и жанровым сценам,

Два направления жанровой живописи превалировали в творчестве художника: исторические сцены, которые стали основными, начиная с 1767 года, и семейные сцены, к которым художник обращался в начале своей творческой деятельности.

Ранние произведения Леписье отличаются светлым колоритом и мощной пастозной фактурой со сверкающими бликами. В этих работах чувствуется влияние творчества Ванлоо(«Мученичество святого Андрея»,1771, монастырь Сен-Рикье, близ Аббевиля).
Более поздним композициям Леписье свойственна близость принципам неоклассицизма, однако по своему оформлению эти работы еще верны традиции светлой живописи Буше или де Труа («Нарцисс», 1771, «Адонис», 1782, исполнены для Малого Трианона в Версале).

Во многих работах Леписье также чувствуется влияние творчества друга отца художника , талантливого Шардена , чьи темы были источником вдохновения для нескольких последних картин художника.

Жанровые работы Николя-Бернара Леписье полны спокойного реализма, тёплых тонов , гармоничного изящества и пластичности действующих персонажей.

Кроме этого, отличительной особенностью работ Леписье было особое отношение к деталям, высмеивание их, и стремление придать даже некоторую анекдотичность изображению («Пробуждение Фаншон», 1773, Сент-Омер, музей; «Точильщик», Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

В конце своего творчества Леписье большее предпочтение отдавал городским и деревенским сценам, что невольно перекликалось с творчеством Давида Тенирса («Таможня», 1775, Лугано, собрание Тиссен-Борнемиса; «Двор на ферме», 1784, Париж, Лувр).

Николя-Бернар Леписье создал целую галерею портретов художников и их близких, яркое место в которой принадлежит чудесному изображению Карла Верне, сына его близкого друга.

Творчество Леписье вызывало много споров среди критиков того времени.Многочисленные отзывы содержали от восторженного восхищения до полного отрицания.

Среди наиболее известных критиков его творчества был философ и художественный критик Дени Дидро.Приговор Дидро был жестоким: он гласил, что Леписье не обладает ни воображением, ни проникновенностью, чтобы поднять жанровую живопись на должную высоту.

В 1767 г. Дидро порекомендовал ему оставить жанровые темы: „Они требуют влечения к правде, совершенно Вам чуждого. Скорее уж … не делайте ничего». Не удивительно, что трогательный маленький шедевр Юный рисовальщик, написанный чуть позже, появился на выставке только спустя двенадцать лет после выхода статьи Дидро.

Пик популярности Николя-Бернара Леписье пришёлся на 70-е годы 18 века, когда его работы сравнивали с творениями великого Шардена и Греза.

Всю свою жизнь Николя-Бернар Леписье прожил в Париже, где и скончался 15 сентября 1784 года в возрасте 49 лет.

При всей неоднозначности его творчества, многочисленное художественное наследие художника с успехом экспонируемое в наши дни во многих музеях мира даёт нам полное представление о великом таланте и могучем творческом потенциале этого величайшего французского живописца.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.Работы художника в музеях мира.

Лепин Станислас Виктор Эдуард/Stanislas Victor Edouard Lepine (Импрессионизм)

1835–1892

Stanislas Victor Edouard Lépine, 23 октября 1835, Кан (Нормандия) — 29 сентября 1892, Париж) — французский художник, специализировавшийся на пейзажах, особенно видах Сены, которую писал всю свою жизнь.

Художник родился 23 октября 1835 года во французском городе Кан в семье ремесленника.

В начале своего творческого пути он учился живописи самостоятельно, но после знакомства в 1839 году с Камилем Коро стал его учеником.
Творчество Камиля Коро вдохновляло Станисласа , как, впрочем, и многих других художников того времени.

Любимой темой Лепина стала Сена, которую он в дальнейшем писал на протяжении всей своей жизни.

Период 1860-х годов в творчестве Лепина отмечен влиянием на содержание его пейзажей и его живописную манеру Йонгкинда.

Любимые сюжеты Лепина в это время — речные пейзажи с проплывающими по реке судами. Ему особенно хорошо удаётся показывать колебания воды и воздуха, что делает сюжеты особенно трогательными и запоминающимися.

Темы и манера исполнения его работ этого периода опережают творчество импрессионистов, они выполнены в более сдержанной цветовой гамме и в более строгой манере письма.

Впервые Станислас Лепин экспонировал свои работы в парижском Салоне 1859 года.
Лепин особенно преуспел в жанре городского пейзажа, достоверно и искусно воссоздавая атмосферу старого Парижа, его очаровательных улочек, и в особенности, уголков Монмартра, где он жил.

Станислас Лепин преимущественно изображал пасмурные виды,ему особенно удавалось многообразие серой гаммы.

В 1873 году живописец стал членом Анонимного общества художников, живописцев, скульпторов и граверов.

Спустя год он выставил свои работы на Первой выставке группы, в дальнейшем названной импрессионистами, хотя и не входил в число участников группы.

Творчество Лепина всегда были чужды живописные новации импрессионистов он никогда не экспериментировал с цветом, оставаясь мастером нюанса.

В 1886 году художник участвовал в выставке, устроенной Дюран-Рюэлем в США, а в 1889 году его пейзажи были выставлены на Всемирной выставке в Париже.

Станислас Лепин очень любил Париж. Виды Парижа и его окрестностей послужили темами многих его работ, но умиротворённость и неброский колорит его пейзажей не привлекали коллекционеров.

При жизни художника , его работы оставались не востребованными, получая негативные отзывы критиков.

Картины Станисласа Лепина, чуждые эпатажу и не отвечающие входящим в моду течениям живописи, не привлекли внимания и арт-дилеров.

Станислас Виктор Эдуар Лепин скоропостижно скончался 29 сентября 1892 года в Париже в полной нищете. Многочисленным друзьям художника пришлось собирать средства, чтобы похоронить его.

Потребовались годы, чтобы по достоинству оценить творческое наследие этого замечательного и самобытного художника.

Его многочисленные работы, демонстрируемые в наше время в экспозициях многих мировых художественных музеев, неизменно вызывают живой интерес и заслуженное внимание любителей живописи по всему миру.  Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.
Stanislas Lépine — Rehs Galleries’ biography on the artist and an image of his painting Navires au Porte (c.1860-65).

Лесер Генри Виктор/Henry Victor Lesur(Портретная,жанровая живопись)

1863–1900

Лесер Генри Виктор — известный французский живописец,специализировавшийся на портретах, жанровые сценах в костюмах, и декорации.

Генри Виктор Лесер родился 28 апреля 1863 года в Рубе семье торговца. Рано проявил интерес к живописи. Прошёл обучение в мастерской Франсуа Фламенга, тогдашнего профессора в Школе изящных искусств в Париже. Фламенг обратил внимание на талантливого ученика, и Лесер под опекой Мастера получил хорошую академическую подготовку.

Фламенг сыграл важную роль в формировании стиля и манеры письма своего ученика, а также привил ему любовь к детализации изображаемых объектов, к доскональной проработке мельчайших деталей костюмов изображаемых персонажей.
Генри Виктор Лесер дебютировал в Салоне в 1887 году с картиной » Saint Louis, Enfant Distribuant des Aumônes» (молодой Сент-Луис роздаёт милостыню).
Работа получила хорошие рецензии, и Лесер был удостоен медали в третьем классе, что явилось несомненным успехом для молодого художника и впечатляющим дебютом. В этом же году Лесер выигрывает грант, предоставляющий право заграничного путешествия.

На протяжении периода 1880-х годов и 1890-х годов Генри Виктор Лесер неоднократно выставлял свои работы в парижском Салоне. Необходимо отметить, что большинство выставляемых работ были портретами,

Эти портреты, учитывая выдающийся талант Лесера и несомненное мастерство в передаче заявленной темы давно минувших эпох с их великолепием и величием, нашли должный отклик среди представителей тогдашней французской буржуазии, стремившейся к гламурным и идеализированные формам самопроявления.

Среди портретов Лесера, представленных в разное в Салоне следует выделить портрет M.J. de Stirling Дайс (портрет M.J. de Stirling Дайс), салон 1888; портрет де М.М. Caplain (портрет М.М. Caplain) салон 1890 г.; портрет de M. Alfred Loreau (портрет м. Альфред Loreau) и Député-дю-Луаре (депутат от Луаре), салон 1892; и, наконец, портрет де мадемуазель Ванда де Бонча…(портрет мадемуазель. Wanda de Бонча), работа выставленная в Салоне в 1895 году.

Критика всегда с интересом встречала произведения художника, талант и мастерство которого и в дальнейшем неоднократно отмечались наградами и премиями.

Это был бурный период в развитии Франции. Реализм продолжал быть руководящим принципом работы многих художников, но некоторым художникам начинали надоедать угнетающие образы, заполонившие многочисленные экспозиции и полотна живописцев.Любители живописи с ностальгией вспоминали изображения романтики и веселья искусства 18-го века наполнявшие работы Ватто, Буше и Фрагонара.

Одним из таких художников был Генри Виктор Лесер, который изображал на своих полотнах повседневную жизнь французской столицы через легкомыслие прошлого, чьи образы напоминали эпоху былой роскоши и времена всеобщего веселья.

Большинство персонажей на полотнах Лесера — это красивые женщины и красивые мужчины, одетые в роскошные костюмы 18 века. Одежды персонажей, изображённых на полотнах выполнены из дорогого атласа и шелка, которые переливаются и блестят на солнце, создавая праздничное настроение .

Что бы не делали персонажи работ Лесера: беседовали в саду , прогуливались по улицам, шли по рыночным рядам или выбирали цветы, всё они делают с видимым удовольствием. На лицах героев Лесера напрочь отсутствует печаль, страх, неудовольствие и неудовлетворённость, герои Лесера веселы, беспечны и довольны жизнью.

Картины художника полны яркого цвета и наполнены солнечным светом.
В 1889 и 1900 годах Лесер был удостоен бронзовых медалей за участие в экспозициях на Всемирных выставках Universelles.

Последний раз Лесес выставлялся в Салоне в 1885 году.

Скончался Генри Виктор Лесер 18 ноября 1900 года в результате простудного заболевания в Париже, где и был похоронен.

Художнику было всего 37 лет.

В период индустриализации и модернизма, Лесер своими композициями сумел заглянуть в прошлое и показать период истории , лишенным осложнений и катаклизмов.

Он использовал тему восемнадцатого века для создания причудливых образов, которые помогали его зрителям перенестись в мифическое прошлое.
Художник умер , но его работы остались в память о нём и о той прекрасной Франции и том удивительном Париже, виды которого он с таким упоением изображал на своих полотнах. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.

Лесли Джордж Данлоп/George Dunlop Leslie

1835–1921

Джордж Данлоп Лесли (1835 – 1921) — английский жанровый художник, писатель и иллюстратор.

Джордж Данлоп Лесли родился 2 июня 1835 года в Лондоне, в семье известного живописца Чарльза Роберта Лесли.

Дядя Джорджа Роберт Лесли был морским художником.

Джордж Лесли учился живописи сначала в Художественной Академии Кэрри , а с 1854 — в Королевской академии искусств. Его первая выставка в Академии состоялась в 1859 году,и в дальнейшем он выставлялся там ежегодно.

После окончания Академии Лесли жил на улице Джонс Вуд (Лондон) и был частью группы «Клика Сент Джонс Вуда», группы художников,которые в творчестве отдавали предпочтение беззаботным сюжетам.

Эта группа викторианской художников получила свое имя по названию исторического района в северо-западной части Лондона Сент-Джонс-Вуд, где многие из них жили в то время.

Этот район города до сих пор считается одним из самых дорогих и престижных. Слово «Клика» (The Clique) было заимствовано из названия еще одной группы английских художников – их предшественников, основанной Ричардом Даддом.

Клика имела характерные идеи отказа от академического искусства в пользу бытового жанра и была непримиримым противником прерафаэлитов, считая их искусство эксцентричным и примитивистским.

В 1884 году Джордж Лесли переехал в Валлингфорд-на-Темзе, где он жил на берегу реки.

Его сестра Мария Лесли, также была художницей и жила по соседству.

Ранние работы Джорджа Данлопа Лесли были созданы под влиянием творчества прерафаэлитов, но затем он отошёл от их принципов и в своих работах стал демонстрировать жанровые сценки из английский сельской жизни.

Он перешёл к более академическому и эстетическому стилю живописи с целью показать «сцены из радужной стороны жизни английской семьи».

Лесли часто писал детей — они всегда были главными действующими лицами его жанровых работ. Он никогда не писал парадных портретов, так как всегда был противником статичных изображений.

Он делал всё, чтобы понравиться зрителям: изображал в своих картинах симпатичных девочек, красивых девушек с цветами, уютную, мирную жизнь в английских домах и садах.

Джордж Данлоп Лесли был женат на Лидии Лесли.

У них была дочь Алиса (изображенная на картине художника «Алиса в стране чудес»),и сын Питер Лесли, который также стал художником.

Среди друзей и знакомых Лесли был сэр Эдвин Ландсир, Фредерик Генри Уокер и Стейси Маркс.

Умер Джордж Данлоп Лесли 21 февраля 1921 года в возрасте 85 лет в Сассексе, где и был похоронен.

Картины Джорджа Данлопа Лесли имеют огромную популярность и в наши дни , главным образом, за то, что он писал их с большим мастерством, кропотливо вырисовывая детали и удивительно точно показывая характер героев своих полотен.

В июне 2000 года картина Лесли, которая висела незамеченной в течение 40 лет в школе в Южном Уэльсе, была продана за £ 170 000 в частную коллекцию .

Средства, собранные были использованы для финансирования столь необходимых строительных работ в этой школе. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Работы художника в музеях мира, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Paintings by Leslie (Art Renewal Center Museum).

Лесли Чарльз Роберт/Charles Robert Leslie

1794-1859

Чарльза Роберта Лесли — английский жанровый живописец.

Чарльз Роберт Лесли родился 19 октября 1794 года близ Лондона в семье часовщика из Филадельфии.
Его родители-американцы увезли мальчика с собой в 1799 году в Филадельфию, и намеревались подготовить его к карьере торговца книгами.

Однака,юный Лесли выказывал большие способности и влечение к живописи, вследствие чего друзья доставили ему в 1811 г. средства для возвращения в Англию и поступления учеником в Королевскую Академию художеств, что он и сделал в 1813 году.

В начале своего творчества Лесли подражал Б. Вэсту и Фюзели и написал в героическом стиле последнего «Убийство, из Макбета», «Саула у аендорской волшебницы» и «Смерть Рютленда».

После посещения в 1817 году Парижа, Брюсселя и Антверпена, Лесли стал изображать почти исключительно юмористические жанровые сцены в духе Вильки.

В 1826 году Чарльз Роберт Лесли был избран в члены лондонской Академии.

В 1827 году Лесли был избран в Национальную академию дизайна как почетный академик.

В 1833 году Лесли отправился в Америку, дабы занять место преподавателя рисования в военной академии в Вест-Пойнте, но через несколько месяцев отказался от этой должности и вернулся назад в Лондон.

Жанровые картины Лесли, сюжеты для которых он брал преимущественно из сочинений знаменитых писателей (Шекспира, Сервантеса, Мольера, Эддисона, Стерна, Голдсмиса и других.), были очень популярны в Англии того времени.

В них Лесли очень верно и тонко передавал смысл иллюстрируемого литературного произведения, ярко очерчивая характеры действующих лиц.

Ему удавалось почти невозможное — вызывая у зрителя улыбку, не впадать при этом в карикатуру.

Особенно известны его работы: «Санчо Пансо у герцогини» (1825; находится в лондонской национальной галерее), «Сэр Р. Коверлей и цыганки» (1829), «Веселые виндзорские кумушки», «Обед у г. Пажа», «Дядя Тоби и вдова Ведмана «, из Стерна (1831), «Главные действующие лица Виндзорских кумушек» (1838), «Катерина и капуцины» из «Генриха VIII» Шекспира (1850) и «Фальстаф в роли короля» (1851).

Нельзя не отметить еще две картины Чарльза Роберта Лесли в ином роде: «Коронование королевы Виктории» (1 8 38) и «Крещение королевской принцессы».

Будучи очень искусным живописцем, Лесли оставил о себе память и на литературном поприще : он составил и издал «Жизнеописание Дж. Констебля» (1845) и «Руководство для молодых живописцев» (1855), а также написал биографии Дж. Рейнольдса и свою собственную, которые были изданы уже после его смерти Т. Тейлором (1860).

Чарльз Роберт Лесли скончался 5 мая 1859 года в возрасте 64 лет в Лондоне, где и был похоронен.

Лесли обладал отменным воображением, что позволяло ему свободно понимать дух автора произведения, иллюстрации которого он создавал , а тонкое восприятие женской красоты, одухотворённое изображение лиц и фигур персонажей своих работ , добродушное и «солнечное» чувство юмора,и вместе с тем природная и неизменная изысканность, никогда не позволяли ему выходить за рамки хорошего вкуса.

Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., «Leslie, Charles Robert». New International Encyclopedia. 1905.

Лесрель Адольф-Александр/Lesrel Adolphe-Alexandre(Исторический жанр)

1839–1929

Лесрель Адольф-Александр-выдающийся французский живописец, один из главных представителей историзма в живописи.
Адольф- Александр Лесрель родился 19 мая 1839 года в городке Жене , недалеко от Ла-Манша в семье французского землевладельца.Оба родителя мальчика были родом из Нормандии.

Интерес к живописи у Адольфа-Александра проявился рано, и первым его педагогом был местный художник , имя которого не сохранилось для истории.

В 1861 году в возрасте 22 лет , Адольф-Александр поступает в Школу изящных искусств, в мастерскую художника Жана-Леона Жерома, одного из самых знаменитых художников того времени.

В те годы, исторической живописи уделялось очень большое внимание в Школе изящных искусств. В числе наставников Адольфа-Александра Лесреля оказался и великий мастер Жан-Луи-Эрнест Месонье.
Будучи одним из самых талантливых учеников мастера, Лесрель всю свою жизнь будет находиться под сильным влиянием жанрово-исторического направления в творчестве Месонье.

По всей вероятности, с этим связана и художественная манера самого Лесреля: тщательно прописанные детали картины, бытовые сюжеты, богатая и насыщенная цветовая гамма.

Лесрель разработал стиль, который сочетает в себе внимание к деталям с блестящей техникой и чувством цвета.

К 1865 году Лесрель дважды выставляет свои работы на выставках в Обществе французских художников и Национальном обществе изящных искусств, и получает благожелательные отзывы критиков.

Адольф-Александр Лесрель был страстно увлечен блистательным XVII веком . Его картины — это романтические жанровые сцены, относящиеся к светской жизни 17-го столетия. Костюмы, платья, предметы искусства, мебель были подробно изучены художником, чтобы в дальнейшем отобразить с исторической точностью.

Сложные многофигурные композиции и бытовые детали картин художника прописаны так тщательно и подробно, что возникает чувство личного присутствия и участия в изображаемых художником событиях.

В 1872 году Адольф-Александр Лесрель женился на Жозефине Летанг, которая долгое время была одной из его моделей. В браке родилось две дочери: Марта Тереза (будущая мадам Heuzé) и Жанна (будущая мадам Фонтэн).

В 1885 году состоялась персональная выставка Адольфа-Александра Лесреля в Обществе французских художников, почётным членом которого стал в 1889 году. Выставка прошла с большим успехом, после чего количество заказов художнику резко увеличилось.

Адольф-Александр Лесрель регулярно выставлялся и в Салоне, а в 1889 году завоевал поощрительную премию Он выставлял много своих работ в галерее Артура Зуба и сыновья в Лондоне.

В 1890 году Лесрель становится Членом-корреспондентом Национального общества изящных искусств.

Работы Лесреля , их правдивая историчность , романтичность и несомненное мастерство, с которым они были написаны, приобрели широкую известность в Америке, Европе и, конечно же ,во Франции.

Техническая виртуозность, манера письма и предметность работ до сих пор остаются предметом изучения современных деятелей искусства и восхищения ценителей живописи.

Большую часть своей жизни художник прожил в Париже, где был одним из главных представителей историзма в живописи.

В 1907 году Лесрель покинул Париж и переехал на постоянное место жительства в свой родной город Жене. В последние годы своей жизни художник много болел и мало писал.

Адольф-Александр Лесрель скончался 25 февраля 1929 года на 90-м году жизни в своём родном городке Жене , где и был похоронен.

Работы художника хранятся во многих частных коллекциях Европы и Америки и с успехом экспонируются в собраниях экспозиций нескольких музеев, включая Музей искусств, Балтимора, Публичной библиотеке Нью-Йорка и музее изящных искусств, Нанта, Франция.     Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Работы на Wikimedia Commons.

Лёсюёр Эсташ/Eustache Le Sueur(Барокко)

1616-1655

Эсташ Лёсюёр- французский художник стиля барокко, один из основоположников(член-учредитель) французской Академии живописи и архитектуры, традиционно считающийся одним из основателей классической французской живописи.

Эсташ Лёсюёр родился 19 ноября 1616 года в Париже в семье резчика по дереву Кателена Лёсюёра .

Зимой 1632 года Эсташ был принят учеником в мастерскую главного придворного художника Людовика XIII, Симона Вуэ. У художника учились многие живописцы этого поколения.

Мэтр сразу отметил необычайный талант мальчика, и начал уделять художественному обучению Эсташа большую часть своего времени. Впоследствии дружба учителя и ученика продлится долгие годы и они будут плодотворно сотрудничать при выполнении заказа по украшению дома канцлера К. де Бюльона.

В мастерской Вуэ Эсташ Лёсюёр познакомился с будущими законодателями художественных вкусов эпохи Людовика IV Шарлем Лебреном и Пьером Миньяром.

