ван Оз Питер Герардус

1776–1839

Питер Герардус ван Ос (нидерл. Pieter Gerardus van Os; 8 октября 1776, Гаага — 28 марта 1839, там же) — нидерландский художник.

Потомок нескольких поколений художников. Брат Георга Якоба Иоганна ван Оса. Художником стал и его сын Питер Фредерик ван Ос.

Известен преимущественно идиллическими пейзажными картинами — часто включавшими изображения коров, навеянные работами Паулюса Поттера.

В 1808 г. картина ван Оса «Холмистый пейзаж с коровами» получила от короля Людовика Бонапарта премию за лучший пейзаж на первой выставке новейшего голландского искусства. Принимал участие в походах Наполеона и оставил многочисленные зарисовки сражений и быта французской армии.

ван Оз Ян

1744–1808

Ян Ван Оз родился в Middelharnis . Он учил Aert Schouman в Гаагу , где он проведет остаток своей жизни. В 1773 году он записал в братство художников.

В 1775 году он женился на Сюзанне де ла Круа, глухонемой пера портретист.
Ван Ос в основном известен своей фруктово-цветочным натюрморты, хотя он начал свою карьеру морские пейзажи живописи.

Его цветочные натюрморты были написаны в стиле Яна ван Хейсум , с цветами как правило, представлены на мраморном выступе на зеленом фоне.

Он был отцом художника Питера ван Ос , Мария Маргарета ван Ос , и Георгия Jacobus Йоханнес ван Ос и дед художника Питера Фредерика ван Ос .

Олешкевич Иосиф Иванович(Мифологический жанр)

1777–1830

Иосиф Иванович Олешкевич(польск. Józef Oleszkiewicz, белор. Язэп Аляшкевіч, лит. Juozapas Oleškevičius, 1777, Шилува в Жемайтии — 5 октября 1830, Санкт-Петербург) — польский художник; автор картин на исторические, религиозные, мифологические сюжеты и портретов, подданный Российской империи,академик исторической живописи Императорской Академии Художеств; председатель масонской ложи Белого Орла в С.-Петербурге.

Родился в 1777 году в семье провинциального музыканта в окрестностях Шилува на Жмуди Минской губернии.

При поддержке графа Александра Ходкевича молодой Иосиф Олешкевич смог учиться в 1798-1779 годах на факультете изящных искусств Виленского университета.

Его наставниками были Франциск Смуглевич и Ян Рустем.

С 1803 по 1806 год Олешкевич совершенствовал свои знания и технику живописи в Париже, обучался у знаменитых живописцев Жана Огюста Доминика Энгра и Жака-Луи Давида.

После возвращения из-за рубежа работал на Волыни и в Вильно.

После смерти Смуглевича в 1807 году пытался занять его место в университете. После неудачной попытки в 1810 году поселился навсегда в Санкт-Петербурге, где писал, в частности, портреты царской семьи

В 1812 году за полотно «Благодетельное призрение и попечение императрицы Марии Федоровны о бедных» (1812, Русский музей) был принят в императорскую Академию художеств.

Среди высланных поляков, проживающих в Санкт-Петербурге, слыл необычным и полным добродетели человеком; это отражено в «Отступлении» части III «Дзядов» Адама Мицкевича.

Особой известностью в Санкт-Петербурге приобрёл благодаря высокому положению, которое занимал в среде петербургских масонов.

В 1822 году Олешкевич был избран начальником (maître en chaise) ложи Белого Орла.

Олешкевич в своем творчестве придерживался академических традиций, создавал свои произведения в духе позднего классицизма с легким налетом сентиментальности.
Творчество Олешкевича — академическое, в духе позднего классицизма, с элементами сентиментализма. Автор портрета Льва Сапеги.

Многие его картины (портреты Адама Ежи Чарторыйского, Иеронима Стройновского, 1810; Мартина Почобута, 1810) хранятся в Вильнюсе.

Часто выезжал в белорусские губернии, где сделал немало интересных портретов в стиле позднего классицизма и романтизма. Среди них: «Групповой портрет», «Портрет девочки». Дружил с Адамом Мицкевичем, написал его портрет (1828).

Художественные произведения Олешкевича рассеяны в большом количестве по храмам Царства Польского и Западного Края, а также есть и у частных лиц. Лучшими его картинами, кроме указанной («Попечение о бедных») следует признать: 1) Копию Преображения Господня Рафаэля, 2) копию David’а — Ахилл, оплакивающий смерть Патрокла и 3) Прощание гетмана Ходкевича с молодой супругой перед отправлением под Хотим.

