Студия И. Галереи интерьерной живописи

Художники: Р

the_quackdoctor-largeРаймонди Маркантонио/Raimondi Markantonio(Возрождение, гравюра)

около 1480 — около 1534

 

Маркантонио Раймонди (итал. Marcantonio Raimondi; 1470—82, Арджини — 1527—34, Болонья) — итальянский гравёр, прежде всего известный как автор более 300 гравюр с произведений художников эпохи Возрождения (в частности Рафаэля) и памятников raimondi01_smallантичности.

Крупнейший мастер репродукционной гравюры 16 века.

Усовершенствовал технику классической резцовой гравюры, достигая пластической четкости форм. Раймонди, как гравер, сложился под влиянием Альбрехта Дюрера, работы которого копировал, а также Рафаэля и Микеланджело.

Используя точный рисунок и гибкую светотеневую моделировку, стремясь к raimondi02_smallпластической четкости и определенности форм.

Маркантонио Раймонди родился, по разным данным, в период с 1470 по 1482 год в Арджини, близ Болоньи.

Учился живописи в мастерской известного болонского ювелира и художника Франческо Франча. В 1506—08 годах жил и работал в Венеции, копировал листы Дюрера, причем добился такого сходства (подделывал даже монограмму автора), что зачастую копию было невозможно отличить от подлинника.

440546_photoshopia_ru_235_Raymondi__Markantonio_-_Muchenichestvo_sv__LavrentiyaСогласно Вазари, когда Дюрер узнал об этом, он подал жалобу на Маркантонио в синьорию, однако она лишь запретила болонскому гравёру подписывать свои работы монограммой Альбрехта.

Вскоре после этого посещает Флоренцию. К этому времени относится гравюра «Сон Рафаэля», копия ныне утраченной картины Джорджоне; выполняет копии работ Микеланджело, в том числе картона фрески «Битва при Кашине» (должна была raimondiукрашать стену Палаццо Веккьо).

Около 1510 года Маркантонио переселился в Рим, и с этого времени в истории итальянской гравюры открывается новая страница.

В Риме, где он сблизился с Рафаэлем, окончательно сложился его классический скульптурный стиль, резко отличный от линейно-тональных решений резцовой гравюры 15 века.

zthedreamofraphaelОсобенности гравюр Маркантонио отнюдь не сводятся к простому репродуцированию. Он воспроизводил работы других художников с изменениями и добавлениями в композиции,— например, в гравюре «Купающиеся солдаты» по картону Микеланджело «Битва при Кашине» он ввел совершенно новый пейзажный фон; он придавал большую степень законченности композициям, выполнявшимся по беглым рисункам Рафаэля.

Не менее важно, что графический стиль его листов не имитирует изобразительную iCAZF2T23манеру воспроизводимой картины, фрески или рисунка, а отвечает прежде всего требованиям языка и техники самой гравюры.

Поэтому лучшие произведения Маркантонио (например, «Избиение младенцев», исполненное по рисунку Рафаэля) представляют самостоятельную художественную ценность.

Раймонди довел до совершенства технику резцовой гравюры на меди. Широкое 5ae191cbc6daраспространение его репродукций с картин Рафаэля (“Избиение младенцев”, “Чудо во Фригии”, “Триумф Галатеи” и других), Микеланджело, Андреа дель Сарто и других итальянских художников способствовало внедрению в европейское искусство ренессансных художественных идей.

Впоследствии продолжает делать копии рисунков художников мастерской Рафаэля, в частности Джулио Романо, принесшие ему скандальную известность.

5e7852755c528be181cf8002ed5216 гравюр эротического содержания, составивших цикл «Позы», послужили поводом для ареста Маркантонио. Однако, по просьбе кардинала Ипполито Медичи и архитектора Баччо Бандинелли, он был помилован.

Во время взятия Рима войсками Карла V в 1527 году был пленён ландскнехтами. Был отпущен на свободу после уплаты выкупа, в результате чего был разорён и, предположительно, вернулся в Болонью.

По материалам:Wikipedia, Гравюры Маркантонио Раймонди, Catholic Encyclopedia.

0bc804fde0c0b876d38a6cb4a1aРайт Джозеф (Joseph Wright of Derby)

1734–1797

Джозеф Райт, Джозеф Райт из Дерби, Райт из Дерби (англ. Joseph Wright, англ. Joseph Wright of Derby, англ. Wright of Derby) (3 сентября 1734, Дерби, Англия — 29 августа 1797, Дерби, Англия) — один из выдающихся британских живописцев XVIII столетия.
Художник выделяется мастерством световых эффектов, а также картинами, сцены которых освещены свечами. Испытал влияние караваджизма, в первую очередь, нидерландских художников Геррита ван Хонтхорста и Хендрика Тербрюггена.

5062Считается пионером индустриальной темы в изобразительном искусстве. Его картины на тему зарождения науки из алхимии часто были основаны на темах, обсуждавшихся на заседаниях Лунного общества, группы влиятельных ученых и промышленников, живших в Мидлендсе, и отражают борьбу науки против религиозного мировосприятия в эпоху Просвещения.

Многие из картин Райта и рисунки являются собственностью городского совета города Дерби и выставлены в Музее и художественной галерее города Дерби.
Джозеф Райт родился 3 сентября 1734 года в Дерби в семье адвоката — Джона Райта flickr-6689568601-ifill_2048(1697—1767), который впоследствии стал городским чиновником, и его жены Ханны Брукс (1700—1764). Джозеф был третьим из пятерых детей. Райт получил образование в грамматической школе Дерби и сам научился рисовать, копируя гравюры.

Решив стать художником, Райт в 1751 году отправился в Лондон. Три года (1751—1753 и 1756—1757) будущий живописец учился в Лондонской студии у известного портретиста Томаса Хадсона, у которого также учился Джошуа Рейнольдс. До 1760 года ранние портреты писались Райтом в манере своего учителя («Портрет мисс Кеттон», Сант-Луис, Миссури, Гор. художественная гал.; «Портрет Томаса Беннета», музей Дерби).
tumblr_m7rhcsUTTa1rv2dfko1_1280В ранний период творческих исканий — с 1760 по 1773 годы — художник жил в Дерби. Здесь он познакомился с мастером по керамике Джошуа Веджвудом (англ. Josiah Wedgwood), основателем компании «Веджвуд», и химиком Джозефом Пристли. Присутствовал при экспериментах учёных и изображал их в своих работах. В частности, в этот период им были написаны картины «Планетарий» (1766, Дерби, музей; вариант — Нью-Хэвен, Йельский центр Британского искусства) и «Испытание насоса» (1768, Лондон, галерея Тейт Роджерса-Колтмана), отражающие интерес жителей Средней Англии к научным изысканиям. Дени Дидро отметил эти работы Райта, назвав их «серьёзным жанром».

