Поль Эмиль Шабас/Paul Emile Joseph Chabas(Иллюстрации)

1869–1937

Поль Эмиль Шабас, иногда на русском Поль Шаба, (фр. Paul Émile Chabas ; 7 марта 1869, Нант — 10 мая 1937, Париж) — французский художник.

Президент Общества французских художников.

С 1921 г. член Академии изящных искусств, иначе говоря, академик Института Франции. Председатель Парижского отделения Лиги Культуры.

Издал французский перевод «Агни-Йоги».

Он родился в Нанте и обучался изобразительному искусству под руководством Адольфа-Вильяма Бугро и Тони Робер-Флери.

Первая его выставка состоялась в Парижском салоне в 1890 году.

Он был награждён золотой медалью на Всемирной выставке 1900 года и в 1912 году получил почётную медаль.

Его любимой темой для изображения были обнажённые юные девушки в естественной обстановке.

Одна из его самых известных картин «Сентябрьское утро» (фр. Matinée de Septembre, 1912) приобрела скандальную известность в США в мае 1913 года, когда Энтони Комсток, глава Нью-йоркского общества борьбы с пороком, осудил картину, как безнравственную.

Этот случай получил широкую огласку и репродукции картины потом хорошо продавались в течение нескольких лет.

«Сентябрьское утро» часто приводится как пример китча.

Известен вариант этой картины, известный под названием Купальщица (фр. La Baigneuse).

В 1890-х Поль Шабас занимался иллюстрацией книг таких авторов как Поль Бурже и Альфред де Мюссе.

Он становится членом Французской академии изящных искусств в 1921 году и получает Орден Почётного легиона в 1928 году.

С 1925 по 1935 он был президентом общества французских художников. Издал французский перевод Агни-Йога (фр. Éthique de Vie).Умер в Париже 10 мая 1937 года.

де Шампань Филипп/Champaigne Philippe(Барокко)

1602—1674

Филипп де Шампань, де Шампень (фр. Philippe de Champaigne) (26 мая 1602, Брюссель — 12 августа 1674, Париж) — французский художник эпохи барокко. Один из старейшин французской Академии живописи и скульптуры.
Биография:
Родился в Брюсселе в бедной семье, стал учеником пейзажиста Жака Фукьера. В 1621 г. перебрался в Париж, где работал с Николя Пуссеном над украшением Люксембургского дворца под началом Николя Дюшене, на дочери которого он позже женится.

После смерти покровительствовавшего ему тестя Шампань начал работать для королевы-матери Марии Медичи, а также для кардинала Ришелье, для которого он украсил дворец, церковь и другие здания. В 1648 г. стал членом королевской академии живописи и одним из её основателей. Наряду с Симоном Вуэ являлся наиболее почитаемым художником эпохи. С 1654 конкурировал с Шарлем Лебреном, участвовал в украшении дворца Тюильри под его руководством.

К концу жизни активно занимался педагогической деятельностью, среди его учеников был Жан Морен. Не оставил печатных трудов, но сохранились его лекции и комментарии, записанные в 1660-х годах Андре Фелибьеном.
С 1640 г. Шампань подпадает под влияние янсенизма. После того, как его парализованная дочь чудесным образом была излечена в монастыре Пор-Рояль, в стенах которого она обитала, Шампань написал нетипичную для него работу — вотивную картину «Ex-Voto de 1662», в настоящий момент находящуюся в Лувре, где он изобразил свою дочь и мать-настоятельницу. Филипп де Шампень умер 12 августа 1674 года в Париже.
Работы:
Шампань оставил достаточно большое количество полотен, по большей части на религиозные сюжеты, но из его наследия наибольший интерес для следующих поколений представляют портреты, самыми знаменитыми из которых оказались изображения Ришелье. Также он писал портреты Мазарини, Людовика XIII, Кольбера, виконта Тюренна, Карла II Английского, а также Блеза Паскаля, Вуатюра, архитекторов Жака Лемерсье и Франсуа Мансара, и других значимых лиц той эпохи.

В ранний период творчества находился под влиянием Рубенса, но со временем его манера приобретает большую сухость и строгость. Его портретная живопись в настоящий момент ценится больше религиозной, которая ничем не выделяется на фоне обычных барочных полотен того времени.

В конце XIX — начале XX века на страницах Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона давалась следующая рецензия творчеству художника:
«Картины этого художника имеют некоторое сходство с произведениями Н. Пуссена, не превосходят их в отношении силы, ясности и естественности колорита; напротив того, по ним видно, что, сравнительно с Пуссеном, Ш. был в меньшей степени одарен находчивостью фантазии и даром композиции, первоклассным мастером он является преимущественно в своих портретных работах, отличающихся тонкой передачей характера изображенных лиц, вкусом их постановки, рельефностью лепки, блеском красок и тщательностью исполнения»

Шамшин Петр Михайлович(Академизм, исторический жанр)

1811–1895

Пётр Михайлович Шамшин (1811—1895) — исторический и церковный живописец академического направления,автор картин исторического жанра и росписей церковной тематики, академик (с 1844 года), профессор (с 1883 года).

Родился в 1811 году в Санкт-Петербурге в семье академика-живописца, преподававшего рисование в классах Императорской академии художеств.

В возрасте десяти лет был определен в Воспитательное училище при Академии художеств.

В дальнейшем обучался в классе профессора Петра Васильевича Басина.

В 1836 году Петр Шамшин окончил академический курс обучения с малой золотой медалью, полученной за картину «Гектор в ложнице Елены упрекает Париса в бездействии» и с привоенным званием художника XIV класса.

В 1838 году за программную картину «Избиение детей Ниобы» Петр Шамшину была присуждена большая золотая медаль, предоставляющая право поездки в Европу для совершенствования в живописи.

Отправившись в Италию, Шамшин пробыл за границей семь лет. В 1844 году за картины «Агарь в пустыне» и «Петр Великий в бурю на Лахте» художник получил звание академика. По возвращении в Санкт-Петербург ему было доверено преподавание рисования в классах академии.

В 1853 году за большой образ «Воскресение Христово» для церкви Академии художеств Шамшин получил ученую степень профессора живописи.

В 1883 году художник был назначен ректором живописи и скульптуры. Картины Шамшина, принесшие ему известность, связаны в основном с мифологическими и библейскими сюжетами, писал художник и на темы из русской истории — «Боярин перед походом» (1871), «Призвание Михаила Федоровича на царство» (1876) и другие полотна. С 1850-х годов и до конца жизни Петр Михайлович Шамшин много и плодотворно занимался церковной живописью.

Его иконостасы и настенные росписи украшали Исаакиевский собор в Петербурге и храм Христа Спасителя в Москве (живопись на стенах придела святого Николая Чудотворца и большая картина «Сретение Господне»), а также многие иные церкви Санкт-Петербурга, его пригородов и других городов Российской империи.

В Исаакиевском соборе П.М.Шамшин создал три росписи в аттике: «Иисус Навин входит в землю обетованную», «Аарон, приносящий жертву Богу» и «Руно Гедеоново».

На своде, примыкающем к главному иконостасу, художник исполнил несколько росписей: две группы «Ангелы, держащие свитки с заповедями»; над большими северными и южными дверями – группы «Ангелы, держащие святой потир» и «Ангелы, держащие святое Евангелие»; на своде между северо-западными пилонами – роспись «Взятие пророка Илии на небо».

Росписи были выполнены художником в 1850-1851 годах.

Другие известные образа и стенные картины живописца находятся в церкви святого Мирония лейб-егерского полка, Благовещенской церкви лейб-гвардии конного полка, в церквях Павловского института, Санкт-Петербургского университета, инженерного училища, Главного почтамта («Видение святого Константина»), а также в гатчинском городском соборе, в Сионском соборе в Тифлисе, в Ивангородской церкви города Нарва, собора Уяздовского госпиталя в Варшаве, церкви русского посольства в Афинах и в некоторых других.

В Эрмитаже в 1870-е годы Петром Шамшиным расписана зала этрурских ваз. Шамшин Петр Михайлович умер в 1895 году в Петербурге.

Шанкc Эмилия Яковлевна(Реализм, бытовой жанр, портрет)

1857–1936

Эмилия Яковлевна Шанкс (англ. Emily Shanks; 1857, Москва — 1936, Лондон) — англо-русская художница, первая женщина-живописец, принятая в Товарищество передвижных художественных выставок.

Шанкc Эмилия Яковлевна— русская и английская художница, автор жанровых картин с обязательным изображением детей.

Родилась в 1857 году в Москве в семье успешного британского предпринимателя Джеймса-Стюарта Шанкса,владельца ювелирной мастерской и основателя торгового дома «Английский магазин Шанкса и Болина», одного из самых фешенебельных магазинов Москвы на Кузнецком Мосту.

Двое из восьми детей Джеймса-Стюарта Шанкса — Эмили и её младшая сестра Мэри (Мария Яковлевна Шанкс — иллюстратор произведений Л. Н. Толстого) стали профессиональными художницами.

С 1882 года в качестве вольнослушательницы училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. Е. Маковского, И. М. Прянишникова в мастерской В. Д. Поленова.

Окончила училище в 1890 с присвоением звания классного художника. Награждена большой серебряной медалью МУЖВЗ за картину «Письмо няни».

С 1891 экспонент Товарищества передвижных художественных выставок. Участвовала c XIX по XXII, с XXV по XXX, XXXII, c XXXV по XXXVIII, XL, XLI выставках Товарищества.

В 1894 за полотно «Чернильное пятно» была включена в члены Товарищества и стала первой из двух женщин-живописцев, удостоенной этой чести.

Участвовала во Всероссийской промышленной и художественной выставке в Нижнем Новгороде, выставках Московского общества любителей художеств (1900–1901), в галерее Лемерсье (1909–1912) в Москве.

У Эмилии Шанкс установились тесные дружеские отношения с художницей и декоратором Еленой Поленовой и ее братом знаменитым живописцем Василием Поленовым.

Эмилия и ее сестра Мария вместе с Поленовыми создавали эскизы, рисовали с натуры (это отражено в письмах Поленова в 1891-1892 годах).

7 марта 1891 Василий Поленов написал своей жене Наталье Поленовой, что картина Эмилии Шанкс «Старший брат», представленная на выставке передвижников, привлекла внимание императрицы Александры Федоровны, которая проявила интерес к приобретению полотна.

Эмилия Шанкc писала жанровые картины с бытовыми сценами и портреты с обязательным присутствием на холстах детей или подростков, в числе которых: «Старший брат», «Искушение», «Трудная задача», «Любимая кукла», «Медицинский осмотр в русской богадельне», «Наем гувернантки», «Девочка, собирающаяся на прогулку», «Мыльные пузыри», «В цветах», «Гостья в институте» и другие работы.

В 1892 году картину «Новенькая в школе» приобрел для своей галереи меценат и собиратель произведений русского изобразительного искусства Павел Михайлович Третьяков, об этой работе художницы с похвалой отзывался Илья Ефимович Репин.

В 1894 году за картину «Чернильное пятно» Шанкс была принята в члены Товарищества и стала первой из двух женщин-живописцев, удостоенной этой чести.

Помимо членства в художественном объединении передвижников Эмилия Яковлевна Шанкс с 1894 года состояла также в Московском товариществе художников.

С 1913 года стала проживать в Англии, выставляла свои работы на открытых выставках лондонской Королевской Академии художеств(1916, 1918).

Во многих английских музеях и частных коллекциях хранится большинство картин последних десятилетий жизни художницы.

В России картины Эмилии Шанкс находятся в Третьяковской галерее в Москве, Сызранском краеведческом музее, Тюменском музее изобразительных искусств, музее-усадьбе В. Д. Поленова в Тульской области и в частных собраниях. Эмилия

Шанкс скончалась в 1936 году в Лондоне в округе Кенсингтон.

Шарден Жан Батист Симеон/Chardin Jean-Baptiste Simeon(Бытовой жанр, натюрморт)

1699-1779

Шарден Жан Батист Симеон (Chardin), французский живописец. Представитель реалистического направления во французском искусстве XVIII в.

Рену в некрологе писал: «Невольно кажется, что он имел глаза, устроенные наподобие призмы, чтобы различать различные цвета предметов, неуловимые переходы от света к тени. Никто лучше его не владел магией светотени».

Жан Батист Симеон Шарден родился 2 ноября 1699 года в Париже, в семье мастера резчика по дереву, выполнявшего сложные художественные работы.

Родители сочувственно относились к его первым успехам в рисовании, а затем отдали сына для обучения живописи в мастерскую Пьера Жака Каза. В течение нескольких лет он копировал здесь картины, среди которых были произведения церковного содержания.

Первые настоящие уроки он получил в мастерской Ноэля Никола Куапеля. Помогая учителю исполнять аксессуары в его картинах, он приобрел необычайное искусство изображать всякого рода неодушевленные предметы.

Одним из его учителей стал художник Ж. Б. Ванлоо, привлекший Шардена к работам по реставрации фресок во дворце Фонтенбло.

Затем молодой художник поступил в парижскую Академию св. Луки, чтобы усовершенствоваться в жанре натюрморта. В 1724 году он приобрел почетное звание члена этой Академии.

Впервые он выставил несколько своих работ на выставке молодых художников в 1728 году. Картины «Скат» (1727) и «Буфет» (1728) имели огромный успех и открыли перед Шарденом двери в Королевскую академию, куда он был принят в качестве «живописца цветов, плодов и характерных сюжетов».

Тридцатые–сороковые годы – период расцвета творчества художника. Оставаясь верным своему стилю, Шарден вдохновлялся искусством голландских мастеров жанровой живописи, картинами Давида Тенирса и Герарда Доу.

Шарден создает лучшие жанровые композиции, впервые во французском искусстве отобразившие совершенно новый мир – жизнь третьего сословия: «Дама, запечатывающая письмо» (1732), «Карточный домик» (около 1737), «Женщина, чистящая овощи» (1738), «Прачка» (около 1737), «Рукодельница», «Вернувшаяся с рынка» (1739), «Гувернантка» (1739), «Трудолюбивая мать» (1740), «Молитва перед обедом» (1744).