Многие картины Олешкевича хранятся в Национальном музее Варшавы (Апофеоз императрицы Елизаветы, 1813; Портрет офицера Владислава Браницкого, 1819; Женский портрет, 1823), в Вильнюсской картинной галерее Художественного музея Литвы находятся портреты Адама Ежи Чарторыйского, Иеронима Стройновского, Мартина Почобута.

Так получилось, что две наиболее известные из дошедших до нас работ живописца находятся в двух ведущих музеях русского искусства страны.

Первая из них — «Благодетельное призрение и попечение императрицы Марии Федоровны о бедных» — находится в Русском музее и была написана в 1812 году. Сюжет картины имел историческое основание.

Вторая жена императора Павла I (кстати, родившая в браке 10 детей) была в 1797 году назначена главной начальницей над воспитательными домами России.

Ею было учреждено ведомство для поощрения женского образования в стране.

За эту картину И. Олешкевич получил в том же году желанное и почетное звание академика.

«Портрет доктора медицины и хирургии Николая Федоровича Арендта» был написан в 1822 году и хранится в Третьяковской галерее.

Живописец изобразил 37-летнего медика, который через пятнадцать лет будет стараться облегчить страдания умирающего А.С. Пушкина после его трагической дуэли.

Олешкевич Иосиф Иванович умер в Санкт-Петербурге в 1830 году, похоронен на Смоленском кладбище.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907),Работы художника Józef Oleszkiewicz, Энциклопедия мирового искусства, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика

Ориоли Пьетро/Orioli Pietro(Раннее Возрождение)

1458—1496

Пьетро Ориоли, или Пьетро ди Франческо дельи Ориоли (ок. 1458—1496, Сиена) — итальянский художник, сиенская школа.
Родился в Сиене. Полное имя Пьетро ди Франческо дельи Ориоли (Pietro di Francesco degli Orioli).

Пьетро Ориоли начал свою карьеру в мастерской одного из лучших сиенских мастеров второй половины XV века Маттео ди Джованни, в которой работал до 1480 года. В этой же мастерской с ним рука об руку работал Гвидоччо Коццарелли, картины которого до недавнего времени путали с работами Пьетро — настолько схожи их стили.

Главным отличием в творчестве этих двух художников было то, что Пьетро Ориоли увлекался новомодными способами построения пространства в картине с помощью линейной перспективы, был мастером этого дела, и когда, например, Франческо ди Джорджо, знаменитому сиенскому художнику и архитектору, требовалось правильно выстроить живописное пространство картины, ему в некоторых случаях приходилось обращаться к специалисту — Пьетро Ориоли.

Кроме того, Ориоли, судя по всему, принадлежит одно новшество, которое впоследствии с успехом использовал его флорентийский современник и коллега Сандро Боттичелли: Пьетро делал усиленный акцент на обрисовке контуров фигур в своих картинах, что придавало им особую графическую ясность.

Ориоли писал яичной темперой, и специалисты отмечают его блестящие способности в этой технике, утверждая, что он расширил ее возможности как никто другой в то время.
Первая, документально подтвержденная работа художника, помечена 1489 годом, это «Христос омывающий ноги апостолам» в сиенском баптистерии.

Среди наиболее известных работ Пьетро Ориоли можно назвать «Мадонну с младенцем и двумя ангелами» из миланской галереи Брера, которую считают самой ранней его работой, и которую еще совсем недавно приписывали кисти Гвидоччо Коццарелли; «Мадонну с младенцем св. Себастьяном и св. Рохом» (Музей религиозного искусства, Буоноконвенто), «Мадонну с младенцем и четырьмя святыми» (1480е гг., Кастельмуцио, Буоноконвенто), «Святое семейство с четырьмя ангелами» (Фондационе Маньяни Рокка ди Мамиано ди Траверсеторе, Парма), которую считают наиболее совершенным продуктом его зрелого творчества, «Мадонну с младенцем, св. Иеронимом и неизвестной святой» (1490 г. Частное собрание), «Рождество» (1494-96гг., Частное собрание), и «Поклонение волхвов» (Лондон, Национальная галерея), картину, которая не имеет точной даты создания, но которую считают написанной Пьетро в последние годы жизни.