Wright_of_Derby,_Vesuvius_from_PosillipoПервую попытку пройти практику в качестве художника Райт сделал в Ливерпуле, регулярно выставляя свои картины (напр., Мираван) в Королевском Обществе Искусств в Лондоне. Однако его родной и любимый Дерби навсегда оставался основным местом, где художник жил и работал.

В период с 1773 по 1775 годы Джозеф находился в Италии, где рисовал древние руины (например, могилу Вергилия), изучал прорисовку ландшафтов («Человек, закапывающий норы»), копировал классические статуи и наблюдал над захватывающим фейерверком во время карнавала в Риме.

Wright_of_Derby_Joseph-ZZZ-Firework_Display_at_the_Castel_Sant_Angelo_in_Rome_(La_Girandola)В Неаполе Джозеф Райт стал свидетелем грандиозного извержения вулкана Везувий, который вдохновил его на написание нескольких десятков картин, изображающих драматический эффект борьбы огня и тьмы. Впоследствии эта тема очень часто находила отражение в его работах.
На берегу Неаполитанского залива художник исследовал живописные пещеры и гроты. Свои впечатления об итальянской природе он выразил словами: «красивая и необыкновенная атмосфера, столь чистая и понятная», что впоследствии нашло отражение в его работах.

Два года (1775—1777) художник работал в Бате, где тщетно пытался привлечь клиентуру Томаса Гейнсборо. Потерпев неудачу, вернулся в Дерби.

113px-Millicent_MundyНачиная с 1778 года были написаны некоторые его лучшие портреты («Портрет сэра Брука Бутби», 1781, Лондон, гал. Тейт; «Портрет Юса Кока с женой и Дэниэлом Паркером Коком», 1780—1782, Дерби, музей; «Портрет Томаса Гисборна с женой», 1786, Нью-Хейвен, Иельский центр Британского искусства, а также портрет Самуэля Уорда из коллекции музея Дерби). С этого времени произведения Райта выставляются в Королевской Академии, членом которой он вскоре становится (ассоциированным с 1781 года, а в 1784 году — полным). Портреты Райт, впрочем, писал и ранее (например, Томаса и Анны Борроу).

В последние годы жизни он часто болел и лечился у своего друга Эразма Дарвина.

120px-Wright_of_Derby,_Cavern,_near_NaplesУмер Джозеф Райт в Дерби 29 августа 1797 года в кругу семьи, и был похоронен в основании церкви святого Алькмунда.

В 1968 году церковь была разрушена, чтобы освободить место для нового крупного раздела внутренней кольцевой дороги, проходящей через центр города, и, в настоящее время, находится под дорогой. Останки Райта были вывезены в кладбище Ноттингем Роад.

У Райта и его единственной жены было шестеро детей, трое из которых умерли во младенчестве.
120px-Wright_of_Derby,_Cottage_on_Fire_at_NightУспех Джозефа Райта в качестве портретиста приносил ему стабильный доход. Однако, в первую очередь, он известен своими научными и индустриальными работами, полными драматизма, что отличало его от других современников, ставя в один ряд с другими великими британскими художниками.

Впервые героями больших композиций стали рабочие и ученые, а не античные и библейские персонажи или жанрово-аллегорические фигуры. Местопроживание художника в Дерби как раз способствовало этому, так как именно здесь проявилась Индустриальная революция через кузницы, стекольные и глиняные магазинчики и местные фабрики. Дух этих мест нашел отражение во многих работах художника, 120px-Wright_of_Derby,_A_Grotto_in_the_Gulf_of_Salerno,_Sunsetнапример, в «Лекции о солнечной системе» (ок. 1763—1765, Художественная галерея Дерби); «Опыт с воздушным насосом» (1768, Галерея Тейт Бритейн, Лондон); «Кузница» (1773, Эрмитаж, Петербург), «Алхимик, открывающий фосфор» (1771—1795, Художественная галерея, Дерби)
До конца жизни Джозеф Райт оставался провинциальным художником, однако, благодаря его оригинальной манере, сочетающей элементы готики и неоклассицизма, его интересу к научным исследованиям и к современной литературе, он стал одним из предшественников романтического искусства.

Творческое наследие Райта собрано, главным образом, в Иельском центре Британского искусства в Нью-Хэвене, в Уодсворт Атенеум в Хартфорде, в галерее Тейт в Лондоне и в музее Дерби, включая значительное собрание рисунков и акварелей.

0_a1a02_26889af7_origРафаэлли Жан-Франсуа(Jean-Francois Raffaelli)

1850–1924

 

Жан-Франсуа Рафаэлли (фр. Jean-François Raffaëlli, 1850—1924) — французский живописец, гравер, иллюстратор, бытописатель Парижа.

Итальянец по происхождению, Рафаэлли жил и работал во Франции.

21Родился 20 апреля 1850 года в Париже. С 1868 года начал посещать Школу изящных искусств (École nationale supérieure des Beaux-Arts), мастерскую Жан-Леона Жерома.
Много путешествовал по Европе, был в Египте. В течение нескольких лет пытался выставить свои работы в парижском Салоне, но жюри упорно отклоняло их вплоть до 1876 года, когда картины были приняты и имели большой успех. Рафаэлли стал известен благодаря своим жанровым работам, в которых художник выступает порой как реалист в изображениях бедных районов Парижа. Он писал портреты и пейзажи с 0_c2fb_61833ad7_XLвидами Парижа и его окрестностей.
Художник изобрел свой живописный стиль, характерный использованием сильно разбавленной масляной краски, что давало эффект акварельного рисунка. В конце концов он отказался выставляться с импрессионистами и отошел от них.
Рафаэлли был дружен с Эдгаром Дега
Благодаря протекции последнего принял участие в Пятой (1880 год) и Шестой (1881 год) выставках импрессионистов, став отчасти причиной раскола в среде художников — основоположников движения, поскольку многие критиковали Рафаэлли за поверхностно усвоенную импрессионистскую манеру.
posterlux-jean_francois_raffaelli_1850_1924-raffaelli_jean_francois_rue_de_montmartre«Первого апреля на антресолях одного из домов на улице Пирамид открылась новая, пятая по счету, выставка импрессионистов. Но можно ли было назвать ее выставкой импрессионистов? Вслед за Ренуаром, Сислеем, Сезанном от группы на этот раз откололся сам вдохновитель выставок — Клод Моне. Из прежних участников на улице Пирамид были представлены только Писсарро, Дега, Берта Моризо и Кайботт. Зато Дега искал и привлекал новых художников, которым он покровительствовал. На прошлогодней выставке по его настоянию уже были показаны картины американки Мэри Кассатт, Форена, венецианца Зандоменеги. В этом году он потребовал, чтобы в выставке участвовал Рафаэлли, и согласился iCAERS1PMпринять довольно много работ друга Писсарро Поля Гогена. Моне был решительно против этих кандидатур; их участие в выставке, вероятно, сыграло свою роль в том, что Моне утвердился в намерении последовать примеру Ренуара и послать картины в Салон … Ренуар считал, что с ним обошлись не по-дружески, перестав приглашать его на групповые выставки. К тому же он, как и Моне, отнюдь не одобрял новых участников. Он так никогда и не признал ни живописи Гогена, ни живописи Рафаэлли. О Рафаэлли кто-то сказал Ренуару: „Он 533417504должен был бы вам нравиться, он изображал бедняков“. „Вот это-то и внушает мне сомнения, — ответил Ренуар. — В живописи для меня бедняков не существует. Как, впрочем, и в жизни“, — добавил он после паузы». Анри Перрюшо, «Жизнь Ренуара».
С 1891 года Рафаэлли стал выставляться в Национальном обществе изящных искусств и художественной галерее Жоржа Пти.
В преддверии Всемирной выставки в Париже в 1900 году Рафаэлли работал над b22c176cc6633cd13c6a342cb4c680b4выпуском специального издания о городе.