С 1737 года Шарден становится постоянным участником парижских Салонов.

Его работы нравятся маршанам (торговцам картин) и критикам. Дидро восторженно пишет о нем: «Вот кто умеет создавать гармонию красок и светотени! Не знаешь, на какой из этих картин остановить свой выбор, – они равно совершенны…

Это сама природа, если говорить о правдивости форм и цвета». В Салоне 1738 года Шарден показал картины «Мальчик половой» и «Мойщица посуды» (обе – 1738), а также два портрета – «Мальчик с юлой» и «Юноша со скрипкой» (обе – 1738).

Чаще всего художник изображал женщин и детей. Трудолюбивая хозяйка, любящая мать, заботливая гувернантка или дети с их непосредственностью и невинными забавами – вот главные герои Шардена.

Так, на картине «Прачка» изображена женщина, стирающая белье, и сидящий рядом с ней мальчик, пускающий через соломинку мыльные пузыри. Солнечный блик играет на мыльном пузыре и видны переливы разных оттенков на пене.

В 1731 году после нескольких лет знакомства Шарден женится на дочери купца Маргарите Сентар. Вскоре у них родится сын Пьер, впоследствии ставший художником, а в 1733 году – дочь.

Но проходит два года, и художника постигает тяжелая утрата, когда в один день умирают и жена, и маленькая дочь. Вновь он женится только в 1744 году. Его избранницей стала Франсуаза Маргарита Пуже, вдова буржуа. Но и здесь Шардена поджидает новая беда – погибает ребенок от нового брака.

Несчастья в личной жизни не отразились на творчестве художника.

В 1730–1740 годы он создает свои лучшие картины, впервые во французском искусстве отображавшие простых парижан. «…отказ от развлекательности и нарочитых эффектов, преданность натуре, изображение людей и вещей такими, какими их можно видеть в жизни, но какими их никогда до этого не изображали художники Франции, привлекали внимание к этим произведениям.

Картины Шардена по содержанию камерны, и их небольшой формат оказывается единственно возможным.

Наше внимание концентрируется на ограниченной, но достойной внимания сфере жизни – на теплоте человеческих чувств, на добром согласии, которые царят в семьях скромных парижан. Этим настроением проникнута почти каждая его работа.

С благоговением и подлинным лиризмом изображает художник женщину наставницу, воспитывающую у своих питомцев добрые чувства.

И это обращение к разуму ребенка, забота о его нравственном воспитании, о соблюдении им норм поведения характерны и типичны для времени распространения просветительных идей («Молитва перед обедом», «Гувернантка»)», – пишет Ю.Г. Шапиро.

В 1743 году Шардена избирают советником Королевской академии, а в 1755 году он стал ее казначеем.

В 1765 году художника избирают также членом другой академии – Руанской. Огромное место в творчестве Шардена, в особенности с пятидесятых годов, занимает натюрморт: «Шарманка и птицы» (около 1751), «Надрезанный лимон» (около 1760), «Десерт» (1763), «Кухонный стол», «Медный бак», «Трубки и кувшин», «Натюрморт с атрибутами искусств» (1766), «Корзина с персиками» (1768).

Умение краской передать материальность каждой вещи вызывало восхищение Дидро. Мастерство Шардена он называл колдовством. Дидро писал: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст».

Шарден утверждал в своих картинах ценность и значение материального мира и окружающей реальной жизни. В своих натюрмортах художник не любит пышных и декоративно перегруженных композиций.

Он ограничивается небольшим числом любовно отобранных предметов, очень скромных и не бросающихся в глаза.

Основой шарденовской палитры является серебристо серый тон. Рафаэлли дал прекрасное объяснение этому предпочтению художника: «Когда вы срываете плод – персик, сливу либо гроздь винограда, вы видите на нем то, что мы называем пушком, особый вид серебристого налета.

Если вы положите такой плод на стол, свет, игра рефлексов от окружающих его предметов придадут его окраске сероватые оттенки. Наконец, воздух, с его голубовато серым тоном, окутывает все предметы.

Это приводит к тому, что самые интенсивные краски природы как бы купаются в повсюду разбросанных лиловато серых оттенках, которые видит лишь тонкий колорист, и именно наличие такой сероватой гаммы позволяет нам опознать хорошего колориста.

Колористом отнюдь не является тот, кто кладет на холст много красок, а лишь тот, кто воспринимает и фиксирует в своей живописи все эти сероватые оттенки.

Шардена следует рассматривать как одного из наших величайших колористов, так как среди наших мастеров он не только тоньше всех видел, но и умел лучше всех передавать те нежнейшие сероватые оттенки, которые порождены светом, рефлексами и воздушной средой».

В результате интриг со стороны недругов здоровье художника было подорвано. Тяжелым ударом для него явилось и внезапное исчезновение сына (1774). Несмотря на преклонный возраст и болезнь, он продолжал работать, но материальное положение становилось катастрофическим.

Мастер вынужден был продать свой дом. Отказавшись от казначейских дел в Академии, он решил остаток сил отдать живописи. Мастер пишет в технике пастели два замечательных портрета – «Автопортрет с зеленым козырьком» и «Портрет жены» (оба – 1775 г.)

«Первое впечатление от автопортрета – ощущение необычности. Художник изобразил себя в ночном колпаке, с небрежно завязанным шарфом – он выглядит типичным домоседом бюргером, который мало следит за собой, стар, добродушен, немного курьезен.

Но уже в следующее мгновение, когда зритель встречается с его взглядом, недоумение исчезает… Мы узнаем художника, который также внимательно, спокойно и серьезно всматривается в жизнь, чтобы утвердить своим поэтическим талантом на основании жизненного опыта лишь то, что разумно, полезно, гуманно», – пишет Ю.Г. Шапиро.

После долгой болезни Шарден умирает 6 декабря 1779 года.

Шарлемань Адольф Иосифович(Историзм, батальная живопись)

1826–1901

Шарлемань Адольф Иосифович — русский батальный, исторический и жанровый живописец, автор Атласной колоды — самого известного в России рисунка игральных карт.

Родился в 1826 году в Санкт-Петербурге в семье архитектора, внук приехавшего из Руана в Россию во времена Екатерины II французского скульптора Жана-Батиста Боде-Шарлеманя.

Общее образование Шарлемань получил в училище при петербургской лютеранской церкви святого Петра.

С 1848 года обучался в Академии художеств, в которой занимался сначала исторической живописью под руководством Федора Антоновича Бруни, а потом батальной в классе профессора Богдана Павловича Виллевальде.

Во время обучения в Академии Шарлемань получил: в 1852 году малую серебряную медаль за эскиз «Кавалергарды в Красном Селе», в 1853 большую серебряную медаль за картину «Подвиг рядового-карабинера лейб-гвардии Конного полка Гаврилова в битве под Аустерлицем», в 1854 году малую золотую медаль за исполнение конкурсной программы «Эпизод из венгерской кампании 1848 года» и, наконец, большую золотую медаль за написанную по академической программе картину «Фельдмаршал Суворов на вершине Сен-Готарда» (1855, Гатчинский дворцово-парковый музей-заповедник).

Большая золотая медаль предоставила художнику право на поездку за границу в качестве пенсионера академии, Шарлемань отправился в Мюнхен, где написал картины: «Торжественная встреча фельдмаршала Суворова в Милане в апреле 1799 года», «Петр I всенародно объявляет о заключении мира со Швецией» и «Последний ночлег Суворова в Швейцарии в деревне Эльм кантона Гларус».

За эти произведения Шарлемань был удостоен в 1859 году звания академика. Затем он совершил поездку в Париж, где изучал полюбившийся ему стиль «помпадур» по версальским образцам, посетил Штутгарт и некоторые другие города Германии.

По возвращении в Санкт-Петербург в 1861 году художник написал надпрестольные и другие образа для католической церкви при Пажеском корпусе и церкви при Выборгском римско-католическом кладбище; затем им были написаны плафоны и стенные панно для домов князя Мещерского в Москве и А. Полежаева в Санкт-Петербурге. В 1867 году Шарлемань представил на академической выставке картину «Екатерина II в мастерской Фальконе», за которую позже получил звание профессора.

Работа художника была приобретена императрицей Марией Александровной Романовой, вследствие этого положение Шарлеманя в петербургских общественных и художественных кругах упрочилось.

Шарлемань сотрудничал в Государственной экспедиции заготовления ценных бумаг, много работал как иллюстратор в журналах, участвовал в подготовке костюмов для «исторических балов» великого князя Владимира Александровича.

От Императорской карточной фабрики Шарлеманю наряду с другими художниками поступил заказ на создание эскизов игральных карт для их массового полиграфического производства. Проект игральных карт Адольфа Шарлеманя стал самым удачным.

Эскиз Атласных карт был сделан для печати в четыре краски — черную, синюю, желтую и красную.

Однако не только «технологичность» сыграла свою роль в успехе. Рисунок карточных фигур оказался настолько лаконичным, настолько лишенным ненужных деталей и сложных ракурсов, что успех был просто неизбежен.

Рисунки карт Адольфа Шарлеманя, почти не изменившись, используются в России до настоящего времени.

Исключение — на карте бубнового туза ранее в подлинном варианте был изображен герб Российской империи.

В 1873 году Шарлемань был удостоен звания и должности придворного живописца и получил титул художника Его Императорского Величества.

Он являлся членом Русского общества аквафортистов, Товарищества русских художников-иллюстраторов и других художественных объединений.

Как придворный художник Шарлемань оформлял многочисленные балы, маскарадные костюмы, живые картины, праздничные программы и другие императорские конкурсы.

Скончался живописец в 1901 году в Санкт-Петербурге и был похоронен на Выборгском римско-католическом кладбище.

Шассерио Теодор/Chasseriau Theodore(Реализм)

1819—1856

Теодор Шассерио (фр. Théodore Chassériau; 20 сентября 1819, Санто-Доминго — 8 октября 1856, Париж) — французский художник.
Теодор Шассерио родился на Санто-Доминго, одном из Антильских островов, в 1819 году.

Отец его, Бенуа Шассерио, происходил из обеспеченного, крепко стоявшего на ногах рода (предки его с незапамятных времен владели торговыми судами), но в 1802 году юный Бенуа взалкал «приключений», оставил родную Ла-Рошель и отправился в вест-индские тропики.

Здесь он женился на дочери разорившегося в результате мятежей землевладельца, тоже француженке, однако с примесью туземной крови. Жизнь семьи Шассерио складывалась не самым благополучным образом, ибо колонию то и дело сотрясали восстания.

В таких условиях трудно было сохранять «уверенность в завтрашнем дне» и не беспокоиться за подрастающих детей. Через три с небольшим года после рождения маленького Тео семейство перебралось во Францию (на этом, вероятно, настояла мать будущего художника).

Едва устроив в Париже жену и детей, Бенуа Шассерио отбыл обратно в Вест-Индию и с тех пор лишь изредка появлялся в кругу семьи. Вдали от родины его удерживали обязанности консула острова Сент-Томас, а затем — Пуэрто-Рико.

Оставшись в Париже с пятью детьми, мадам Шассерио экономила на всем, на чем только можно. Исправно присылаемых супругом денег, вкупе даже с жалованьем устроившегося на службу старшего сына, хватало лишь на удовлетворение самых насущных потребностей.

Дочери, подрастая, помогали вести хозяйство, а Тео отдали в дешевый пансион. Здесь он предпочитал всем остальным урокам рисование, что весьма беспокоило его учителей, но, к удивлению педагогов, не встречало порицания у родных.

Как ни странно, и мать, и отец Шассерио не только не противились его увлечению, но и всячески поддерживали его. Особенно серьезно отнесся к дарованию сына отец, до седых волос оставшийся романтиком в душе.

Когда будущему художнику минуло двенадцать лет, он начал посещать мастерскую Энгра. По счастливому стечению обстоятельств, у него учился один из родственников семьи Шассерио, который и помог устроить талантливого подростка в ученики к знаменитому мэтру.
Несмотря на то, что Теодор Шассерио был самым юным воспитанником Энгра, учитель часто ставил его в пример другим своим ученикам, говоря, что «этот ребенок — будущий Наполеон живописи».

Теодор же, в свою очередь, просто-таки обожал Энгра, и домашним часами приходилось выслушивать его восторженные рассказы о «великом мастере».
Учение закончилось с отъездом Энгра в Рим, куда он удалился после провала своей картины «Мученичество святого Симфориона».

Но и из Рима он продолжал — теперь уже в письмах — наставлять Шассерио. Его поучения падали на благодатную почву. Свои робкие ответные письма молодой художник неизменно подписывал: «Ваш преданный ученик».

В 1836 году Шассерио впервые выставил свою картину в Салоне. Эта работа, «Проклятый Каин», снискала одобрение жюри. Сюжет, избранный Шассерио, не поражал новизной, однако новизны и не требовалось.

Напротив, выбор художника подтверждал его лояльность, и присужденная ему медаль третьей степени стала для него своего рода «справкой о благонадежности».

После своего триумфального дебюта Шассерио почувствовал себя уже «настоящим живописцем» и через несколько месяцев отправился «за впечатлениями» в Бельгию, по стопам Теофиля Готье. Он, как ему казалось, нашел свой путь в живописи, однако следующие его религиозные работы не были приняты в Салоне.

Видимо, именно этому провалу мы обязаны появлению такого полотна, как «Венера Анадиомена», кардинально отличающегося по стилистике от первых работ Шассерио.

И хотя тема этой картины также не нова, однако во время следующего Салона она была принята гораздо более эмоционально, чем «Проклятый Каин». Отметило ее не только жюри, но и публика.
В 1840 году, получив гонорар за алтарную картину «Христос в Гефсиманском саду», Шассерио смог осуществить свою давнюю мечту — поехать в Рим к Энгру. Долгожданная встреча обернулась разрывом.