Кроме исполнения чисто религиозных произведений, Пьетро Ориоли принял участие в создании серии аллегорических портретов воплощающих добродетели, изобразив «Сульпицию» (Балтимор, собрание Уолтерса).

Из известных сегодня произведений к этой серии относят семь или восемь картин, и среди них «Клавдия Квинта» Нероччо де Ланди, «Юдифь» Маттео ди Джованни, и «Артемизия» анонимного сиенского художника, условно называемого Мастером истории Гризельды.

Искусство Пьетро Ориоли отражает тосканские художественные вкусы 1470—1480х годов, в нем видно влияние наиболее ярких мастеров, взращенных Верроккьо — Доменико Гирландайо, Сандро Боттичелли, Лоренцо ди Креди, однако роль Ориоли в круговороте художественных идей той эпохи сегодня нельзя назвать последней. Несмотря на увлечение флорентийским натурализмом, он оставался сиенским художником, и готизированная экспрессия у него иногда проступала сквозь ренессансный лоск.

При жизни Пьетро Ориоли не имел большой славы за пределами Сиены, поскольку работал по большей части в самом городе, либо в его окрестностях, и поэтому когда он умер, а произошло это очень рано — Пьетро было всего 37 лет, его смерть прошла для тосканского художественного мира незамеченной.

Скончался Пьетро Ориоли в 1496 году в родном городе Сиене.

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Орлов Пимен Никитич(Бытовой жанр, портрет)

1812-1865

Орлов Пимен Никитич (1812, хутор Мало-Фощеватый, Острогожский уезд, Воронежская губерния, Российская империя — 24 сентября (6 октября) 1865, Рим, Папская область) — русский живописец, портретист, автор жанровых картин в стиле бытового классицизма.

Родился в 1812 году в семье бедного мельника на хуторе Мало-Хвощеватый Острогожского уезда Воронежской губернии. С детстких лет у мальчика проявилась любовь к рисованию. Родители, однако, желали, чтобы сын продолжил семейное дело и не разделяли увлечение своего ребенка, к тому же из-за бедности крестьянская семья и не могла позволить сыну серьёзно учиться живописи.

Однако юный Пимен твердо решил посвятить свою жизнь изобразительному искусству. В подростковом возрасте он уходит из дома и поступает в ученики к странствующему маляру.

Малярами в то время называли не только тех, кто красит дома, стены и заборы, но и художников-самоучек, не имевших никакого специального образования.

Многие маляры ходили из селения в селение, предлагая свои услуги как по простой покраске полов, стен, заборов и т. п. так и по художественному оформлению вывесок, афиш, рекламных плакатов и тому подобное.

Опытные маляры часто получали заказы по росписи сельских храмов, декоративной росписи стен комнат помещичьих усадеб и помещений в общественных зданиях. Писали они и картины по заказам провинциальных помещиков и других состоятельных людей.

Переходя вместе с маляром из селения в селение и принимая участие в исполнении заказов, Пимен постепенно осваивает азы живописи.

Желая совершенствоваться в мастерстве, Орлов сменил несколько учителей, пока не стал получать собственных заказов на иконы в церквах и на портреты от окрестных помещиков.

Случай однажды свел его с местным предводителем дворянства Гладким, который, ознакомившись с искусством Пимена Никитича, счел не бесполезным отправить его в Санкт-Петербург для определения в Императорскую Академию художеств, куда, после долгих усилий, Орлов и поступает в 1834 году.

В течение следующих трех лет Пимен Орлов учится в Академии в портретном классе К. П. Брюллова. Выбор жанрового направления был не случаен. Карл Брюллов в середине XIX века считался ведущим российским портретистом, картины его высоко ценились, число желающих заказать у него портретное изображение было велико. Многие живописцы подражали художественной манере Брюллова.

Орлов же, не имея серьёзной материальной поддержки со стороны, в студенческие годы вынужден был зарабатывать на жизнь собственным творчеством и портреты в стиле Брюллова позволили Пимену Никитичу иметь достаточно средств к существованию. Из работ студенческой поры наиболее удачными являются портреты Олениной и полковника князя Голицына.

Постоянная работа над портретами способствовала значительному росту мастерства художника — в 1836 году Орлову была присуждена серебряная медаль 2-й степени.

В 1837 году Пимен Никитич заканчивает обучение в Академии с серебряной медалью первой степени, полученной им за портреты с натуры князя Голицына, госпожи Тимофеевой и девицы Эссен и званием свободного художника.