17 февраля 1889 года газета «Русский курьер» писала:
В Париже появился первый выпуск издания под названием «Le types de Paris», в составлении которого участвуют: Альфонс Доде, Эмиль Золя, Эдмон де Гонкур, Антонин Пруст, Анри Гревилль, Поль Бурже и Жан Ришпен.

Иллюстрируется он известным жанристом Жаном Франсуа Рафаэлли.

size1Издание рассчитано на 10 выпусков, из которых последний выйдет как раз к открытию всемирной выставки. Он имеет в виду ознакомить иностранцев с уличными типами Парижа.

В последние годы жизни Рафаэлли сконцентрировался на создании цветных гравюр и стал довольно известным мастером.

Умер Рафаэлли в Париже в 1924 году.

iCATN4HLKРафаэль

1483–1520

Рафаэль (Раффаэлло Санти) (Raphael (Raffaello Sanzio)) (1483–1520 гг.), итальянский живописец и архитектор.

В творчестве Рафаэля с наибольшей полнотой отразились идеалы Высокого Возрождения (Ренессанс).

Работал в мастерской Перуджино. С 1504 по 1508 гг. жил главным образом во ____20111025_1535739649Флоренции, где под влиянием Леонардо да Винчи и Микеланджело его творчество обрело зрелость.

Многие из наиболее известных полотен Рафаэля с изображением мадонны с младенцем относятся именно к этому периоду («Мадонна Грандука»).

В 1508 г. по приглашению папы Юлия II приезжает в Рим — именно в этом городе художнику предстояло прожить до конца жизни.

По приезде немедленно приступил к выполнению чрезвычайно почётного заказа — росписи парадных залов (станц) Ватикана.

30675006_Portrait_of_a_Woman_La_MutaВ Станца делла Сеньятура находится одно из самых замечательных творений Рафаэля, представлявших четыре сферы человеческой деятельности: богословие («Диспут»), философию («Афинская школа»), поэзию («Парнас»), юриспруденцию («Мудрость, Мера и Сила») (1509–1511 гг.), а также соответствующие аллегорические фигуры, сцены на библейские и мифологические сюжеты.

В этом величайшем шедевре гармонично сочетаются величие и изящество. До конца жизни у Рафаэля было много заказов, и ему приходилось прибегать к услугам помощников, преимущественно для декоративных работ.

48918355_Madonnuy_Sandro_BottichelliУровень его мастерства последних лет лучше виден в портретах, которые ставят его в один ряд с Леонардо да Винчи по тонкости передачи образа человека.

Рафаэль получил также всеобщее признание как архитектор, заняв в 1514 г. после смерти Браманте пост архитектора собора Св.Петра.

Несмотря на раннюю смерть, в возрасте 37 лет, Рафаэль оказал огромное влияние на творчество художников, как своего времени, так и последующих веков.

zthedreamofraphaelРеборн Генри/Raeburn Henry(Классицизм, портрет)

1302–1349

 

Сэр Генри Реборн (англ. Henry Raeburn; 4 марта 1756, Стокбридж близ Эдинбурга — 8 июля 1823, там же) — шотландский художник романтического направления.
Жизнь и творчество:

raeburn_work_201310080708527Наряду с сэром Дейвидом Уилки, Генри Реборн является основателем шотландской школы живописи.Родился 4 марта 1756 в Стокбридже, близ Эдинбурга.

Свою художественную деятельность начал как ювелир, но вскоре стал учиться живописи у Дэвида Мартина.

Будущий художник получил образование в эдинбургской школе Джона Гериота. В возрасте 15 лет заинтересовался гравюрой, пройдя в своём творчестве путь до положения лучшего портретиста Шотландии.

raeburn_02_smallВ 1778 Реберн отправился в Италию; из этого путешествия он вернулся в Эдинбург в 1787 уже зрелым мастером.

Это путешествие и знакомство с творчеством итальянских мастеров (например, с работами Помпео Батони), оказали существенное влияние на произведения Реборна, в частности на передачу светотени на его полотнах.

К этому времени относится Портрет Макнаба, в котором широкие, короткие мазки с конструктивной ясностью передают структуру человеческого тела.

raeburn_03_smallПосле женитьбы в 1780 году на старше его на 11 лет Энн Эдгар, вдовствующей графине Лесли, Реборн в 1784 уехал в Лондон, где учился у сэра Джошуа Рейнольдса, крупнейшего портретиста второй половины XVIII столетия.

В 1812 Реберн был избран президентом Королевского общества художников в Эдинбурге, а через три года стал членом Королевской академии художеств.

В 1822 году король Англии Георг IV возвел Реборна в рыцари и присвоил ему звание raeburn_01_smallХудожник его королевского величества в Шотландии.

Шотландский патриот, Реборн собирался в 1810 году переехать в Лондон, однако вскоре понял, что не в состоянии променять родной Эдинбург на Англию.
Реборн создавал романтические, индивидуализированные портреты шотландских дворян, деятелей культуры, простых людей, стремился раскрыть мужественность национального характера, самобытность жизни своего народа (часто изображал модели в национальных костюмах на фоне типичных raeburnшотландских аксессуаров быта и ландшафтов, акцентировал в колорите красные и зеленоватые тени —преобладающие  цвета шотландских тканей).