В дальнейшем Лёсюёр самостоятельно продолжил своё обучение, увлекшись изучением творчества великого Рафаэля. Для абсолютного большинства живописцев эпохи классицизма творчество Рафаэля воплощало собой идеал классической гармонии, к которому все так стремились.

Лёсюёр изучал творчество Рафаэля и его школы по гравюрам и картинам, которые были представлены во французских собраниях. Гравюры Маркантонио Раймонди и росписи в замке Фонтенбло дополнили его образование.

Несмотря на то , что Лёсюёр никогда не выезжал за пределы Франции, и не видел работ великого мастера, находившихся в других странах, по единодушному мнению историков, именно Эсташу Лёсюёру покорился дух искусства великого мастера и его характер. Это подтверждается прозвищем «французский Рафаэль», которым был удостоин при жизни Эсташ Лёсюёр своими современниками.

Также большое влияние на живопись Лёсюёра оказало творчество Николла Пуссена. Знакомство художников состоялось в 1640 году,и продолжалось до 1642 года.В этот период Никола Пуссен по приглашению Людовика XIII приезжал в Париж. Впоследствии по рисунку Пуссена Лёсюёр написал одну из своих работ.

Стоит признать, однако, что несмотря на влияние всех этих мастеров , манера письма Эсташа Лёсюёра всегда отличалась яркой индивидуальностью.

Первой крупной работой Лёсюёра являлась серия картин на различные сюжеты из поэмы венецианского автора конца 15 века Франческо Колонна » Сны Полифила «,написанная Эсташем Лёсюёром по заказу, полученному от Вуэ в 1637 году и предназначенная для дальнейшего перевода в гобелены.
От всей серии, завершённой художником предположительно в 1645 году сохранилось только четыре картины(Ман, музей; Руан, Музей изящных искусств; Дижон, музей Маньен; Вена, собрание Чернин).

В начале 1640-х годов Эсташ Лёсюёр написал целый ряд простых ,скромных и строгих картин, которые явились началом формирования его индивидуального стиля. Эсташ Лёсюёр по призванию был декоративный живописец, и именно в этой области создал свои самые выдающиеся произведения.

В 1645 году за картину «Святой Павел, изгоняющий демона из мужчины» Эсташ Лёсюёр был принят в члены парижской гильдии художников Святого Луки.

В 1647-1650 годах Эсташ Лёсюёр работает над оформлением «Кабинета муз» в доме Ламбера де Ториньи. Пять композиций, изображающих музы и роспись плафона»Фаетон»(все находятся в настоящее время в Лувре) показывают всё ещё остававшуюся приверженность художника классическим урокам Никола Пуссена, а картина «Музы Клио, Евтерпа и Талия» символизировала начало переходного периода в творчестве художника с характерным мягким ритмом линий и гармонией тонов.

В 1648 году Эсташ Лёсюёр стал одним из членов-учредителей Королевской Академии живописи и скульптуры, а в 1649 году получил должность ординарного жавописца короля и приступил к написанию алтарного образа «Святой Павел в Эфесе», предназначенный в дар собору Нотр Дам.

В этом же году художник получает крупный заказ на 22 картины для монастыря Шартрез.

Написанные в период с 1645 по 1648годы , эти картины (ныне находящиеся в музее парижского Лувра) посвящены истории Святого Бруно. В них окончательно утверждается индивидуальный и неповторимый стиль Лёсюёра.

В этот же период художник выполняет по заказу короля в его апартаментах в Лувре «Аллегорию французской Монархии» и расписывает купальню королевы-матери (работа была утеряна в конце 18 века).

Официальная карьера Эсташа Лёсюёра складывалась очень успешно. У него не было недостатка в заказах. Он быстро завоевал признание своих современников.

Лёсюёр писал по заказам членов Королевского двора, членов парижского парламента, богатых чиновников, представителей парижской знати.

Помощниками Эсташа при выполнении заказов всегда выступали три его брата:Пьер, Антуан и Филипп, а также свояк(брат жены) — Тома Гуссе. Лёсюер женился в 1644 году на Женевьене Гуссе, дочери лавочника.

Дарование Эсташа Лёсюёра было очень многосторонним. Он писал не только мифологические картины и декоративные панно, но и очень выразительные портреты, картины на религиозную тему.

По мнению историков живописи, его работы на религиозные сюжеты принадлежат к лучшему из того, что было создано французскими художниками 17 века в этом жанре.

Одной из наиболее значительных работ Эсташа Лёсюёра в портретном жанре является работа «Встреча друзей» (Париж, Лувр) — групповой портрет, на котором изображены друзья художника, в том числе знаменитый парижский музыкант лютнист Дени Готье.

Эсташ Лёсюёр скоропостижно скончался 30 апреля 1655 года в возрасте 38 лет в Париже, где и был похоронен.

Помимо живописных произведений художник оставил большое количество графических работ, свидетельствующих о величии таланта мастера и о тщательной подготовке художника к написанию каждой своей картины.

Судьба работ, составляющих творческое наследие Эсташа Лёсюёра сложилась не очень удачно.

Созданные им декоративные ансамбли (пример, декорации дома Ламбер), были разрознены, а панно хранятся в настоящее время в запасниках музеев. Многие картины Эсташа Лёсюёра, упоминаемые в исторических документах, серьёзно пострадали за прошедшее время или вообще были утеряны.

Также многие работы художника были либо уничтожены, либо утратили авторство, и известны теперь в лучшем случае по гравюрам.Самые известные произведения художника находятся в луврском музее в Париже.

После Лувра произведениями Лёсюёра богаче всех других музеев в начале 20 века был Эрмитаж, владевший семью его картинами.

Но даже те, немногие дошедшие до нас работы Эсташа Лёсюёра, являются сегодня подлинным украшением коллекций экспонирующих их музеев , и позволяют нам в полной мере судить о масштабе личности этого великого живописца и его выдающемся таланте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г. Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Работы художника на Wikimedia Commons.

Либерман Макс/Max Liebermann(Импрессионизм)

1847–1935

Макс Либерман — немецкий художник и график еврейского происхождения, считается одним из главных представителей импрессионизма за пределами Франции.

Макс Либерман родился 20 июня 1847 года в Берлине в семье состоятельного еврейского промышленника Луиса Либермана и его супруги Филиппы (урождённой Халлер).

Получая образование, Макс начал с изучения права и философии в университете имени Гумбольда , но почувствовав художественное призвание, стал брать частные уроки живописи у Эдуарда Гольбейна и Карла Штеффека(хотя первой, в 1859 году открыла миру будущего знаменитого художника немецкая художница Антони Фолькмар, у которой старший Либерман старший заказал портрет своей супруги).

У Штеффека Либерман познакомился с Вильгельмом Боде, который впоследствии всячески продвигал творчество Макса Либермана, занимая пост директора Музея императора Фридриха.

В период 1868-1872 годов Либерман с разной периодичностью посещал занятия в Художественной академии Великого герцога в Веймаре.
Первые же этюды Либермана выявили его склонность к реалистическому стилю изображения.

Его педагогом в академии был бельгийский мастер исторической живописи Фердинанд Паувельс, познакомивший Либермана с творчеством великого Рембранта во время одной из учебных поездок класса в кассельский Фридерицианум.

Начиная с лета 1871 года Макс Либерман находился в Дюссельдорфе, где влияние французского искусства ощущалось сильнее, чем в Берлине. Там он познакомился с Михаем Мункачи, привлёкшим интерес Либермана реалистичностью изображения сцен повседневной жизни.

Первой крупной работой Либермана явилась картина «Женщины, ощипывающие гусей»(Берлин, Национальная галерея).Необычный сюжет картины вызвал настоящий шок и отвращение у публики гамбургской художественной выставки.

Искуссная техника Либермана вызвала похвалу критиков , но имидж, который заработал художник был категоричен — в Либермане увидели художника, рисующего уродство. Аналогичная реакция была у публики и на берлинской выставке того же года. Несмотря на это, картина была продана железнодорожному магнату Бетелю Генри Штроусбергу.

Творчество Макса Либермана считалось в Германии «пачканьем». Его вторая крупная работа «Изготовительницы консервов» была выставлена на большой ежегодной выставке в Антверпене, где на неё нашлось сразу два покупателя. Либерман нашёл свой первый художественный стиль: он писал людей за работой реалистично и без лишней сентиментальности, унизительной жалости и обманывающей романтики. В своих сюжетах он находил природное достоинство, которое не нуждалось в приукрашивании.

В декабре 1873 года Макс Либерман отправился в Париж и устроил свою мастерскую на Монмартре . Лето 1874 года Либерман провёл в Барбизоне в лесу Фонтенбло. Художника серьёзно интересовало творчество Мункачи, но ещё больший интерес он испытывал к творчеству Констана Труайона, Шарль-Франсуа Добиньи, Камиля Коро и прежде всего Жан-Франсуа Милле. Вдохновленный картинами Гюстава Курбе, он сосредоточил усилия на создании картин с натуралистическим представлением обстановки.

В 1876 Либерман снова приехал в Голландию. Во время пребывания в Хаарлеме он занимался написанием копий картин Франса Хальса. Два года спустя Либерман познакомился с Вильгельмом Лайблем, который посоветовал ему обратиться к точному воспроизведению своих картин.

Следуя примеру Лайбля, Либерман вновь вернулся к живописи на пленэре. Во время следующей поездки в Голландию художник, работая над этюдами к «Сапожной мастерской» и «Дому престарелых в Амстердаме», впервые на полотне изобразил солнечные пятна.

В дальнейшем он основательно занялся световой живописью, испытывая явное влияние некоторых импрессионистов.

Вернувшись в Берлин, в период между 1886 и 1890 годами, Либерман написал несколько монументальных картин, без прикрас показывавших трудовую жизнь крестьян. Одну из них, «Штопальщицы сетей» (1887-1889 год), выделяет среди других работ удивительный, почти патетический реализм.

Эту картину приобрел для Гамбургского Зала искусств Альфред Лихтварк, после чего по его заказам появилось несколько картин на темы гамбургской жизни ( «Аллея к церкви святого Георга в Гамбурге», 1893 год).

Вторая половина 90-х годов явилась временем широкого признания художественных заслуг Макса Либермана. В 1898 он стал одним из основателей Берлинского Сецессиона, противопоставившего себя официальному искусству, через год — его президентом.

Реализм в его работах стал постепенно уступать место импрессионистским тенденциям. Заметное место в его творчестве стали занимать сцены жизни крупной буржуазии («Игра в поло в Йенском парке», 1902/1903год; «Скачки в Кассинене», 1909год).

Неоспоримой заслугой Макса Либермана считается развитие им импрессионизма французского толка в Германии. Хотя богатство цветовой палитры и выразительность форм на картинах немецкого живописца несколько уступают палитре и формам французских художников-импрессионистов, Либерману принадлежит заслуга в разработке уникального собственный вариант этого направления, который легко узнаваем по уникальной уравновешенности цветов и нервным контурам штрихов.

Примером немецкого импрессионизма, разработанного Либерманом являются его многочисленные ландшафты,написанные в Голландии ( «Дюны в Нордвийке», 1906 год),

Нельзя не отметить Либермана и как талантливого портретиста.Начиная с 1909 года Либерман посвящает всё своё время написанию портретов и постепенно становится одним из самых популярных среди немецкой буржуазии портретистов.

В 1911 году Макс Либерман выходит из Сецессиона. Причиной тому стали многочисленные конфликты художника с молодыми художниками-импрессионистами.В 1920 году Макс Либерман был избран президентом берлинской Академии художеств. Сецессионы продолжали ещё какое-то время параллельно существовать , но потом тихо распались.

С вступлением Макса Либермана на пост президента Академии время Сецессиона закончилось. Под крылом Академии Либерман пытался объединить различные художественные течения, в том числе и экспрессионизм. Благодаря Либерману в Академию были приняты Макс Пехштейн, Карл Хофер, Генрих Цилле, Отто Дикс и Карл Шмидт-Ротлуф.

В 1927 году Либерман вновь оказался в центре внимания общественности: художественный мир чествовал Либермана и его творчество по случаю 80-летия художника. Среди поздравлявших отметились Альберт Эйнштейн, Генрих и Томас Манны, а также Гуго фон Гофмансталь. В родном городе художника прошла выставка его работ. Некогда новаторский ,провокационный стиль Либермана теперь выглядел классикой и отголоском прошлого.

После прихода к власти нацистов, Макс Либерман , как еврей был публично изгнан из акадении, и ему было запрещено заниматься живописью.
Макс Либерман скончался 8 февраля 1935 года в возрасте 87 лет в своём доме на Парижской площади Берлина, и был похоронен на Еврейском кладбище на Шёнхаузер-Аллее 11 февраля 1935 года.

Смерть Либермана не фигурировала в новостях. Академия художеств находясь под влиянием нацистов, отказалась чествовать старого президента.

Супруга Макса Либермана на 8 лет пережила своего мужа. Она покончила жизнь самоубийством, чтобы не попасть в концентрационный лагерь Терезиенштадт, приняв сверхдозу барбитала, и умерла 10 марта 1943 года в Еврейской больнице Берлина.

Творчество Макса Либермана, этого выдающегося немецкого живописца олицетворяет переход искусства XIX века к классическому модерну времен вильгельминизма и Веймарской республик.  Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Gallery of Liebermann’s paintings at zeno.org,  Chisholm, Hugh, ed. (1911). «Liebermann, Max». Encyclopædia Britannica (11th ed.). Cambridge University Press.

Лигаре Дэвид/David Ligare(Фотореализм)

1945–….

Дэвид Лигаре — современный американский художник-реалист.

Дэвид Лигаре родился в 1945 году в Оук-Парк, штат Иллинойс, США. Живописью увлекался с раннего детства, впервые начал рисовать, когда ему было четыре года. Когда мальчику исполнилось пять лет, семья переехала в Манхэттэн-Бич, Калифорния.

В одиннадцать лет будущий художник продал свою первую картину — мать приятеля Дэвида купила её за 10 долларов.

После этого сосед попросил Дэвида нарисовать серфера на волне, затем ещё одну картину, и постепенно спрос на работы Дэвида стал превышать его физические возможности по их написанию.

Дэвиду очень нравилось писать окружающую природу и экспериментировать с естественным светом.
Ещё учась в средней школе, Дэвид стал посещать занятия в местном Центре искусств. В 1963 году после окончания школы Дэвид отправляется путешествовать в Европу,при этом он посещает Афины, Солоники и другие греческие города. Парфенон Афинского Акрополя — главный храм в Древних Афинах настолько поразил Лигаре , что впечатления от этого посещения сохранятся в его памяти на всю жизнь.

После Греции Дэвид Лигаре отправился в Испанию, где на южном побережье посетил дом Сальвадора Дали. Великий художник гостеприимно встретил Лигаре, они провели вместе целый день.

Мэтр показал свою мастерскую и познакомил с со своей женой, которая в это время работала над одной из картин Дали. Дэвид впервые увидел мастерскую профессионального художника(да, не просто художника, а самого Дали!), которая также произвела на Лигаре большое впечатление.

Дэвид Лигаре вернулся в Америку совсем другим человеком: наполненный яркими впечатлениями от греческой архитектуры и истории, и от встречи с Великим Дали.
В 1963 году Лигаре продолжил своё образование в Центральном Художественном Колледже Дизайна в Лос-Анджелесе.

После окончания Колледжа в 1965 году, по настоянию родственников Лигаре уходит служить в армию. Его отправляют в форт Монмут в Нью Джерси на должность графического иллюстратора для телевидения Объединённых вооружённых сил. Всё своё свободное время Дэвид посвящает живописи, а когда удаётся, выбирается в Нью-Йорк в местные художественные музеи и галереи.

В 1967 году Лигаре окончил службу и впервые выставил свои работы в одной из галерей Нью-Йорка. Он переехал на постоянное место жительства в Городок Биг Сюр.

Это место представляло из себя малонаселенный район побережья центральной Калифорнии, где горный хребет Санта-Лусия резко повышается от побережья Тихого океана. Местность имела очень живописные виды, делая Биг-Сюр популярным среди туристов.

Он продолжает писать пейзажи, но просто красочные виды его уже не удовлетворяют,и он начинает эксперименты со светом и тенью,а также начинает активно включать в свои работы виды океанского побережья.

Ему очень хочется совместить на полотне красоту окружающих видов с изображениями древнегреческих статуй и скульптурных композиций, ему хочется оживить эти скульптурные композиции, показав красоту человеческого тела в обрамлении нетронутой красоты окружающих пейзажей.

Образ Акрополя, увиденный им во время поездки в Европу, не отпускает его и рождает в голове новые фантастические по своему замыслу композиции.
В начале 70-х годов появляется несколько удивительных работ художника, явившихся результатом его опытов с брошенными драпировками.

Вначале — это сваленные на столе драпировки, написанные на фоне морской перспективы. Получалось красиво, но не очень реалистично, без внутреннего движения. Дэвиду хотелось большего, и тогда в результате большого количества экспериментов рука художника сотворила несколько поистине выдающихся работ, показывающих парящее в воздухе полотно на фоне моря.

Эти работы были высоко оценены критиками и вызвали восхищение любителей живописи.

Результатом всех экспериментов стал сделанный Лигаре вывод: балансировка противоположностей является одним из важнейших принципов классицизма.
С 1978 года в своем творчестве Дэвид Лигаре сосредоточился на натюрмортах и пейзажных композициях.

Его натюрморты имели особую структуру, позволяющую безошибочно определить его работы. Это, во-первых, безусловно светлый фон всех его работ(иногда полностью неподвижный, иногда»живой» в виде океанской дали) И, во-вторых, это обязательно естественное освещение.

Для показа освещённости предметов солнцем, Лигаре смело убирает часть светлого фона, заменяя его полоской морского пейзажа справа и вверху.
Перед зрителями предстаёт линия горизонта на заднем плане и окрашенное в разные цвета в зависимости от времени суток небо, и при этом, отбрасываемые от предметов тени, имеют разную длину и насыщенность.Очень эффектно и необычно.

Лигаре всегда утверждает, что его живопись метафизична. Пространство на переднем плане своих работ(и не только натюрмортов) он считает неким алтарём, сакральным местом на которое он помещает различные символичные предметы и где свет уравновешивается тенью.

В 1978 году состоялась персональная выставка работ Дэвида Лигаре, в Andrew Crispo Gallery в Нью-Йорке. Работы с драпировками были главными хитами выставки , и были все реализованы по цене от 10000 долларов за штуку.

Результаты выставки укрепили уверенность Лигаре в своих творческих силах и позволили перейти к реализации своей следующей грандиозной мечты — реализовать в своём творчестве идеи Древней Греции. Он хотел своими работами повествовать историю.

Изучая древнегреческое искусство, и работы «старых » мастеров Лигарэ буквально влюбился в творческое наследие двух выдающихся мастеров прошлого: греческого скульптора пятого века до нашей эры Поликлета и французского художника 17-го века Никола Пуссена. Поликлет стал образцом для Дэвида Лигаре.

Его самая известная статуя, бронзовая фигура Doryphorous или Spearbearer, была не просто изображением человека, а внешним воплощением выработанного им канона или эталона. Более того Поликтет изложил концепцию симметрии, основанную на интеграции различных частей человеческого тела по системе математических пропорций.

Проанализировав работы Никола Пуссена, Лигаре обнаружил, что каждый рисунок, дерево или облако на картинах мастера являются неотъемлемой частью всей композиции. А сочетание «ландшафтной» теории Пуссена и «тематической» теории Поликлета позволии Лигаре установить важнейшую взаимосвязь между ними.

Идеи и изображения, созданные этими великими мастерами послужили основой для создания Дэвидом Лигаре так называемого «рецидивирующего классицизма».
После изучения творчества своих кумиров Лигаре выработал для себя правило трёх основных элементов(структуры, поверхности и содержания). Структура у него всегда включает в себя геометрический дизайн и пропорции.

Поверхность у него предполагает изображение внешнего вида самой природы, без дополнительного расслоения на структурные компоненты, а содержание картины у него должно всегда предполагать существование какой-либо истории или рассказа, связанных с ней.

Кроме того, персонажи его работ всегда находятся наполовину в тени, наполовину вне её, с тем, чтобы придать им хорошее чувство формы.

Освещённые и затенённые поверхности в работах Дэвида Лигаре вписываются в его философию классицизма. Он утверждал и утверждает, что все его работы несут идею цельности и законченности, укладываясь в основную философию Аристотеля о начале, середине и конце в качестве описания целых систем.

Реалистичные светотени и предметы в точно выверенных «позах», перфекционизм в композиции, графичность, четкость линий и минимализм наполнения свидетельствуют о характере Лигаре ,а картины художника отражают его веру в высокую человеческую нравственность.

С начала 80-х годов Дэвид Лигаре ведёт преподавательскую деятельность в Калифорнийском университете в Санта-Барбаре. В настоящее время Лигаре работает в совете нескольких благотворительных фондов.

Дэвид имеет внешний вид и манеры профессора. Он носит круглые, зеленый очки и платки на шее, когда холодно. В возрасте почти 70-и лет, он отличается хорошим здоровьем и совсем не выглядит старым. Он говорит тихо, но прямо.
Художник почти всю сознательную жизнь прожил на калифорнийском побережье, которое всегда напоминало ему Грецию, увлекавшую его с молодости.