В 1841 году при содействии общества поощрения художеств и лично конференц-секретаря Академии художеств В. И. Григоровича, Орлов получил возможность отправиться в Италию. Пимен Никитич поселяется в Риме, где достаточно быстро завоевывает известность своими картинами, выполненным в традиционном итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки.

Наличие постоянных заказов от местных жителей было очень важно для художника, так как для него это по-прежнему был основной и, пожалуй, единственный регулярный источник дохода

Только в 1848 году Пимену Никитичу удалось прислать в Санкт-Петербург картину «Девушка, моющая белье», за которую ему, по ходатайству Академии, обратившей внимание императора Николая I на то, что Пимен Никитич хочет себя посвятить исторической живописи, была назначена на год пенсия в 300 руб.

В 1849 году всем пенсионерам, а в том числе и Орлову, было велено вернуться в Россию, однако Орлов сумел убедить правительство разрешить продолжить ему оставаться в Италии в связи с болезнью глаз и необходимостью окончить заказанные ему картины, уже начатые им.

Орлов останется в Италии ещё на 16 лет. Поселившись в Риме, художник вскоре составил себе репутацию прекрасного портретиста.

Еще большую известность Пимен Никитич Орлов приобрел своими картинами, выполненным в итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки, такими как: «Октябрьский праздник в Риме» (Третьяковская галерея), «Молодая девушка, возвращающаяся с жнитва» (там же), «Молодая римлянка у фонтана», «Итальянское утро», «Сцена во время римского карнавала» (все три — в Русском музее), «Раскаяние бандита» (частное собрание), «Неаполитанка» (Херсонский художественный музей) и другими полотнами. Часть своих картин художник отсылал в Россию и на основании их, равно, как и на основании отзывов из Рима, получил в 1857 году звание академика портретной живописи.

На Родину художник так и не вернулся — он умер в Риме 24 сентября (6 октября) 1865 года. Захоронение П. Н. Орлова на римском кладбище Тестаччо до настоящего времени не сохранилось, — прах перенесен в общую могилу у Аврелиевой стены; № 131; МК.

Картины Орлова, вызывавшие похвалы современников, отличаются мягкостью и красотой колорита, наряду с эффектностью освещения и тщательностью отделки. Большую часть работ художника составляют портреты, и жанровые сцены из жизни итальянцев, однако есть произведения исторической тематики и пейзажи.

Большинство произведений Пимена Никитича осталось в Италии и находится в частных собраниях западноевропейских коллекционеров. Однако и в России они пользовались спросом — картины «Молодая римлянка у фонтана», «Итальянское утро» были куплены императором Николаем I, «Раскаяние бандита» приобрел для своей коллекции собиратель Шулепников.
Картины Орлова представлены во многих музеях России и других стран — Государственном Эрмитаже, Русском музее, Третьяковской галерее, Тверской областной картинной галерее, Иркутском областном художественном музее, Национальном художественном музее Республики Казахстан, Херсонском художественном музее имени А. А. Шовкуненко и в других картинных галереях, а также во множестве частных собраний.

По материалам:Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства,Работы художника на сайте, Энциклопедия русской живописи. Биография художника на ARTRU.INFO

ван Ос Георг Якоб Иоганн

1782–1861

(нидерл. George Jacobus Johannes van Os; 20 ноября 1782, Гаага, Нидерланды, — 24 июля 1861, Париж, Франция) — нидерландский художник.
Нидерландский живописец. Родился в Гааге. Представитель известной династии художников.

Учился у своего отца Я. ван Оса. Автор многочисленных рисунков растений, которые стали иллюстрациями к фундаментальному научному изданию Я. Копса Flora Batava (1800 – 1822).

В 1809 за акварель получил первый приз О-ва поощрения искусств и наук (Felix Meritis Society) в Амстердаме. В 1812 награждён золотой медалью на парижском Салоне. В этом же году переехал в Париж, где устроился на Севрскую фарфоровую мануфактуру. В 1816 – 1822 жил в Гааге и Амстердаме. В 1822 окончательно поселился в Париже и продолжил работать над росписью севрского фарфора, был прозван французами «Рубенсом цветочной живописи».

Занимался станковой живописью, создал множество пейзажей и натюрмортов.