Художник судил своего некогда обожаемого учителя со всей жестокостью пылкой молодости: «Мы никогда не сможем понять друг друга. Он не имеет ни малейшего представления об идеях и переменах, произошедших в искусстве нашего времени, и совершенно не знает новых поэтов…»

Несколько месяцев, которые Шассерио провел в Италии, пошли ему на пользу. Он вернулся возмужавшим и уверенным в собственных силах.

Кроме того, к этому времени семья живописца заняла относительно прочное положение в обществе, и он смог войти в круги, о которых до этого имел лишь самое неясное представление.

Среди новых светских знакомых Шассерио была и такая экзотическая персона, как халиф Константины Али бен-Ахмед, перешедший на сторону французов и за то награжденный орденом и приглашенный в Париж.

Большой конный портрет, написанный с него нашим героем, был показан в Салоне 1845 года и очень понравился халифу. Он пригласил художника в Константину, где обещал сполна расплатиться с ним за труды.

В колонию Шассерио отбыл весной 1846 года. Он находился здесь два с лишним месяца и за это время успел близко познакомиться с бытом алжирских арабов и евреев. Собственно, нигде, кроме Константины и Алжира, он не побывал, однако и вывезенных отсюда «ориентальных впечатлений» хватило ему до конца жизни.

К сожалению, современники мало оценили восточные картины Шассерио, найдя, что он подражает Делакруа (подобные обвинения приходилось слышать ему и раньше, в 1844 году, когда он почти одновременно с Делакруа создал серию иллюстраций к произведениям Шекспира).

Упреки раздражали Шассерио, выводили его из себя — тем сильнее, чем больше страдал он от своего душевного недуга. Современники вспоминали, что живописец день ото дня становился все нетерпимее, жесточе, брюзгливее.

Он изводил знакомых жалобами на то, что его «обходят наградами», несправедливо недоплачивают ему гонораров.

Даже последняя подруга Шассерио, княгиня Кантакузен (впоследствии она станет женой Пюви де Шаванна), не смогла облегчить его страданий.

Смерть неумолимо приближалась к нему, и он, все больше отдаляясь от родных и друзей, уже чувствовал на своем лице ее холодное дыхание.

В 1856 году художника не стало.

Творчество Шассерио, с его отточенной объективностью, стало той точкой отсчета, в которой французское искусство соприкоснулось одной из своих граней с реализмом бидермейера, господствовавшего в германских землях.

Экономность последнего в декоративных средствах была чужда Франции, но близка Северной Европе, надолго удержавшись в ее искусстве.

Эта германская объективность даст новые плоды в 1920-е годы, наследие которых еще далеко не исчерпано, и вполне возможно, что еще одна смена вкусов станет побудительным толчком к появлению «Новой вещественности» во французском искусстве.

В Лувре холст «Две сестры» помещен в окружении угнетающе огромных полотен, но очевидно, что лишь эта картина остается «не задавленной» ими.

Шварц Вячеслав Григорьевич(Историко-бытовой жанр)

1838–1869

Шварц Вячеслав Григорьевич — русский живописец, автор картин историко-бытового жанра. Родился в 1838 году в Курской губернии в семье генерала, участника Отечественной войны 1812 года.

Раннее детство мальчик провел на Кавказе, его отец командовал Джаробелоконским военным округом и лезгинской кордонной линией.

В 1847 маленький Шварц был зачислен в пажи к Высочайшему Двору, а в 1853 году родители определили его в воспитанники Александровского (бывшего Царскосельского) лицея в Санкт-Петербурге.

Во время многолетнего обучения в лицее Вячеслав Шварц, благодаря своим блестящим способностям, особенно памяти, был первым учеником в классе, хотя во время уроков часто забавлялся черчением разных рисунков вместо того, чтобы записывать преподаваемое.

Эти упражнения в рисовании способствовали тому, что он рано набил себе руку в приемах работы пером, которую любил впоследствии.

Находясь в лицее, он занимался также живописью и научился гравировать крепкой водкой.

Блистательно окончив лицейский курс в 1859 году с золотой медалью и чином IХ-го класса, Вячеслав Шварц определился на службу в канцелярию Кавказского и Сибирского комитета.
В течение трех лет он посещал, на правах вольного слушателя, петербургский университет, где изучал арабский язык и занимался на историко-филологического факультете.

Одновременно Шварц учился в Академии художеств в классе профессора батальной живописи Богдана Петровича Виллевальде.

В 1859 году, за представленный академии рисунок своей композиции «Встреча великого князя Святослава с византийским императором Иоанном Цимисхием», Шварц был удостоен малой серебряной медали, через год после того получил вторую такую медаль за рисунок «Взятие Казани Иваном Грозным» и в 1861 году получил большую серебряную медаль за исполненный углем в натуральную величину картон: «Иоанн Грозный у тела убитого им сына», замечательный по драматичности сюжета, прекрасной композиции, силе выражения и археологической верности всех подробностей представленной сцены.

В последующие годы именно шварцевский образ Ивана Грозного служил прототипом для большинства живописцев, изображавших русского царя.

Таким образом, уже в первую пору своей художественной деятельности Шварц перешел от батального рода живописи к исторически-бытовому, в котором составил себе вскоре почетную известность.

Эта работа положила начало целой серии произведений художника, связанных с сюжетами из эпохи Иоанна Грозного.

В частности, в 1862 году Шварц создал небольшую живописную картину «Посол князя Курбского Василий Шибанов перед Иваном Грозным», в 1862–1865 годах выполнил тушью пять иллюстраций к «Песне про купца Калашникова» Михаила Юрьевича Лермонтова и четыре иллюстрации к роману Алексея Константиновича Толстого «Князь Серебряный».

В 1861-1863 годах Шварц совешил заграничное путешествие во Францию и Германию. В Берлине Шварц работал у профессоров Шрадера и Каульбаха, после чего посетил Дрезден, Кельн, Франкфурт-на-Майне и Майнц.

В Париже он занимался у живописцев Лефевра и Конта, а также выполнил живописныйвариант масляными красками своего картона «Иоанн Грозный у тела убитого им сына».

По возвращении своем из этого путешествия художник изготовил картон огромной величины «Вальпургиева ночь» (по мотивам произведений Иоганна Вольфанга Гете).

В 1865 году за картину «Вербное воскресенье в Москве времен царя Алексея Михайловича» Шварцу было присвоено звание академика.

В 1867 году он был отправлен от Академии художеств во Францию для обустройства русского художественного отдела на Всемирной Парижской выставке. Международное жюри этой выставки присудило Шварцу золотую медаль за картину «Голштинские послы в посольском приказе».

Возвратившись в Россию, художник вновь обратился к излюбленной теме жизни и быта русских царей, в изучении которой опирался на труды историков Н. И. Костомарова и И. Е. Забелина.

В кремлевской Оружейной палате Шварц рисовал с натуры утварь, одежду, оружие и предметы обихода XVII столетия.

В результате глубокого и кропотливого исследования быта эпохи живописцем были созданы картины «Игра в шахматы» (другое название картины «Сцена из домашней жизни русских царей»), «Иностранные посланники в посольском приказе» и др.

В них сказалось знание историко-бытовых деталей, благодаря которым художнику удалось воссоздать верный типаж, а также атмосферу будничной жизни теремов-дворцов.

В 1867-1868 годах художником были написаны картины: «Патриарх Никон на прогулке в Новом Иерусалиме», «Русский гонец XVI века», «Голова рыцаря», «Вешний поезд царицы на богомолье при царе Алексее Михайловиче», «Стрелец XVI века» и несколько рисунков.

За эти работы, пользовавшиеся громадной популярностью у публики на академической выставке 1868 года, Академия художеств возвела Шварца в звание своего почетного вольного общника.

В 1868 году курское дворянство избрало Шварца в предводители Щигровского уезда; однако ему недолго пришлось исполнять эти обязанности. Внезапная болезнь (отказ почек) свела художника в могилу.

Шварц Вячеслав Григорьевич умер 29 марта 1869 года в Курске, был похоронен в фамильном склепе своего имения Белый Колодезь.

Серьезная художественная деятельность Шварца продолжалась всего девять лет, но несмотря на это, он оставил по себе прочную память в истории русского искусства как самый замечательный из воспроизводителей отечественной старины.

Менее чем за девять лет занятий изобразительным искусством Вячеслав Григорьевич Шварц стал фактически родоначальником новейшей русской исторической живописи.

Человек очень образованный, начитанный и вдумчивый, основательно изучивший Россию XVI и XVII столетий, в своих композициях Шварц, как никто другой, ставил зрителя лицом к лицу с ее историческими и не историческими личностями, вводил его во все частности их быта, всецело воскрешал их нравы и характеры, и своим примером увлек многих художников на путь подробной и точной обработки русских исторических тем.

Швиттерс Курт/Kurt Schwitters(Авангард)

1887–1948

Немецкий художник представитель авангарда.
Курт Швиттерс (нем. Kurt Schwitters, 20 июня 1887, Ганновер — 8 января 1948, Кендал, Великобритания) — немецкий художник и писатель.
Жизнь и творчество:
В 1909—1914 гг. учился живописи в Дрезденской академии художеств.

Участвовал в берлинском авангардистском журнале «Штурм». Был близок к дадаизму, конструктивизму, сюрреализму, экспрессионизму; дружил с Хансом Арпом, Элем Лисицким.

В конце 1910-х годов художник создавал большие рельефы, составленные из колес, деревянных планок, гвоздей и проволочной сетки.

Эти ассамблажи, в отличие от более камерных коллажей, выглядели как монументальные произведения.

Наиболее известен неожиданными, алогичными, намеренно отталкивающими композициями из «найденных предметов», которым он дал название «Мерц» (сокращение от «Kommerz und Privatbank»).

В 1923—1932 гг. издавал журнал под таким названием, вышел 21 номер.

В 1920-х и 1930-х годах он расширил сферу приложения творческих сил, создавая целые колонны, представлявшие собой нагромождения разнообразных предметов и материалов, которые он называл merzbau.

Впоследствии он применил концепцию merzbau при создании огромного ассамблажа из предметов, который занял большую часть трехэтажного дома. Merzbau было предшественником энвайронмента 1960-х годов, который специализируется на создании огромных громоздких конструкций.

К сожалению, первое merzbau Швиттерса, находившееся в Ганновере, погибло при бомбардировке во время Второй мировой войны.

Швиттерсу принадлежит поэма-коллаж «Посвящается Анне Блюме» (1919), а также образцы заумной «звуковой поэзии» («Прасоната» (нем. Ursonate) 1922—1932); обе вещи в исполнении автора записаны в 1932 г. на грампластинку.

Когда нацисты пришли к власти, художник уехал в Норвегию(1937 год) и жил в Осло,, где начал конструировать второе merzbau, но после оккупации немцами Норвегии был вынужден покинуть страну и эмигрировать в Англию( с 1940 года).

Его произведения фигурировали на известной мюнхенской выставке «Дегенеративное искусство» (1937), организованной нацистами.

Умер Швиттерс в Эмблсайде 8 января 1948.

Художественные произведения:

Архив Швиттерса находится в Шпренгель-Музее Ганновера.

Аннотированный каталог его работы в трёх томах издан в Германии в 2000—2006 гг.

В 1995 г. большая выставка его работ прошла в парижском Центре Жоржа Помпиду,

в 2005 г. произведения Швиттерса были представлены там же в рамках широкой ретроспективы дадаистов.

Творчество Швиттерса повлияло на американское авангардное искусство (Р. Раушенберг и др.).

Шебуев Василий Кузьмич(Академизм, поздний классицизм)

1777–1855

Шебуев, Василий Козьмич — (2 (13)апреля 1777, Кронштадт — 16(28) июня 1855, Санкт-Петербург) — русский живописец, действительный статский советник, академик, заслуженный ректор Императорской Академии художеств (1832), один из ведущих мастеров позднего классицизма и академизма.

Автор картин на исторические, библейские и аллегорические темы, портретов и монументальных композиций для Казанского собора в Петербурге.

Родился в 1777 году в Кронштадте в небогатой дворянской семье. Обнаружив ранние художественные способности ребенка, в 1782 году родители определили его в воспитанники при петербургской Академии художеств. Василий Шебуев в Академии художеств учился у Ивана Акимовича Акимова и Григория Ивановича Угрюмова.

В 1797 году за картину по академической программе «Ной при выходе из ковчега приносит жертву» Шебуев получил малую золотую медаль и тогда же аттестат первой степени, удостоверяющий звание классного художника.

После окончания обучения Василий Шебуев был оставлен при Академии пенсионером и помощником преподавателя в натурном классе, а год спустя ему было доверено преподавание рисования в классах академического училища.

В 1803 году Шебуев был отправлен в заграничное путешествие от Академии для совершенствования в живописи, проживал в Риме, где копировал подлинники великих мастеров.
В 1806 году художник был отозван в Санкт-Петербург для работы по живописному и скульптурному украшению строящегося в столице Казанского собора, ставшего пантеоном славы, памятником русскому воинству и одновременно «храмом славы русских художников».

Шебуев исполнил для храма ряд композиций, в том числе, изображения трех святителей — Василия Великого, Григория Богослова и Иоанна Златоуста.

За картину огромного размера «Петр Великий в сражении при Полтаве» Совет Академии художеств произвел его в адъюнкт-профессоры исторической живописи и ему было предложено преподавание в академических классах. В 1823 году за исполнение грандиозного плафона в соборе Екатерининского дворца в Царском Селе Шебуев был удостоен титула придворного живописца.

Практически вся последующая жизнь Василия Кузьмича Шебуева связана с преподавательской деятельностью в Академии художеств: начинал он в 1807 году в звании академика по классу исторической живописи, продолжил в 1832 в должности ректора живописи и ваяния, в 1842 году стал заслуженным ректором, а закончил в 1846 году вице-президентом Академии.

В 1830-х годах, уже будучи ректором, Шебуев создал эскиз росписи купола конференц-зала Академии художеств «Торжество на Олимпе» и эскиз плафона для церкви Святой Екатерины при Академии «Видение пророка Иезекииля».