Живописи Реборна присущи обобщенность форм, свободная и сочная манера письма, эффекты композиции и освещения.

Лучшие из портретов Реборна, написанные широкой свободной кистью, в мощной пастозной манере, сильно и смело раскрывают своеобразные черты национальных характеров: портрет прославленного романиста Вальтера Скотта, портрет главного posterlux-raeburn_sir_henry_scotland_1756_4_mar_1823-xyz10208судьи Шотландии лорда Ньютона (оба портрета — Эдинбург, Национальная галерея Шотландии).

Романтические, ярко индивидуальные портреты деятелей национальной культуры кисти шотландского живописца Генри Реборна отмечены смелой пластической лепкой, эффектами композиции и освещения («Брюс Макмудро», около 1800, галерея Тейт, Лондон; «Мисс Элеонора Уркхарт», около 1795, Национальная галерея, Вашингтон).

Замечательная способность к тональным обобщениям и к широте трактовки в 7080портретах шотландского соперника Джошуа Рейнолдса — художника сэра Генри Реборна, свидетельствует об иной традиции и, возможно, о более тесной, хотя и не прямой связи с французскими образцами.

Умер Реберн в Стокбридже 8 июля 1823.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”,Галерея работ живописца,
Works in the National Galleries of Scotland.

b4473b3803991659affd4d740a7c33135f1868155511781Редгрейв Ричард/Richard Redgrave(Бытовой жанр,пейзаж)

1804–1888

 

Английский живописец, гравер, теоретик искусства, член Королевской Академии художеств.
Ричард был вторым сыном Уильяма Редгрейва и младшим братом служащего Министерства внутренних дел и историка искусств Сэмюэля Редгрейва. После 792978c92290d22c3d9bd8a1464419955f1868155511610окончания средней школы Ричард стал работать в качестве клерка и чертежника в конторе отца.

Увлекаясь рисованием, юноша часто посещал Британский музей, где делал рисунки мраморных скульптур. В 1825 году Редгрейв написал пейзаж «Река Брент, недалеко от Ханвелла», который представил на выставке в Королевской Академии художеств, с этой работой он в следующем году и поступил в Академию. Учился Ричард у пейзажиста Джозефа Пауэлла (Joseph Powell, 1780–1834).

61d63e14f48f53a93f15f2bd5707baa45f1868155511450В 1830 году Редгрейв покинул фирму отца и устроился работать учителем рисования, чтобы все свое время посвящать живописи. Начинал он работать в технике акварели, прежде чем начал писать маслом.
Первой картиной, принесшей успех художнику, была иллюстрация «Гулливер на столе крестьянина» (Gulliver on the Farmers Table, 1837, Лондон, музей Виктории и Альберта, Лондон) к роману Свифта.
В 1840 году Редгрейв был принят в ассоциативные члены Академии художеств, а в 1851 году стал ее действительным членом.

imagesCAN6K9P0В 1842 году художник выставил в Королевской Академии картину «Офелия, плетущая венок» (Ophelia Weaving Her Garlands). Критик «Журнала искусств» писал в 1859 году «фигура героини является замечательным вариантом поэтического характера, пейзаж изображен с тщательным вниманием к деталям, такую работу в наши дни можно смело назвать «прерафаэлистской»».
Тем не менее, в историю английской живописи Редгрейв вошел, как один из первых британских художников, который с начала 1840-х годов обратился к социальным ---P-V~1темам, которые изображал в реалистичной манере. К таким работам относятся картины: «Прощальный взгляд эмигрантов на свой дом» (The Emigrant’s Last Sight of Home), «Сельские кузины» (Country Cousins, 1848), «Идущий на службу» (Going Into Service), «Портнихи» (The Seamstress, 1844), «Бедный учитель» (The Poor Teacher) и др.

Историки пишут, что художник одним из первых показал униженное положение женщин в обществе, его героинями часто были швеи, модистки, продавщицы и Redgrave_Parkhurst_Woods-largeматери-одиночки. Хорошо известен был Редгрейв и благодаря своим пейзажам, на которых изображал, в основном, английскую деревню.
С начала 1850-х годов удачно складывалась и общественная карьера художника. В 1847 году он стал преподавать в правительственной Школе дизайна, став в 1848 году руководителем одной из мастерских, а в 1852 году – деканом отделения. В 1853 году Ричард для Школы дизайна написал «Элементарное руководство по цвету».

untitledЗа участие в работе Исполнительного комитета британской секции Парижской Всемирной выставки 1855 года Ричард был награжден Орденом Почетного легиона. В 1857 году Редгрейв был назначен генеральным инспектором по искусству в Департаменте науки и искусства, а также художественным руководителем Музея Южного Кенсингтона, сыграв очень большую роль в создании этого учреждения. Активно сотрудничал художник с Британским институтом и Королевским Обществом британских художников.

imageВ 1856 году Редгрейв был назначен королевским сюрвейером – инспектором королевского собрания произведений искусства. На этой должности художник находился до 1880 года, составив 34 каталога с подробным описанием коллекций Виндзорского замка, Букингемского дворца, королевского двора Хэмптон и других королевских резиденций.

В 1869 году художнику за его заслуги предлагали рыцарский титул, но от рыцарства The Emigrant's Last Sight of Home 1858 by Richard Redgrave 1804-1888он вежливо отказался.
Вместе со своим старшим братом Сэмюэлем Ричард в 1866 году опубликовал книгу «Век художников английской школы» (A Century of Painters of the English School), в которой была собрана ценная информация об искусстве девятнадцатого века.
В 1882 году Ричард Редгрейв ушел в отставку из Академии, а с 1883 года в связи с ухудшающимся зрением перестал принимать участие в академических выставках. Умер художник в 1888 году в возрасте 84 лет и был похоронен на Бромптонском strayed_lambs-largeкладбище.