Мастер натюрморта, особенно состоящего из цветов и фруктов, во многом следовавший школе Яна ван Хёйсума. Писал также пейзажи.
Произведения представлены в Лондонской Национальной галерее, Метрополитен-музее в Нью-Йорке, Музее Фицуильяма Кембриджского университета, Государственном музее в Амстердаме (Rijksmuseum), Музее Тейлера в Харлеме, Кливлендском музее искусств, Институте искусств в Миннеаполисе и многих других.
Потомок нескольких поколений художников. Брат Питера Герардуса ван Оса.

Остаде Адриан ван/Adriaen van Ostade(Барокко, бытовой жанр)

около 1610-1685

Адриан ван Остаде (нидерл. Adriaen van Ostade, (10 декабря 1610, Харлем — 2 мая 1685, Харлем) — нидерландский художник и гравёр. Исаак ван Остаде — брат Адриана и его ученик.

Адриан ван Остаде родился 10.12.1610 в городе Харлеме, учился у Франса Халса и работал в его манере до 1639 г. На его дальнейшее творчество оказала манера письма Рембрандта.

По свидетельству Хаубракена, около 1627 Остаде поступил в мастерскую Франца Халса, где учился тогда А. Браувер.

Если влияние Халса почти не заметно в его творчестве, то пример Браувера, напротив, явился определяющим для творчества художника, которыйстал в Голландии выдающимся художником «бедняков»Его первые произведения, написанные в простой цветовой гамме и наполненные реалистичными персонажами, непосредственно вдохновлены манерой и сюжетами Браувера.

Остаде написал большое количество жанровых картин малого формата и большей частью юмористического содержания, повествующих о жизни горожан и крестьян.

Героями его картин становились курильщики, выпивохи, игроки, шарлатаны, танцующие, драки и тому подобное, иногда портреты. Для первого периода творчества А. ван Остаде, к которому относятся около 40 полотен, характерны чёткие, живые образы и едкий юмор.

В 1634 Остаде вступил в гильдию живописцев Харлема и в 1662 стал ее старшиной. До самой смерти он почти не покидал Харлем, за исключением краткой поездки в Амстердам в 1657,где он женился.

Около 1640 его стиль меняется,что связано с влиянием светотени Рембрандта. Теперь он предпочитает светлые тона, пронизанные ярким светом и подчеркнутые игрой полутонов.

Палитра художника отличается холодными желтыми тонами, иногда коричневыми, или какими-то необыкновенными «золотисто-зелеными», а также богатой гаммой прозрачных синих и оранжевых с розовыми, сиреневыми и коричневыми оттенками (<Драка крестьян>, Мюнхен, Старая пинакотека; <Веселые пьяницы>, Гаага, Маурицхёйс; <Сельский концерт>, ок. 1650, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; <Постоялый двор>, 1653, Лондон, Национальная галерея.).

Картины второго периода отличаются мастерским владением полутенями, наивностью сюжетов и мягкостью юмора.

Картины третьего периода (в большинстве своём интерьеры с изображением людей) выделяются тщательностью исполнения и светлыми, сияющими тонами.

Примерно с 1660 Остаде постепенно приглушает светотень, а формы становятся более мощными и утонченны- ми. В этот последний период были созданы такие картины, как <Алхимик> (1661, Лондон, Национальная галерея.),<Голландский кабачок> (1663, Брюссель, Кор. музей изящных искусств),<Крестьяне на постоялом дворе> (Гаага, Маурицхёйс),которые близки произведениям Стена и Метсю.

Остаде еще более удаляется от брауверовской выразительности в картинах <Живописец в мастерской> (1663, Дрезден,Картинная гал.),»Постоялый двор» (Лондон, Бэкингемский дворец) и <Отдых путешественника> (1671,Амстердам, Государственный музей). Жизнерадостность и веселая атмосфера в знаменитой картине <Деревенский скрипач> (1673, Гаага, Маурицхёйс) будут восприняты его многочисленными учениками и подражателями, такими, как Корнелис Дусарт, который завершил несколько его картин, Корнелис Бега, М. ван Мюсхер и Рихард Бракенбург.

Произведения Остаде были особенно высоко оценены в XVIII веке,когда его имя ставили в один ряд с именем Рембрандта; его известность продолжалась и в XIX веке.