С 1821 по 1839 год работал директором Шпалерной мануфактуры. Шебуев исполнял, в основном, произведения на исторические и религиозные темы, отмеченые мастерством строгого академического рисунка, умелой компоновкой многофигурных сцен, интересом к национальной истории.

Реалистическими устремлениями живописца отмечены его поздние портретные работы «Портрет отставного экспедитора И. В. Швыкина» (1833), «Портрет неизвестной в коричневом платье» (1837), «Портрет жены» (середина 1840-х).

В Академии художеств Василий Кузьмич Шебуев имел огромное влияние на развитие и становление многих русских живописцев, в том числе П. В. Басина, Ф. А. Бруни, К. П. Брюллова, А. А. Иванова.

Скончался Василий Кузьмич Шебуев в 1855 году в Санкт-Петербурге, похоронен на православном Смоленском кладбище.

Шевченко Тарас Григорьевич

1814–1861

Тарас Григорьевич Шевченко родился 25 февраля (9 марта по старому стилю) 1814 года в селе Кириловка Звенигородского уезда Киевской губернии. Сын крепостного крестьянина Григория Шевченко и Катерины. С детства увлекался рисованием и сочинением стихов. Служил в качестве слуги-«казачка» у помещика Энгельгардта.
В 30-х годах Тарас Шевченко выехал вместе с помещиком в столицу. Здесь Шевченко встретил земляка-художника Ивана Сошенко (около 1834-35 года), который вскоре познакомил его с демократически настроенными и влиятельными деятелями культуры Петербурга – В. Григоровичем, А. Венециановым, В. Жуковским, М. Виельгорским. Они, разглядев в Шевченко редкий талант, в 1838 году выкупили его из крепостной неволи. (Шевченко к тому времени исполнилось 24 года).
С 1838 по 1845 год Шевченко учился в Петербуржской Академии художеств (основана в 1757 году), проявив незаурядные способности в живописи маслом, акварелью, рисунке карандашом. В Академии учились студенты как на казенном содержании так и «посторонние». Академисты слушали общеобразовательные предметы и специальные. «Посторонние» имели право посещать лишь специальные классы. Шевченко относился к последним. Его учителем был крупнейший русский живописец Карл Брюллов. Шевченко сразу начал учиться в «фигурном» классе (рисование гипсовых фигур), пропустив три предыдущих, т.к. имел достаточно высокую художественную подготовку. Шевченко также посещал лекции Аполлона Феодосьевича Щедрина (профессор Академии художеств, преподавал архитектуру, перспективу и черчение, брат художника-пейзажиста Сильвестра Щедрина, одного из основателей русского реалистического пейзажа). В эти же годы Шевченко сформировался как поэт.
В период учебы Шевченко в Академии усиленно насаждался далекий от реальной действительности академизм, но уже зарождалось новое оппозиционное, демократическое искусство.
В 1840 году состоялась реорганизация Академии. Все ученики получили равные права.
В мае 1943 года Шевченко оформляет академический отпуск и отправляется на Украину. Его имя уже имеет на родине определенную известность. Предприниматель и меценат Григорий Тарновский приобретает его картину «Катерина», положив начало своей украинской коллекции. В том же году Шевченко начинает работу над серией офортов «Живописная Украина», которая продолжается весь 1844 год. Он сам работает над гравированием, по ходу овладевая этой сложной техникой.
За высокие успехи в учебе Шевченко был награжден тремя серебряными медалями.
После окончания Академии Т. Шевченко получает аттестат «неклассического» или свободного художника (у Шевченко к тому времени сформировался свой оригинальный стиль).
Возвратившись в 1845 году после окончания Академии на Украину, Шевченко работает художником в Археографической комиссии. Но через два года его арестовывают за участие в тайной организации – Кирилло-мефодиевском обществе. В руки полиции попали сочинения поэта, в которых остро обличается антинародный государственный строй Российской империи. Шевченко приговорили к долголетней ссылке рядовым солдатом в Оренбургский отдельный корпус. Ссыльного поэта держали под надзором и запрещали писать и рисовать. Но благодаря помощи и содействию местной прогрессивно настроенной интелегенции он смог на протяжении всех десяти лет ссылки полулегально заниматься творчеством.
В 1857 году благодаря ходатайству первых людей России и Украины Шевченко освобожден.
Последние годы жизни Шевченко отмечены крупнейшими достижениями в поэзии, живописи и графике. Особенно общепризнанными были его успехи в гравюре. В сентябре 1860 года Академия художеств удостоила Шевченко звания академика гравюры.
Зимой 1860-61 года здоровье Т. Г. Шевченко, подорванное ссылкой резко ухудшилось. 10 марта 1861 года он умер.

ван Шендель Петрус(Petrus van Schendel)

1806–1870

Петрус ван Шендель — бельгийский художник,гравер и рисовальщик.
Петрус ван Шендель жил с 1806г по 1870г.

За время своего творчества он написал множество талантливых картин, где часто присутствуют блестящие персонажи и свет от свечей, придающий изображениям больше драматизма.

Каждая сцена, воссозданная художником, отличается глубиной освещения и мастерством построения композиции.
Сцены на рынке со слабым освещением, кажется, стали его излюбленной темой.

Петрус проявляет особый интерес к этой области, потому что так он показывает нам различные формы жизни людей в каждой картине. Вариации с освещением, тенями и отражениями добавляют особый интерес к полотну.

Также важно упомянуть о портретах, сделанных при этом тонком слабом свечном освещении. Каждый их них снабжен мягким характером и элегантностью, то есть буквально оживает.

Петрус ван Schendel родился в Terheyden (Breda) и умер в Брюсселе. Он учился вАкадемии в Антверпене и работал там с 1822 по по 1828 год, демонстрируя там в то же время свои работы.

После его многочисленных путешествий, он с 1830 по 1830 год жил в Амстердаме , а затем в течение шести лет в Роттердаме и Гааге начиная с 1838 года.

В 1845 году окончательно поселился в Брюсселе.
Шендель был членом Академии Амстердама, и «Arti Sacrum’» в Роттердаме.

Он был плодовитым художником, много выставлялся в салонах в Амстердама, Антверпена и Ден Хаага в период между 1827 — 1867.

Затем последовали выставки в салонах в Брюсселя, Гента, а также в Королевской Академии в Лондоне.

Награжден медалями за большинство из этих выставок, включая золотую медаль Брюссельской выставки 1845 года.

Он начал свою карьеру как жанровый и портретый художник и гравер, работая над историческими и библейскими сюжетами.

Однако прошло совсем немного времени, и он разработал стиль, который сделал его одним из самых популярных романтических живописцев своего времени.

Мастерски выполненные ночные сцены, работ ван Schendel во многом обязаны традициям голландской живописи при свечах семнадцатого века.

Его работы теперь можно увидеть в музеях Амьена, Амстердама, Гронингена, Ганновера, Лейпцига, Мельбурна, Монреаля, Мюнхена, Ниццы и Штутгарта.

Шервуд Владимир Осипович(Эклектизм, портретная живопись)

1832–1897

Владимир Иосифович (Осипович) Шервуд (18 августа 1832, Тамбовская губерния — 9 июля 1897, Москва) — выдающийся русский живописец, архитектор, скульптор.
Автор проектов здания Исторического музея на Красной площади в Москве (1875—1881), памятника-часовни «Гренадерам — героям Плевны» (1887).

Отец архитектора В. В. Шервуда, скульптора Л. В. Шервуда, архитектора С. В. Шервуда, дед (по материнской линии) художника В. А. Фаворского, дед архитектора И. В. Шервуда.

Биография:
В. О. Шервуд родился в селе Истлеево Елатомского уезда Тамбовской губернии, где его отец владел суконной фабрикой.

Происходит из древней английской католической семьи (его дед, английский механик Вильям, в 1800 году приехал на работу в Петербург и навсегда остался в России).

Дед по матери — Николай Степанович Кошелевский, выпускник Императорской Академии художеств, архитектор и инженер.

В шесть лет остался сиротой и воспитывался вначале у тёти в Москве, а с восьми лет в Московском сиротском доме.

Учился в Архитектурной школе при Московской дворцовой конторе, затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1857 году, со званием свободного художника пейзажной живописи.

В 1860-х пять лет прожил в Англии, занимаясь живописью и архитектурой. В 1868 году за картину «Беседа Христа с Никодимом» Академия присвоила Шервуду звание классного художника третьей степени, в следующем году за представленные на выставку портреты — художника первой степени, а в 1872-м — академика живописи.

Занимался скульптурой и изучением древнерусского зодчества.

В 1875–1881 по проекту В. О. Шервуда и инженера А. А. Семёнова было построено здание Императорского Российского Исторического Музея.

В 1887 году в Ильинском сквере был установлен памятник-часовня «Гренадерам — героям Плевны» (архитектор и скульптор В. О. Шервуд, инженер-полковник А. И. Ляшкин).

В 1897 г. В. О. Шервуд создал памятник хирургу Н. И. Пирогову, который был установлен 3 августа перед зданием хирургической клиники академии имени И. М. Сеченова на Большой Пироговской улице.

Умер 9 июля 1897 года (не дожив до открытия памятника Пирогову).

Похоронен на Старом Донском кладбище.

Шере, Жюль/Jules Chéret(Плакат)

1836–1932

Жюль Шере (фр. Jules Chéret; 31 мая 1836 г. Париж — 23 сентября 1932 г. Ницца) — французский художник и график. Один из основоположников современного плаката.

Жизнь и творчество:

Жюль Шере родился в семье печатника. Семья материально нуждалась, и Жюль в 13 лет бросил школу, поступив на три года в обучение к литографу.

Затем посещал Национальную школу дизайна в Париже. Был художником-самоучкой, не получив какого-либо систематического образования.

В юности Шере часто посещал парижские музеи; наибольшее влияние на него оказали живописцы рококо, в первую очередь Ватто и Фрагонар.

После окончания своего ученичества Шере в 1854 году уезжает в Лондон, где делает эскизы для компании по производству фурнитуры но, разочарованный, вскоре возвращается в Париж.

В 1858 году он получает свой первый крупный заказ — на рекламные афиши для новой оперетты Жака Оффенбаха «Орфей в аду».

В 1859 художник снова едет в Лондон. Здесь он изучает английскую технологию цветной литографии, создаёт обложки для книг и рекламные плакаты для различных фирм, продуктов и мероприятий. Для производителя парфюмерии, фирмы Rimmel Шере разрабатывает дизайн упаковок и флаконов для духов.

В 1866 году художник возвращается в Париж, где открывает мастерскую печати и графики.

Закупив в Англии машинное оборудование для печати крупноформатных плакатов и афиш, Ж.Шере в то же время упростил технологический процесс цветной литографии, добившись возможности делать оттиски двумя различными красками с одного «камня».

В период с 1867—1871 гг. у Шере учился Мишель Перколь — художник, ставший впоследствии знаковой личностью французской рекламы.

Кроме этого, Шере создал новый художественный стиль плакатного изображения, предтечу искусства модерн.

На основе заложенной Шере разработки мастерство плаката освоили и развили такие художники, как Тулуз-Лотрек, Т.-А.Стейнлен, Эжен Грассе.

После шумного успеха своих работ Шере прекращает непосредственное руководство печатной мастерской, оставив за собой только художественное руководство.

В период с 1896 по 1900 год он издаёт коллекцию лучших плакатов парижских художников в уменьшенном формате. Эта серия также имела большой успех и вызвала множество подражаний.

Художник участвовал во Всемирных выставках 1878 и 1889 годов, на которых его работы завоевали золотую и серебряную медали соответственно.

В 1890, 1900, 1910 и в 1926 годах Шере был награждён различными степенями Ордена Почётного легиона. Шере был дружен со многими выдающимися французскими художниками. Среди них — Клод Моне, Эдгар Дега, Жорж Сёра, Огюст Роден, Теофиль Стейнлен, Тулуз-Лотрек, Жак Вийон.

В преклонном возрасте поселился на юге Франции.В 1925 году потерял зрение. Умер в возрасте 96 лет, похоронен на кладбище Сен-Венсан в парижском квартале Монмартр.

В 1933 году, через год после смерти Шере, в Осеннем салоне Парижа состоялась большая выставка — ретроспектива его творчества.

Шибанов Михаил(Реализм, бытовой жанр, портрет)

….–1789

Михаил Шибанов (отчество и год рождения неизвестены — умер после 1789) — русский художник второй половины XVIII века, живописец из крепостных крестьян. С 1783 года — «вольный живописец». Портретист, зачинатель крестьянского бытового жанра в русском искусстве.
Шибанов Михаил — русский живописец, художник-портретист, автор этюдов и картин крестьянской тематики, зачинатель крестьянского бытового жанра в русском искусстве. Отчество, годы рождения художника неизвестны. Родился в семье крепостных крестьян Переславль-Залесского уезда. Исследование творчества Шибанова позволяет предположить, что он испытал влияние Дмитрия Григорьевича Левицкого.
Художник Михаил Шибанов считается создателем крестьянского бытового жанра в русской живописи. Полотна «Крестьянский обед» (1774) и «Празднество свадебного договора» (1777), на которых изображены крепостные крестьяне Суздальского уезда Владимирской губернии, отличаются конкретностью сюжета и выразительностью портретных характеристик.