И это читается в его картинах. Он часто изображает красоты центрального калифорнийского побережья в качестве фона.
За последние 25 лет Дэвид Лигаре провёл более 30 персональных выставок Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Сан-Франциско, Лондоне, Риме, и в других местах. Он также был в десятках групповых выставок в галереях и музеях в самых крупных городах США, Великобритании, Японии, Италии, Польши…Его картины были воспроизведены в многочисленных книгах, и журналах.
Сейчас его работы можно было увидеть в Monterey Museum of Art до марта 2014 года, и еще одна экспозиция открылась в мае 2014 в Bakersfield Museum of Art.
Его картины находятся в коллекциях Музея современного искусства Нью-Йорка, музее изобразительного искусства в г. Сан-Франциско, Художественном музее Сан-Хосе, Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi, Флоренции, Художественном музее баронессы Тиссен в Мадриде.
Дэвид регулярно даёт гостевые лекции и периодически преподаёт в таких престижных учебных заведениях как Университет Нотр-Дам, Калифорнийский университет в Санта-Барбаре, Институт Архитектуры принца Уэльского в Лондоне.
Вся история жизни Дэвида Лигаре, как и его картины очень глубока и насыщена.

Его творчество всегда подчинено нескольким благородным целям : стремлению к знаниям, пропаганде прекрасного и борьбе со злом. И очень хочется, чтобы и дальше он следовал своим благородным целям и радовал нас своим удивительным творчеством…..
Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia , Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Официальный сайт художника, Essay by curator Patricia Junker.

Лидер Бенджамин Уильямс/Benjamin Williams Leader(Импрессионизм)

1831-1923

Лидер Бенджамин Уильямс- выдающийся английский художник,великолепный пейзажист.
Бенджамин Уильямс Лидер (настоящее имя — Бенджамин Лидер Уильямс)родился 12 марта 1831 года в Вустере в семье гражданского инженера Эдварда Лидера Уильямса и Сары Уайтинг, последовательницы христианского движения «Религиозное Общество Друзей», или квакеров, христианского движения, возникшего в годы революции (середина XVII века) в Англии и Уэльсе.

Бенджамин был старшим и, впоследствии самым известным из одиннадцати своих братьев и сестёр.

Среди интересов Уильямса старшего, живопись занимала важное место, он был художником-любителем, и другом Джона Констебля. Мальчик часто сопровождал отца в его поездках на природу , по берегам реки Северн — самой большой по протяжённости реки в Великобритании.

Отец был первым учителем будущего художника, прививая ему наблюдательность, и ставя руку. Родители видели большой интерес мальчика к живописи и направили его учиться в Школу прикладного искусства Ворчестера,при этом днём он работал, как рисовальщик в офисе отца, а по вечерам посещал занятия в школе.

Всё своё свободное время Бенджамин посвящал работе на пленэре.
В 1854 году Бенджамин Лидер был принят студентом в Школу искусств при Королевской Академии в Лондоне.

Лидер начинал свою творческую деятельность, как жанровый художник, дебютировав на выставке в Королевской Академии с картиной «Дети, пускающие мыльные пузыри».

Работа была продана позже американскому коллекционеру за 50 фунтов стерлингов, значительную по тем временам сумму.
Вскоре после этого, Лидер отказался от жанровой тематики, полностью сосредоточившись в своём творчестве на пейзажной живописи, значительно преуспел в этом, став в конце концов одним из из самых значительных и популярных английских художников-пейзажистов своего времени.

Бенджамин Лидер оставил учёбу в Королевской Академии, не закончив курс обучения, и посчитав, что природного таланта и приобретённого мастерства вполне достаточно для успешной карьеры профессионального живописца.

И он был отчасти прав, его работы пользовались устойчивым спросом у состоятельных заказчиков, а популярность неизменно росла.

Источником вдохновения для его творчества этого периода была выразительная природа, окружавшая его в Вустере, этом английском городке, выделенном в отденый район в центре церемониального и неметропольного графства Вустершир. Всё вокруг было настоящим, английским :и коттеджи и сельские дома и дороги и изгороди и церкви….

В 1857 году художник сменил свою фамилию Уильямс на Лидер в связи с большим количеством действующих художников с фамилией Уильямс.

Осенью 1857 года Лидер отправляется на этюды в Шотландию, где пишет «Тихий бассейн в Глен Феллок». Картина очень тепло принимается критиками, а в 1859 году участвует в выставке в Королевской Академии, где успешно продаётся коллекционеру из Испании.

Этот год сложился очень удачно для художника: четыре его работы были куплены коллекционерами из Нового Света и «уплыли» в Америку, а несколько работ были увезены на материк.

Следующие десять лет были очень плодотворны в творческой карьере художника. Он много путешествовал по Англии, Шотландии и Уэльсу, выполняя многочисленные заказы и исполняя работы «для души».

В 1862 году Бенджамин Лидер переезжает из Вустера в Уиттингтон, и делает это место своим главным местом для эскизов.

В 1863 году Картина Лидера «Погост молитвенного дома в лесу» была приобретена тогдашним премьер-министром Англии, сэром Уильямом Гладстоном.

В 1881 году в Королевской Академии была выставлена работа Бенджамина Лидера «February Fill Dyke». Известный впоследствии викторианский пейзаж был очень тепло встречен любителями живописи, а после последующего показа в Манчестере на выставке Royal Jubilee, стал очень популярен.

 В 1883 году Бенджамин Лидер становится адъюнктом, а в 1898 году академиком Королевской Академии Англии.

В 1889 году Лидер с семьёй переезжает в местечко Шер рядом с Гилфордом, графство Суррей, где художник проведёт последние годы своей жизни.

В этом же году по рекомендации его друга ,выдающегося французского художника Жан-Луи Эрнеста Месонье, Бенджамина Лидера удостоили звания кавалера Ордена Почётного Легиона в знак признания его заслуг.

Раннее творчество Бенджамина Лидера впитало в себя сильное влияние школы прерафаэлитов с их непременным вниманием к мельчайшим деталям и акцентом на живопись с натуры, «на пленэре», в более зрелом творческом возрасте стиль художника претерпел существенные изменения и стал более свободным, вобравшим в себя элементы импрессионизма. Художник отошёл от точного копирования природы и это было ,отчасти, оправдано — такая живопись оказалась более востребованной капризной английской публикой.

Бенджамин Уильямс Лидер скончался 22 марта 1923 года в Шер, графство Суррей, где и был похоронен.

Картины Бенджамина Лидера в настоящее время выставлены публично в музее Виктории и Альберта и галерее Тейт в Лондоне, и в Вустере (самая большая коллекция его работ в Великобритании на сегодняшний день), Манчестере, Бирмингеме и других регионах Великобритании.

Многие работы мастера , кроме того, принадлежат частным коллекционерам. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г. Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Biography of Leader (Rehs gallery), Работы художника в музеях мира.

Лильелунд Арвид/Arvid Liljelund(Реализм)

1844 -1899

Арвид Лильелунд — известный финский художник,яркий представитель финского реалистического направления живописи.

Арвид Лильелунд родился 20 января 1844 года в финском городке Уусикаупунки в семье портного.

Способности к рисованию проявились у мальчика очень рано. Арвид рос достаточно замкнутым ребёнком, и не принимая активного участия в коллективных детских играх, очень часто проводил свободное время старательно перенося на бумагу окружающие предметы.

Часто в качестве подручного материала Арвид использовал уголь и ровные деревянные поверхности. Родители Арвида Эммануэль Лильелунд и Матильда Жюстин Холмен заметили удивительные способности сына к рисованию и всячески старались способствовать их развитию.

В 1863 году Арвид переезжает в город Турку, где поступает в школу рисования финского Общества искусств. Обучение в школе продолжалось два года и в конце 1864 года Лильелунд переехал в Хельсинки, где продолжил своё обучение в аналогичной школе ещё на протяжении двух лет.

Педагоги хельсинкской школы рисования сразу обратили внимание на талантливого воспитанника, на его удивительное трудолюбие и выдающиеся способности.

В период обучения в школе, Арвид Лильелунд несколько раз принимал участие в художественных выставках, проводившихся в художественной школе, дважды получая почётные награды.

В 1866 году Арвид Лильелунд переехал в Дюссельдорф, где поступил в дюссельдорфскую Академию художеств, созданную ещё в 1773 году как Академия живописи, архитектуры и скульптуры при пфальцграфе Нойбургском на базе школы живописи, основанной в 1762 Ламбертом Краге.

После присоединения Дюссельдорфа к Пруссии в 1815 году Академия получила бурное развитие, став королевской Академией художеств, и после обретения мировой известности в середине века начала принимать учеников из разных стран, чем и не преминул воспользоваться Арвид Лильелунд.

В 1869 году после окончания Акадении Лильелунд начинает свою трудовую деятельность в качестве учителя рисования в школе финского Общества искусств в Турку ,выпускником которой он когда-то сам являлся.

В 1872 и 1878 годах Арвид Лильелунд получает II премию на финских художественных выставках, а в 1878 году художник принимает участие и становится обладателем Бронзовой медали на Всемирной выставке в Париже.
В 1878 году на выставке в Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств за картину «Хорошая горничная» Арвиду Лильелунду присуждают звание «классного художника 1 степени».

Многие финские живописцы, ученики Дюссельдорфской академии, участвовали на академических выставках, получали звания художников, а в дальнейшем и академиков Императорской Академии. Это и В.Холмберг (1860 год) и К.Э.Янсон (1873 год), А.фон Беккер (1873 год), Б.А.Линдхолм (1873 год), Я.Мунстеръелм(1874 год), А.Эдельфельт (1881 год). Все они, как и Арвид Лильелунд, приняли участие в Парижской Всемирной выставке 1878 года, образовав отдельную финскую группу в составе российской экспозиции.

В феврале 1883 года Арвид Лильелунд приезжает в Париж( где проведёт два года) для знакомства с новейшими течениями в живописи. Поселившись в колонии финских художников на Монмартре на улице Tourlaquen, художник увлечённо знакомится с французской столицей и много работает на пленэре.

Художнику хорошо работалось в Париже. Как говорил впоследствии сам Лильелунд, казалось сама атмосфера парижских улиц питала его жизненными соками и давала эмоциональный подъём. Грусть, связанную с необходимостью предстоящего расставания с полюбившимся городом художник выразил в одной из самых своих известных работ «парижского» периода творчества, картине «Прощание с Монмартром»(1884 год).

Основанное в 1890 году общество «Выборгские друзья искусства» организовало в 1891 году Выборгскую художественную школу (фин. Viipurin taiteenystävien piirustuskoulu, Viipurin piirustuskoulu, Viipurin taidekoulu),и в том же 1891 году Арвиду Лильелунду была предложена должность её первого директора.

Художник принял предложение и пробыл на этой должности вплоть до своей кончины.

В своих работах Арвид Лильелунд всегда отдавал предпочтение изображению народного крестьянского быта Финляндии. Бытовые и жанровые сцены, изображавшиеся на работах художника, правдиво описывали жизнь крестьянства, знакомили с национальными интерьерами и традиционными финскими костюмами.

Художник много ездил по стране и соседней Швеции, проводя при этом каждое лето, как правило, в родном Уусикаупунки.

Арвид Лильелунд скончался 21 июля 1899 года в возрасте 55 лет родном Уусикаупунки, где и был похоронен.

Финский реализм во многом отличался от того понятия реализма, который обычно связывают с этим термином в истории искусства.

В Финляндии не было больших городов ,и соответственно не было такой яростной эксплуатации рабочих, в сельской же жизни социальные конфликты возникали крайне редко по причине отсутствия для них какой-либо почвы.

Но движение за патриотическое возрождение общества уже набирало свою силу и Арвид Лильелунд, как и многие другие художники Финляндии того времени своим творчеством активно участвовал в этом движении и боролся за национальное своеобразие финской культуры.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова , Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.

Лимбурги братья/Gebroeders Van Limburg(Готика, миниатюра)

1370(80)-1416

Братья Лимбурги (нидерл. Gebroeders Van Limburg) — Поль, Эрман и Жаннекен ((1370(80) — 1416) — живописцы-миниатюристы начала XV века, родились в Неймегене (Брабант), в семье скульптора, резчика по дереву Арнольда ван Лимбурга, сына некого Иоанна, предположительно переехавшего в Нидерланды из Лимбурга на Маасе.

Всего в семье было 6 детей — ещё братья Рутгер и Арнольд и сестра Грета. По матери, Мехтильде Малуэль, они приходились племянниками Жану Малуэлю, придворному художнику бургундских герцогов.

Настоящая фамилия живописцев-миниатюристов Малуэль (Malouel, Maelwael).
Около 1399-1400 года братья Лимбурги учились в Париже ювелирному делу; с 1402 года работали как миниатюристы при дворе бургундского герцога Филиппа Смелого.

2 февраля 1402 года братья Поль и Жаннекен Лимбурги в платёжной расписке названы миниатюристами Филиппа Смелого: им было поручено исполнить иллюстрации к Библии.

Считается, что это «Нравоучительная Библия», которая ныне находится в Парижской Национальной библиотеке. Одновременно герцог запрещал братьям работать для других заказчиков и назначил им содержание на четыре года. Братьев поселили в доме Жана Дюрана, врача герцога. Работа над Библией продолжалась до смерти Филиппа Смелого в 1404 году.

Начиная с 1410 года братья Лимбурги являлись придворными мастерами герцога Жана Беррийского.

Нет сведений о деятельности братьев Лимбургов в период с 1405 по 1408 год. Однако исследователь Миллард Майсс именно к этому времени относит работу над оформлением «Прекрасного часослова» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

Прекрасный часослов — первая работа братьев Лимбургов для герцога Беррийского. Темы для миниатюр взяты из «Золотой легенды» Иакова Ворагинского: житие Богоматери, Процессия Святого Григория, история Бруно и Диокре, история Сятого Иеронима и отшельников Антония и Павла; жития Екатерины Александрийской (особо почитаемой в роду Валуа) .

Начиная с 1410 года, братья Лимбурги довольно часто упоминаются в документах уже как придворные мастера герцога Беррийского. Например, 1 января 1411 года они преподнесли в качестве подарка своему господину «книгу-обманку, сделанную из куска дерева» — это первое свидетельство, где фигурируют все три брата. С осени 1413 года Поль Лимбург именуется «камердинером милостивого господина», а в 1415 году — камердинеры уже и Жаннекен, и Эрман Лимбурги.

Братья Лимбурги обессмертили своё имя благодаря созданию «Великолепного часослова герцога Беррийского».

Часосло́в (калька греч. ῾Ωρολόγιον) — богослужебная книга, содержащая тексты неизменяемых молитвословий суточного богослужебного круга. Получила своё название от службы часов, которую она содержит. В православной церкви ежедневных служб шесть. Часослов служит руководством для чтецов и певцов на клиросе.

«Великолепный часослов герцога Беррийского», является одной из самых прекрасных книг в истории мировой культуры. Манускрипт был начат братьями Лимбургами в период между 1409-1411 годом по 1416 год. Сам текст, заглавные буквицы, маргинальные декорации и позолота, скорее всего, выполнены другими мастрерами.

Братьям Лимбургам не удалось закончить книгу в связи со своей смертью во время эпидемии чумы, но из 129 миниатюр рукописи при жизни братьев Лимбургов ими было выполнено 65.

Главную ценность часослова составляют миниатюры Календаря года, на которых изображались занятия людей в разные месяцы. Они построены по одной схеме: сверху, в полукруге, показаны знаки Зодиака, соответствующие тому или иному месяцу.

Ниже — прямоугольные миниатюры с различными сценами. Рукопись сменила многих владельцев во Франции, Нидерландах, Италии. В первую четверть XVI века Часослов попал во Фландрию, где были сделаны копии с цикла «Времен года» . В Италии часослов был продан семьей Спинола Жану-Батисту Серра, а затем оказался у барона Феликса Маргерита.

В 1855 его приобрел герцог Омальский, который впоследствии передал его в дар французскому государству.

В книжных миниатюрах братьев Лимбургов (в “Часослове герцога Беррийского”, около 1413, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; “Красивейшем часослове Богоматери”, Национальная библиотека, Париж, “Роскошном часослове герцога Беррийского”, около 1411-1416, Музей Конде, Шантильи) характерные черты позднеготической условности и хрупкой изысканности сочетаются со смелыми жизненными наблюдениями, изображением конкретной, реальной природной среды.

Сцены придворной жизни и крестьянского труда переданы в них с удивительной точностью, поэтической свежестью и непосредственностью, нередко на фоне широких, панорамных пейзажей.

Наполненные светом и воздухом, они красочно воссоздают природу Франции того времени с ее замками, полями, долинами и перелесками.

Приблизительные даты смерти братьев Лимбургов установлены по бумагам, касающимся их наследства.

Известно, что Жаннекен Лимбург умер около 9 марта 1416 года, а к сентябрю-октябрю того же года не было в живых уже Поля и Эрмана Лимбургов.

Предположительно все они умерли от эпидемии чумы в тот же год совсем молодыми.

Братья Лимбурги глубоко изучали достижения итальянского искусства XIII—XIV веков в передаче объёма и пространства, стремились к поэтичному и правдивому изображению природы и повседневного быта.

Миниатюры календаря «Богатейшего часослова» с их богатством реалистических наблюдений предвосхитили пути развития искусства Северного Возрождения. Вместо орнаментального фона, характерного для готической живописи появилось небо, воздушное пространство, свет солнца, изменяющиеся в зависимости от времени суток и от времени года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907г.,Энцикклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Limbourg brothers last Illuminators of the Medieval Art, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Website of the annual medieval festival dedicated to the Limbourg brothers in Nijmegen,

Липпи Фра Филиппо/Fra Filippo Lippi(Кватроченто)

1406—1469

Фра Филиппо Липпи-флорентийский живописец, один из виднейших мастеров раннего итальянского Возрождения.
Филиппо Липпи (по отцу — Филиппо ди Томазо) родился 8 октября 1406 года во Флоренции, , в семье торговца мясом.

Оставшись сиротой в раннем детстве, мальчик был взят на воспитание братией монастыря дель-Кармине, где в возрасте 15-и лет принял обет монашества(«фра» — сокращение от итальянского frate,означает — брат).

В монастыре заметили его стремление к рисованию, и приор решил дать Филиппо возможность обучаться живописи. На развитие Липпи, как художника повлияло творчество Мазолино да Паникале и Мазаччо, которые в отроческие годы художника расписывали церковь Санта Мария дель Кармине во Флоренции, и эта работа вызвала живейший интерес у любознательного Липпи.

Также в художественном образовании будущего мастера принял непосредственное участие Фра Анджелико Фьезольский.
Фра Филиппо Липпи был монахом братства кармелитов с 1421 по 1456 год. Бросив в 1431 г. монастырскую жизнь, Липпи продолжал, тем не менее , носить иноческую одежду.
Первой из дошедших до нас работ мастера является Мадонна из Тарквинии(Рим, палаццо Барберини), написанная в 1437 году, работа на которой Мадонна предстаёт перед нами в простой, почти домашней обстановке.
Исторические документы, вновь описывающие жизнь Фра Филиппо Липпи, относят нас к 1438 году, когда Липпи, живя во Флоренции, близко общается с Козимо Медичи, пользуясь его покровительством и получая крупные заказы.

Именно в это время, благодаря усилиям Козимо Медичи Фра Филиппо Липпи получает назначение капелланом в монастыре Сан Джованни во Флоренции.
В это время начинают отчётливо проявляться особенности стиля Фра Филиппо Липпи.

Искусство композиции, нежность и красота его персонажей, а также необычайно правдивые выражения их лиц — вот то, что отличает стиль великого мастера, заставлет относиться к его произведениям с особым вниманием.

Овал лица его персонажей — умеренный, фигуры- сухощавы(особенно женские) и очень отличаются от детских, часто представляемых полноватыми, почти лишёнными шеи.

Драпировки одежд — широкие, скрывающие конечности. Одежды изображены просто, но изобилуют всевозможными украшениями. Архитектурная составляющая работ Липпи содержит богатый орнамент с определённой долей классического влияния. Но наибольшее мастерство художника сказывается в колорите тщательной отделки. Его тона и оттенки сильны, светлы, ясны — в этом с ним не сравнится никто из современников.

Фра Филиппо Липпи известен и как мастер сюжета «Благовещение». Его «Благовещения» чрезвычайно поэтичны, тонко орнаментированы.

На картине обычно изображены Дева Мария, архангел Гавриил и Святой дух в виде голубя.
В 1437 году художник начал работу над Алтарем Барбадори для церкви Санто Спирито. Это одно из лучших произведений Фра Филиппо Липпи.
К 1447 г он закончил композицию Коронование Марии (Флоренция, галерея Уффици) для капеллы каноника Мариньи ( иногда картину так и называют «коронование Мариньи») во флорентийской церкви Сан Амброджо.

В этой картине особенно ярко проявляются особенности таланта Фра Филиппо Липпи: полное отсутствие официозности , условной святости, смешанной с наивным благочестием и наслаждением земной красотой.

Эта работа — яркий пример стиля Фра Филиппо Липпи, и она принадлежит к самым лучшим произведениям флорентийской школы 15 века. Художник работал над ней около пяти лет и получил за нее плату в размере 200 флорентийских лир.

Между 1447 и 1456 годами Фра Филиппо Липпи написал картины, в которых уже окончательно сформировался его художественный стиль. Особняком в ряду написанных художником в этот период работ, стоит Мадонна из галереи Питти — Фра Филиппо Липпи придает картине круглую форму.

Липпи был первым художником, который, стараясь подражать скульпторам стал придавать картинам круглую форму — такие картины вскоре вошли в употребление не только в домашних молельнях, но и церквях, взамен распространенных до того времени триптихов.

В 1452 Липпи был назначен священником в монастыре Сан Джованнино во Флоренции.
В 1455 Фра Филиппо Липпи был осужден за подлог и оставил свое место в Сан Кирико. Назначенный в 1456 году капелланом в женский монастырь в Прато, он бежал с одной из монахинь – Лукрецией Бути, которая впоследствии родила ему двоих детей: Филиппино в 1457 году (знаменитого живописца) и Александру в 1465 году.