К столетию со дня смерти в Англии прошли большие ретроспективные выставки Редгрейва в Музее Виктории и Альберта и Йельском центре британского искусства. Кураторы выставки Сьюзан Кастерас и Рональд Паркинсон к выставке издали сборник очерков Ричарда Редгрейва об искусстве.

portrait-of-the-singer-george-henschel-by-Sir-Lawrence-Alma-Tadema-026Реджианини Витторио(Vittorio Reggianini)

1858-1938

Витторио Реджианини (Vittorio Reggianini)- итальянский художник, родился в 1853 в Модене на севере Италии, в 1853 (по другим данным — в 1858) году, и умер в 1938 году..
Он обучался в Академии Изящных искусств, где позже стал профессором. Подобно многим из его современников, Реджианини переселился юг, во Флоренцию, где он участвовал в выставке Florentine Art Association в 1907-1908 и 2fcfd3228302tвторой раз в 1910-1911 годах. Виттрио Реджианини живописал повседневные сцены из буржуазной жизни. Его композиции полны изображений милых персонажей в изящных интерьерах со всеми симпатичными подробностями быта.
Когда уроженец северо-итальянского города Модена молодой художник Витторио Реджианини окончил курс в Академии изящных искусств, перед ним встал вопрос выбора страны, где бы он смог совершенствовать свое искусство за счет академии.К удивлению преподавателей и друзей, выбор его пал на Россию. Говорили, что такое предпочтение заронила в душу 4d80ff25489ctюного мастера путешествовавшая тогда по Италии русская графиня Елена Михайловна Завадовская (1807-1874).
Ее рассказами, в самом деле, можно было заслушаться. Урожденная Влодек, дочь генерала от кавалерии, полька по отцу и русская по матери, графиня увлеченно рассказывала о своем звенигородском имении и о красотах Московии.
Реджианини знал и о том восторге, в который графиня в молодости приводила поэтов, 16музыкантов и художников своей неслыханной красотой.
Завадовская подарила итальянцу-художнику свой миниатюрный портрет. Так она выглядела в юности, и с этой миниатюрой, по рассказам его друзей, Витторио не расставался всю свою долгую жизнь. Подарок был сделан с условием, что Реджианини, если побывает в России, непременно посетит ее подмосковное имение Покровское-Пронское и напишет там ее большой портрет. Напишет русскую красавицу облаченной в атласный наряд и с той причудливой игрой света и тени, которая всегда отличала работы итальянского мастера.
Известно, что многие работы Витторио Реджианини выставлены в музее немецкого 38города Майнц на берегу Рейна. Но главные его труды представлены в ставшей ему родной Флоренции. Здесь находится старейший музей Алинари. В конкурсах Алинари художник Реджианини неизменно выигрывал первые места. Его «Ответ», написанный в имении Пронское под Звенигородом, характеризуется как значительное художественное полотно выставки Florent ine Art association в 1907-1908 годах, а затем и в 1910-1911 годах.
Александр Блок посетит во Флоренции выставку Реджианини в мае 1909 года и тогда 9847275d52f7tже, вдохновленный его работами, напишет в цикле «Итальянские стихи»: «Лишь в легком челноке искусства от скуки мира уплывешь». А другой русский поэт Серебряного века, Владислав Ходасевич, в неменьшей степени очаровался творчеством итальянского мастера в 1924 году, когда познакомился с ним лично на выставке Алинари.
В своих записках Ходасевич вспоминает услышанный тогда от художника рассказ о его давней поездке в имение Пронское, что на нашей Рублевке, рассказ о той усадьбе, ea8072a590c0tкоторая, нам на удивление, и поныне сохраняет Покровский храм и деревянный двухэтажный дом со службами конца XVIII века.В стихах Ходасевича об этом звучит яркое упоминание:

«У Алинари за стеклом и не без горечи сокрытой
хожу и мыслю иногда, что некто, мудрый и сердитый,
однажды поглядит сюда. Нечаянно развеселится,
весь мир улыбкой озаря, на шаль красотки заглядится,
забудется, как нынче я…»

zthedreamofraphaelРедон Одилон/Redon Odilon(Символизм)

1840-1916

 

Одилон Редон (фр. Odilon Redon; 20 апреля 1840, Бордо — 6 июля 1916, Париж) — французский живописец, график, декоратор, один из основателей символизма и «Общества независимых художников» .

Творчество Редона разделяется на два периода: «чёрный» и «цветной».

redon_01_smallРодился в Бордо 20 апреля 1840 года в семье предпринимателя.
Детство будущий художник провел в семейном поместье Пейербальд, расположенном в нескольких милях к юго-западу от Бордо.

Здесь он был оставлен на попечении кормилицы до одиннадцати лет.

Вероятно, что мальчик страдал припадками эпилепсии и родители намеренно прятали его от глаз знакомых.

redon_02_smallВ 1851 году Одилон вернулся в семью и поступил в школу.

В 1857 году Редон пытался поступить в парижскую школу изящных искусств, но провалился на первом же экзамене.

С 1855 года учился в Бордо у местного художника-романтика Станислава Горена, который обучил его технике акварели.

Здесь же, через три года состоялся дебют Редона — на на ежегодной выставке Общества любителей искусств он показал две свои картины.

redon_03_smallВ 1863 году Редон познакомился с Р.Бреденом, гравером-«протосимволистом», испытав сильное воздействие его творчества.

В 1864 году Редон занимался в Школе изящных искусств в Париже у Жан-Леона Жерома. Литографии учился у Анри Фантен-Латура.

Жил преимущественно в Париже. К числу его друзей принадлежал С. Малларме.

102118816_8По примеру Бредена Одилон Редон сначала занимался в основном графикой (рисунки углем, а с 1870 — литографии).

Его черно-белые листы, «черноты» (les noirs), как он их называл, выходили в свет в виде небольших серий («В грёзе», 1879; «Эдгару По», 1882; «Истоки», 1883; «В честь Гойи», 1885; «Ночь», 1886; «Гюставу Флоберу», 1889; «Апокалипсис святого Иоанна», 1889; «Цветы зла», 1890; «Сновидения», 1891; «Искушение», 1896). Идеалом мастера было нарочито-смутная и трепетная визуальная лирика, с образами-галлюцинациями, всплывающими 127515218из мглы подсознания.

Эти загадочные мотивы, вроде глаза в виде воздушного шара (из цикла графических рисунков «Эдгару По»),художник часто сопровождал подписями в виде целых литературных фрагментов (в данном случае — «Глаз, как странный шар, направляется в бесконечность»).

В композициях Редона доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его 2христианских и буддийских сюжетах).

С 1890 Редон всё чаще обращается к живописи маслом, пастели, экспериментирует с цветом. В этих работах он старается передать внутренний мир человека. Для этого этапа творчества характерна многоцветная красочная гамма и иная тематика: бабочки, цветы, женщины на фоне яркого пейзажа.

В 1899 году Дюран-Рюэль организует выставку молодых художников под названием 314ab50ebd44«В честь Редона», на которой были представлены работы пастелью.

Однако после 1900 года он всё заметнее отдаёт предпочтение краскам.

Также Редон увлекался декоративными сюжетами, он расписал столовую в замке Домеси в Бургундии, спальню госпожи Шоссон в Париже, а в 1910—1911 по заказу Гюстава Файе — библиотеку аббатства Фонфруад в департаменте Од.