Картины Адриана ван Остаде хранятся в картинных галереях Берлина, Дрездена, Вены (Императорская картинная галерея, галерея Лихтенштейн), в Лувре, в Мюнхене, в Амстердаме, Гааге, Санкт-Петербурге, Пензе и др. Помимо картин сохранилось много акварелей, рисунков пером и гравюр Адриана ван Остаде.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Works by Adriaen van Ostade in the Art Museum of Estonia, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы Адриана ван Остаде в Музее Новой Зеландии Te Papa Тонгарева, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика,»  Adriaen van Ostade online.

Остроумова-Лебедева Анна Петровна(Русский реализм, пейзаж)

1871-1955

Остроумова-Лебедева Анна Петровна — русский художник и график, живописец-акварелист, мастер пейзажа.
Родилась в 1871 году в Санкт-Петербурге в семье сенатора.

В 1889-1892 годах обучалась искусству графики в классе Василия Васильевича Матэ в Училище технического рисования барона Александра Людвиговича Штиглица.

В 1892-1900 годах продолжила обучение в Петербургской Академии Художеств, ее преподавателями были Илья Ефимович Репин, Константин Аполлонович Савицкий и Павел Петрович Чистяков. В 1898-1899 Остроумова-Лебедева занималась в Париже в мастерской Джеймса Уистлера, и с этой же поры стала активно участвовать в деятельности нового художественного объединения «Мир искусства».

Русское художественное объединение «Мир искусства» было создано Александром Бенуа и Сергеем Дягилевым. Выдвигая лозунги «чистого» искусства и «преображения» жизни искусством, представители этого объединения отвергали как академизм, так и тенденциозность передвижников; опираясь на поэтику символизма, мирискусники часто уходили в мир прошлого и гротескных полусказочных образов.

На протяжении четверти века Остроумова-Лебедева вместе со своими единомышленниками Л. С. Бакстом, М. В. Добужинским, Е. Е. Лансере, К. А. Сомовым создавали живописные и графические произведения, которым были присущи утонченная декоративность, стилизация, изящная орнаментальность.

Заслугой художников «Мира искусства» было также создание высокохудожественной книжной графики, эстампа, театральной декорации.

В 1901 год — создала ряд гравюр для журнала «Мир искусства» (№ 1 за 1902 год).

В 1905 — вышла замуж за учёного-химика С. В. Лебедева, впервые синтезировавшего в промышленном масштабе каучук.

После революции Остроумова-Лебедева преподавала в Высшем институте фотографии и фототехники, в 1934-1935 годах преподавала в Академии художеств.

Во время Великой Отечественной войны осталась в Ленинграде, создала ряд пронзительных графических образов блокадного города.

После войны в 1946 году Остроумова-Лебедева была удостоена звания народного художника РСФСР. С 1949 года избрана действительным членом АХ СССР.

Анна Петровна Остроумова-Лебедева положила начало возрождению русской оригинальной хромолитографии и цветной ксилографии, в акварели изображала в основном виды Петербурга и его окрестностей, создавала пейзажи, органично включающие в композицию архитектурные строения.

Скончалась Остроумова-Лебедева в 1955 году в Ленинграде.

В рейтинге граверов России первой половины XX века является не только «звездой первой величины», но и возродившей это искусство в России.

Анна Петровна также положила начало возрождению русской оригинальной (в том числе цветной) ксилографии, работала и в технике литографии, и в акварели.
Изображала в основном виды Петербурга и его окрестностей.

Одна из немногих художников, органично создававших пейзажи, включающие в композицию архитектурные строения.

Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве как самостоятельного вида творчества — после долгого существования в качестве репродукционной техники; особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной.

Оригинальные приемы обобщения формы и цвета, выработанные ею, были усвоены и использованы многими другими художниками. Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда.

Ее цветные и черно-белые гравюры — как станковые, объединенные в циклы («Петербург», 1908- 10; «Павловск», 1922-23, и др.), так и исполненные для книг В. Я. Курбатова «Петербург» (1912) и Н. П. Анциферова «Душа Петербурга» (1920) — до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города и по редкому лаконизму выразительных средств. Воспроизводимые помногу раз и но разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью.

По-своему интересны и незаурядны были произведения, создававшиеся художницей по впечатлениям от частых поездок — как за границу (Италия, Франция, Испания, Голландия), так и по стране (Баку, Крым). Часть из них была исполнена в гравюре, а часть — в акварели.