Позже, после получения особого разрешения папы, Филиппо и Лукреция обвенчались. Образ возлюбленной супруги Лукреции Липпи запечатлел в своих поэтичных Мадоннах.

В 1457 году Липпе был назначен Rettore Commendatario церкви Сан Кирико в Легании.

В конце жизни, в 1466 году — Фра Филиппо Липпи начинает еще одну монументальную работу, на этот раз в Сполето, где расписывает фресками апсиду собора — эта работа была завершена уже после смерти мастера его помощником фра Диаманте. Здесь, в поле полукруглого купола, он снова изобразил «Коронование Богородицы», под ней — Успение Богородицы, слева Благовещенье, справа Рождество Христово.

Фра Филиппо Липпи умер в Сполето 8 октября 1469 году в возрасте 63 лет. Фра Филиппо Липпи похоронили в соборе Сполето. Флорентийцы хотели забрать себе останки художника, но Сполето воспротивился.

Лоренцо Медичи поручил сыну художника Филиппино воздвигнуть памятник, а в эпитафии есть строчки — «сама природа удивлялась образам, которые я с нее рисовал, и признавала, что я равен ей в творчестве.»

Значение Фра Филиппо Липпи в истории искусства состоит в том, что он после Мазаччо ещё решительнее и сильнее направил возродившуюся итальянскую живопись на путь натурализма.

В его фигурах так много искренности, увлечения жизнью, гуманности и тонкого понимания красоты, что они производят неотразимое впечатление, хотя порой прямо противоречат требованиям церковной живописи.Он подходил к религиозным темам с человеческой стороны.

Его мадонны — очаровательные невинные девушки или нежно любящие молодые матери; его младенцы-Христы и ангелы — прелестные реальные дети, пышущие здоровьем и весельем.

Произведения Фра Филиппо Липпи показывают одновременно и наивность, и роскошь, и живость, и некоторую причудливость. Его творческий путь был единым целым, без фундаментальных изменений в стиле.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира, FraFilippoLippi- 75 works by Filippo Lippi.

Липпи Филиппино/Lippi, Filippino(Раннее Возрождение)

1459 — 1504

Филиппино Липпи -итальянский художник, представитель медицейской школы, сложившейся во Флоренции во второй половине 15 века при дворе Лоренцо Медичи Великолепного.

Филиппо Липпи-младший,прозванный Филиппино Липпи родился 15 апреля 1459 года в тосканском городе Прато, незаконнорожденным ребёнком художника Филиппо Липпи и Лукреции Бути.

После смерти своего отца и первого учителя Филиппо Липпи, Филиппино, в возрасте 12 лет, поступил в мастерскую Боттичелли, влиянием которого проникнуты ранние лирически-одухотворенные произведения Филиппино, созданные в 1478-1482 («Мадонна», Лондон, Национальная галерея, Флоренция, Уффици; Будапешт, Музей изобразительных искусств; Берлина-Далем, музей; «Сцены из жизни Эсфири», Париж, Лувр; Шантийи, музей Конде; Оттава, Национальная галерея; «Товий и три ангела», Турин, галерея Сабауда; «Поклонение младенцу Христу», Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж; «Поклонение волхвов», Лондон, Национальная галерея.; «История Виргинии», Париж, Лувр; «История Лукреции», Флоренция, Палаццо Питти).

Самый одаренный из всех мастеров круга Боттичелли, Филиппино Липпи, подобно некоторым другим мастерам рубежа XV—XVI вв., пережил душевный надлом, отразившийся на характере его искусства. Дарование художника наиболее гармонично раскрылось в работах 1480-х.

Влияние Боттичелли на творчество Филиппино Липпи было столь сильным, что Беренсон приписал эту группу произведений, а также несколько портретов некоему художнику, названному «друг Сандро» (Боттичелли).

Филиппино заимствовал у своего учителя удлиненные и утонченные, элегантные и патетичные фигуры своих персонажей. Для произведений Филиппино характерен сильный драматизм в сочетании со свободой и виртуозностью в компановке фигур и рисунке их движений.

Изображаемые сцены Филиппино Липпи любил окружать архитектурными деталями с богатым орнаментом, являвшимися следствием изучения им римских древностей. К числу ранних и и наиболее удачных работ Филиппино Липпи по части стенной живописи принадлежат фрески, которыми он довершил украшение капеллы Бранкаччи в церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции (около 1484-1485 ), прерванное за 50 лет до этого смертью Мазаччо.

Здесь Филиппино словно «испугался» впечатляющего величия росписей Мазаччо(по выражению Бранди:»отрекся и от себя самого, и от Мазаччо»), и закончил их в формах более искусственных, лишенных той восприимчивости, какую он продемонстрировал в своих первых произведениях.

Работа над ними принесла художнику заслуженную известность. Позднее, оказавшись в Риме, Филиппино Липпи внимательно изучал античные руины, сделав их затем постоянным мотивом своей живописи, повторявшимся в каждой его картине, даже когда это не было мотивировано сюжетом.

Около 1483 года Филиппино исполнил два тондо «Благовещение» (Сан-Джиминьяно, музей), которые показывают изменение его стиля; линия письма становится более закрученной и нервозной, драпировки более цветистыми, а колорит более «металлическим».

Слава Филиппино Липпи, как выдающегося живописца принесла ему несколько очень значительных заказов: в 1486 году — алтарь «Мадонна с четырьмя святыми» для зала дельи Отти ди Пратика в Палаццо Веккио (ныне — Флоренция, Уффици); примерно тогда же — «Видение св. Бернарда» для капеллы семьи Пульезе (Флоренция, ц. Бадии) и «Мадонна со святыми и донатором» для капеллы семьи Нерли церкви Санто-Спирито; здесь вид Флоренции, открывающийся сквозь портик, который окружает группу, можно сравнить с пейзажными фонами в нидерландской живописи.

С 1487 по 1502 год Филиппино Липпи работал над украшением капеллы Строцци во флорентийской церкви Санта Мария Новелла, а в 1489-1493 годах в Риме Филиппино Липпи пишет «Сцены из жизни Марии и св. Фомы Аквинского» в капелле Карафа церкви Санта-Мария сопра Минерва.

Знакомство с античностью приводит художника к декоративному изобилию (гротески, фризы, странные прически), и становится для художников позднего XV столетия предлогом к ностальгическим воспоминаниям и фантазиям.

В 1496 году Филиппино Липпи написал алтарный образ «Поклонение волхвов» для флорентийского монастыря Сан Донато а Скорпето (в настоящее время находится в галерее Уффици).
В конце века, Филиппино получает заказы и от других городов. В 1501 году для церкви Сан-Доменико в Болонье он пишет «Обручение св. Екатерины» . Примерно в это же время он отправляет в Геную «Алтарь святого Себастьяна» (ныне — Палаццо Бьянко).

Станковые картины Филиппино Липпи не особенно многочисленны, хотя и встречаются в некоторых музеях и флорентийских церквах. «Явление Богоматери св. Бернгарду», большой алтарный образ в церкви Бадиа во Флоренции и «Мадонна, с предстоящими ей святыми Иеронимом и Домиником» в Лондонской национальной галерее.

Филиппино Липпи был одаренной поэтической натурой, искусным мастером с богатым воображением. Его лучшие произведения отличаются безмятежным спокойствием и совершенной красотой образов.

Особую изысканность его произведениям придаёт изобилие архитектурно-декоративных мотивов, навеянных искусством античности. Филиппино был также замечательным рисовальщиком.Однако, нельзя не отметить, что искусству Филиппино Липпи свойственна и причудливая, нарочитая усложненность, преувеличенная, почти гротескная экзальтация, достигающая апогея в фресках «История святого Филиппа» (Флоренция, Санта Мария Новелла, капелла Строцци, около 1502 года).

Преждевременная смерть художника не позволила ему завершить такие произведения, как «Коронование Марии» для ц. Сан-Джорджо алла Коста, законченное Алонсо Берругете (ныне — Париж, Лувр), и «Снятие с креста» для церкви Сантиссима-Аннунциата, законченное Перуджино в 1505 году (ныне — Флоренция, гал. Академии).

Умер художник Филиппино Липпи во Флоренции 20 апреля 1504 года в возрасте 45 лет.

Вместе с Пьеро ди Козимо, Филиппино Липпи был тем художником, который предвосхитил некоторые странные и фантастические черты, которые вновь появились ,но уже в иной, более интеллектуальной форме, в эпоху маньеризма.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы Филиппино в галерее Уффици в Флоренции,  Exhibition Da Donatello a Lippi. Officina Pratese at Museo Civico di Palazzo Pretorio in Prato (September 2013 — January 2014).

Лира Педро/Pedro Lira Rencoret(Реализм)

1845–1912

Педро Лира (исп. Pedro Francisco Lira Rencoret; 17 мая 1845, Сантьяго — 20 апреля 1912, Сантьяго) — чилийский живописец и искусствовед, писатель. Основатель Союза художников Чили.

Яркий представитель реализма в чилийской живописи, Педро Лира родился 17 мая 1845 года в Сантьяго в состоятельной семье известного юриста и политика Хосе Сантоса Лиры Кальво.

Финансовое благополучие родителей позволило ему получить очень хорошее образование.

Он начал своё обучение в Национальном институте Чили в Сантьяго и в 16 лет поступил в Академию живописи, которой в то время руководил итальянец Алехандро Сикарелли.

Эти учебные заведения заложили основу его гуманитарного образования. В дополнение к изучению живописи Лира также получил степень в области права в Национальном университете.

Однако, интерес к живописи заставил Педро оставить свою юридическую практику и посвятить все свое время на искусству.

В 1865 году Лира начал обучение у Антонио Смита, художника-пейзажиста, который покинул Академию живописи из-за разногласий с руководством по поводу классического обучения. Под влиянием Смита Лира стал работать в стиле романтической исторической живописи.

Педро Лира входил в группу молодых чилийских художников, на чьи талантливые работы обратили внимание во время проведения Национальной выставки 1872 года.

В 1873 году он отправился в Париж вместе с женой Еленой Оррего Луко и её братом Альберто Оррего Луко.

Лира жил в Париже до 1884 года, продолжая академическое художественное образование и создавая картины на исторические и мифологические темы. Здесь он в совершенстве осваивает холст, масло, офорт, рисунок и росписи.

Педро Лира привлекает творчество романтического художника Эжена Делакруа и он копирует несколько его работ, в первую очередь, основанных на сюжете входа крестоносцев в Константинополь .

Именно с этого момента романтическое настроение начинает преобладать в сюжетах его работ. Известность художника растёт , и он первым из живописцев Латинской Америки удостаивается чести быть представленным на Парижском Салоне.

И всё же, несмотря на успех во Франции, Лира решает вернуться в Чили.
По возвращении в Чили в 1884 году Педро Лира вместе со скульптором Хосе Мигелем Бланко основывает Союз художников и принимает самое деятельное участие в создании национального Музея изобразительных искусств, который первоначально располагался на втором зтаже Конгресса в Сантьяго.

Он также организовывает первую «чилийскую» художественную выставку и становится известен как критик.

Работая в Союзе художников Чили, Лира заручился поддержкой правительства и пожертвовал часть своего состояния, чтобы открыть постоянное здание салона для выставок (в настоящее время — Музей изящных искусств) в Кинта-Нормаль, которое он сам и спроектировал.

Он работал редактором газеты «Салон» («El Salon»), а также в Комиссии по изящным искусствам, был спонсором ежегодного салона в Сантьяго.

Кроме того, он перевел с иностранных языков многие работы по истории искусств и сам писал книги и статьи на эту тематику. В 1892 году он был назначен директором Школы изящных искусств (бывшая Академия живописи) и занимал эту должность в течение 20 лет до своей смерти в 1912 году.

Педро Лира скончался 20 апреля 1912 года в возрасте 66 лет в Сантьяго, где и был похоронен.

Из четырех великих мастеров чилийской живописи Педро Лира занимает особое место.

Его творчество напрямую связано с чилийским «художественным прорывом», который происходил с момента создания Академии художеств и до формирования знаменитого «Поколения 13»- творческого объединения чилийских художников, принявших участие в знаменитой совместной выставке 1913 года в залах чилийской газеты Эл Меркурио.

Его творческое наследие в чилийской живописи очень обширно.

Кроме многочисленных работ, Лира был организатором первых художественных выставок в стране, написал биографический словарь художников ,перевел и опубликовал философию искусства Ипполита Тэна ,дал мощный импульс создание Музея изящных искусств в Quinta Normal, выступал как критик и педагог , прямо или косвенно повлияв на творчество большинства чилийских живописцев.

В настоящее время его главные работы выставляются в крупнейших музеях Чили, таких как Дом искусств , Музей изобразительных искусств, Дворец Ла Монеда , Национальная библиотека , Национальный исторический музей , а также во многих мировых художественных музеях.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г.,Sitio del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile, Artistas plásticos chilenos: Pedro Lira, Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Pontificia Universidad Católica, Facultad de Arquitectura y Bellas Artes: Pedro Lira.

Листе Корнелис

1817–1861

Голландский живописец (1817,Харлем — 1861,Харлем).
Почти всю свою жизнь прожил и проработал в городе Харлеме.Учился живописи у своих коллег по цеху из Харлема Й. Рекерса и Н.й. Росенбома. Все его пейзажи, часто со смелыми и неожиданными световыми эффектами,с уверенностью можно отнести к традиции немецкого романтизма.

Много путешествовал по Бельгии, Германии и Швейцарии.
Знамениты его удивительные пейзажи вересковых полей, благодаря которым он неоднократно становился обладателем различных медалей на выставках. Большое количество его работ находится в собрании Радемакерса.

Литовченко Александр Дмитриевич/Litovchenko, Alexandr(Русская историческая живопись).

1835–1890

Александр Дмитриевич Литовченко(укр. Олександр Дмитрович Литовченко) — российский исторический и религиозный живописец, академик Императорской Академии художеств, участник «бунта четырнадцати», один из учредителей Санкт-Петербургской артели художников[2], член Товарищества передвижных художественных выставок

Александр Дмитриевич родился 14 [26] марта 1835 года в городе Кременчуг в бедной мещанской семье. Влечение к живописи мальчик почувствовал очень рано, у него проявилась редкий дар к рисованию .Эта увлечённость в конце концов и определила судьбу будущего живописца.

В 1855 году ,прибыв в Петербург, он поступил в ученики Академии Художеств, с большим трудом выдержав вступительные экзамены. Наставником у Литовченко был сам Фёдор Антонович Бруни.

В Академии занятия у Литовченко пошли весьма успешно: в 1855, 1857 и 1858 годах он получил две малые и две большие серебряные медали за рисунок и этюд, а в 1861 году Литовченко был удостоен малой золотой мeдали за выполненную им по академической программе работу «Харон перевозит души умерших через реку забвения Стикс».

Участвуя в дальнейшем в конкурсах на получение большой золотой медали, Литовченко выполнил программные работы «Олимпийские игры» в 1860 году и «Стрелецкий бунт» в 1862, но не был удостоен этой награды и отказался от дальнейших попыток ее соискания.

9 ноября 1863 года Литовченко присоединился к двенадцати соискателям, отказавшимся от данной академическим советом Академии программы на первую золотую медаль, и, вместе с остальными, покинул Академию, получив от нее диплом классного художника второй степени, вместе с присоединенным к нему свидетельством, что художник имеет превосходные способности и «может писать образа».

Покинув Академию , Литовченко примкнул к «Петербургской художественной артели», а после её распада вошел в «Товарищество передвижных выставок»,серьёзно повлиявших на ход развития русского живописного искусства, на которых и он выставлял с 1878 года свои работы.

В 1868 году за картину «Сокольничий — этюд мужской полуфигуры в русском костюме XVII столетия» он получил звание академика. После этого, добиваясь профессорского звания, Литовченко в предоставленной Академией Художеств мастерской, в течение четырёх лет работал над картиной «Царь Иоанн Грозный показывает свои сокровища английскому послу Горсею».

Представленная на суд Совета в 1874 году работа, была признана членами Совета неудовлетворительной в историческом и, в особенности, археологическом отношениях. Крайне расстроенный художник, будучи не согласным с вердиктом Совета просил более определенных указаний и объяснений, но получил ответ, что совет не считает нужным входить с ним по поводу этого в переписку.

После этого отношение Литовченко к Академии резко изменилось и до самой смерти все высказывания художника об Академии были резкими и язвительными.

После получения академического звания, произведения Литовченко стали часто появляться на академических выставках, а с 1878 года и на выставках Товарищества передвижных художественных выставок, деятельным членом которого живописец оставался до конца своей жизни.

Лучшими из произведений художника несомненно являются : «Иоанн Грозный показывает свои богатства английскому послу Горсею» (1875) и «Царь Алексей Михайлович и архиепископ Новгородский Никон у гроба святого чудотворца Филиппа, митрополита Московского» (1886), а также несколько портретов, особенно,рисованные черным карандашом и карандашным соусом портреты С. С. Андреевского, В. В. Вельяминова-Зернова и других лиц.

Из работ Литовченко по части религиозной живописи заслуженно привлекают внимание образа, написанные для церкви Святого Николая на Севастопольском военном кладбище и семь стенных картин в московском храме Христа Спасителя.
Скончался Александр Дмитриевич Литовченко 16 (28) июня 1890 года в возрасте 55 лет в С-Петербурге, где и был похоронен.

Вот, что было написано во «Всемирной иллюстрации»- русском еженедельном иллюстрированном художественно-литературном журнале, умеренного, буржуазно-либерального толка, одном из самых популярных изданий второй половины XIX столетия в России, по случаю смерти живописца: «Литовченко не внес в русскую школу живописи ничего нового ни в смысле направления, ни в смысле художественных приемов.

Рисунок его был правилен и даже несколько академичен, колорит приятен, манера, что называется, сочная, композиция суха и не разнообразна. Но, не оставив в русской живописи крупного следа после себя, Литовченко, тем не менее, не будете забыт, благодаря именно той роли, которую он играл при основании товарищества передвижных выставок.

За последние тридцать лет это основание товарищества является самым выдающимся событием истории живописи в России. Товарищество несомненно оживило русскую школу, открыло новые пути и, не придавая товариществу того исключительного значения, которое ему придает г-н Стасов, можно, однако же, сказать, что товарищество было полезным учреждением не только для своих членов, но и вообще для русской живописи.

Литовченко служил этому делу искренно и горячо; хотя из его протеста, в смысле личной художественной деятельности, не вышло ничего, — он был, как основатель товарищества, одним из «главных пионеров русского искусства».

Лучше, пожалуй, и не скажешь… Работы художника на сайте.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия русской живописи”Русская живопись от иконописи до авангарда”- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2012г, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., .Интернет-ресурс “Русская живопись, отА до Я”, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”,Русские художники:Литовченко Александр Дмитриевич.

Ложе Ашиль/Achille Lauge(Постимпрессионизм)

1861-1944

Ашиль Ложе родился 29 августа 1861 во французском городке Arzens в семье фермера.

Родители видели в Ашиле будущего фармацевта , и связывали будущее мальчика именно с этой профессией.

Живописью Ложе начинает заниматься в 17 лет в Тулузе, где знакомится с Антуаном Бурделем и Аристидом Майло и сохраняет с ними долгие дружеские отношения.

В 1876 году Ашиль Ложе переехал в Тулузу, где в течение пяти лет стажировался в в качестве провизора в местной аптеке.

Одновременно с этим мальчик с большим желанием посещал занятия в Высшей школе изящных искусств в Тулузе, где начал своё профессиональное обучение живописи, которое продлилось с 1876 по 1881 год.

Успехи мальчика радовали его наставников в школе, и Ложе принял решение связать своё будущее с живописью.

В 1882 году Ложе переезхал в Париж, где продолжил своё профессиональное обучение.

Его наставниками в парижской Национальной школе изящных искусств, куда он поступил, являлись Александр Кабанель и Жан-Пол Лоран.

Обучение Ложе продолжалось до 1886 года, а затем, еще в течение двух лет Ашиль Ложе посещал занятия Аристида Майоля, выдающегося французского скульптора и живописца каталонского происхождения, дружеские отношения с которым сохранялись у художника течение всей жизни.

В течение этого периода обучения Ложе находился под влиянием творчества Жоржа Сера Поля Синьяка и Камиля Писсарро.

В 1894 году Ашиль Ложе выставил три своих работы в «Салоне независимых». Заметки критиков и газетные публикации о работах Ложе не были благожелательными.

В Париже его работы не понимали, критически оценивали, подвергали насмешкам. Позже Ашиль Ложе выставлял свои работы в Тулузе, где экспонировал их совместно с работами де Боннара, Мориса Дени, Серюзье, Русселя, Тулуз-Лотрека и Вюйара.

Позже в Париже прошли несколько персональных выставок Ашиля Ложе в период с 1907 по 1930.

После смерти отца, в 1895 году Ашиль Ложе возвращается в Кайо, где проведёт весь остаток своей жизни.

Он выбирает простую жизнь. Каменщики соседней деревни помогают ему построить скромный дом («Жаворонок»).

Именно здесь он находит источник вдохновения для своего творчества. Он много пишет на открытом воздухе: иногда в масле, иногда пастелью.

После отъезда из Парижа, следуя примеру Сёра и его пуантилизма, Ашиль Ложе создал свою собственную технику дивизионизма.

Хотя Ложе никогда не принимал научного подхода Сёра, его интерес к главенству и разделению цветов привел к появлению яркой, живой, полупрозрачной палитры.

В 1888-1896 годах Ложе писал свои картины маленькими цветовыми точками красок.