KOREDON0000016XXLМатериальное положение Редона, между тем, было трудным.

Ему пришлось продать поместье Пейербальд, где прошли его детские годы. Оно ушло почти за бесценок, и вырученная за него сумма не могла покрыть всех долгов художника.

Ища способ расплатиться с долгами, Редон начал писать цветочные натюрморты, которые пользовались популярностью и хорошо продавались.

В 1906 году в галерее Дюран-Рюэля прошла выставка работ Редона и в том же году — redon-dead-Opheliaв Осеннем салоне.

В 1913 работы художника выставлялись на Международной выставке в Нью-Йорке.

Скончался Одилон Редон в Париже 6 июля 1916 года. «Я доволен своей жизнью, — писал мастер в последнее десятилетие своей жизни, — и спокойно иду навстречу судьбе».

746PX-~1«Чёрный» период:
Будущего художника с детства охватывали частые приступы тревоги и тоски.

В «чёрный» период Редон, увлечённый человеческим подсознанием с его страхами и кошмарами, создавал навязчивые и местами жутковатые рисунки углём и печатную графику.

«Черное, — говорил Редон, — рождается в самых потаённых глубинах души».

400px-Redon_the-ravenОсобую известность получил его рисунок чёрного ворона — посланника смерти, а также изображение огромного волосатого паука с человеческим лицом.

Другой важной темой были огромные глаза, рассматривающие зрителя. Например, рисунок, изображающий один глаз, который является одновременно гондолой воздушного шара, или яйцо с лицом на подставке, символизирующее кошмар клаустрофоба.

Гравюра «Парсифаль» (1891 г.) — графическая реплика на одноимённую оперу 481px-Redon_parsifalРихарда Вагнера, потрясшую Париж в середине 80-х гг.

В этих композициях Редона доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его христианских и буддийских сюжетах).

«Цветной» период:
Во втором периоде творчества Редон порвал с чёрными тонами и стал писать наполненные цветом картины с элементами идеализации антики и природы.

548px-Redon_beatriceШироко известны его квадрига, парящая в цветных облаках, и абстрактные изображения медуз, моллюсков и других морских обитателей. Эти многослойные картины идеального мира оживают благодаря глубоким переливам красочного тумана.

Причины обращения художника к полихромной живописи искусствоведы объясняют по-разному.

Одни говорят о том, что, взявшись за краски, мастер будто бы «примирился с реализмом».

459px-Redon_yellow-bodiceОднако «цветные» картины Редона не менее фантастичны, чем его черно-белые работы. Другие полагают, что художник «устремился к ярким цветам как к потерянному раю».

Перемену в стиле сам художник объясняет так: «Я понял, что, постепенно разматываясь, лента жизни дарит нам не только печаль, но и радость.

Если творчество художника — это песнь о его жизни, то, помимо печальных черно-белых нот, в ней должны звучать хотя бы отдельные красочные ноты радости»

The-Black-PegasusНесмотря на то, что творчество Редона совпало по времени с расцветом импрессионизма, оно абсолютно самобытно и отлично от него.

Его картины по форме и содержанию близки к экспрессионизму и сюрреализму, хотя этих художественных направлений в то время ещё не существовало.

Поэтому многие художники считают Редона предвестником ирреализма в живописи и 1905-the-fallen-angelискусства, обращённого к психике человека.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Site with 322 images by Odilon Redon, Odilon Redon Gallery at Museum Syndicate.

84397822_large_Vicente_RomeroРедондо Висенте Ромеро/Vicente Romero Redondo(Неореализм)

1956–….

 

Висенте Ромеро Редондо(1956–….)-современный испанский живописец, работающий в стиле неореализиа.

1073371_original.jpgПривлекает потрясающее мастерство Ромеро Редондо в передаче игры света на своих полотнах.

Его картины буквально наполнены воздухом и светом.

Свет,с порывами теплого свежего ветра врывается с его картин,как через распахнутое окно и будоражит воображение.

Редко кому из художников удается с таким виртуозным мастерством предать игру 1073876_original.jpgсвета на своих полотнах.

Ромеро Редондо работает в технике пастели,отсюда и мягкий переливающийся цвет,который разливаясь по его картинам придает им радостное и восторженное ощущение жизни.

Висенте Ромеро Редондо / Vicente Romero Redondo родился в 1956 году в Мадриде.

Он был старшим из четырех сыновей. В связи с работой отца, он рос в различных 1074907_original.jpgгородах по всей Испании.

Семья переехала обратно в Мадрид, когда ему было 15 лет.

В детстве его родители хотели, что бы он посвятил свою жизнь живописи,так как его карикатуры на одноклассников и учителей были известные в каждой школе, где он учился, и редко можно было видеть его без карандаша и блокнота в руках.

1078358_original.jpgРомеро достиг своей мечты: он начал обучение в Высшей школе искусств в Сан-Фернандо, самой престижной школы искусств в Испании (Сальвадор Дали учился там в 1922-1926).

Первые годы он посвятил все свое время скульптуре, но вскоре понял,что только в живописи он может выразить все свои чувства.

Школу искусств Сан-Фернандо окончил с отличием в 1982 году.

1076741_original.jpgЗатем он несколько лет работал на улице, не самый удобный, но, безусловно, наиболее эффективный способ совершенствовать свою технику.

Он рисовал пастелью портреты жителей прибрежных сел на материке и на островах Тенерифе, Майорка и Ибица.

В конце восьмидесятых годов, Ромеро и его жена поселились в Коста-Брава.

0_69415_1ce9637b_XXXL.jpgИменно в этой области (родина Дали),начался новый этап его творческой жизни.

Красоты Средиземноморья, его мастерство, его страсть, прекрасные пейзажи, дом с внутренним двориком, где он жил,

и красота моделей — все это были идеальные условия, чтобы изменить мир его картин, и ему наконец, удалось превратить интимные ситуации жизни в лейтмотив его творчества.

 

00004852e80e7acb3ad.jpgС начала 90-х картины Ромеро были показаны на отдельных выставках в Испании, Франции и Португалии.

 

В 2001 году он переехал в Мадрид, но там он проводит лишь часть времени,

а в Коста-Брава с его невероятным светом,остается любимым местом для написания его картин.

220px-Joshua_Reynolds_Self_PortraitРейнолдс Джошуа/Reynolds Joshua(Классицизм, портрет)

1723—1792

 

Сэр Джошуа Рейнольдс (англ. Joshua Reynolds, 16 июля 1723 — 23 февраля 1792) — английский исторический и портретный живописец, представитель английской школы портретной живописи XVIII века.

13SYMBOLS.AT.UAТеоретик искусства. Первый президент Королевской академии художеств, член лондонского королевского общества.