Одаренный и хорошо подготовленный живописец, Остроумова-Лебедева не могла работать масляными красками, потому что их запах вызывал у нее приступы астмы. Но она в совершенстве овладела трудной и капризной техникой живописи акварелью и занималась ею всю жизнь, создавая превосходные пейзажи и портреты («Портрет артиста И. В. Ершова», 1923; «Портрет Андрея Белого», 1924; «Портрет художницы Е. С. Кругликовой», 1925, и др.).

Успешна была и её деятельность как портретиста — в Русском музее находится портрет Максимилиана Волошина работы Анны Петровны.

По материалам:: Википедия, «Петербурга женское лицо» — Петербург в гравюрах Анны Петровны Остроумовой-Лебедевой, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.” Энциклопедия русской живописи.

Остроухов Илья Семёнович(Русская пейзажная живопись)

1858-1929

Илья́ Семёнович Остроу́хов (20 июля 1858, Москва — 8 июля 1929, Москва) — русский художник-пейзажист, коллекционер картин художников XVIII-XIX веков и древнерусских икон.

Член Товарищества передвижных художественных выставок, Союза русских художников, академик петербургской Академии художеств. Друг П. М. Третьякова, один из руководителей Третьяковской галереи.

Родился в 1858 году в Москве в богатой купеческой семье.

Получил прекрасное образование, владел иностранными языками, интересовался многими вопросами естествознания, профессионально музыцировал.

Остроухов получил прекрасное образование, знал три иностранных языка, играл на рояле.

В юности увлекался естествознанием и собрал столь значительную коллекцию образцов флоры и фауны средней полосы России, что «о молодом натуралисте знали не только русские ученые, но и европейские» (В. А. Серов).

Впервые Остроухов взял в руки кисть в двадцать один год.

Сначала работал самостоятельно, потом пользовался советами И. Е. Репина, И. И. Шишкина, в начале 1880-х гг. две зимы провел в Петербурге учеником знаменитого академического профессора П. П. Чистякова.

В середине 1880-х гг. Остроухов уже добивается успеха.

Его картины «Золотая осень» (1886-87), «Первая зелень» (1887-88) -«пейзажи настроения», как и у Левитана, но без левитановского ощущения драматизма бытия. Здесь присутствует красота жизни, но без меланхолии.

Наиболее известна картина «Сиверко» (1890). Это панорамный пейзаж с высокой линией горизонта. Изображен поворот реки с песчаным обрывистым берегом, полоса леса вдали, бегущие по небу ряды серых, низких облаков и рябь на воде от резких порывов холодного ветра.

Новый мотив, высокая степень обобщенности, неожиданно мощное выражение чувств, поднимающихся в душе человека от соприкосновения с живыми силами природы, — все это сделало картину Остроухова значительным явлением в живописи конца XIX столетия.

Павел Михайлович Третьяков, известный меценат и собиратель живописи, посчитал необходимым включить эти полотна художника в свою коллекцию, а «Сиверко» считал лучшим пейзажем своей галереи.

Остроухов являлся членом Товарищества передвижных художественных выставок, Союза русских художников, ему было присвоено звание академика петербургской Академии художеств.

Позже Остроухов постепенно потерял интерес к практической живописи. Он стал заниматься коллекционированием картин и икон, входил в число попечителей осиротевшей после смерти П. М. Третьякова галереи произведений русского искусства.

В 1890 году открыл частный музей.

К началу Октябрьской революции 1917 года Остроухов владел огромным собранием древнерусских икон, замечательных картин русских художников XVIII-XIX веков.

В 1918 году его частный музей был национализирован, а Остроухов назначен пожизненным хранителем своей коллекции.

С 1920 года это собрание стало носить название — Музей иконописи и живописи имени И. С. Остроухова. В 1929 году в Москве Остроухов Илья Семенович скончался, был похоронен на Даниловском кладбище.

После смерти хранителя музей был расформирован, а его картины разошлись по различным художественным музеям, многие бесследно исчезли.

Значительная часть коллекции икон Остроухова была отправлена в отдел древнерусского искусства Третьяковской галереи. В настоящее время в мемориальном доме художника и коллекционера Остроухова расположен музей «Русская литература XX века».

Природа так щедро и разносторонне одарила И. С. Остроухова, что живопись оказалась лишь одним из этапов в его жизни.

Тем не менее он сумел создать настолько запоминающиеся образы русской природы, что навсегда вошел в историю русского искусства.

По материалам: Википедия, Галерея картин Ильи Остроухова, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.” Картины художника на сайте, Энциклопедия русской живописи.