Позднее он продолжил создавать свои пейзажи, портреты и натюрморты используя легкие систематические мазки, схожие с перекрестной штриховкой.

После 1905 года он стал работать с пигментами свободнее, используя крупные мазки и импасто, что приблизило его к традиционной импрессионистской технике, в тоже время он поддерживал свою манеру полупрозрачного изображения.

Ашиль Роже умер 2 июня 1944 года в городке Кайо, где и был похоронен.
Ашиль Роже был очень талантливым художником.

Его работы, представленные во многих художественных музеях никогда не оставляют равнодушными многочисленных ценителей живописи, а творчество художника вызывает неподдельный интерес у многочисленных исследователей и в наше время.. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Notice biographique, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Site dédié à Achille Laugé.

Симоне и Ломбардо Энрике/Enrique Simonet Lombardo

1866–1927

Энрике Симоне и Ломбардо (исп. Enrique Simonet Lombardo; 02.02.1866, Валенсия — 20.04.1927, Мадрид) — испанский художник. Самой известной его картиной называется «Анатомия сердца» (др. назв. «У неё было сердце», «Вскрытие», 1890).
Ломбардо Энрике родился в Валенсии.

С детства он мечтал стать священником, но любовь к живописи победила, и Ломбардо решил связать свою жизнь с искусством.Сначала юноша закончил Королевскую Академию искусств Сан-Карлос в Валенсии, затем он переехал в Малагу и поступил учиться в студию художника Бернардо Феррандиса, выходца из Валенсии.

В 1887 году Смионе и Ломбардо получил грант на изучение живописи в Академии изобразительных искусств в Риме.
Художник отправился в качестве пенсионера в Италию, где написал картину «Усекновение главы Святого Павла» (La decapitación de San Pablo), которая находится сейчас в соборе Малаги.

Пребывая в Италии, Энрике объездил всю страну, несколько раз посетил Париж, в 1890 году путешествовал по Средиземноморью.

В 1890 году Симоне и Ломбардо написал одну из своих самых известных картин «Анатомия сердца» (Anatomía del corazón), которая также известна под названиями «У нее было сердце!» (Y tenía corazón!) и «Вскрытие» (La autopsia). Эта картина принесла художнику международное признание и несколько наград на выставках.
Кроме этого, Энрике совершил поездку на Святую Землю.

После поездки художник написал монументальную картину «Он плакал над ним» (картина названа на латыни — Flevit super illam), за которую тоже получил множество медалей. Среди них – Золотая медаль на Международной выставке в Мадриде в 1892 году, медали на Всемирной ярмарке в Чикаго в 1893 году, на Национальной выставкев Барселоне в 1896 году и на Всемирной выставке Париже в 1900 году.

В 1893 году Симоне и Ломбардо отправился в Марокко в качестве военного корреспондента испанской и американской прессы.
В 1901 году художник был избран профессором Школы изящных искусств в Барселоне.

После этого назначения Ломбардо переехал жить в этот город, хотя каждое лето проводил в курортном городке Виго в Галисии на берегу Атлантического океана.

В 1911 году художник стал профессором и был избран членом Королевской Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде.

Ломбардо написал и несколько декоративных росписей, среди которых четыре больших полотна «Аллегория закона» во Дворце юстиции в Барселоне и восемь картин «Аллегории провинций» во Дворце правосудия в Мадриде.

Художник умер 20 апреля 1927 года в возрасте 61 года. Работы художника на сайте.
По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.,Biography at Museo del Prado.

Ломбардо Спартако/Lombardo Spartaco

1858–….

Спартако Ломбардо родился в Lulno (Италия), 26-ого марта 1958 года.

Современный фигуративный живописец, на сегодняшний день активно принимает участие в многочисленных выставках современного искусства, а также с успехом проводит авторские показы своих личных произведений.

Родной город его расположен на берегу красивого озера Маджоре. И это оказало немалое влияние на формирование художественного вкуса Spartaco Lombardo.

Когда ему исполнилось 23 года, началась его профессиональная карьера художника. В итоге, вначале он национальное признание как художник, а чуть позже и мировое.

За тридцать лет он очень много раз становился победителем итальянских и мировых художественных конкурсов.

Живопись становится для мастера смыслом существования, смыслом жизни.

Черпая вдохновение из повседневности, Спартако Ломбардо пытается запечатлеть мимолетные мгновения жизни, его работы можно сравнить с “окном открытым в окружающий мир”.

Спартако – представитель нового направления, стремящегося к наиболее точной и в то же время аналитической передаче реальности.

Картины автора не пытаются рассказывать какую-либо историю или событие, как это делают полотна замкнутых в своих мастерских академических художников.

Маэстро стремится изобразить как вещи воспринимаются человеческими чувствами, в то же время ищет способ ухватить динамичный и мимолетный аспект действительности.

Ломбардо великолепно чувствует природу, с легкостью упрощая элементы пейзажа, передавая его с помощью пятен разнообразных оттенков.

Динамизм пейзажа, являющийся результатом быстрых, энергичных мазков, контрастирует со статичностью персонажей.

Спартако использует цвета с большим художественным чувством и изяществом. Находясь в художественном поиске, постоянно экспериментируя, вырабатывает свой собственный стиль, в котором свобода соединяется с точностью восприятия.
Одна из любимых тем художника – женщина.

Взгляд автора очень чувствителен и свободен от предубеждений.

Фон картины – это область вибрации, в которой разнородность цветов способствует тому, что на персонаж попадает интенсивный сноп света.

Можно легко заметить следы кисти на поверхности полотна.
Палитра художника характеризуется захватывающей яркостью.

Сцены из повседневной жизни, так удачно схваченные, иногда словно этюдные, проходят сквозь действительность, запечатлевая универсальные образы, остановленные моменты жизни.

Работы автора находятся в частых и государственных коллекциях произведений современного искусства Европы и США.

Лонги Пьетро/Longhi Pietro(Барокко и Рококо)

1702-1785

Пьетро Лонги — известноый итальянскиц художник, рисовальщик, яркий представитель Венецианской школы.
Пьетро Лонги, настоящее имя Пьетро Фалька, родился 5 ноября 1702 года в Венеции в семье известного в городе серебряных дел мастера Алессандро Фалька.

Первоначальное обучение прошёл у отца. Начав серьёзно заниматься живописью, художник взял себе псевдоним — Лонги.

Учился живописи в Венеции у Антонио Балестры. После посещения в 1734 году Болоньи Пьетро Лонги начал работать в манере Джузеппе Марии Креспи, с живописью которого познакомился во время поездки, и у которого прошёл курс обучения.

Своё творчество Пьетро Лонги начал с работ религиозной тематики.
В период 1720—1730-х годов основной тематикой работ Пьетро Лонги были алтарные образы в традициях позднего барокко для церквей Венеции и других городов Северной Италии (Св. Пеллегрино, ведомый на казнь, ок. 1729, Бергамо, церковь Св. Пеллегрино; Поклонение волхвов, 1733, Венеция, церковь Санта Мария Матер Домини).

Единственная попытка Лонги «найти себя» в монументальной живописи потерпела полную неудачу: в единственной фреске «Низвержение гигантов» (1734, Венеция, палаццо Ка’Сагредо) обнаружилась его полная неспособность усвоения стилистики декоративной живописи «большого стиля».

С середины 1730-х годов, под воздействием мастеров французского рококо, Лонги от росписей в стиле барокко перешел к небольшим, написанным в светлых, почти пастельных тонах сценкам из жизни светского общества Венеции (“Концерт”, 1741, Галерея Академии, Венеция), и сценкам из народной жизни.

Картины «Спящий пастушок» (около 1740 года), «Пастушка с цветами», «Прачка» (все — Бассано, Городской музей), «Прядильщица» (Венеция, Ка’Реццонико), созданы под влиянием творчества Джузеппе Марии Креспи.

Коренастые, чётко прописанные фигуры крестьян у Лонги выглядят гораздо более миловидными, чем у его болонского учителя.. Унаследованный от Креспи интерес к правдивой передаче характерного сюжета , Пьетро Лонги сохранит на всю свою творческую жизнь, и отразит в своих многочисленных рисунках. (Венеция, Ка’Реццонико).

Небольшие работы Лонги, повествовавшие о времяпрепровождении представителей знати показывали различные курьёзные события, происходившие на улицах города. Они полностью отвечали вкусам тогдашнего буржуазного итальянского общества, и хорошо покупались иностранными коллекционерами и ценителями живописи.

По мнению же профессионалов его искусство соответствовало понятию «низкого жанра»,что долгое время препятствовало присвоению Лонги титула почётного члена Венецианской Академии художеств.

31 декабря 1756 года был принят в венецианскую Академию живописи и скульптуры. В 1766 г. стал почётным членом Академии художеств.

В своих поздних произведениях, используя некоторые отдельные приемы народного лубка, с должной иронией , в духе драматургии Карло Гольдони, художник уподоблял персонажи своих картин забавным марионеткам. С удивительной проницательностью Лонги подмечал смешное.

С легкой иронией Лонги взирал на нравы современного общества, при этом не отстраняясь, а делая себя как бы сопричастным ритму его жизни. Великий Гольдони , в свойственной ему поэтической форме выразил Пьетро Лонги признание близости его живописного искусства к созданной писателем новой современной комедии.

В полотнах «Носорог» (около 1751 года), «Гадалка» (1753 год, обе — Венеция, Ка’Реццонико), «Новый мир» (1756 год, Венеция, галерея Кверини-Стампалья), «Шарлатан» (1757 год, Венеция, Ка’Реццонико), «Слон» (1774 год, Венеция, Католический банк), Ридотто (около 1780 года, Бергамо, галерея Академии Каррара) художник существенно расширяет круг рассматриваемых тем.

На суд зрителей выносятся милые, забавные сценки в бедных кварталах города, завсегдатаи игорных домов, в масках сидящие за столиками, шарлатаны и гадалки, обманывающие зрителей, показ экзотических животных, театральные выступления . Лонги выступает в роли местного газетного хроникёра, с должным юмором повествующего о происходящих событиях.

Три работы Пьетро Лонги, относящиеся к периоду 1760-х годов его творчества, занимают в его наследии особое место. Это- «Прогулка верхом» (Венеция, Ка’Реццонико), «Охота на уток в Лагуне», «Приготовление к охоте» (обе — Венеция, галерея Кверини-Стампалья).

В этих работах преобладают воздух и свет,смягчающие очертания пейзажей и придающие особую изящную лёгкость изображённым фигурам. Это сильно отличается от статичного изображения персонажей в работах художника более раннего периода.

Живописная манера этих произведений Лонги, как бы предвосхищает находки и достижения пленэрной живописи 19 века.

Лонги был широко известен и как талантливый портретист. Портреты венецианской знати , написанные в духе парадных работ эпохи барокко «Мария Франческа Пикарди» (1747 год), «Молодая дама в треуголке» (1750 год ,оба — Милан, частные собрания), покоряют богатым и изысканным разнообразием цвета, особой грацией поз и великолепием костюмов.

Эти портреты, в которых художник стремился передать характер и особые качества модели, дают нам возможность прикоснуться к истории, позволяют нам почувствовать атмосферу того венецианского общества, которое Лонги изобразил во всем его великолепии.

Документально правдивы и при этом чуть ироничны парные и групповые портреты кисти Пьетро Лонги. Это в первую очередь «Чета Кверини» (1760 год, Париж, частное собрание), «Семейство патрициев» (1760 год, Венеция, Ка’Реццонико),а также «Семейство Сагредо» (1783 год,Венеция, галерея Кверини-Стампалья).

В своих же лучших работах -«Франческо Гварди» (1764 год, Венеция, Ка’Роццонико) и «Молодой человек с астролябией» (1760 год, Милан, частное собрание, Лонги в полной мере раскрывает свой необычайный талант и предстаёт одним из лучших портретистов своего времени .

Гравюры и картины Лонги были чрезвычайно популярны в Венеции , его манере многие подражали, с его живописных работ делались гравюры, широко расходившиеся среди горожан.

Талантом портретиста был в полной мере наделён сын художника Алессандро Лонги, который состоялся как живописец под влиянием отца, а в 1762 году издал , написанную отцом автобиографию и собственное сочинение о живописцах Венеции XVIII века.

Умер Пьетро Лонги 8 мая 1785года, в возрасте 82 лет в Венеции, где и был похоронен.

Творчество этого выдающегося во всех смыслах мастера сыграло свою роль в продвижении европейского искусства к романтизму и реалиям 19 века.
Произведения Пьетро Лонги особенно полно представлены в Ка Реццонико, галерее Кверини-Стампалья и галерее Академии в Венеции, а также в Национальной галерее в Лондоне и музее Метрополитен в Нью-Йорке.

По материалам: Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Работы художника в музеях мира.

Лопес и Портанья Висенте/Vicente López y Portaña(Неоклассицизм)

1772–1850

Висенте Лопес-и-Портанья (исп. Vicente López y Portaña; 19 сентября 1772, Валенсия, — 22 июля 1850, Мадрид) — испанский художник, считавшийся лучшим испанским портретистом своего времени.

Висенте Лопес и Портанья родился 19 сентября 1772 года в Валенсии. Родителями Висенте Лопеса были Кристобаль Лопес Санкорди и Мануэла Портанья Меер.

Молодой Висенте начал изучать живопись в возрасте 13 лет, в своём родном городе, под руководством монаха-францисканца Антонио де Виллануэва, а затем в валенсийской Королевской академии изящных искусств Сан-Карлос.

Юноше исполнилось 17 лет, когда он выиграл несколько первых призов в Академии Сан-Карлос, в том числе и за картину «Тобиас восстанавливает зрение своего отца» (Tobias Restoring his Father’s Sight , Музей изящных искусств, Валенсия).
В 1789 году Лопес заслужил направление со стипендией на учебу в престижную столичную королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо.

Здесь он выигрывает приз по рисованию Королевской академии изящных искусств, что являлось большим достижением для молодого художника.

Проучившись три года в Мадриде у известного валенсийского художника Мариано Сальвадора Маэльи., Висенте в 1794 возвращается в Валенсию, где занимает пост заместителя директора Академии искусств, в которой ранее учился.

При этом нельзя не отметить, что большое влияние на художника в период его обучения в Мадриде, оказало не только творчество самого Маэльи, но и творчество немецкого художника Антона Рафаэля Менгса, долгое время жившего в Испании, а также творчество испанского художника Грегорио Форро, продолжавшего традиции Менгса.

В 1795 Висенте Лопес и Портанья женился на Марии Пикуэр, которая родила ему двух сыновей:Бернародо Лопеса Пикьер и Луиса, которые также стали художниками, они продолжали работать в стиле своего отца, но не сумели получить такого же признания, как он.

В 1801 году Лопес и Портанья становится президентом валенсийской Академии Сан-Карлос.

Когда король Карл IV в 1802 году посетил город Турья, он назначил художника своим почетным придворным художником, сразу же заказав ему несколько работ, которые были успешно выполнены.
К 1810-м годам, после французской оккупации, Лопес и Портанья был уже хорошо известным художником, поэтому в 1814 году испанский король Фердинанд VII вызвал художника в Мадрид, удостоил его аудиенции и назначил официальным придворным художником.

Вскоре после этого Лопесу и Портанья удалось сделать при дворе успешную карьеру, при том, что «первым королевским художником» в то время был сам Франсиско Гойя, заменивший на этом посту опального Маэлью.

Фердинанд VII назначил Лопеса и Портанья учителем рисования своей второй жены — Марии Изабеллы Португальской, а затем и третьей жены — Марии Жозефы Саксонской.

Спустя всего три года, в 1817 году, Висенте Лопес и Портанья уже стал президентом мадридской Королевской Академии изящных искусств Сан-Фернандо.
Лопес и Портанья писал свои полотна на разнообразную тематику — они были религиозного, аллегорического, исторического и мифологического содержания, однако подлиных вершин мастерства художник достиг в портретной живописи.

За годы своего творчества Лопес и Портанья создал портреты всех значимых персон испанского общества I половины XIX столетия.В 1826 году Лопес и Портанья написал портрет Франсиско Гойи, когда известный мастер посетил двор в Бордо, где художник тогда жил.

Гойе было тогда 80 лет, и через два года он умрет. По свидетельствам очевидцам, Гойе быстро надоело позировать коллеге, который был очень дотошен к деталям, и именно по этой причине, как считают искусствоведы, портрет Гойи уступает другим портретам Лопеса.Однако, именно портрет Гойи является самой известной работой Висенте Лопеса и Портанья.

Остаток своей жизни Висенте Лопес провел в Мадриде, он писал портреты государственных деятелей и ученых, а также драматические религиозные сюжеты.
Висенте Лопес-и-Портанья писал свои работы в неоклассическом стиле,однако, некоторые из его ранних произведений написаны в стиле рококо.

На завершающем этапе своего творчества Лопес и Портанья обратился к живописи романтизма.
Умер Висенте Лопес и Портанья в должности придворного живописца королевы Изабеллы II 22 июля 1850года в возрасте (77 лет) в Мадриде, где и был похоронен.

Висенте Лопес и Портанья по единодушному мнению абсолютного большинства искусствоведов и критиков считается одним из лучших испанских живописцев своего времени, вторым по мастерству после Гойи.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Работы художника на Wikimedia Commons.

Лопеш Грегорио/Gregorio Lopes(Высокое Возрождение)

1490-1550

Грегорио Лопеш -португальский художник, один из наиболее выдающихся живописцев эпохи Возрождения в Португалии.

Грегорио Лопеш родился в феврале 1490 года в Лиссабоне в семье знатного дворянина. Стремление к рисованию проявилось очень рано, а поскольку семья была достаточно обеспеченной, родители решили развивать в мальчике природный талант и ему был приглашён персональный учитель.

Затем, как и многие другие известные португальские живописцы эпохи Ренессанса, Грегорио Лопеш в 1507 году был принят учеником в художественную мастерскую придворного художника короля Мануэла I, и впоследствии Жуана III, Жорже Алонсо, расположенную в Лиссабоне.

Мастер обратил внимание на талантливого ученика, и постепенно стал прибегать к его помощи при выполнении заказов придворной знати царствующего королевского двора.

В 1514 году Грегорио Лопеш породнился со своим учителем, взяв в жёны одну из его дочерей.

Став первым помощником тестя, Грегорио несколько лет самостоятельно работал в мастерской Алонсо, выполняя поступавшие к нему заказы и оттачивая своё мастерство.

Большое внимание в эти году Лопеш уделяет Книжной миниатюре. Грегорио Лопеш был одним из авторов известного и знаменитого Часослова Мануэла I (1517—1518, Лиссабон, Нац. музей старого искусства). Экзотические мотивы в его миниатюрах очень достоверны и убедительны.

В 1520 году Грегорио Лопеш был посвящён в рыцари побочным сыном короля Жуана II, герцогом Коимбры Жорже, а позже принят в Орден Сантьяго.

Кандидаты в члены ордена должны были подтвердить благородство происхождения всех своих дедов и бабок; на деле же, дворянство отца было достаточным условием.
Художник быстро приобрёл популярность, в его творчестве четко прослеживалось воздействие европейского маньеризма, что определяло главную направленность лиссабонской школы живописи Позднего Возрождения.

Его ранние работы полны аристократизма (Райский алтарь, Обручение Марии, Лиссабон, Нац. музей старого искусства). Большое внимание в своих работах художник уделял архитектурным фонам и роскошным аксессуарам.

Картины написанные Грегорио Лопеш, имели в основном религиозное содержание . Его кисти принадлежат несколько алтарных картин написанных для церквей и монастырей центральной Португалии.

В 1518-1520 годы совместно с Гарсия Фернандушем Лопеш пишет алтарные картины для церквей в Сетубале и Сезимбре.
Между 1520 и 1525 годами Грегорио Лопеш работает, совместно с художником Жорже Леалем, над алтарём монастыря Святого Франциска в Лиссабоне.
В 1520-е годы Лопеш берётся за выполнение заказа по росписи панелей для собора Параисо (Райского) в Лиссабоне.

В 1533 году Грегорио Лопеш совместно с Кристобалем де Фигейреду участвует в написании алтарной картины для монастыря Феррейрим близ Ламегу.

В 1536—1539 годах Лопеш расписывает панели в Томаре, для круглой церкви монастыря Христа,две из них (Мария с Младенцем и Мученичество св. Себастьяна) находятся в лиссабонском музее, а 1538-1539 годах пишет алтарную картину для церкви Иоанна Крестителя.

Картина «Страсти по святому Себастьяну» , написанная в 1536 году, несомненно , один из главных шедевров Лопеш. Светло-золотистая гамма с резким сокращением пространственных перспектив выделяют эту работу мастера.

Несмотря на сюжет, в картине полностью отсутствует какая-либо агрессия. Святой мученик Себастьян, привязанный к столбу и изображённый в центре картины, совершенно бесстрастен.

Красное пятно, на одежде одного из расстреливающих в упор Себастьяна лучников, является единственным тревожным посылом.

С годами творчество Грегорио Лопеш приобрело более обезличенный характер.
Последними известными работами Лопеш являлись алтарные картины для монастырей Сантуш-о-Ново в Лиссабоне, год написания — 1540 и Вальверде близ Эворы, год написания — 1545.

Грегорио Лопеш в своей творческой карьере написал ряд портретов выдающихся деятелей Португалии, среди которых особое место занимает знаменитый портрет Васко да Гамы.

Сын художника, Кристобаль Лопеш, пошёл по стопам отца, и тоже стал известным живописцем.

Грегорио Лопеш скончался 18 ноября 1550 года в возрасте 60 лет в Лиссабоне, где и был похоронен.

Работы Грегорио Лопеш выставлены в экспозиции Национального музея древнего искусства в Лиссабоне и в Национального музея Мачаду де Каштру в Коимбре.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Работы художника на Wikimedia Commons.