Член Общества дилетантов, созданного с целью изучения античного искусства.
Поставив целью утвердить в искусстве идеал, связанный с национальной действительностью, Рейнолдс сочетал черты светской парадности и характерной для аристократического портрета монументальности с меткостью психологической характеристики.

98bf53eb62f3Живописец Джошуа Рейнолдс создал галерею портретов своих современников, в большинстве случаев представителей высших слоев общества.

Биография:
Родился 16 июля 1723 года в Плимптоне , графство Девоншир в семье пастора.

Отец предназначал его к карьере медика, но рано обнаружившаяся любовь юноши исключительно к искусству и чтение трактатов портретиста Дж. Ричардсона (1665—reynolds_01_small1745) о живописи определили его настоящее призвание.

Поступив в 1741 году в ученики к портретисту Т. Гудсону, в Лондоне, Рейнольдс занимался под его руководством три года, а затем провел еще три года в Девонпорте и явился снова в Лондон в 1746 году.

В 1749 году он отправился в Италию, где изучал произведения великих мастеров, преимущественно Тициана, Корреджо, Рафаэля и Микеланджело.

reynolds_02_smallПо возвращении в Лондон, в 1752 году, он вскоре составил себе громкую известность, как необычайно искусный портретист, и занял высокое положение среди английских художников.

По инициативе Рейнольдса в Лондоне впервые появились публичные художественные выставки.

В 1763 году он, вместе с Джонсоном, Голдсмитом и др., основал литературное общество, а в 1768 году был избран в президенты новоучрежденной королевской академии художеств и по этому случаю возведен в дворянское достоинство.

reynolds_03_smallВ 1784 году пожаловано ему звание первого королевского ординарного живописца.
За год до своей смерти он лишился зрения.

Творчество:
Рейнольдса можно считать родоначальником настоящей английской школы живописи — основателем того отличающего ее направления, которое стремится, главным образом, к глубине тона и к сочности письма и не осталось без влияния на другие новейшие школы, особенно на французскую и английскую.

reynolds_04_smallРейнольдс был эклектик, умевший в своем творчестве разумно соединять качества нескольких излюбленных им мастеров, одновременно подражавший Тициану, Рубенсу, Рембрандту и Корреджо.

Поездки в Италию и Францию завершили его художественное образование, способствуя формированию свободной живописной манеры и гармоничного насыщенного колорита.

Сильные стороны его творчества проявились там, где он следовал натуре.

reynolds_05_smallТяготение Рейнолдса к созданию жизненно правдивых и в то же время облагороженных образов обнаружилось в «Портрете писателя Стерна» (1760, частное собрание).

Всего лучше удавались ему портреты, замечательные по сходству, выразительности, изящной постановке фигур, умному подбору аксессуаров и смелой, сочной манере письма.

Сэр Джошуа Рейнолдс более всего известен портретами английской аристократии, написанными в возвышенном стиле, заимствованном у великих итальянских мастеров. Joshua Reynolds - Self-portrait 1748Рейнолдс любил изображать портретируемых за работой, в кругу семьи.

Одновременно с реалистическими, свободно-непринужденными портретами Рейнолдс исполнял парадные и аллегорические портреты в «большом статуарном стиле» (как его называл сам художник), сочетающие черты яркой индивидуальности, идеализма, рационализма и приподнятости.Портретируемые в нарядных одеждах изображались на фоне колонн, драпировок, декоративных пейзажей.

_2t93200757120657arc_pht-resize_700xСложен по композиции портрет актрисы Сары Сиддонс в виде музы трагедии (1784, Сан-Марино, США, галерея Хантингтон). В величественной позе восседает она на троне, позади которого видны аллегории — Преступление и Возмездие. Портрет превращен в красочное театральное зрелище, острота портретной характеристики в нем сочетается с иносказательностью, торжественностью.

Именно такого типа портреты снискали популярность художнику у многочисленных аристократических и буржуазных заказчиков.Не успевая исполнять заказы собственноручно, Рейнолдс был вынужден прибегать к помощи учеников, что снижало 4качество его работ.

Однако в лучших парадных портретах многочисленные аксессуары не заслоняют характера портретируемых, представленных в состоянии душевного подъема, вдохновения.

Таковы портреты офицеров на полях сражений. В них трактовка образов способствует выявлению героических черт.

Овеян романтикой морских боев и странствий образ старого адмирала лорда Хитфилда 477px-George_Augustus_Eliott,_1st_Baron_Heathfield_-_by_Joshua_Reynolds_-_Project_Gutenberg_eText_19009(1787—1788, Лондон, Национальная галерея). Он стоит около орудий. Плотная крепкая фигура, острохарактерное, энергичное, обветренное лицо с маленькими проницательными серыми глазами, пристально глядящими из-под мохнатых бровей, жест руки, сжимающей ключ от Гибралтарской крепости,— все это выражает собранность и упорство, готовность к действию. Контраст красных тонов (в форме адмирала) с темно-зеленоватыми и сероватыми (преобладающими в предгрозовом пейзаже) подчеркивает монументальность и напряженность образа. Энергичная плотная живопись и решительная пластическая моделировка усиливают его выразительность.

25729_Portrait_Of_Lord_Robert_Spencer_fКак на главные произведения Рейнольдса в портретном роде следует указать на «Лорда-изгнанника» (в Лондонской национальной галерее), портреты герцога Мальборо с женой и шестью детьми (в Бленгеймской галерее), лорда Гитфильда, виконта Дж. Альтгорна, графини Бют, герцогини Бюкклейх, трагической актрисы Сиддонс, Нелли Обрин, леди Гамильтон, леди Кеппель, автопортрет художника, портреты Китти Фишер, «Девушку с клубникой» (у маркиза Гертфорда), «Девушку с муфтой», «Мистрис Мейер в виде Гебы» (у барона Ротшильда, в Лондоне), «Маленького Самуэля» (в музее Монпелье) и др.

Joshua Reynolds - VenusЧто касается исторических картин Рейнольдса, то они значительно уступают его портретам; композиция страдает в них принужденностью, недостатком благородства и отсутствием истинной жизни, хотя среди них встречается немало таких, в которых видно мастерство первоклассного живописца, каковы, например, «Смерть кардинала Бофорта» (в Дульвичской коллегии, близ Лондона), «Смерть Уголино и его сыновей», «Амур, развязывающий пояс Венеры» (в лондонской национальной галерее) и некоторые др. В Эрмитаже имеются три картины Рейнольдса: «Младенец Геркулес, удушающий змей» (№ 1391), «Воздержанность Сципиона» (№ 1392) и повторение 2604877712feвышеозначенного «Амура» национальной галереи (№ 1390).