Картина «Крестьянский обед» представляет собою внимательный и точный этюд с натуры, в котором правдиво и метко переданы характерные типы крестьян. Художник стремился здесь прежде всего к живой естественности изображения. Картина «Празднество свадебного договора» гораздо сложнее и значительнее. Здесь перед нами уже не натурный этюд, а законченная картина с хорошо найденным типажем, с обстоятельно продуманной многофигурной композицией.
Зрелый период деятельности Шибанова связан с семьей адмирала, героя Чесменского сражения Григория Андреевича Спиридова, который после Кучук-Кайнарджийского мира вышел в отставку. В 1770-х годах Михаилом Шибановым в Петербурге были написаны портреты жены, сыновей, племянников Спиридова. Покровители художника Спиридовы являлись представителями дворянского рода, восходящего к концу XVI века. Род Спиридовых внесен в VI часть родословной книги Московской губернии (Гербовник, II, 101).
В 1783 году Шибанов благодаря ходатайствам семьи Спиридовых освободился от крепостной зависимости и стал «вольным живописцем». В середине 1780-х Шибанов был назначен живописцем при штабе светлейшего князя Григория Александровича Потемкина, выполнял работы в Екатерининской церкви в Херсоне. На юге России им были написаны портреты Екатерины II в дорожном костюме и ее фаворита графа Александра Матвеевича Дмитриева-Мамонова (оба 1787), портрет Василия Степановича Попова — чиновника особых поручений и управляющего походной канцелярией Потемкина. Портрет Екатерины II в дорожном костюме замечателен тем, что изображает стареющую императрицу во время ее путешествия в Таврический край. Картина с изображением монаршей особы была написана в Киеве. Один из вариантов шибановского портрета императрицы был отправлен в Лондон в качестве подарка английской королевской семье. Портрет Екатерины, написанный Шибановым, пользовался большим успехом еще в XVIII веке; по приказанию императрицы он был воспроизведен в гравюре Джеймсом Уокером, и несколько миниатюрных копий с него исполнил придворный миниатюрист Жарков. Но к самому Шибанову Екатерина проявила глубокое пренебрежение. Русский живописец из крепостных крестьян казался императрице недостойным даже простого упоминания. Но в истории навсегда останутся полотна Шибанова «Крестьянский обед» и «Празднество свадебного договора», которые заложили традиции крестьянского бытового жанра, впоследствии широко развитые в русской реалистической живописи XIX столетия.

Шиле Эгон/Schiele Egon(Модерн)

1890-1918

Эгон Шиле (нем. Egon Schiele; 12 июня 1890, Тульн-на-Дунае — 31 октября 1918, Вена) — австрийский живописец и график, один из ярчайших представителей австрийского экспрессионизма.

Биография и творчество:
Мать — чешка родом из южной Богемии, город Чешский Крумлов.

Отец — венец, служащий на железной дороге, умер от сифилиса в 1905 году, юноша воспитывался в семье дяди,

Леопольда Чихачека.

В 1906 году он поступил в Венскую школу искусств и ремесел, затем перешел в Академию изобразительного искусства.

С 1907 года нашел наставника и покровителя в лице Густава Климта.

В 1908 году состоялась первая выставка его работ в городке Клостернойбург под Веной, где Шиле раньше учился в школе.

В 1909 году Климт пригласил Шиле участвовать в выставке в Художественной галерее Вены, где его работы разместились в окружении как работ самого Климта, так и полотен Ван Гога, Эдварда Мунка и др.

В 1911 году подругой и моделью Шиле стала одна из моделей и возлюбленных Климта, Валери Нойзель.

Пара сбежала от венской богемной жизни в Чешский Крумлов, затем в городок Нойленгбах, где в 1912 году Шиле был арестован по обвинению в растлении несовершеннолетней.

При обыске полиция обнаружила у него несколько десятков откровенных рисунков, которые были объявлены порнографическими.

Художника приговорили к кратковременному тюремному заключению.

Одним из покровителей Шиле был австрийский коллекционер Генрих Бенеш, отец будущего историка искусств Отто Бенеша.

В 1912—1916 годах Шиле широко и успешно выставляется — его работы экспонированы в Вене, Будапеште, Мюнхене, Праге, Гамбурге, Штутгарте, Цюрихе, Хагене, Дрездене, Берлине, Риме, Кёльне, Брюсселе, Париже.

В 1917 он вернулся в Вену.

После смерти Климта весной 1918 года Шиле стал претендовать на роль крупнейшего художника Австрии.

Через три дня после смерти беременной жены Эдит он умер во время эпидемии испанки, унесшей жизни десятков миллионов людей в Европе.

Шильдер Николай Густавович(Реализм, портрет, бытовой жанр)

1828–1898

Николай Густавович Шильдер (1828, Харьков — 25 (13) марта 1898, Царское Село) — русский художник-жанрист.
Шильдер Николай Густавович — живописец батального и бытового жанра.

Родился в 1828 году в Харькове в небогатой дворянской семье; сын отставного корнета, смотрителя Московской коммерческой школы.

С 1846 года обучался в Императорской Академии художеств в классе батальной живописи у Богдана Петровича Виллевальде.

Испытал влияние творчества родоначальника социально-сатирического и юмористического жанра в русской живописи Павла Андреевича Федотова.

Во время обучения в Академии неоднократно отмечался медалями: в 1853 году Шильдер был награжден малой серебряной медалью за картину «Пикет лейб-гвардии Литовского полка», в 1857 году — большой серебряной медалью за картину «Искушение», в 1859 году — малой золотой медалью за картину «Ростовщик».

В 1854-1855 годах Николай Густавович Шильдер работал над картинами на темы Крымской войны, затем обратился к жанровой живописи.

В 1861 годах за картину «Расплата с кредиторами» был удостоен звания академика жанровой и батальной живописи.

В произведениях бытового жанра Шильдер придерживался обличительного направления, продолжал традиции Павла Андреевича Федотова.

Такова картина «Искушение», в которой чистый образ бедной девушки (это подчеркивается художником изображением белой блузы героини) противопоставлен сводне, пытающейся соблазнить несчастную браслетом.

В тесной и душной каморке находится тяжелобольная мать девушки, что еще более усиливает трагизм социального положения этой семьи.

Работа Шильдера «Искушение» — одна из двух первых картин русских художников, купленных известным московским меценатом и собирателем произведений отечественного изобразительного искусства Павлом Михайловичем Третьяковым для своей коллекции (вместе с картиной «Стычка с финляндскими контрабандистами» художника Василия Григорьевича Худякова).

Николай Густавович Шильдер умер в 1898 году в Царском Селе (ныне город Пушкин).

(На основе материалов из Русского биографического словаря Половцова А. А. и Энциклопедического словаря Брокгауза Ф. А. и Ефрона И. А.)

Шишкин Иван(Пейзаж)

1832–1898

Иван  Иванович Шишкин (1832—1898) — русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр-аквафортист.

Академик (1865), профессор (1873), руководитель пейзажной мастерской (1894—1895) Академии художеств. Член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок.
Биография:
Иван Шишкин родился 25 января (13 по ст. стилю) 1832 года в городе Елабуга Вятской губернии. Происходил из древней вятской фамилии Шишкиных, был сыном купца Ивана Васильевича Шишкина (1792—1872).

В 12 лет был определён в ученики 1-й казанской гимназии, но, дойдя в ней до 5-го класса, оставил её и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (1852—1856). Окончив курс этого заведения, с 1857 продолжал своё образование в Петербуржской Академии Художеств (1856—1865), где числился учеником профессора С. М. Воробьёва. Не довольствуясь занятиями в стенах академии, усердно рисовал и писал этюды с натуры в окрестностях Санкт-Петербурга и на острове Валааме, благодаря чему приобретал все большее и большее знакомство с её формами и умение точно передавать её карандашом и кистью. Уже в первый год пребывания его в академии были присуждены ему две малые серебряные медали за классный рисунок и за вид в окрестностях Санкт-Петербурга. В 1858 году он получил большую серебряную медаль за вид на Валааме, в 1859 году — малую золотую медаль за пейзаж из окрестностей Санкт-Петербурга и, наконец, в 1860 году — большую золотую медаль за два вида местности Кукко, на Валааме.

Приобретя, вместе с этой последней наградой, право на поездку за границу в качестве пенсионера академии, он отправился в 1861 году в Мюнхен, посещал там мастерские известных художников, между прочим, мастерские Бенно и Франца Адамов, пользовавшихся большой популярностью анималистов, а затем, в 1863 году, перебрался в Цюрих, где, под руководством профессора Коллера, считавшегося тогда одним из лучших изобразителей животных, срисовывал и писал последних с натуры. В Цюрихе попробовал впервые гравировать «царской водкой». Отсюда он сделал экскурсию в Женеву с целью ознакомиться с работами Диде и Калама, а потом переехал в Дюссельдорф и написал там по заказу Н. Быкова «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» — картину, которая, будучи прислана в Санкт-Петербург, доставила художнику звание академика. За границей, помимо живописи, он много занимался рисунками пером; произведения его в этом роде приводили в удивление иностранцев, и некоторые были помещены в Дюссельдорфском музее рядом с рисунками первоклассных европейских мастеров.
Затосковав по отечеству, в 1866 году вернулся в Санкт-Петербург до истечения срока своего пенсионерства. С той поры он нередко предпринимал путешествия с художественной целью по России, почти ежегодно выставлял свои произведения сначала в академии. После того как учредилось Товарищество передвижных выставок, на этих выставках производил рисунки пером. С 1870 года, примкнув к образовавшемуся в Санкт-Петербург кружку аквафортистов, принялся снова за гравирование «царской водкой», которое уже не покидал до конца своей жизни, посвящая ему почти столько же времени, сколько и живописи. Все эти работы с каждым годом увеличивали за ним репутацию одного из лучших русских живописцев пейзажа и бесподобного, в своём роде, аквафортиста. Художник владел усадьбой в деревне Выра (ныне — Гатчинский район Ленинградской области).

В 1873 году академия возвела его в звание профессора за приобретённую ею мастерскую картину «Лесная глушь». После вступления в действие нового устава академии, в 1892 году был приглашён руководить её учебной пейзажной мастерской, но, по различным обстоятельствам, исполнял эту должность недолго. Он умер скоропостижно в Петербурге 8 (20) марта 1898, сидя за мольбертом, работая над новой картиной.

Творчество:
Среди русских пейзажистов Шишкину бесспорно, принадлежит место самого сильного рисовальщика. Во всех своих произведениях он является удивительным знатоком растительных форм, воспроизводящим их с тонким пониманием, как общего характера, так и мельчайших отличительных черт любой породы деревьев, кустов и трав. Брался ли он за изображение соснового или елового леса, отдельные сосны и ели, точно так же, как и их совокупность, получали у него свою истинную физиономию, без всяких прикрас или преуменьшений, — тот вид и с теми частностями, которые вполне объясняются и обуславливаются почвой и климатом, где художник заставлял их расти. Изображал ли он дубы или берёзы, они принимали у него донельзя правдивые формы в листве, ветвях, стволах, кореньях и во всех подробностях. Сама местность под деревьями — камни, песок или глина, неровности почвы, поросшие папоротниками и другими лесными травами, сухие листья, хворост, валежник и прочее — получали в картинах и рисунках Шишкина вид совершенной действительности.

Но эта реалистичность нередко вредила его пейзажам: во многих из них она заслоняла собой общее настроение, сообщала им характер не картин, задуманных не с целью возбуждать в зрителе то или другое чувство, а случайных, хотя и превосходных этюдов. Нужно также заметить, что с Шишкиным повторилось то, что бывает почти со всяким особенно сильным рисовальщиком: наука форм далась ему в ущерб для колорита, который, не будучи у него слабым и негармоничным, всё-таки не стоит на одном уровне с мастерским рисунком. Поэтому талант Шишкина иногда гораздо ярче выказывается в одноцветных рисунках и офортах, чем в таких работах, в которых он пользовался многими красками. Картины и рисунки его столь многочисленны, что указание даже на важнейшие из них заняло бы слишком много места; особенно много разошлось их между любителями искусства после устроенной в 1891 году ретроспективной выставки работ художника за сорок лет его деятельности и распродажи после его смерти того, что осталось в его мастерской. Достаточно будет упомянуть о шишкинских произведениях, находящихся в публичных коллекциях. Всего богаче ими московская Третьяковская галерея. В ней имеются картины: «Рубка леса», «Полдень в окрестности Москвы», «Сосновый лес», «Горелый лес», «Рожь», «Дебри», «Пасека», «Еловый лес» и «Утро в сосновом лесу» и, кроме того, семнадцать мастерских рисунков. Русский музей владеет картинами: «Корабельная роща», «Полянка с соснами», «Лесная глушь» и «Поляна», пятью этюдами и двумя рисунками. В Московский публичный музей поступили, по завещанию К. Солдатенкова, картина «Вид в окрестностях Москвы» и один рисунок.

Всех исполненных Шишкиным офортов Д. Ровинский насчитывал до сотни; он указывал, сверх того, на 68 оригинальных литографий и на 15 цинкографических опытов этого мастера. А. Беггров, в 1884—1885 годах, издал в двух сериях сборник 24 фототипических снимков с угольных рисунков, исполненных для него Шишкиным. В 1886 году сам художник выпустил в свет альбом своих избранных гравюр в числе 25. Впоследствии оттиски с досок, служившие для этого альбома, подправленные и несколько переделанные, были изданы, с прибавкой нескольких других офортов, в виде нового альбома Марксом.
В 1880-е годы Шишкин создаёт много картин, в сюжетах которых он по-прежнему обращается преимущественно к жизни русского леса, русских лугов и полей, впрочем, затрагивая и такие мотивы, как морское побережье Балтики. Основные черты его искусства сохраняются и теперь, но художник отнюдь не остаётся неподвижно на творческих позициях, выработанных к концу семидесятых годов. Такие полотна, как «Ручей в лесу (На косогоре») (1880), «Заповедник. Сосновый бор» (1881), «Сосновый лес» (1885), «В сосновом лесу» (1887) и другие по характеру близки работам предшествующего десятилетия. Однако трактованы они с большей живописной свободой. В лучших пейзажах Шишкина этого времени находят отражение общие для русского изобразительного искусства тенденции, преломляемые им по-своему. Художник с увлечением работает над широкими по размаху, эпическими по своему строю картинами, воспевающими просторы родной земли. Теперь всё ощутимее его стремление к передаче состояния природы, экспрессии образов, чистоте палитры. Во многих произведениях, прослеживая цветовые и световые градации, он использует принципы тональной живописи.