Лоренсале е Суграньес Клаудио/Claudio Lorenzale y Sugrañes

1816-1889

Клаудио Лоренсале и Сиграньес (исп. Claudio Lorenzale i Sugrañes; 1816, Барселона — 1889, Барселона) — каталонский художник, один из основателей назарейской школы в Каталонии и каталонского национального культурного движения Ренессенса.
Сын итальянца, Клаудио Лоренсале начал изучение живописи в Мурсии в 1828 году.

В 1830 году он поступает в Художественную школу Лотья в Барселоне, где учится вместе с будущим знаменитым мастером живописи Пелегрином Клаве. В 1837 году Лоренсале получает первую премию в области живописи за картину Sísara derrotat per Barac. В том же году он уезжает в Рим, где каталонский живописец Пау Мила знакомит его с немецким художником-назарейцем Фридрихом Овербеком.

Клаудио Лоренсале посещает в Риме художественную академию Святого Луки, где также за своё творчество был удостоен первой премии.

После возвращения из Италии в Барселону в 1844 году художник разрабатывает собственную концепцию живописи, сродни движению назарейцев в Германии, в основе которой лежало преклонение перед искусством Средневековья, воспринятое К.Лоренсале под влиянием Фридриха Овербека. Мастер начинает преподавательскую деятельность в барселонской Художественной школе Лотья. В 1851 году он становится профессором живописи, в 1858 году — её директором, и остаётся на этой должности до 1885 года. Талант К. Лоренсале высоко ценился в современной ему Испании; ему позировал испанский король Альфонс XII.

Учеником Клаудио Лоренсале и Сиграньеса был известный испанский художник Мариано Фортуни.

Лоренцетти Пьетро/Pietro Lorenzetti(Треченто)

конец XIII века-1348

Пьетро Лоренцетти (итал. Pietro Lorenzetti) — итальянский художник, сиенская школа.
Пьетро Лоренцетти родился в конце XIII века в Сиене в семье торговца.

Точные сведения о дате рождения Пьетро и о том как звали родителей будущего живописца отсутствуют. Известно, лишь, что он был на 10 лет старше своего брата Амброджио, тоже выдающегося живописца.

Согласно статьи о братьях Лоренцетти, опубликованной в Энциклопедии Кольера (энциклопедия, публиковавшаяся в Соединённых Штатах Крауэлом, Кольером и Макмиланом начиная с 1902 года и долгое время считавшаяся одной из трех основных в современном английском языке общих энциклопедий, вместе с Энциклопедией «Американа» и Британской энциклопедией), большинство исследователей приписывали старшинство Пьетро, опираясь на исторический документ,датированный 1305 годом, в котором упоминается художник Петруччо ди Лоренцо.

Наделённый выдающимся талантом от природы, тайны живописного мастерства Пьетро Лоренцетти постигал у Дуччо ди Буонинсенья(около 1255-1319), итальянского живописца , основоположника сиенской школы.

Именно Дуччо познакомил своего ученика с традициями сиенской школы, с присущим только ей смешением византийских, готических и ренессансных элементов и с византийской живописью, стоявшей у истоков сиенской школы.

Первой работой с документально подтверждённым авторством Пьетро Лоренцетти считается алтарь(полиптих), исполненный художником в 1320 году для церкви Санта Мария делла Пьеве в Ареццо.В этой работе художника хорошо прослеживается влияние работы его наставника Дуччо ди Буонинсенья «Маэста» и влияние скульптурных работ Джованни Пизано.

К этому же периоду творчества Пьетро Лоренцетти относятся «Мадонна с младенцем и ангелами»(Музей Diocesano, Кортона), » Маэста с донатором» (Филадельфия, музей искусства, собрание Джонсона),полиптих «Мадонна с младенцем и святыми» (Монтикьелло, церковь).

Этими произведениями открывается наиболее яркий период в творчестве Пьетро, в котором грандиозность, присущая фресковой живописи, сочетается с мощной патетикой либо трагизмом.

Особо стоит отметить «Распятие»(Музей Diocesano, Кортона), относящееся к этому же периоду творчества художника. Благодаря своей глубокой новизне, не только в передаче чувств, но и в иконографии, это произведение Пьетро Лоренцетти оказало большое влияние как на сиенскую живопись, так и на все итальянское искусство того времени.

Несомненно, самым значительным и самым известным произведением Пьетро Лоренцетти являются фрески в Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи. Знаменитый страстной цикл в Нижней церкви в Ассизи был завершающим этапом росписи западного трансепта этого храма.

Стоит отметить, что авторство фресок Пьетро Лоренцетти документально нигде не засвидетельствовано, но, правда, никогда и не оспаривалось.

Оно признаётся, прежде всего, на основании стилистического сходства выявленного впервые в 1864 году знаменитым итальянским искусствоведом Джованни Баттиста Кавальказелле.

Точная дата исполнения этих фресок также не известна: от 1315 года и до 1345 года( разные специалисты придерживаются разных дат), но большинство из них придерживается 1320 года.

Фрески Лоренцетти открываются композицией «Въезд Христа в Иерусалим» на западной стене храма. Далее следуют «Тайная вечеря», «Омовение ног», «Взятие под стражу», «Бичевание Христа», «Несение креста», «Распятие», «Снятие с креста», «Положение во гроб», «Воскресение», и «Самоубийство Иуды».
В 1329 году Пьетро Лоренцетти создает большой алтарь для сиенской церкви Кармине под названием «История ордена кармелитов».

Центральная часть алтаря называется «Мадонна со святым Николаем и пророком Илией». Внешне она больше напоминает византийскую икону, а не картину. В центральной части алтаря изображена Богородица, сидящая на троне и держащая на руках Спасителя.

Отдельные части этой работы экспонируются в наше время в сиенской Пинакотеке и музее Нортона Саймона в Пасадине. Заметно сходство изображенной в работе на нем Мадонна с младенцем на троне в окружении ангелов, св. Николая Барийского и пророка Ильи, с «Мадонной Оньисанти» Джотто.

В середине 1330-х годов Пьетро вместе с братом Амброджио пишет фрески на фасаде Санта Мария делла СкалаДо наших дней не сохранились).
В 1342 году Пьетро Лоренцетти написал «Рождество Марии» центральную часть алтарного образа для Домского собора Сиены . Это было последним точно датированным произведением великого мастера.

По практически единодушному мнению историков, творчество Пьетро Лоренцетти представляло собой демократическую линию в сиенской живописи. Как художник, Пьетро Лоренцетти всецело сформировался под влиянием работ своего учителя — Дуччо ди Буонинсенья, но в отличие от Дуччо и его последователя Мартини Симоне, темперамент Пьетро Лоренцетти был более драматичным и страстным.

Этот темперамент толкал художника к поиску новых изобразительных средств, которые он нашел в работах Джотто. Пьетро Лоренцетти никогда не отказывался от традиций сиенской школы, но его заслуга состоит в том, что ему удалось внести в тонкую религиозно- аристократическую итальянскую живопись сильные и страстные мазки человеческого драматизма.

После 1344 года упоминание имени Пьетро Лоренцетти в исторических документах больше не встречается. Сиенское предание гласит, что Пьетро Лоренцетти умер в июне 1348 года в Сиене во время эпидемии бубонной чумы.

Тело Пьетро Лоренцетти, как и тело его покойного брата, умершего от чумы перед этим, также было сожжено.

Творчество Пьетро Лоренцетти , всю свою жизнь посвятившего поискам нового в объединении формы и цвета для выражения новых революционных идей, имело значительное влияние.

Как и в случае с другими выдающимися представителями сиенской школы Симоне Мартини и Липпо Мемми, можно смело утверждать, что после смерти Пьетро Лоренцетти ,его влияния не избежал ни один сиенский художник.

Эпидемия чумы 1348 года нанесла чудовищный удар по культурной жизни Италии. Общий упадок не обошёл стороной и художественный процесс, а многие художники просто умерли от чумы.

После этой катастрофы, по подсчетам специалистов, производство художественной продукции в Сиене и Тоскане сократилось примерно в пять раз.

Художники второй половины XIV века — Лука ди Томме, Липпо Ванни, Якопо ди Мино дель Пелличчайо, и другие в своем творчестве опирались на достижения сиенской школы первой половины века,и в том числе и на наследие братьев Лоренцетти: Пьетро и Абброджо.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г.,Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Pietro Lorenzetti at the Web Gallery of Art.

Лоренцетти Амброджо/Ambrogio Lorenzetti(Проторенессанс)

1290-1348

Амброджо Лоренцетти (итал. Ambrogio Lorenzetti,)— итальянский живописец сиенской школы, младший брат художника Пьетро Лоренцетти.
Амброджо Лоренцетти родился в 1290 году в Сиене в семье торговца.

Точные сведения о дате рождения Амброджо и о том как звали родителей будущего живописца отсутствуют. Вплоть до 1319 года имя Амброджо Лоренцетти в исторических документах и хрониках того времени не упоминается.

Известно только, что первым учителем Амброджо был его старший брат Пьетро, талантливый и успешный живописец того времени.

Самым ранним из дошедших до наших дней произведений Амброджо Лоренцетти, авторство которого не подвергается сомнению, является «Мадонна с младенцем» (1319 год, Музей религиозного искусства в Сан Кашано Валь ди Пеза).

Уже в этой работе, в противовес традициям сиенской школы, ощущается интерес художника к объёмности и массе изображения. Образ Мадонны, застывшей в напряжении , выглядит монументально, невольно притягивая к себе внимание зрителей. Линейная элегантность, свойственная сиенской школе , сочетается в работе с флорентийским расположением объемов в пространстве.

В этой и последующих работах мастера чувствуется влияние на его творчество работ Джотто и Арнольфо ди Камбио.
Джорджо Вазари в своём выдающемся труде о художниках «Жизнеописаниях наиболее прославленных живописцев» посвятил Амброджо маленькую, но очень лестную главу, описывая его как человека философского склада ума, который «переносил с духом умеренным и спокойным добро и зло, даруемые судьбой».

По словам Вазари Амброджо Лоренцетти был почитаем современниками не только как художник, но и как литератор, что он постоянно общался с людьми учеными и заслуженными, и «скорее напоминал дворянина и философа, чем художника…»
Амброджо Лоренцетти живо интересовался достижениями флорентийской школы живописи, неоднократно посещая Флоренцию.

Впервые он посетил этот город в 1321 году, а уже в 1328 году Амброджио Лоренцетти вступил в члены флорентийской корпорации «Арте деи Медичи э Специали»(цеховое объединение врачей и аптекарей, куда стали входить и художники).

Флорентийский след нашёл отражение во многих работах мастера этого периода его творчества:«Мадонна с младенцем» (Милан, Пинакотека Брера), «Распятие» (Сиена, Пинакотека), «Мадонна с младенцем» (Нью-Йорк, музей Метрополитен), а также во фресках, написанных в сиенской церкви Сан Франческо -(«Мученичество францисканцев» и «Обет св. Людовика Тулузского»), в которых трактовка пространства произведена во флорентийском духе, но уже более реалистично.
Историки живописи относят Амброджо Лоренцетти к главным представителям первого поколения сиенских тречентистских живописцев.

По мнению историков Абброджо Лоренцетти был единственным из сиенских мастеров, который интересовался античной культурой и завоеваниями флорентийского искусства, и увлечённо занимался перспективой.

Художнику удалось за шестьдесят лет до Брунеллески открыть единую точку схода линий — хотя и на плоскости, а не в живописно созданном пространстве.
Творчество живописца всегда развивалось параллельно творчеству его старшего брата, также известного живописца Пьетро Лоренцетти.

Помимо родства братьев связывала и большая дружба, основанная на общих интересах и интеллектуальном единении. Оба брата интересовались достижениями флорентийской школы, рассматривая их с точки зрения традиций сиенской.
В 1324-1327 годах Амброджо создаёт фрески «Мученичество францисканцев» и «Обет святого Людовика Тулузского», приведшими в восхищение Вазари.

В этих работах поражает изображение реального пространства и искусство передачи драматизма происходящего.
В 1330 году Амброджо пишет фреску «Маэста» в капелле Пикколомини церкви Сан-Агостино в Сиене.

По утверждению историков именно в этот период Амброджо начинает постепенно освобождаться от флорентийского влияния и вырабатывает свой индивидуальный стиль, который характеризуется мастерским изображением пространства и найденным им равновесием между передачей объёма и изяществом линий.

В 1332, уже в новой манере, Амброджо пишет триптих «Мадонна с младенцем и святыми» (Флоренция, Уффици). Характерными чертами нового индивидуального стиля мастера являются : реализм, совершенно новая трактовка пространства и объединяющий образы психологизм.

Его образы более человечны, они по-настоящему правдивы, их поведение пронизано земной радостью.
Именно так написаны: четыре «Сцены из жизни св. Николая» (Флоренция, Уффици), прекрасная «Аллегория искупления» (Сиена, Национальная пинакотека), панно полиптиха из церкви Санта-Петронилла («Мадонна с младенцем», «Мария Магдалина», «Св. Доротея» , Сиена, Национальная пинакотека) и фрески в капелле Монтезиепи («Маэста», «Благовещение»).

Все эти работы Амброджо, предваряют знаменитые фрески «Аллегория Доброго и Злого правления и их плоды в городе и деревне», написанные в 1337-1339 (Сиена, Палаццо Публике).

В 1335 году Амброджио совместно с братом Пьетро пишет фрески на фасаде церкви Санта-Мария делла Скала в Сиене и изображавшие «Сцены из жизни Марии» (до наших дней не сохранились).
1337-1339 годы Амброджио совместно с братом Пьетро трудится над созданием грандиозных фресок на стенах сиенской ратуши, которые явились средоточием интереснейших и разных по своему характеру памятников сиенской живописи 14 столетия.

Содержание этих росписей, дающих аллегорическое изображение “Доброго и Злого правления и их последствий”, сложно и запутанно, как это было свойственно аллегорической тематике того времени, и не всегда поддается разгадке. Работы привлекают яркостью образов и повествовательным мастерством.

В 1340 году в Авиньон переехал Симоне Мартини, и братья Пьетро и Амброджо Лоренцетти стали ведущими живописцами Сиены выполняя все более и более амбициозные заказы.
В 1342 году Амброджо Лоренцетти создаёт «Принесение во храм» для Оспедалетто в Монна Аньезе (ныне — Флоренция, Уффици).

Работа венчает опыты художника по поискам перспективы, начатые Амброджо во времена своего первого знакомства с флорентийской культурой. На протяжении всего последующего столетия орнаментальное богатство и роскошь Амброджо Лоренцетти будут служить моделью для сиенских живописцев.

Амброджо Лоренцетти скоропостижно скончался в мае 1348 года в Сиене во время эпидемии бубонной чумы. Тело Амброджо было сожжено.

Самым известным и выдающимся произведением Амброджо Лоренцетти являются фрески, написанные им в зале Девяти сиенской ратуши — Палаццо Пубблико.
Наряду с Дуччо и Симоне Мартини, Амброджо Лоренцетти является крупнейшим итальянским художником первой половины XIV века.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”.

Лоррен (Клод Желе)

1600–1682

родился в 1600 году в независимом в ту эпоху герцогстве Лотарингия (Lorrain) в крестьянской семье.

Рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 годах он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию.

Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки.

С 1617 по 1621 год Лоррен жил в Неаполе, учился перспективе и архитектуре у Готфрида Вельса и совершенствовался в пейзажной живописи под руководством Агостино Тасси, одного из учеников П. Бриля, в Риме, где после этого прошла вся жизнь Лоррена, за исключением двух лет (1625—27), когда Лоррен вернулся на родину и жил в Нанси.

Здесь он декорировал свод церкви и писал архитектурные фоны в заказных работах Клода Дерюэ, придворного живописца герцога Лотарингского.
В 1627 году Лоррен опять уехал в Италию и обосновался в Риме.

Там он жил до самой смерти (1627—1682).

Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Также был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.

В 1637 году французский посол в Ватикане купил у Лоррена две картины, которые теперь находятся в Лувре: «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолием».

В 1639 году испанский король Филипп IV заказал Лоррену семь работ (ныне — в музее Прадо), из которых — два пейзажа с отшельниками.

Среди других заказчиков были папа Урбан VIII (4 работы), кардинал Бентивольо, принц Колонна.
С 1634 года — член Академии св. Луки (то есть художественной академии).

Позже, в 1650 году ему предлагали стать ректором этой Академии, от такой чести Лоррен отказался, предпочитая спокойную работу.

В эпоху барокко пейзаж считался второстепенным жанром. Лоррен, тем не менее, получил признание и жил в достатке.

Он снимал большой, трёхэтажный дом в центре итальянской столицы, неподалёку от площади Испании.

Его соседом был, в частности, Никола Пуссен, которого он посещал в 1660-е годы.
Лоррен не был женат, но имел дочь (Агнесс), родившуюся в 1653 году. Ей он завещал всё своё имущество.

Лоррен умер в Риме в 1682 году
Лоррен, в отличие от Пуссена, выходил за рамки академического пейзажа.В его работах всегда важен свет.Он — первый,кто исследовал проблему солнечного освещения,утреннего и вечернего;первый,кто серьёзно заинтересовался атмосферой,её светонасыщенностью.

Его работы оказали влияние на развитие европейского пейзажа,в частности,на Уильяма Тёрнера (нач. XIX века).
Картины Клода Лоррена имеются почти во всех крупных галереях Европы.Особенно много их в общественных и частных коллекциях Англии, Лувре,палаццо Дориа в Риме, мюнхенской пинакотеке,Дрезденская галерее и Эрмитаж в Санкт-Петербурге; в последнем находится 12 картин,в том числе «Четыре времени года»,едва ли не самые замечательные из всех произведений художника.

Пейзажи Клода Лоррена, наряду с философской живописью его современника Пуссена, были одной из вершин французского классицизма.   Работы Художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Sterling and Francine Clark Art Institute 2007 exhibition, Claude Lorrain: The Painter as Draftsman, Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., National Gallery  , Сайт работ художника (149 произведений Клода Лоррена).

Лотто Лоренцо/Lotto Lorenzo(Позднее Возрождение)

1480—1556

Лоренцо Лотто — один из крупнейших итальянских мастеров Высокого Возрождения, чинквеченто.
Лоренцо Лотто родился 15 мая 1480 года в Венеции в семье торговца.

Обучался живописи в художественных мастерских у Альвизе Виварини (1445-1505) и Джованни Беллини (1430-1516).

Первое упоминание о творчестве Лоренцо Лотто относится к 1503 году, когда художник работал в Тревизо, небольшом городке севернее Венеции. Брагодаря протекции местного епископа, Бернардо де Росси, Лоренцо выполнял многочисленные заказы на написание алтарных картин в местных церквях.

Одновременно Лотто писал светские портреты местной знати.
Работая в округе Марке, художник близко познакомился с творчеством Луки Синьорелли и Мелоццо да Форли.

Единомышленником Лотто был и великий немецкий художник Альбрехт Дюрер, посетивший Венецию в 1505-1506 годах. Художники были знакомы лично, и в богатой графической коллекции Лотто находилось немало работ Дюрера.

В 1506 году Лоренцо Лотто приглашают в городок Реканати, области Марке, расположенной в Центральной Италии на восточном адриатическом побережье Апеннинского полуострова , для создания большой алтарной композиции в местной церкви San Domenico.

Впоследствии Лотто не раз возвращался в область Марке и именно там, при храмовом комплексе Санта Каза (Святой дом Богородицы) в Лорето, он окончил свои дни обездоленным и одиноким человеком.

В 1509 году Лоренцо Лотто переезжает в Рим, где участвует в оформлении внутренних апартаментов ватиканского дворца папы Юлия II.
Однако, папе не понравились фрески, выполненные Лотто, годичная работа художника была уничтожена, и впоследствии заменена фресками Рафаэля, снискавшего особое расположение понтифика.

Договор с Лотто был расторгнут и годичный труд остался без оплаты. Художник вернулся во Флоренцию, где в течение трёх лет писал портреты местной аристократии.

В 1513 году Лотто получил выгодный заказ из Бергамо на написание алтарной картины для местной церкви Ордена доминиканцев. Лотто с блеском выполнил заказ и продолжал творить в Бергамо ещё на протяжении 12 лет.

Лоренцо Лотто работал не только в области религиозной живописи. Он также создал обширную галерею портретов и по праву считается одним из ведущих мастеров этого жанра.

Выдающийся талант портретиста проявился в знаменитой работе Лотто «Портрет Лючины Брембати» (Ritratto di Lucina Brembati) (около 1518 года) из собрания Академии Каррара в Бергамо.

Работа подтверждает славу Лоренцо Лотто как выдающегося мастера тонких психологических характеристик.
В 1523 году Лотто переезжает в Венецию.

В эти году он уже очень известный живописец. Количество получаемых им заказов на написание портретов местной знати часто превышают его физические возможности.

Лотто очень много работает , и эта его фантастическая работоспособность вкупе с исключительной обязательностью по отношению к заказчикам приносят ему заслуженное уважение среди коллег по цеху.

В 1531 году Лоренцо Лотто избирают членом организационного комитета Цеха венецианских художников — вместо скончавшегося известного художника Винченцо Бьяджо (1480-1531), одного из учеников и последователей Джованни Беллини.
В этот период происходит знакомства Лотто с Тицианом, являвшимся в это время также членом Комитета.

Лотто также поддерживает приятельские отношения архитектором Джованни даль Коро, который длительное время работал в Венеции. Даль Коро проектировал обрамление для всех портретов и алтарных картин, написанных Лоренцо Лотто в Венеции.

Близким другом Лоренцо Лотто в это время становится и флорентийский архитектор Якопо Сансовито (1486-1570),занявший в 1529 году пост главного архитектора Венецианской республики. Он поддерживает Лотто во всех его финансовых делах, что очень важно для художника в этот период.

В 1540 году Лоренцо Лотто вновь возвращается в Венецию
За почти 10-ти летнее отсутствие, творчество художника оказалось практически забытым.

Окружающие восхищаются творчеством других, более молодых художников: в моду входит маньеризм, привезённый из Флоренции художниками Джорджо Вазари (1511-1574) и Франческо Сальвиати (1510-1563), приехавшими в Венецию в 1539-1540 годах.

Заказы художник получает очень редко, и его финансовое положение серьёзно ухудшается.
В 1549 году художник переезжает в Анкону для работы над алтарной картиной «Вознесение» в церкви Сан Франческо алле Скале. В 1550 году,ввиду крайней нужды, Лотто устраивает распродажу своих работ.

Из 46 работ удаётся продать лишь 7, и лишь неожиданный заказ на несколько работ от настоятеля монастыря Санта Каса в Лорето немного спасает положение. 30 августа 1552 года Лотто переезжает в Лорето, а 8 сентября 1554 года совершает монашеский постриг.

Лоренцо Лотто умер 18 августа 1556 года в возрасте 76 лет в Лорето, где и был с миром погребён.

Новость о смерти художника осталась незамеченной в Венеции — о нём успели забыть, хотя работы Великого мастера украшали в это время дома многих известных сановников Италии.

Только в 1887 году в одном из венецианских архивов было найдено завещание Лотто, а уже в 20 веке личный архив художника.
В 1895 году американский историк искусства Бернард Беренс издал первую биографию художника, заново обратив внимание ценителей живописи на творчество этого выдающегося венецианского мастера.

В 50-е годы многочисленные выставки этого художника прошли в Венеции, Лондоне, Париже.
Знаменитый искусствовед Роберто Лонги (1890-1970) через четыре столетия после смерти художника писал: «Если бы время смогло по достоинству оценить революционную суть искусства Лотто и он занял бы место духовного пастыря живописцев, то тогда, возможно, венецианское искусство развивалось бы в дальнейшем в направлении к Рембрандту, а не Тинторетто».

В 1953 году в Италии состоялась большая выставка, где этот своеобразный мастер был заново открыт и признан.

В 2012 году, в Италии прошла обширная выставка, в полном объеме представившая творчество этого необычного художника, с таким опозданием заслужившего посмертную славу.

С 14 декабря 2012 года по 10 февраля 2013 года в ГМИИ им. А.С. Пушкина состоялась выставка десяти произведений Лоренцо Лотто .Экспонаты выставки прибыли в основном из небольших музеев области Марке, где художник провел значительную часть жизни, а также из Квиринальского дворца в Риме и Академии Каррары в Бергамо

Лоренцо Лотто — исключительная фигура в итальянской художественной культуре XVI века. Внимание к глубокой психологической выразительности и эмоционально волнующим образам духовно роднит его с живописцами более поздних эпох.

Творчество Лотто пронизано новаторством, предвосхитившим развитие более позднего европейского искусства. Лотто часто называют предвестником Караваджо.
Произведения живописца встречаются во многих итальянских церквях и картинных галереях.

Они не составляют редкости и в музеях Англии и Средней Европы. Замечательнейшие из них находятся в церквях: С.-Спирито («Обручение св. Екатерины»), С.-Бернардино («Мадонна на троне, с предстоящими святыми») и С.-Бартоломмео («Поклонение Богородицы Младенцу-Христу») в Бергамо и в црк. С.-Доминико («Взятие Богородицы на небо») в Анконе.

В Государственном Эрмитаже имеются три картины Лоренцо Лотто: «Мадонна», «Сон Младенца-Христа» и «Мужской портрет».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Lotto’s paintings in various museums of the world.

Лохнер Стефана/Stefan Lochner(Готика)

1410—1451

Лохнер Стефан(нем.Stefan Lochner)-немецкий художник, один из крупнейших немецких живописцев переходного — от готики к Возрождению периода и прозванный «Мастером Стефаном из Кельна».

Стефан Лохнер родился в 1410 года(точная дата рождения неизвестна) в Мерсбург-ам-Бодензее — маленьком городке в Констанцком епископстве в достаточно обеспеченной семье. Живописи обучался в Нидерландах, в мастерской Робера Кампена.

Именно Кампен привил Стефану любовь к особой тщательности в проработке драпировок и написанию мелких деталей. В Нидерландах Стефан Лохнер также познакомился с творчеством Яна ван Эйк, посетив знаменитый Гентский алтарь братьев ван Эйк.

В Нидерландах Лохнер вплотную знакомится с новациями старонидердандского искусства.
В 1430 году Лохнер переехал в Кёльн, город с которым художник связал всю свою дальнейшую жизнь. Историки живописи считают его главным мастером Кёльнской школы, для художников которой были характерны лиризм и мягкость в трактовке образов Священного Писания.

Лохнер много времени посвятил изучению прирейнской живописи, в том числе церковных образов крупнейшего вестфальского живописца начала 15 века Конрада из Зеста.
Одной из первых работ, выполненных Лохнером в Кёльне, стал алтарь церкви Святого Лоренса со сценой Страшного Суда в центре.

Стефан Лохнер продолжал традиции основателя Кёльнской школы, мастера Вильгельма, с которым фактически стоял вровень по глубине выражения религиозного чувства и по выражению милой наивности и которого превзошёл в отношении силы лепки и красок.

Главное и самое выдающееся произведение Стефана Лохнера — знаменитый алтарный складень в Кёльнском соборе с изображениями «Поклонения волхвов» на средней доске и сцен из жития Святого Гереона и Святой Урсулы на боковых створках (написан вскоре после 1440года).

Центральное панно изображает сцену «Поклонения волхвов»; на створках изображены двое святых покровителей города и их свита.

На внешних створках представлено «Благовещение» в интерьере, затянутом парчой и с деревянным плафоном. Фигура Богоматери, стоящей на коленях на скамье, чуть повернута к ангелу, который несет ей послание.

Лохнер придает всей сцене большую сдержанность; композиция очень проста и легко читаема. Здесь уже ничего не осталось от робких попыток изображения перспективы и передачи пространства, характерных для алтаря «Страшный суд».
Отказываясь от аксессуаров, художник стремился передать самую суть, особенно в центральной сцене, монументальной и очень стилистически строгой.

Группы волхвов и их свиты свободно расположились вокруг фигуры Марии, восседающей в центре. Стефан Лохнер не изобразил ни архитектуры, ни пейзажа, его главная и единственная тема — это сами персонажи, мощные и монументальные, занимающие всё пространство картины.

В этой работе с особой силой проявилось влияние великих нидерландских мастеров, и в первую очередь Яна ван Эйка. Когда Альбрехт Дюрер в октябре 1520 года по дороге в Нидерланды остановился в Кельне, он записал в своем дневнике о расходе в 5 пфеннигов за разрешение посмотреть в капелле ратуши картину, написанную «Мастером Стефаном из Кельна».

Увидев работу, Дюрер был глубоко потрясён изысканным колоритом работы и тонкой игрой чувств, что, красноречиво свидетельствует об исключительных художественных качествах этого произведения.

В соответствии со средневековой традицией, ни одно из своих произведений мастер не подписывал, но два из них датированы: 1445годом — створки алтаря Богоматери, изображающие «Рождество» (на обороте — «Распятие», Мюнхен, Старая пинакотека) и «Принесение во храм» (на обороте — «Стигматизация святого Франциска», Лиссабон, фонд Гульбенклна) и 1447годом — центральная часть алтаря церкви тевтонского ордера «Принесение во храм» (Дармштадт, Музей земли Гессен). Благодаря этим двум датам можно установить хронологию и других картин художника.

По своей композиции «Принесение во храм» близка центральной части «Поклонение волхвов». Место действия обозначено лишь алтарем, который занимает середину картины. Персонажи образуют группы, расположенные симметрично по обе стороны от алтаря.

Пустота, которая их разделяет, приобретает особое значение, как и ступенчатое расположение в глубину фигур Иосифа, Марии и Симона. Расположение фигур в пространстве подчеркнуто маленькими фигурами детей.

Работы Стефана Лохнера, по мнению историков живописи, не несли в себе ничего новаторского. Будучи приверженцем кёльнской традиции, художник в большей степени интересуется свободной передачей движения персонажей, подчёркнутой одеждами и индивидуальными чертами.Тонкий колорит придаёт его работам нежную лёгкость и торжественность.

Лохнер был пионером искусства больших композиций, широких пространств и крупных форм. «Мадонна в беседке из роз» (Кельн, музей Вальраф-Рихарц) — являлось последним произведением художника, в котором его идеалы находят своё сочетание с кельнской традицией. Центр всей композиции образует фигура Мадонны в окружении ангелов. Слегка склонив голову, Мадонна сидит на газоне, а музицирующие ангелы подчеркивают торжественное спокойствие и собранность всей сцены.

Стефан Лохнер умер в Кёльне в марте 1451 года во время свирепствовавшей в это время эпидемии чумы.

Творчество Лохнера сохраняло прочные связи с готикой, но отличалось идеализмом, за что художника называли немецким «Фра Анжелико».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Stefan Lochner: German Late Gothic Painter, Cologne School.

Лоуренс Сидней Мортимер/Sydney Mortimer Laurence

1865–1940

Сидней Мортимер Лоуренс (1865-1940)-американский романтический художник-пейзажист.

Считается одним из наиболее значимых исторических художников Аляски.

Сидней Мортимер Лоуренс родился в Бруклине , Нью-Йорк и учился в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке .

В 1889 году женился на Александрина Фредрика Дюпре.

В конце 80-х регулярно выставляет свои работы.

В 1889 году вместе с женой переезжают в Англию и селятся в колонии английских художников из Санкт Айвз , Корнуолл

.В течение следующего десятилетия с 1889 и по 1898год регулярно твыставляется в Королевском обществе британских художников.

В 1890,1894 и 1895 годах включается в число участников парижского Салона, при этом завоевав награду салона в 1894 году.

В 1904 году Лоуренс оставляет семью и переезжает на Аляску.Лоуренс был первым из профессиональных художников, для которого Аляска стала родным домом.

Причины но которым он переехал на Аляску до сих пор неизвестны. Живя тяжелой жизнью пионера-старателя, он написал немного , но в период с 1911 по 1914 год он вновь сосредоточился на своем искусстве

.В 1915 году он переезжает из Valdez в только зарождавшийся тогда город Анкоридж и к 1920 году был самым видным живописцем Аляски.

Лоуренс нарисовал множество мест Аляски за время своей долгой и плодовитой карьеры, среди них парусники и пароходы в водах Аляски,

тотемы в Юго-Восточной Аляске , тихие бухты и потоки Кука под северным сиянием , и коренных жителей Аляски , шахтёров и охотников, занимавшихся освоением этой северной пустыни.

В мае 1927, Лоуренс женился на Жанне Kunath, художнице французского происхождения,эмигрировавшей в 1920 году.

Скончался Лоуренс в Анкоридже 10 декабря 1940 года.
Художественное наследие Лоуренса многочисленно, и рассредоточено по частным коллекциям северной Америки.. Многочисленные виды его любимой Аляски, мастерски изображённые Лоуренсом на его работах пользуются в наше время заслуженным интересом среди многочисленных коллекционеров живописи по всему миру. Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Sydney Laurence.com.

сэр Лоуренс Алма-Тадема/ Lawrence Alma-Tadema

1836–1912

Альма-Тадема родился 8 января 1836года  в городке Дронрийп, земля Фрисланд в Нидерландах.

Родители мальчика связывали его будущее с адвокатской деятельность, но заболевание молодого Альма-Тадемы чахоткой в 15-и летнем возрасте изменило его судьбу.

Альма-Тадема увлёкся живописью, и в следующем году поступил в Антверпенскую Академию художеств,где его педагогами были Йозеф Лаурентис Дикманс, Байрон Ян Хендрик Лейс, Байрон Густав Вапперс.

Первое произведение Opus I. «Портрет моей сестры» (местонахождение неизвестно), Лоуренс написал в 1850. Произведение положило начало серии работ , над которыми художник трудился на протяжении всей жизни. Ранние работы художника содержат тонкое, едва уловимое сходство с искусством голландских мастеров.

Альма-Тадема еще в годы учебы заинтересовался древней историей и археологией. Знакомство с коллекциями Британского музея дало мощный толчок развитию его творческого воображения, а в 1863 году после венчания в Антверпенской мэрии с Мари-Паулиной Грессин, Альма-Тадема с супругой отправился в свадебное путешествие по Италии.

Во время поездки Альма-Тадема посетил руины древних римских городов — Помпеи и Геркуланума. Очарованный красотой древнеримской цивилизации, а особенно деталями повседневной жизни, он начал изучение истории древнего Рима.

Потрясенный величественными руинами средиземноморских городов, Альма-Тадема захотел достоверно показать на полотнах жизнь,которая когда-то проходила на улицах Рима, Помпеи или Геркуланума.

Римская и греческая археология, живопись и культура стали для Альма-Тадемы страстным увлечением, продолжавшимся всю жизнь. Интерес к древнему Риму виден во многих работах Альма-Тадемы. Правдивостью и убедительностью своих картин Альма-Тадема обязан прежде всего своим основательным знаниям археологии.

Работы, посвященные римской и греческой эпохам ,с более классическими сюжетами, пользовались большим успехом у публики.

В 1864 году в жизни Альма-Тадемы происходит знаменательное событие — он знакомится с Эрнестом Гамбартом,главным арт-дилером и импресарио Лондона середины 19-го века. Гамбарт сразу распознаёт необычайный и самобытный талант художника и заказывает у него несколько картин, и кроме того берёт три работы художника на выставку в Лондон.

В 1870 году Альма-Тадема переезжает в Лондон, где знакомится со своей будущей женой — 17-и летней Лаурой Терезой Эппс (она запечатлена на картине художника «The Women of Amphissa».

В Лондоне художник близко знакомится с большинством прерафаэлитов, и это знакомство благотворно сказывается на его творчестве .
Отличительная особенность работ Альма-Тадемы — их уникальная достоверность. Все его работы правдивы до мельчайших деталей.

Всё что он изображал на своих работах: как одевались древние римляне, как выглядели внутренние убранства богатых домов и бедных лавок, как украшали Колизей и как праздновали приход весны горожане, как могущественные жрецы совершали таинственные обряды жертвоприношения, а молодые девушки встречали цветами возвращающихся с поля битвы воинов — всё выглядит так, как будто автор видел все сцены своими собственными глазами.

Альма-Тадема был прекрасным знатоком археологии.
Когда художник переехал в Англию в 70-е годы XIX века, его стиль живописи уже был уже вполне сформирован и многочисленные критики с восторгом встретили новые работы талантливого художника.

Английские ценители живописи были покорены историческими полотнами художника. Через три года после своего приезда, Альма-Тадема Лоуренс стал подданным Британии.Благодаря своему широкому признанию, Альма-Тадема стал одним из самых богатых живописцев своего времени.

За время своей творческой деятельности, Альма-Тадема Лоуренс написал множество работ.

В период между 80-ми и 90-ми годами Альма Тадема достиг наибольшей популярности и известности, удостаивается многочисленных званий, основывает студию в Риме, работает для театра, а в 1899 становится кавалером ордена «За заслуги» (Order of Merit,среди его членов так же значатся Н. Ротшильд и Н. Манделла,а главой является Британский монарх),который присуждается за особый вклад в развитие науки, искусства, литературы и культуры.

В этом же году, королева Англии вручила художнику знак рыцарского достоинства. Отныне его полное имя выглядело — Сэр Лоуренс Альма-Тадема.
Далее Художник участвует в создании Британского павильона на Exposition Universelle в Париже (1900).

Кроме работы над картинами, Лоуренс пробовал свои силы, как театральный художник, оформляя спектакли в лондонских театрах.
Художницами стали его вторая жена Лаура, сестра жены Эллен Нелли Госс и дочь художника от первого брака Анна.

В последнее десятилетие жизни творческая манера Альма-Тадемы испытывала влияние европейских символистов, и сам он оказал определённое воздействие на Густава Климта и Фернана Кнопфа.

Окончив свою 408-ю картину «Приготовления в Колизее», летом 1912 года Альма-Тадема Лоуренс отправился в сопровождении дочери Анны в Висбаден, с намерением подлечить язву желудка.

Из Висбадена ему уже не суждено было вернуться.

28 июня 1912 года в возрасте 76 лет Альма-Тадема Лоуренс скончался.

Он был похоронен со всеми почестями в Соборе святого Павла в Лондоне близ могилы Антониса ван Дейка,там же, где и Лейтон ,Миллес, Холман Хант.

Зимой 1912—1913 года Королевская Академия художеств организовала мемориальную экспозицию Альма-Тадемы, на которой было представлено 213 его работ.
Практически все работы Альма-Тадемы оказались в частных собраниях.

Только в конце ХХ века он стал восприниматься как один из важнейших живописцев-академистов XIX века. В 2011 году: его картина «Встреча Антония и Клеопатры» была продана за 29,2 млн долларов.

В России о творчестве Альма-Тадемы Лоуренса знали преимущественно знатоки западного искусства, в целом оценивавшие его высоко.В собраниях России находятся всего три картины художника .

Две ранее принадлежали императрице Александре Фёдоровне и хранились в Александровском дворце в Царском Селе. Ныне они экспонированы в Павловском дворце-музее. Третья — картина «Фредегонда и епископ Претекстатус. Из времен Меровингов» — хранится в Москве, в Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина.

Она была последним приобретением С. М. Третьякова и пришла из Парижа уже после его смерти.    Работы художника на сайте.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс, UAB ”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Alma-Tadema at MuseumSyndicate, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, 218 works by Sir Lawrence Alma-Tadema, Alma-Tadema Listening to Homer (1885). A video discussion about the painting from Smarthistory at Khan Academy.

Лоуренс Томас/Thomas Lawrence(Классицизм, портрет)

1769—1830

Томас Лоуренс — английский художник, получивший известность как фешенебельный портретист эпохи Регентства.
Будущий прославленный портретист Британии Томас Лоуренс родился 13 апреля 1769 года в Бристоле в семье управляющего акцизами Томаса Лоуренса(старшего) и дочери священника Люси Рид.

После решения отца семейства приобрести гостиницу, Лоуренсы переехали в небольшой курортный городок Бат, недалеко от Бристоля, куда любила приезжать на местные целебные воды лондонская аристократия.

Художественный талант Лоуренса проявился очень рано, уже в 10-и летнем возрасте молодой художник успешно зарабатывал пастельными портретами приезжавшей отдыхать аристократии.

Со временем гостиничный бизнес отца Томаса прогорел, он был объявлен банкротом, и семья в 1787 году переехала в Лондон.

Томас Лоуренс снимает жильё на Лестер-сквер, неподалеку от студии Джошуа Рейнольдса. Вскоре состоялось знакомство Лоуренса с выдающимся мастером.

Рейнольдс оказал покровительство молодому художнику и посоветовал ему больше изучать природу, а не работы старых мастеров. Лоуренс снял студию и уже в 1787 году выставил несколько работ на выставке Королевской Академии в Сомерсет-Хаусе.

Академики оценили работы Лоуренса и он был зачислен студентом Королевской академии художеств.

Обучение в Академии продлилось не долго. Чувствуя себя вполне сложившимся художником и устав от выписывания классических статуй, Томас решает бросить занятия в Академии и сосредоточиться на своей портретной живописи и изучении техники работы маслом.

При этом Лоуренс продолжает работать в портретном жанре пастелью. Он удостаивается чести видеть среди своих моделей герцогинь Девонширских, Сару Сиддонс, Уоррену Гастингса, сэр Генри Харпура, известных представителей аристократического общества Лондона того времени.

В 1788 году на выставке Королевской Академии Томас Лоуренс выставляет 5 работ в пастели и одну в масле. В дальнейшем, в период между 1787 годом и годом его смерти 1830-ым, он только дважды не принимал участия в выставках Академии : в 1809 году — в знак протеста против порядка размещения своих картин на выставке, и в 1819 году в связи с пребыванием в зтот период за границей.

В 1789 году Лоуренс выставил уже 13 написанных портретов, почти все маслом. Работы получили очень благоприятные отзывы в прессе, и возрасте 20 лет Лоуренс принимается за работу над портретами королевы Шарлотты и принцессы Амелии.

В 1790 году портрет Королевы Шарлотты был выставлен в Академии и получил очень хорошие отзывы критиков. Этот год,по единодушному мнению историков, был очень удачным в творчестве Лоуренса.

Именно к этому периоду творчества художника принадлежит один из самых известных его портретов — актрисы Элизабет Фаррен, будущей графини Дерби.
Портрет королевы Шарлотты (1789,год,Лондон, Национальная галерея), прочно закрепил за Томасом Лоуренсом статус художника высшего света. Удивительно скромный,обаятельный, и при этом необычайно талантливый, художник быстро стал очень популярным в столице.

Лондонские аристократы наперебой начинают заказывать художнику свои портреты. А после того, как в 1791 году Лоуренс становится главным живописцем короля, иметь дома портрет, принадлежащий кисти Лоуренса, становится высшим шиком и мечтой многих лондонских аристократов.

Манера письмя Лоуренса, сложившаяся в эти годы, как бы продолжает славные традиции Рейнолдса, хотя работам Лоуренса и не достаёт характерной для последнего глубины характеристик раскрываемого образа.

Определённая поверхностность в трактовке образов в полной мере компенсировалась в его работах необычайным изяществом рисунка и линии, смелостью цветовых решений, умением придать модели свободу и непринужденность позы.