Среди всех произведений художника наиболее популярна картина «Утро в сосновом лесу». Её сюжет, возможно, был подсказан Шишкину К. А. Савицким. Есть другая версия, что толчком к появлению этого полотна послужил пейзаж «Туман в сосновом лесу» (1888), написанный, по всей вероятности, как и «Бурелом», под впечатлением от поездки в вологодские леса. «Туман в сосновом лесу», имевший успех на передвижной выставке в Москве (ныне в частном собрании ) мог вызвать у Шишкина и Савицкого желание написать полотно, повторяющее мотив прославленной картины, но с включением жанровой сцены.

Шлезингер Анри Гийом/Henri-Guillaume Schlesinger

1814–1893

Henri-Guillaume Schlesinger, французский художник, родился в 1814 году во Франкфурте-на-Майне , Пруссия.

Учился в Академии изящных искусств в Вене, а затем переехал во Францию и продолжил свое художественное образование в Париже .

Путешествуя между Австрией и Францией, Гийом Анри Шлезингер в конечном итоге принял французское гражданство в 1870 году.

Гийом выставлялся в Салоне французских художников, он, в 1847 году, был удостоен ордена Почетного легиона Франции.

Его картина озаглавленный «Пять чувств» была куплена императрицей Евгенией.
В Стамбуле, во время правления Махмуда II, Генри Уильям Шлезингер сделал несколько официальных портретов султана, восточные картина художника выполнены с элегантностью и изысканностью.

Скончался он в Нейи-на-Сене, в 1893 году.

Картины его хранятся в музеях Вены и залах Версаля.

Шлобах Вилли/Schlobach Willy(Импрессионизм)

1864–1951

Willy Schlobach (1864-1951) был немецко-бельгийским художником.

Работал в свободной импрессионистской манере, был очень близок к символизму в духе Энсора.

В 1884 году он был одним из основателей «XX», группы художников, известных своими туманными атмосферными картинами.

К концу 1880-х годов его творчество в большей степени характеризовалось как нео-импрессионизм , но после 1894г. он вернулся к своему чисто импрессионистскому стилю.

Он провел свою юность в Бельгии, его родители и жена были немцами.

Во время своего «бельгийского» периода он подружился с бельгийскими художниками James Ensor и Willy Finch, когда все втроем учились в Академии Изящных искусств в Брюсселе.

Этот период закончился вскоре после того,как Германия вторглась в Бельгию во время начала Второй мировой войны, и его прогерманские симпатии столкнулись с ростом анти-немецких настроений.

Затем он переехал в Германию, где он оставался до самой своей смерти в 1951 году.

Шонгауэр Мартин(Северное Взрождение)

1450–1491

Немецкий художник и график Северного Возрождения.

Мартин Шонгауэр (нем. Martin Schongauer; 1435/1440, Кольмар — 2 февраля 1491 Брейзах, Баден) — немецкий живописец, рисовальщик и гравёр периода Раннего Возрождения.

Ориентировался на творчество Рогира ван дер Вейдена, посетил Нидерланды; гравюры Шонгауэра оказали большое влияние на европейское искусство.

Сын Каспара Шонгауэра, работавшего ювелиром в Аугсбурге. За красоту своих произведений Шонгауэр был назван «Прекрасным Мартином» (Martin Shön или Hipsch Martin, у итальянцев Bel Martino).

Работал преимущественно в Кольмаре, в 1488 году переехал в Брейзах, где прожил последние годы жизни.

На творчество Шонгауэра сильное влияние оказал Рогир ван дер Вейден.

Картин этого художника дошло до нас очень немного, самые ранние из них датируются не ранее 1469 года.

Самая замечательная из них, «Мадонна в беседке из роз», находится в кольмарской церкви св. Мартина.

Несомненно, Шонгауэру принадлежит также хранящийся в кольмарском музее складень, на внешней стороне которого изображено, в фигурах натуральной величины, благовещение, а на внутренней стороне Богоматерь, поклоняющаяся Младенцу-Христу, и св. Антоний с заказчиком этой иконы.

Почти с полной достоверностью приписываются ему два «Святых Семейства», одно в мюнхенской Старой пинакотеке, а другое в Венском музее.

Все эти картины сильно отзываются направлением фландрской школы, но в отношении деликатности исполнения уступают работам её главных представителей.

Гораздо более выгодное понятие о таланте Шонгауэра дают его гравюры, которых насчитывается до 117.

Они свидетельствуют, что это был первый в Германии значительный мастер, владевший резцом с уверенностью и удивительной свободой, умевший преодолевать все технические трудности и внятно передававший свои прочувствованные, благородные, иногда даже величественные композиции; особенно

хороши по типам и экспрессии его идеальные головы.

В своих эстампах он изображал не одни только религиозные сюжеты, но также жанровые сцены, животных, орнаменты и т. п.

Умер Мартин Шонгауэр в 1491г.

Шпрангер Бартоломеус/Spranger Bartholomeus(Маньеризм)

1546—1611

Бартоломеус Спрангер (Bartholomäus Spranger; 21 марта 1546, Антверпен — 27 июня 1611, Прага) — фламандский живописец, рисовальщик и гравер., живший и работавший в Италии и Чехии.

Родился Шпрангер в Антверпене. В 1565 совершил путешествие в Париж, где учился у Никколо дель Аббате, а с 1567 работал в Италии ассистентом Таддео Цуккари.

В итальянский период Шпрангер расписывал алтари и создавал фрески в различных церквях.

В 1570 римский папа Пий V назначил его живописцем святой курии в Риме.

С 1575 Шпрангер приглашен на должность придворного живописца императора Максимилиана II в Вене.

С 1581 года Шпрангер стал работать в качестве придворного живописца императора Рудольфа II в Праге.

Художник был типичным представителем маньеризма. Гравюры Хендрика Голциуса с картин Бартоломеуса Шпрангера сделали его работы широко известными во всей Европе.

Благодаря живописи Шпрангера, нидерландский маньеризм в последние два десятилетия XVI века претерпел решительные изменения.

Влияние Шпрангера распространяется сначала в Харлеме, куда в 1577 прибыл Хендрик Голциус, а после 1583 и живописец Карел ван Мандер, который в 1573-1577 работал вместе со Шпрангером в Риме и Вене.

В своих картинах Шпрангер изображал обнаженных мифологических героев в различных сложных и порой невероятных позах.

Живописец Бартоломеус Шпрангер был одновременно и порождением, и творцом интернационального стиля маньеризма, который он активно разрабатывал и распространял в Европе.

Шпрангер работал при разных европейских дворах, везде чему-то учился, но еще больше предлагал сам, утверждая свое пристрастие к стилю изощренно-гибкому, виртуозному и роскошному, к отвергающей жесткие нормы оригинальности, комбинируя и сочетая их в угоду тем, для кого работал.

От своего родного Антверпена художник унаследовал трактовку пейзажа в духе Иоахима Патинира, добавляя лишь свою неистощимую изобретательность.

В Париже Шпрангер научился писать миниатюры с той ювелирной точностью, которая отличала живопись 1560-х годов.

Миланская школа развила у Бартоломеуса Шпрангера тягу и стремление к детализированному изображению в своих картинах предметов пышной роскоши; в Парме (Санта-Мария делла Стекката), где он расписывал купол церкви и где до него работал Пармиджанино, художник достиг виртуозной элегантности, окончательно определившей большой диапазон его творческих возможностей.

Бартоломеус Шпрангер был идеальным художником для всех дворов рода Габсбургов — его деятельность в Вене, Праге и Аугсбурге снискала ему имперский почет.

Он передал все, что умел, художникам Харлема, которые были продолжателями антверпенского маньеризма — “колыбели” самого Шпрангера.

В манере художника соединились элементы высокой утонченности, которая отличала, например, живопись Эмилии, и характерной нидерландской грубости.

Нельзя представить себе большей телесности в образе кающейся Магдалины, чем у Шпрангера.

В физических свойствах, которыми живописец наделял фигуры в своих излюбленных сценах поклонения и мифологических темах, нашли отражение и дух Микеланджело, и дух Тинторетто, на три четверти века дав пищу интернациональному стилю.

Художник Бартоломеус Шпрангер умер в Праге в 1611 году.

Шреер Адольф

1828–1899

Adolf Schreyer — немецкий живописец животных и пейзажист.,
Шрейер начал обучение живописи в 1843 г. в родном городе Франкфурте на Майне в Штеделевском институте у Якоба Беккера и Якоба Дильмана, затем поступил в 1847 г. в Академию художеств в Дюссельдорфе.
Совершил путешествие с целью совершенствования своего мастерства по городам Германии, постетил Штуттгарт, Мюнхен, 1849 год провел в Вене. В 1854 г. Шрейер в составе свиты принца Эммериха фон Туна, как военный художник-рисовальщик, участвовал в Крымской войне (1853-1856), что позволило ему побывать в Венгрии, Румынии, Валахии и помогло подробно изучить психологию и анатомию лошадей, которые стали основным объектом его произведений. После поездки своей в 1868 г. в Алжир он поселился в Париже,где проживал с С 1862 по 1870 год.В 1871 г. вернулся во Франкфурт на Майне.С 1872 по 1896 лето проводил в Кронберге, а зиму в Париже. Шрейер был избран членом Академии Художеств в Амстердаме и Роттердаме. Его картины награждались медалями на выставках в Париже (1864, 1865 и 1867 гг. ) и в Мюнхене (1876).
Многочисленные картины Шрейера, в которых важную роль играют лошади и всадники, отличаются блестящим колоритом, энергичной передачей движений и драматизмом, но часто исполнены слишком эскизно.
Произведения Адольфа Шрейера хранятся во многих музеях Европы и Америки, в том числе в Картинной галерее Штеделевского института, Франкфурта на Майне, в Музее Вальрафа-Рихартца в Кёльне, в Новой Пинакотеке ( Мюнхен), в Музее изобразительных искусств (Бордо), в Музее изобразительных искусств (Филадельфия), в галерее Коркоран (Вашингтон).

Штейбен Карл Карлович(Исторический и портретный жанр)

1788–1856

Карл Карлович Штейбен (Шарль, барон де Steuben) (1788 — 21 ноября 1856, Париж) — французский живописец немецко-русского происхождения, мастер исторического и портретного жанра.
Родился в 1788 году в Бауэрбахе близ Мангейма в Баденском Великом герцогстве в семье офицера, вскоре перешедшего на русскую службу. В детстве вместе со своим отцом переехал в Санкт-Петербург.

В 1802–1803 годах учился в Императорской Академии художеств, посещая занятия в качестве вольноприходящего ученика.

Затем волею судьбы был назначен в пажи при великой княгине Марии Павловне в Веймаре. Из этой столицы великого герцогства Саксен-Веймар-Эйзенахского, при помощи своих покровителей, Штейбен отправился в Париж и поступил в ученики в мастерскую Робера Лефевра, затем работал под руководством Пьера Прюдона и с 1808 года в мастерской Франсуа Жерара.

Первая картина Штейбена «Петр Великий в бурю на Ладожском озере», выставленная в Парижском салоне 1812 года, произвела большое впечатление на публику и была приобретена Наполеоном I.

Впоследствии Людовик XVIII приказал воспроизвести ее в гобеленовом ковре, который послал в подарок императору Александру I (он находится теперь в Большом петергофском дворце, а сама картина в Амьенском музее).

Получив широкую известность, Штейбен продолжил и далее активно работать в историческом и портретном жанрах.

Важнейшие из его произведений, исполненных в Париже: «Генералиссимус Александр Васильевич Суворов, граф Рымникский и князь Италийский» (1815; в Центральном военно-историческом музее, в Санкт-Петербурге), «Святой Герман, раздающий свое имущество бедным» (1819; в церкви Сен-Жермен-де-пре, в Париже), «Меркурий усыпляет Аргуса» (1822; в Компьеньском дворце), «Вильгельм Телль, выскакивающий из шлюпки Гесслера» (1822), «Клятва трех главарей швейцарского восстания на Рюттли» (1824), «Царица Наталья Кирилловна защищает Петра от стрельцов, ворвавшихся в собор Троице-Сергиевой лавры» (1827; в Валансьенском музее), «Сандрильона», «Смерть Наполеона I» (1830), «Иоанна Безумная, ожидающая пробуждения своего мертвого мужа, Филиппа Прекрасного» (1836; в Лилльском музее), «Эсмеральда и Квазимодо» (1839; в Нантском музее), «Христос, приведенный на Голгофу» (1841; в Третьяковской галерее, в Москве), «Иосиф и жена Пентефрия» (1843), «Самсон и Далила» (1843); «Взятие Богоматери на небо» (в Страсбургском соборе), плафон «Милосердие Генриха IV после битвы при Иври» и портреты сподвижников этого государя на сводах потолка в одной из зал Луврского музея, картина «Победа Карла Мартелла над Абдерамом», «Битва при Пуатье 732 года» и двенадцать портретов исторических лиц (в музее Версальского дворца).

В 1831 году французский король Людовик-Филипп, ввиду таланта и заслуг Штейбена, пожаловал ему баронское достоинство.

В том же году художнику была предложена должность профессора рисования в Парижском политехническом училище.

В 1833 году Российская Императорская Академия художеств присудила Штейбену звание почетного вольного общника.

В 1843 году Штейбен был вызван в Санкт-Петербург для исполнения семи образов, заказанных художнику при обустройстве Исаакиевского собора.

Эти образа, вставленные в ниши внутренних столбов и пилястр собора, — «Рождество Иоанна Предтечи», «Святой Иоаким и Анна», «Рождество Богородицы», «Вход во Иерусалим», «Распятие», «Воскресение Христово» и «Взятие Богоматери на небо».

Кроме этих образов, Штейбен написал в Санкт-Петербурге большую картину: «Смерть генерала Моро в лейпцигской битве» и несколько прекрасных портретов (барона Александра Людвиговича Штиглица, семью первого русского миллионера и крупного благотворителя Дмитрия Егоровича Бенардаки, Василия Александровича Кокорева, актера Самойлова, Гарфункля, Мамонтова и других лиц).

В 1854 году в связи с тяжелой болезнью уехал из России во Францию.

Прострадав два года вследствие паралича, Карл Карлович фон Штейбен умер 21 ноября 1856 года в Париже.

По характеру своего творчества Штейбен принадлежал к представителям романтизма, явившегося во французской живописи на смену псевдоклассицизму школы Давида.

Его произведения отличаются зрелой обдуманностью композиции, отличным рисунком и эффектностью красок, но стремление к драматичности при изображении многофигурных сцен в некоторых картинах художника отдает театральностью.

(По материалам статьи из Энциклопедического словаря Брокгауза Ф. А. и Ефрона И. А.)

Штернберг Василий Иванович(Бытовой жанр, ландшафт)

1818–1845

Штернберг Василий Иванович — русский живописец, художник бытового жанра и мастер пейзажа, автор малороссийских и итальянских ландшафтных сцен.

Родился в 1818 году в Санкт-Петербурге в семье горного чиновника.

Сначала учился живописи в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего слушателя-студента, а в 1835 году был принят в число полноправных академистов.

Руководителем Штернберга в классе пейзажной живописи был Максим Никифорович Воробьев, но наравне с пейзажем молодого художника влекла к себе и живопись бытовая.

Редкую способность к бытовому жанру выказывали рисунки и карикатуры, которые Штернберг создавал с первых дней пребывания в академии и которыми приводил в удивление своих товарищей и учителей.

Летние месяцы художник проводил в Малороссии, в Качановке Черниговской губернии — имении любителя искусства Григория Степановича Тарновского, покровителя живописца.

Эти поездки близко познакомили Штернберга с украинскими народным бытом и природой, которые он и воспроизводил мастерски в своих карандашных рисунках, акварелях и картинах.

1837 году за работы, исполненные в Малороссии, в том числе за акварель «Ярмарка в местечке Ичне» (приобретенную императором Николаем I для альбома супруги), Академия художеств наградила Штернберга малой золотой медалью.

В следующем году за картину «Освящение пасх в Малороссии» (куплена также государем для подарка великой княгине Марии Николаевне) Штернберг получил большую золотую медаль и звание художника XIV класса.

В 1840 году художник совершил путешествие до Оренбурга в составе экспедиции графа Перовского в Хиву, а затем был отправлен в Италию, в качестве пенсионера академии. Поселившись в Риме, Штернберг продолжал усердно трудиться, хотя чувствовал себя чужим среди итальянских людей и природы.

Его тянуло на родину, к знакомым и любимым сюжетам. Но судьба не судила ему вернуться в Россию: он умер в 1845 году в Риме, во цвете лет, на полпути развития своего замечательного таланта.

Василий Иванович Штернберг был отличным рисовальщиком, акварелистом, живописцем. Работал в различных направлениях художественного творчества — писал портреты, пейзажи и жанровые сцены.

Из картин Штернберга, кроме вышеупомянутого полотна «Освящение пасх», известны: «Игра в жмурки в усадьбе Григория Степановича Тарновского», «Мельница в степи» (обе в музее императора Александра III; примечание, в настоящее время в Русском музее в Санкт-Петербурге), «Итальянки у водоема», «Итальянец-простолюдин» (обе в музее академии художеств; примечание, в настоящее время в Русском музее), «Римские пифферари», «Итальянские крестьяне, играющие в карты, в остерии», «Этюд головы молодого итальянца», «Этюд головы старика-итальянца» (все четыре в Публичном музее; примечание, в настоящее время в Третьяковской галерее в Москве), «Малороссийский шинок», «Калмыцкие юрты», «Выдубецкий монастырь близ Киева», «Вид в Киеве», портрет самого художника, «Озеро Неми»,

«В окрестностях Альбано» и «Этюд листьев» (все восемь в Третьяковской галерее) и «Михаил Иванович Глинка за сочинением оперы в имении Тарновского» (в частном собрании у А. Н. Марковича).

Рисунки и акварели Штернберга многочисленны и встречаются почти во всех общественных и частных коллекциях.

(По материалам статьи русского художественного критика и историка искусства Владимира Васильевича Стасова «Живописец Штернберг» в журнале «Вестник изящных искусств» за 1887 год.)

Штоскопф, Себастьян/Sebastian Stoskopff(Нотюрморт)

1597–1657

Себастьян Штоскопф (нем. Sebastian Stoskopff; 13 июля 1597, Страсбург — 10 февраля 1657, Идштайн) — немецкий (эльзасский) художник. Один из крупнейших немецких мастеров натюрморта первой половины XVII века. Лучшие работы художника собраны в музеях Страсбурга и Саарбрюккена.
Жизнь и творчество:

Родился в семье городского курьера. Уже в 15-летнем возрасте он показал особый талант в живописи и рисовании.

Получив поддержку у Городского совета Страсбурга, в 1614 году поступил в обучение к местному художнику и гравёру Фридриху Брентелю.

В 1615 году, после смерти отца, был послан для учёбы в Ханау, к жившему там художнику Даниэлю Соро (работы которого до нас не дошли).

После смерти Соро в 1619 Штоскопф перенял его мастерскую и учеников. Среди этих учеников был и Иоахим фон Зандрарт, автор первого трактата на немецком языке по истории искусств, выдающийся художник, друг и помощник С. Штоскопфа.

После неудачной попытки получить вид на жительство во Франкфурте-на-Майне Штоскопф уехал в Париж, где жил и работал с 1622 по 1639 г.

Здесь он написал свои первые крупноформатные работы — такие, как «Лето» и «Зима». В 1629 году посетил Венецию, затем вновь вернулся в Париж.

В 1639 году вернулся в родной Страсбург, где вступил в местную гильдию художников и гравёров.

Отношение у него с руководством гильдии бывали напряжённые, так как свободолюбивый мастер не желал подчиняться некоторым, стеснявшим его творчество, правилам устава.

Тем не менее, со временем С. Штоскопф разбогател и завоевал известность как выдающийся мастер живописи. В 1646 году он женился на приёмной дочери своей младшей сестры.

Начиная с 1650 года, С. Штоскопф часто приезжал в Идштайн, где жил его друг, меценат и покровитель граф Иоганн, один из немецких феодальных князей лютеранского вероисповедания (как и сам С. Штоскопф) и сторонник Евангелической унии.

Большую роль в установлении отношений между графом и художником сыграл И. фон Зандрарт.

В 1657 году художник был убит и ограблен хозяином гостиницы и его женой вблизи Идштайна.

Дело это раскрылось через 20 лет после совершённого преступления — в рамках проводимого впоследствии процесса над колдунами, в котором ответчиками были также и владельцы гостиницы, первоначально объявившие смерть Штоскопфа как результат неумеренного потребления алкоголя.

В композиции натюрмортов С. Штоскопфа ощущается влияние другого известного немецкого художника, Георга Флегеля.

Однако неизвестно, был ли С. Штоскопф знаком с последним либо он видел полотна Г. Флегеля уже после его смерти.

Штук Франц/Stuck Franz(Символизм)

1863-1928

Франц фон Штук (Franz von Stuck) (1863-1928), немецкий живописец и скульптор, один из лидеров символизма в европейском изобразительном искусстве рубежа XIX-XX веков.

Родился Штук в Теттенвейсе 23 февраля 1863 в баварской крестьянской семье.

Приехав в Мюнхен, занимался в 1881-1884 годах в городской художественно-ремесленной школе и Политехникуме.

В 1885 году Франц фон Штук посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой.

Испытал влияние Арнольда Бёклина.

В молодости Штук много работал как художник прессы (для журналов «Югенд», «Пан» и других изданий).

Штук являлся одним из основателей (1892) и президентом Мюнхенского сецессиона», он рисовал афиши для его выставок; композиция с Афиной-Палладой (1889) стала популярным символом этого объединения.

Штук завоевал известность своими аллегорико-мифологическими картинами, где характерные для символизма темы «рокового» эротического влечения и разгула иррациональных, «демонических» стихий получили особенно броское, нередко брутальное выражение («Борющиеся фавны», 1889, Новая пинакотека, Мюнхен; «Люцифер», 1890, Национальная галерея, София; «Поцелуй сфинкса», 1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Вакханалия», 1905, Кунстхалле, Бремен). Архетипическими стали созданные им образы женщин-вамп («Грех», 1893, Новая пинакотека; «Саломея», 1906, Дом-музей Ф.фон Ленбаха) и военного насилия («Война», 1889, Новая пинакотека).

Франц фон Штук воспринял многие черты переходной художественной эпохи, какой в историческом плане был стиль модерн.

Сознательно оказавшись в стороне от проблем, увлекавших таких известных представителей искусства конца XIX — начала XX века, как Врубель, Гоген, Мунк, — поисков смысла жизни, разгадки будущего человечества, обнажение одиночества личности на фоне мирового универсума, он пытался вдуматься в пересечение духовного и телесного, красоты и зримой реальности человеческого облика.

Не все убедительно сопрягалось в творческих исканиях Франца фон Штук.

В них можно найти примеры сосуществования чуждых друг другу эстетических установок и стилистических приемов.

Штук сочетал в своих картинах черты академического натурализма и стиля модерн.

Под влиянием Фридриха Ницше создавал фантастико-аллегорические произведения, проникнутые нарочито брутальной символикой.

Но в моменты прозрений у этого художника рождались столь оригинальные соединения поэзии и разоблачительного исследования, романтизма и натурализма, которые, свидетельствуя о новом понимании возможностей изобразительного искусства, являли собой настоящие структурные открытия.

Такие произведения шокировали зрителя, вызывая нередко оторопь и скандалы среди публики, но позже получали высокую оценку своей поэтической интонацией и новизной мысли.

Франц фон Штук известен также как портретист («Автопортрет с женой», 1907, Вилла Штука; «Мэри в красной шляпке», 1902, частное собрание; все работы — в Мюнхене).

Изготовлял эффектные декоративные рамы для своих картин.

Его дар дизайнера-декоратора развернулся при постройке и оформлении собственного дома — Виллы Штука, для которой он исполнил ряд бронзовых скульптур («Атлет», «Амазонка», 1890-е) и декоративных панно (Помпеянская стена и др.). Преподавал в мюнхенской Академии художеств.

Умер Штук в Мюнхене 30 августа 1928 года.

Шукаев Григорий Федорович(Русская батальная живопись)

1810–1883

Шукаев Григорий Федорович — русский живописец, художник-баталист.

Родился в 1810 году. В 1843-1850 годах, уже в достаточно зрелом возрасте, Шукаев обучался в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего слушателя.

В 1845 году был удостоен малой серебряной медали за картину «Сражение при Люцене». По окончании обучения в 1850 году Шукаев получил звание неклассного художника.

В середине XIX столетия художник создал ряд картин на сюжеты современных ему боевых действий. С началом Крымской войны Шукаеву была предложена командировка в действующую российскую армию для написания эпизодов сражений и создания этюдов военных сцен.

Впоследствии многие из этих картин и этюдов имели успех и охотно раскупались любителями батальной живописи. Картины «Бой на Малаховом кургане в Севастополе в 1855 году» (1856) и «Военный лагерь на Кавказе» (1862) хранятся в настоящее время в Санкт-Петербурге в Русском музее.

Шукаев не был великим живописцем батального жанра, но продолжал с годами оттачивать и совершенствовать свое мастерство. Представленная в 1873 году на выставке Академии художеств картина «Действия лейб-гвардии Финляндского полка в Виленской губернии» получила признание публики и одобрение критиков; за это полотно Шукаеву было присвоено звание классного художника третьей степени.

Шукаев Григорий Федорович скончался 1 апреля 1883 года.

Шульц Карл Карлович(Бытовой жанр, литография)

1823–1876

Шульц Карл Карлович — русский живописец немецкого происхождения, художник бытового жанра, мастер литографии.

Родился в 1823 году.

В 1843-1850 годах обучался живописи в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего слушателя.

По окончании учебы в Академии Карл Шульц получил звание неклассного художника, в связи с решением Совета Академии о том, что творческие устремления художника были направлены для исполнения произведений низкого (бытового) жанра.

Практика присуждения Академией звания в те времена была такова, что живописцы-жанристы той поры получали, как правило, звание художника третьей степени, оставляя звания классных художников первой степени живописцам, работающим в жанре исторической живописи с непременным исполнением заданной программы.

В середине XIX века Шульц стал работать как свободный художник без материальной поддержки со стороны академического Совета.

Однако настойчивость и стремление живописца в совершенствовании своего мастерства, в конце концов, получили признание.

В 1855 году «свободный» художник Карл Карлович Шульц был признан «назначенным» в академики за картину «Домашняя сцена».

В 1856 году художник за полотно «Подмастерье-столяр просит руки дочери своего мастера» был удостоен заслуженного звания академика.

В последующие годы художник, наряду с традиционной живописью, занимался хромолитографией и панорамной фотографией видов Петербурга и его окрестностей.

Шульц Карл Карлович умер в 1876 году.

Шурыгин Арсений Николаевич(Социальный бытовой жанр)

1841–1873

Шурыгин Арсений Николаевич — русский живописец, талантливый рисовальщик, автор социальных картин бытового жанра.

Родился 28 октября 1841 в Твери в семье бедного чиновника.

Общее образование получил в первой городской гимназии в Твери, там же изучал основы живописи. Состоял на службе мелким чиновником.

В 1864 году продолжил обучение изобразительному искусству в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего слушателя-студента.

В это же время Арсений Шурыгин стал участником санкт-петербургской Артели художников, основанной Петром

Александровичем Крестоносцевым и Василием Максимовичем Максимовым.

Современники утверждали, что Арсений Николаевич Шурыгин мог бы стать, проживи он в жизни и искусстве дольше, значительным художником.

По величине таланта его сравнивали с Ф.А. Васильевым, хотя живописцы работали в различных жанрах.

Большинство полотен из сравнительно небольшого наследия художника относилось к набравшей к тому времени силу бытовой живописи.

В 1868 году Шурыгин был удостоен звания свободного художника.