Лёгкость и свобода его работы кистью граничила порой с небрежностью, предполагая недосказанность и некоторое ощущение незаконченности некоторых его работ.

В 1791 году Томас Лоуренс был избран ассоциированным членом Королевской Академии, а в следующем году , в связи со смертью сэра Джошуа Рейнольдса, король Георг III назначил его «художником-медиком его величества».

В 1794 году Лоуренс стал действительным членом Королевской Академии.
Следующие 20 лет творческой карьеры Лоуренса почти не изменили стиль.

После 1800 года колорит его работ становится несколько приглушённей, а стиль строже.
22 апреля 1815 года король присвоил Томасу Лоуренсу почётное рыцарское звание, а спустя три года художник отправляется в Европу писать портреты государственных деятелей, священнослужителей и военачальников, принимавших непосредственное участие в победе над Наполеоном (большинство ныне в галерее Ватерлоо в Виндзоре).

Среди моделей художника были российский царь Александр, император Австрии Франц I, король Пруссии, генерал-фельдмаршал князь Шварценберг, эрцгерцог Австрии Карл и его жена Генриетта, Наполеон II.

В мае 1819 года по просьбе английского принца-регента Лоуренс выезжает из Вены в Рим для работы над портретами папы Пия VII и кардинал Консалви. За время отсутствия Лоуренса на родине скоропостижно скончался президент Королевской академии Бенджамин Уэст.

И в день возвращения Лоуренса в Лондон, 20 марта 1820 года, он был избран новым президентом,
Томас Лоуренс занимал эту почётную должность вплоть до своей смерти через 10 лет. 28 февраля 1822 года он был избран членом Королевского общества, как было написано в Указе «за его превосходство в искусстве».

К этому периоду жизни художника относятся написанные им портреты сестры короля Софии, Вальтера Скотта и короля Франции Карла X.
Томас Лоуренс скоропостижно скончался в Лондоне 7 января 1830 года, через несколько месяцев после смерти своего самого преданного друга Изабеллы Вольф.

Художник так никогда и не был женат.
Томас Лоуренс был похоронен 21 января в пределе собора Святого Павла в Лондоне. Среди провожающих Лоуренса был Уильям Тёрнер, который позднее по памяти нарисовал эскиз сцены похорон своего коллеги — Томаса Лоуренса.

После смерти художника в его мастерской осталось довольно много незаконченных работ ,некоторые из которых были завершены помощниками и учениками художника.

Все свои работы Лоуренс завещал в дар Британскому музею, но администрация отказалась от дара, о чём в дальнейшем сильно пожалела.

Вся коллекция и работы Лоуренса были проданы с аукциона, но позднее их лихорадочно выискивал Британский музей, с тем чтобы разместить в своей экспозиции.

Как говорится: что имеем не храним, потерявши-плачем…
В 1900 году спустя 70 лет после смерти Томаса Лоуренса , была издана биография художника, написанная лордом Рональдом Гауэром.

В целом Лоуренс оказал большое влияние на европейский портрет XIX в., хотя слава самого художника закатилась довольно скоро после его смерти.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., «Thomas Lawrence: the new romantic – review» Richard Holmes reviews the National Portrait Gallery exhibition, The Guardian, 16 October 2010, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г, Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Thomas Lawrence: Regency Power and Brilliance exhibition at the National Portrait Gallery.

Луазо Густав(Gustave Loiseau)

1865-1935

Гюстава Луазо (Gustave Loiseau)-выдающийся французский художник-постимпрессионист, мастер пейзажа.
Гюстав Луазо родился 3 октября 1865 года в Париже в семье торговца.

Отец Гюстава был владельцем мясного магазина.Родители с детства заметили у мальчика тягу к живописи.

Первым учителем будущего художника стал друг родителей Гюстава, работавший декоратором.

В 1887 году, получив наследство от своих родственников, Луазо серьёзно начинает заниматься живописью, и посвятит этому занятию в дальнейшем всю свою жизнь.
Он переезжает на Монмартр и начинает посещать Школу изящных искусств.

Обучение в Школе продлится год, после чего Луазо начнёт брать уроки у художника Фернанда Джаст Киньона.

В 1890 году Гюстав Луазо уезжает в Пон Аван, где знакомится с Полем Гогеном, Максимом Мофра, Эмиемь Бернаром и другими известными живописцами.

По предложению друзей Гюстав Луазо становится членом так называемой Понт-Авенской школы (École de Pont-Aven) — сообщества художников, работавших в городке Понт-Авен в Бретани.

С 1891 по 1895 год Луазо регулярно выставлялся с неоимпрессионистами в галерее Лебарка де Бутвиля, а также в галерее Дюран -Рюэля.

В 1891 году Гюстав Луазо выставляет свои работы в галерее Le Barc в Буттевилле .
В 1893 году Гюстав Луазо впервые выставил свои работы на Салоне Независимых и в Салон-де-ла-Société Nationale в 1895 году.

В 1894 году Луазо участвует в VI, VII и VIII выставках импрессионистов и символистов в Le Barc, представляя свои пейзажи «Сентябрьское утро в Пон Аван» и «Паводок в Аван».

Работы художника находят живой отклик у критиков и ценителей живописи.

В 1895 году, после поисков и периода дивизионизма в своём творчестве ,Гюстав Луазо возвращается к своим пейзажам, написанным в манере неоимпрессионизма. Луазо развивает технику штриха, так называемую (treillis — решетка),которая придает его живописи мягкость, почти осязаемость, и является характерной особенностью его стиля. В этом же году он участвует в салоне Société Nationale.

Гюстав Луазо часто совершал длительные путешествия по Нормандии, вдоль берегов Сены, на скалистые побережья Дьепа.

Также художник неоднократно бывал в Понтуазе и Овере , где навещал Поля Гаше. Многочисленные поездки давали богатый материал для творчества.

Именно благодаря работам Гюстава Луазо, его глазами, мы можем увидеть красоту и очарование этих удивительных и неповторимых мест.

В 1901 году в галерее Дюран-Рюэля состоялась большая персональная выставка работ художника.

C 1903 по 1930 год художник много и плодотворно работал при этом регулярно выставляясь в Salon d’Automne и неизменно получая восторженные отклики ценителей живописи.

Гюстав Луазо скончался 10 октября 1935 года в возрасте 70 лет в Париже, где и был похоронен.

Гюстав Луазо получил широкую известность , прежде всего, благодаря своим неповторимым пейзажам.

Он оставил большое творческое наследие. Его работы с успехом экспонируются во многих французских музеях живописи, а также украшают многочисленные коллекции американских и европейских ценителей живописи.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г.,Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г., Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г., Работы художника на Wikimedia Commons.

Луини Бернардино/Luini Bernardino(Ренессанс).

1482—1532

Луини Бернардино (Luini Bernardino)-североитальянский художник, один из самых известных леонардесков — учеников и эпигонов Леонардо да Винчи.
Луини Бернардино(настоящее имя Бернардино де Скапис) родился в январе(точная дата не известна) 1482 года в небольшом городке Луино в Северной Италии в семье торговца мебелью.

Интерес к живописи у Бернардино проявился рано. В 1500 году вместе с отцом и переехал в Милан.Сведения об образовании и раннеме творчество Бернардино крайне противоречивы. Первым учителем и наставником будущего художника считается Амброджо Бергоньоне.

Свои ранние работы Луини писал , как и Беноццо Гоццоли, в позднеготическом стиле, несмотря на то, что в миланской живописи этого времени уже преобладали определённые тенденции ренессанса. Ранние работы Луини отдалённо напоминают работы работы самого Бергоньоне.

В период с 1504 по 1507 годы художник жил и работал в Тревизо, где одной из исполненных им работ была «Мадонна с младенцем», подписанная Bernardinus Mediolanensis faciebat. В наши дни авторство Бернардино подвергается сомнению некоторыми исследователями его творчества, но это никоим образом не влияет на красоту и очарование этой работы.

В 1509 году Луини возвращается в Милан и начинает работать над образом Святого Антония Педуанского (ныне в музее Польди Пецолли в Милане).

В 1510-х годах Луини пишет фрески по заказу церкви в Санта Мария Нуова , «Плач мёртвого Христа» для церкви Санта Мария делла Пассионе а Милане, «Мадонну делла Буанаротти» для аббатства Кьяравалле, фрески для дворца Палаццо Сан-Джорджо в Генуе.

В 1509-1514 годах Луини увлечённо работает над фресками для Villa Pelucca в городе Сесто Сан Джованни ( в настоящее время в Пинакотеке Брера, В Милане)
В 1521 году Луини переезжает в Рим. Здесь его творчество находится под влиянием стиля великого Рафаэля. Это проявляется в выполненных им в 1521-1523 годах фресках в Villa La Pelucca, а также в других работах мастера , находящихся сейчас в музее Брера а Милане.

Живописная манера зрелого Бернардино Луини сложилась под влиянием Леонардо да Винчи. Будучи одним из учеников и последователей Великого Леонардо , Луини перенял у него внешний типаж леонардовской красоты, нежность и грациозность его спокойных женских образов с их загадочными улыбками.

По легенде, Леонардо да Винчи, рассматривая копию одной из своих картин, выполненную Луини, будто бы сказал, что «сам он не смог бы написать лучше».
В 1523 году Луини выполнил полиптих «Возведение на престол Мадонны с младенцем Ангелами»для базилики Сан-Манью в Леньяно.

В 1525 году Луини завершил серию фресок из жития Богородицы и Христа для церкви Санта-Мария-деи-Мираколи в Саронно

В 1525 году Бернардино начал роспись фрески в монастыре Санта-Мария-Делла-Грация. Для выбора натуры Луини принял решение созвать девушек всех сословий, с тем чтобы отобрать лучшую, с которой и будет писаться эта почитаемая во всем мире святая.

Выбор художника остановился на девушке из очень бедной семьи, но она была настолько чиста и невинна своим образом, что, по мнению Луини несомненно, заслужила эту великую честь – увековечить свой лик в стенах большого храма.
Молодая девушка позировала художнику для образа Мадонны, который ныне находится в капелле Храма.

Когда наступило Рождество, девушка захотела выразить свою благодарность Маэстро, за то, что он обессмертил её на фреске. Учитывая её бедность, единственным возможным способом выразить свою благодарность мог быть ликёр, который по её убеждению мог понравиться художнику. Она собрала абрикосовые косточки и положила их настаиваться в коньяк.

В результате получился янтарный ароматный ликер, который сегодня носит название Амаретто ди Саронно. Луини полюбил эту девушку, и, когда настал день разлуки, «мадонна» подарила своему возлюбленному ликёр с ароматом горького миндаля, изготовленный её руками из плодов её сада. Ликер назвали Амаретто. Это легенда, но местные жители с удовольствием верят в неё, передавая из поколения в поколение.

Другие работы Луини, принадлежащие к среднему периоду его творчества включают в себя: «Святое семейство»(музей Прадо) две работы «Соломея» (Музей изобразительного искусства, Бостон и Галерея Уффици, Флоренция), «Портрет дамы»(Национальная галерея искусств, Вашингтон), «Богоматерь с младенцем и святыми»(коллекция Lee Fareham. Ричмонд)

1529 год- год завершения работы Луини над одним из своих главных шедевров — фрески распятия и сцены великих страстей в церкви Санта Мария дельи Анжели в Лугано.

Бернардино Луини был хозяином очень успешной живописной мастерской, в которой вместе с ним трудились его многочисленные ученики и помощники. После смерти художника его мастерская была унаследована его сыновьями -Аурелио и Джованни Пьетро.

Одной из самых загадочных работ Бернардино Луини является небольшая работа мастера, исполненная темперой на доске, «Соломея», находящаяся ныне в коллекции Пинакотеки Брера в Милане.

Луини за время своей творческой деятельности исполнил несколько работ на тему сюжета казни Иоанна Крестителя, изображающие Соломею с отрубленной головой казненного Иоанна Крестителя( работы находятся в музеях Парижа, Вены,Флоренции, Милана и Бостона)

Загадочность картины состоит в том, что художник не показывает даже намёка на ужас или потрясение на лице женщины, только что ставшей свидетельницей отвратительной сцены казни.Показывая палача, опускающего головы казнённого Иоанна Крестителя на блюдо,которое держит Соломея, Луини не только не акцентирует, но и вообще не показывает жестокости сцены.

Сцена показана со спокойной отрешённостью, а Соломея мягко смотрит в сторону словно заботится лишь о том, чтобы гримаса не исказила её красивое лицо, написанное по типажу женских лиц Леонардо да Винчи.

По утверждению Джорджо Вазари,Луини был очень плодовитым художником. За всё время своего творчества художник создал огромное количество фресок и картин, которые разошлись по городам Италии и Европы. Работы Бернардино Луини несли красоту и спокойствие в жизнь людей. Их охотно помещали во многих храмах и частных домах Милана и других городов Северной Италии.

Нельзя не отметить, что лучшие работы Бернардино Луини были созданы в Милане — циклы фресок в капелле Корпус Домини церкви Сан-Джорджо аль Палаццо (1516), в капелле Сан-Джузеппе церкви Санта-Мария делла Паче (ныне — Милан, пинакотека Брера), на вилле Раббиа алла Пелукка (там же; Париж, Лувр; Шантийи, музей Конде), в Палаццо Раббиа в Милане (Берлин, музей Боде; Вашингтон, Национальная галерея), в оратории Греко Миланезе (Париж, Лувр) и в капеллы Безоцци церкви СанМаурицио (над этими росписями он работал до 1530).

Наряду с этим Луини написал большую серию «Мадонн» (Париж, Лувр; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; Милан, пинакотека Брера; Лондон, собрание Уоллес; Неаполь, Каподимонте), благодаря которым он и прославился, особенно в романтической среде XIX века.

Среди лучших картин художника можно также назвать «Снятие с креста» (Милан, церковь Санта-Мария делла Пассьоне), «Благовещение» (Милан, пинакотека Брера), «Пьету» (1516, Милан, ц. Сан-Джорджо аль Палаццо), «Святая Иеронима» (Милан, музей Польди-Пеццоли), «Полиптих» (1523, Леньяно, церковь СанМаньо), «Полиптих Торриани» (прежде — Турин, собрание Ди Ровасенда, предела — Пасадена, музей Нортон Саймон).

В последний период творчества Бернардино Луини использовал не только достижения Великого Леонардо и художников миланской школы, но и находки римской школы римской, прежде всего Рафаэля.

Скончался Бернардино Луини 25 марта 1532 года в возрасте 52 лет в Милане, где и был похоронен.

Историки единодушно отмечают, что Бернардино Луини добился очень многого в своей творческой карьере, став одним из наиболее авторитетных художников Милана своего времени.

Его чувственные картины на мифологические и религиозные сюжеты, изображающие прекрасных мадонн и привлекательных младенцев, и сегодня никого не оставляют равнодушными, приковывая наше внимание и перенося в то удивительное время.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907) в 86 томах (82 т. и 4 доп.) СПб., 1890—1907,, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г Интернет-ресурс” Арт Планета Small Bay-художественно-исторический музей”, Catholic Encyclopedia entry on Luini.,   Media related to Bernardino Luini at Wikimedia Commons.

Лукьян Штефан/рум. Ștefan Luchian(Импрессионизм)

1868-1916

Штефан Лукьян(рум. Ștefan Luchian) — румынский художник-импрессионист,создатель румынской школы живописи XX века.
Штефан Лукьян родился 1 февраля 1868 года в селении Штефэнешти, уезда Ботошани в семье отставного майора Думитру Лукьяна.

В 1873 году семья переехала на постоянное местожительства в Бухарест. В 1879 году Штефан начал своё обучение в одной из столичных гимназий.

Всё свободное время юноша посвящал рисованию, и в 1885 году начал обучение в столичной Школе изящных искусств. Первыми наставниками Штефана Лукьяна были румынские художники Теодор Аман и Георг Таттареску.

После четырёхлетнего обучения в Школе, последовало обучение в мюнхенской Академии художеств (1889-1890 год) в классе профессора Иоганна Каспара Гертериха.

Первая из известных работ художника датируется 1845 годом.
В 1890 году в галерее Cercul artistic в Бухаресте состоялась первая персональная выставка работ Штефана Лукьяна.

В 1891 году Штефан Лукьян перехал в Париж, где поступил в академию Жюлиана. Наставниками в Академии в течении всего периода обучения у Лукьяна были Уильям Адольф Бугро и Тони Робера-Флёри.

В 1892 году Лукьян вернулся на родину и поселился в Бухаресте. Повторная выставка работ Лукьяна в бухарестской галерее Cercul artistic, состоялась в 1894 году. В 1896 году художник выступил организатором «Выставки независимых художников» в Бухаресте.
В 1894 году Штефан Лукьян был избран в жюри Ежегодной выставки живущих художников «Expoziția anuală a artiștilor în viață», и выставил на суд посетителей выставки восемь своих работ.

Лукьян неоднократно организовывал совместные выставки с другими известными румынскими художниками того времени: в 1894 году он организует совместную экспозицию с Титусом Александреску, а в 1895 году организует совместную экспозицию с Константином Артачино.

Штефан Лукьян всегда выступал против закостенелых, консервативных устоев академического искусства, за свободное творчество без всяких ограничений, правдиво показывающее современные проблемы современными художественными приёмами.

Палитра жанров, к которым обращался Лукьян была очень широка и многообразна. Ему одинаково интересны были пейзажи и портреты, натюрморты и бытовые жанровые работы.

Работая на пленэре, Лукьян всегда стремился к «острым» и неожиданным решениям, очень яркой и цветонасыщенной палитре.

В 1897 году Лукьян стал одним из инициаторов создания Общества по распространению художественного вкуса в Румынии — «Иляна». Общество просуществовало два года , и в эти же годы выпускался одноимённый журнал.

В феврале 1898 года Штефан Лукьян выставляет 21 свою работу на экспозиции группы Илеана (Ileana), а с мая по сентябрь этого же года он занят на работах по росписи интерьера кафедрального собора румынского города Александрия.
В конце 1898 года Штефан Лукьян тяжело заболевает.

Врачи диагностируют у него инфекционное заражение спинного мозга. Несмотря на тяжёлый приговор, художник не «опускает руки», и начинает борьбу с тяжёлым недугом, считая главным лекарством свою работу.

В мае 1899 года Штефан Лукьян создаёт настенные росписи в кафедральном соборе Тулчи.
В 1900 году два полотна художника с успехом демонстрируются на парижской Всемирной выставке.

В мае 1901 Лукьян выставляет 11 своих работ на художественно-скульптурной выставке в бухарестском Атенеуме.

Болезнь художника прогрессирует и в конце 1901 года Лукьян в крайне тяжёлом состоянии и полупарализованный попадает в Пантелеймонов госпиталь Бухареста , где проходит курс лечения до марта 1902 года.

В 1903 году Штефан Лукьян участвует в международной художественной выставке в Афинах, а в 1904 году организует две персональные выставки в бухарестском Атенеуме. В дальнейшем художник выставлялся в Атенеуме в 1907, 1908, 1910 и 1914 годах.

Для жанровой живописи Штефана Лукьяна были всегда характерны мотивы, взятые из простой, обыденной жизни(Прачка, 1906—1907, Бухарест, Музей искусств; Купание ребенка, 1912, Бухарест, Музей Замбакчана).

Его картины всегда полны солнца и насыщены воздухом. Он сочетал в своих работах яркие реалистические черты и национальные идеалы с поиском новых возможностей творческого выражения в художественной форме.

Являясь талантливым создателем поэтических народных образов и жанровых сцен («Сафта-цветочница», 1895, Музей искусств СРР, Бухарест), художник при этом всегда показывал натуральную красоту природы и её неповторимость.

Даже в последние годы жизни, будучи уже тяжело больным человеком, Лукьян продолжал создавать красочную живопись, в основном цветочные натюрморты. Особая эмоциональная выразительность колорита и чистота линий , декоративная праздничность, объединяет его работы с произведениями народного искусства.

Лукьян много работал в портретном жанре ,писал портреты простых людей. Герои его работ всегда запоминающиеся личности, с яркими внутренними характерами.
В 1909 году Штефан Лукьян был награждён Medalia Bene Merenti 1-го класса.

В 1911 году при открытии музея А.Симу в Бухаресте были показаны 12 его работ.
В 1911 году состояние здоровья художника резко ухудшилось, и он почти прекратил занятия живописью.

В последние годы жизни художник , был почти полностью парализован и работал сидя на стуле из-за парализованных ног, а когда начали отказывать и руки и художник писал картины , используя с специальную подставку под локоть. Когда отказали пальцы рук ему приматывали кисть к руке.

Последние свои картины Лукьян писал, держа кисть в зубах. Последнее произведение художника датируется 1913 годом.
Штефан Лукьян скончался 27 июня 1916 года в возрасте 48 лет в Бухаресте, где и был похоронен на кладбище Беллу.

Творческая судьба художника полная постоянных экспериментов по поиску новых, более свободных и эмоциональных форм художественного выражения стала примером беззаветная преданность любимому делу для творческой молодёжи более поздних поколений не только Румынии но и других стран.

В 1981 году о жизни художника в Румынии был снят художественный фильм Лукьян (Luchian) — режиссёр Николае Мэргинеану, главную роль исполнил Ион Карамитру.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства- Вильнюс,UAB”Bestiary”,2008г., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”СПб,ООО”СЗКЭО”,2011г., Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика”М,ООО”Оникс”,2005г Иллюстрированная Энциклопедия “Импрессионизм и постимпрессионизм – биографии и судьбы художников” СПб,ООО”СЗКЭО”, 2005г., Габриэле Крепальди “ Импрессионизм: истории, этикет, биографии, шедевры” Mondadori Elektra S.p.A. Milano 2006г.,Избранные произведения художника.