К этому времени он написал множество картин, пользовавшихся большим успехом у публики, среди которых: «Урок музыки» (1862), «Любитель картин» (1865), «Романс Пойми меня», «Арест» (обе картины написаны в 1867 году), «Современные идеалисты» (1868).

В 1860-х годах Арсений Шурыгин успешно сотрудничал с иллюстрированными изданиями того времени («Будильник» и другие журналы).

Несомненный талант художника не смог раскрыться в полную силу, после простудного воспаления легких Арсений Николаевич Шурыгин умер от быстротечной чахотки 16 февраля 1873 года в Санкт-Петербурге.

Последние недели жизни А.Н. Шурыгин терзался, что оставляет жену в нищете — о социальной защите в те времена в стране не знали.

Правда, оно и сейчас для многих наших соотечественников остается лишь мечтой.

Шустов Николай Семенович(Исторический жанр, портрет)

1838–1869

Шустов Николай Семенович — русский живописец исторического жанра, художник-портретист.

Академик исторической живописи С.-Петербургской Императорской Академии Художеств.

Родился в 1838 году в Санкт-Петербурге в купеческой семье.

Получил образование в Императорской Академии художеств.

В 1856-1857 годах Шустов был награжден двумя малыми и двумя большими серебряными медалями за успехи в рисовании и живописи с натуры.

В 1858 году за написанную по академической программе картину «Великий князь Иоанн III свергает татарское иго, разорвав ханскую грамоту и приказав умертвить послов» был удостоен малой золотой медали.

Два года спустя, Шустову, вместе с другими учениками Академии, было предложено для получения большой золотой медали первой степени написать картину на сюжет «Валгалла», но он отказался от исполнения заданной академией программы и вместе с Иваном Крамским, Константином Маковским и еще одиннадцатью другими живописцами-бунтарями покинул Академию художеств.

В 1863 году Шустов участвовал в учреждении петербургской Артели свободных художников.

К этому времени Николай Семенович Шустов, имея звание классного художника второй степени, стал вполне профессиональным, подающим большие надежды живописцем.

В 1865 году Академия художеств за представленный на академическую выставку портрет генерал-губернатора Восточной Сибири Михаила Семеновича Корсакова присудила Шустову звание академика.

Вообще, это был художник с большим талантом, выказывавший в своих работах знание рисунка, чувство красок и редкую способность сообщать композициям драматизм и прекрасно характеризировать изображаемые лица.

Из его произведений, кроме вышеупомянугых, можно указать на картины: «Призвание боярина Михаила Феодоровича Романова на царство» и «Иоанн Грозный у гроба убитого им сына» (находится в Третьяковской галерее в Москве, вариант в Тульском музее изобразительных искусств).

Возможно, судьба художника послужила основой для знаменитого рассказа Александра Ивановича Куприна «Погибшая сила».Быстрый успех, бурная жизнь и отсутствие твердого внутреннего устоя привели Н.С. Шустова к неожиданной психической болезни и быстрой смерти. «Слава — дым».

Нередко в мировом и, следовательно, русском искусстве молодые дарования забывали об этой многовековой мудрости.Шустов Николай Семенович умер в 1869 году в Санкт-Петербурге.

Шустров Виктор Валентинович(Современный городской пейзаж)

1949-….

Шустров Виктор Валентинович — современный российский живописец.Родился в 1949 году, в Ленинграде.Живёт и творит в Санкт-Петербурге.Мир его произведений таков, что невольно испытываешь чувство ностальгии по тому искусству, которым восхищалось не одно поколение.

Смотришь на картины живописца, вспоминаешь шестидесятые-восьмидесятые и думаешь, как молоды мы были и как искренне любили….

Его зарисовки, композиции, выполненные в различных техниках, как будто пришли из далёкого, но такого дорогого сердцу прошлого.

Художник безгранично любит своё дело-он занят своим искусством, справедливо понимая, что писать картины никто и никогда запретить не может.

Ни в старые времена, ни ,тем более ,в настоящие.

Мастер очень удачно нашёл для своего выражения контуры той эстетической прроблематики, в сферу которой его вовлекают чувства и эмоциии.

Он пишет любимый город, находя в нём и по-новому открывая для нас «свои» улицы.

Всё в его живописи пропитано очень петербургскими ощущениями-крыши, асфальт, деревья, трубы, окна «дышат» и в зимний день и в летний вечер.

Все его ракурсы неожиданны, открывают знакомый казалось бы город по-новому.

Виктор Шустров выпускник ЛВХПУ им. В.И.Мухиной по специальности «Художественное конструирование», действительный член Союза художников.
Городские пейзажи Шустрова очень интересны своей концепцией.

Он пишет не музейный город, а наполняет этот музей под открытым небом своими современниками,далеко не всегда, в силу разных обстоятельств, способными любоваться красотой окружающих их соборов и дворцов.

Находит неожиданный ракурс и пишет Исаакиевский собор, спрятанный за крышами зданий, сознательно исключая помпезность исторического памятника ,

а на Дворцовой площади пишет карету с лошадьми и вдали Исаакиевский собор, и ты невольно ловишь себя на мысли – красиво!

У него и с Медным всадником, и с Петропавловской крепостью свои «живописные» отношения.

Картины Шустрова предельно просты изобразительно.

Фоном и средой для человеческих фигур являются дома и улицы.

Художник очень профессионально изображает привычный облик города с необычной точки зрения.

Это свойство мастерства.

Городские пейзажи живописца отличаются чёткой найденностью форм.

Его композиционное мастерство из «другого времени» чётко прослеживается и очень ярко проявляется.

В 1996 году состоялась его первая персональная выставка в Союзе Художников России.

К этой выставке был выпущен каталог с работами В.Шустрова.

С 2007 по 2013 год Виктор много путешествует по Ленинградской области, Карелии и Финляндии, а так же по центральной части России.

Работы Виктора Шустрова хранятся в Музее Истории Санкт-Петербурга, частных собраниях России и за рубежом.

Шуффенекер Клод-Эмиль(Постимпрессионизм)

1851–1934

Французский художник. Один из самых верных и преданных друзей Поля Гогена.

С 1871 года служил с ним в одном банке.Вечерами посещал классы рисунка, брал уроки живописи у Грелле, будри и Каролюс-Дюрана.

В конце 1870-х годов принял решение стать живописцем. В 1880 году впервые показал свои работы в парижском Салоне.

В 1884 году Шуффенекер выступил одним из соучредителей «Общества Независимых художников».

Впоследствии он неоднократно участвовал в выставках «Салона Независимых».

В 1886 году на Восьмой выставке импрессионистов художник показал девять работ.
В 1886 году Шуффенекер вместе с Гогеном работал на пленэре в Понт-Авене.

В 1888 году художник примкнул к стану неоимпрессионистов, но очень скоро, разочаровавшись в пуантилизме, оставил их ряды.

Летом этого же года он присоединился к Гогену и Бернару.однако художник остался равнодушен к идеям синтетизма, которые горячо обсуждались друзьями в тот год.

Живописная манера Шуффенекера была близка к классическому импрессионизму Сислея, что никак не могло нравиться Гогену.

В 1889 году Шуффенекер стал главным организатором «Выставки импрессионистов и синтетиков»:в тот момент, когда Гоген уже впал в отчаяние и готов был отказаться от от идеи проведения выставки, он нашёл для неё помещение на территории проведения Всемирной выставки- кафе Вольпини.

Художник представилна ней двадцать картин.

Шухаев Василий Иванович(Неоклассицизм, портрет, графика)

1887–1973

Шухаев Василий Иванович — русский живописец, художник-портретист, график, один из самобытных представителей неоклассики.
Родился в 1887 году в Москве в семье сапожника, рано стал сиротой. В 1906 году окончил Строгановское художественно-промышленное училище, где занимался у живописца Константина Алексеевича Коровина, скульптора Николая Андреевича Андреева, архитектора Ивана Владиславовича Жолтовского.
В 1906-1912 годах продолжил обучение в петербургской Академии художеств в мастерской Дмитрия Николаевича Кардовского.

По окончании Академии художеств за выпускную картину «Вакханалия» в 1912 году Шухаев был удостоен звания классного художника, а Общество поощрения молодых художников наградило его премиальным двухлетним пенсионерством в Риме.

В мастерской Кардовского Шухаев познакомился с Александром Яковлевым, который стал его другом. Художники стали работать совместно, в Италии в 1914 году исполнили ставший знаменитым двойной автопортрет «Арлекин и Пьеро».

Вместе в 1916 году расписывали плафон в особняке В. И. Фирсановой в Москве, а в 1925 году — концертный зал частного парижского дома. Вернувшись на родину в 1914 году, Шухаев жил в Петрограде, где вел активную творческую и педагогическую деятельность.
После революции участвовал в праздничном оформлении города к первой годовщине октябрьских событий. Создал эскизы декораций и костюмов к опере Рихарда Вагнера «Золото Рейна» для Народного театра (1918), к комедии К. Миклашевского «Четыре сердцееда» для Малого драматического театра (1919).

После революции Шухаев руководил мастерской живописи и преподавал рисунок в архитектурном классе Академии художеств. В 1920 Шухаев вместе с женой Верой (в августе 1919-го он женился вторично — на художнице Вере Федоровне Гвоздевой) покинул Росиию, уехав в Финляндию.

Пораженный природой северной страны, художник расширяет свой творческий диапазон — впервые из-под его руки выходят многочисленный пейзажи, не как этюды или наброски окружающей местности, но как самостоятельные законченные произведения.
С 1921 года Василий Иванович Шухаев стал проживать во Франции. Изначально, вместе со своим другом Александром Евгеньевичем Яковлевым, художник был приверженцем классицизма, он и в дальнейшем сохранял изысканный традиционализм с даром портретиста, мастера книжной графики и сценографии.

В Париже Шухаев открыл собственную школу живописи и рисования, а также работал в художественной школе Т. Л. Сухотиной-Толстой.
В начале 1935 года Василий Шухаев получил приглашение от Академии художеств СССР. В этом же году Василий Шухаев (вместе с женой Верой Федоровной) вернулся на родину.

Поначалу все для художника складывалось удачно: он получил персональную мастерскую в ленинградской Академии художеств, преподавал рисунок и акварель в Институте повышения квалификации архитекторов при Академии архитектуры СССР.

Шухаев сразу окунулся в театральную жизнь; оформлял спектакли: оперу Джузеппе Верди «Луиза Миллер» в Ленинградском государственном театре оперы и балета имени С. М. Кирова, исполнил эскизы к пьесе К. А. Тренева «Пугачевщина» для Киевского русского драматического театра и к пьесе М. Метерлинка «Синяя птица» для Киевского театра юного зрителя.
В 1937 году Шухаев и его жена были арестованы по обвинению в шпионаже и осуждены на десять лет лагерей.

В 1937 году художник был сослан в Магадан. До февраля 1939 года Шухаев работал на лесоповале близ поселка Кинжал на Колыме, затем в ремонтном цехе лагпункта Стрелка в бухте Нагаева. После того как лагерному начальству случайно стало известно, что Шухаев — известный художник, его назначили оформителем местной самодеятельности.

В 1941 году был прикреплен к Магаданскому музыкально-драматическому театру имени А. М. Горького, где оформил многие спектакли. Вера Федоровна Шухаева, после долгих злоключений, стала работать там же в театральной швейно-вышивальной мастерской. В апреле 1945 года художник и его жена были освобождены «по отбытии срока наказания» без права проживания в 16 крупнейших городах страны.

По окончании срока ссылки-поселения, благодаря помощи режиссера Моисея Вахнянского, с которым художник познакомился в магаданском лагере, Шухаевы поселились в Тбилиси. С 1947 года Шухаев стал вести класс рисунка в Тбилисской Академии художеств, впоследствии получил звание профессора.

В 1947–1948 годах художник работал в Грузинском государственном драматическом театре имени К. Марджанишвили, занимался живописью. Наибольшую известность снискали его портреты.

В 1962 году была организована первая на родине персональная выставка Шухаева, в том же году ему было присвоено звание заслуженного деятеля искусств Грузии и художник был награжден орденом «Знак Почета».

Всего состоялось четыре персональных выставки мастера.

В 1968 году в залах Академии художеств СССР в Ленинграде открылась последняя прижизненная персональная выставка, приуроченная к 80-летию художника.

Шухаев Василий Иванович скончался в 1973 году, похоронен в Тбилиси.

Шухвостов Степан Михайлович(Ландшафная живопись)

1820–1908

Шухвостов Степан Михайлович — русский художник, мастер перспективной и ландшафтной живописи академик перспективной и ландшафтной живописи .

Родился в 1820 году. По окончании Московского училища живописи и ваяния Шухвостов представил свои работы в Императорскую Академию художеств, и совет Академии на заседании 13 сентября 1850 года определил удостоить его звания неклассного (свободного) художника.

В феврале 1853 года Шухвостов представил в Академию художеств три картины (два внутренних вида собора Сергиевской лавры и внутренний вид церкви Гефсиманского скита) с просьбой о задании для него программы на получение звания академика по перспективной живописи.

Совет Академии предложил Шухвостову написать на свой выбор «внутренний вид собора (из древних храмов)».

Шухвостов удачно выполнил задачу и 30 сентября 1855 года представил на рассмотрение совета Академии написанный им «Внутренний вид Архангельского собора в Москве».

Работа была одобрена, и Шухвостов был удостоен за нее звания академика перспективной и ландшафтной живописи.

О направленности его творчества точно говорят названия работ С.М. Шухвостова: «Внутренний вид Успенского собора Троицкой лавры»,

«Внутренность собора Сергиевой лавры», «Внутренность церкви Гефсиманского

скита», «Вид внутренности Архангельского собора в Москве».

Работы художника были популярны у зрителей и пользовались спросом среди

коллекционеров.В наши дни они представлены в экспозициях многих художественных собраний страны.

Изображённые произведения  могут быть защищены авторским правом. Они размещены на сайте в соответствии с принципом «добросовестного использования» (fair use).

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра с информационно-образовательной целью. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.