Во время правления Георга III престиж художника был настолько высоким, что, когда король основал в 1768 году Королевскую Академию художеств, Рейнолдс без обсуждений был назначен ее первым президентом.

Занимая до самой смерти пост президента Королевской Академии художеств, Рейнолдс исполнял исторические и мифологические композиции, много сил отдавал педагогической и общественной деятельности.

39114132_John_Manners_Marquess_of_Granby106Как теоретик искусства Рейнолдс призывал изучать художественное наследие прошлого, в частности искусство античности и Возрождения.

Придерживаясь взглядов, близких классицизму, Рейнолдс в то же время подчеркивал особое значение воображения и чувства, предвосхищая этим эстетику романтизма.
Многие из произведений Рейнольдса потеряли первоначальный блеск красок и потрескались вследствие того, что, исполняя их, он пробовал употреблять, вместо масла, другие вещества.

66878570_Reynolds_Sir_Joshua_Portrait_Of_The_Hon_Mrs_William_BeresfordРечи, произнесенные им в качестве председателя королевской академии, изданы в Лондоне впервые в 1778 году, потом еще несколько раз (последнее издание 1884 года; в немецком переводе Лейшинга — «Zur Aesthetik und Technik der bildenden Künste», Лейпциг, 1893).

Полное собрание литературных произведений Рейнольдса издано в Лондоне в 1797 и 1835 годах.

По материалам: Wikipedia, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика,  National Portrait Gallery Collection, Artcyclopedia: Sir Joshua Reynolds, Works in the National Galleries of Scotland.

rembrandtРембрандт Харменс ван Рейн/Rembrandt Harmensz van Rijn(Барокко)

1606-1669

 

Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmenszoon van Rijn) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

rembrandt_01_smallОн сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство.

Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

Рембрандт ван Рейн (Rembrandt van Rijn) — великий голландский живописец и гравер, rembrandt_02_smallсын мельника Гармена Герритса и Нелтье Виллемсдохтер ван Рейн, родился 15 июля 1606 г. в Лейдене.

Во время появления Рембрандта на свет дела его отца находились в цветущем положении, что позволило ему дать своему четвертому сыну более тщательное образование, чем то, какое получили старине сыновья, сделавшиеся ремесленниками.

Рембрандт поступил в латинскую школу, с тем, чтобы впоследствии перейти в лейденский университет. Но школьные занятия не удовлетворяли Рембрандта; он rembrandt_03_smallучился плохо, и в конце концов Гармен ван Рейн должен был уступить желанию своего сына сделаться живописцем.

Первым учителем, к которому отец отдал Рембрандта, был Якоб ван Сваненбюрх, весьма посредственный живописец, но, как человек, побывавший и работавший в Италии, пользовавшийся у своих соотечественников большим уважением.

Пробыв в мастерской этого художника около трех лет, Рембрандт переехал в Амстердам и поступил там в ученье к Питеру Ластману, ученику Адама Эльсгеймера. rembrandt_04_smallЭтот наставник оказал на Рембрандта довольно значительное влияние и, по-видимому, научил его также гравировальному искусству.

В 1623 г. Рембрандт возвратился на родину, и, по всей вероятности, в 1628 г., был уже вполне готовым художником; по крайней мере известно, что в это время он уже имел ученика, а именно знаменитого впоследствии Герарда Доу.

Первые известные картины Рембрандта относятся к 1627 г.
rembrandt_05_smallБольшое число работ, исполненных им в этот период его жизни, свидетельствует о неустанном труде, с каким старался он совершенствоваться.

Все окружающее доставляло ему модели, главным же образом он пользовался для своих эскизов, картин и гравюр лицами своих близких и своим собственным.

К этому времени относятся многочисленные портреты его самого, матери, отца, а также изображения подмеченных им уличных типов и сцен. При этом Рембрандт rembrandt_06_smallработал также и по заказам посторонних лиц, что доказывает, между прочим, хранящийся в кассельской галерее и помеченный 1630 г. портрет мужчины с двойной золотой цепью на шее.

В 1631 г. Рембрандт переселился в Амстердам, и с тех пор лишь изредка навещал свой родной город. В Амстердаме он очень быстро достиг известности; однако, несмотря на массу заказов, он не переставал работать единственно с целью своего усовершенствования, рисуя с натуры и гравируя 1184662832интересные типы, которые попадались на каждом шагу в еврейском квартале города.

В эту пору жизни Рембрандта им были написаны: «Урок Анатомии» (1632, нах. в Гааге), портрет Коппеноля (нах. в Касселе) и эрмитажный портрет каллиграфа (1631 г.№ 808). В 1634 г. Рембрандт женился на Саскии ван Юленборх, дочери ученого юриста.

Этой женитьбой открывается самая счастливая пора его жизни: он пользуется материальным благосостоянием, избытком заказов и нужной привязанностью своей rembrandt_09_smallмолодой супруги.

Саския часто фигурирует в рембрандтовских произведениях этого периода, причем черты ее лица встречаются не только в портретах, но и в других картинах и гравюрах. Среди портретов Саскии наибольшей известностью пользуются: — «портрет невесты Pембрандта» (в кассельск. гал.), «Портрет Саскии» (в дрезд. гал.) и «Рембрандт с его женою» (там же).

Однако, счастье и довольство выпали на долю гениальному мастеру не надолго. В 1642 rembrandt_10_smallг. Саския скончалась; от семилетнего брака у нее было четверо детей, из которых только один сын, Титюс, пережил свою мать.

С этой поры обстоятельства Рембрандта изменяются к худшему; хотя он и нашел себе подругу жизни в лице своей служанки Гендрикие Ягерс, по прозвищу Стоффельс, от которой родилась у него дочь, но материальное благосостояние его пошатнулось вследствие овладевшей им страсти к коллекционерству художественных предметов и редкостей.

rembrandt_12_smallОн тратил на них массу денег до такой степени, что в 1656 г. был объявлен несостоятельным должником, а в 1658 г. должен был оставить свой дом и переселиться в гостиницу.

Чтобы помочь своему сожителю, Гендрикие, вместе с его сыном основала компанию, для торговли картинами, эстампами, гравюрами на дереве и всевозможными редкостями.

Несмотря на то, дела Рембрандта шли все хуже и хуже, особенно после кончины rembrandt_13_smallГендрикие, около 1661 г. Через семь лет умер и сын художника, Титюс. Очутившись в тяжелом материальном положении, Рембрандт не терял, однако, энергии, много работал, и все-таки, при всем своем трудолюбии, не мог выйти из стесненных обстоятельств.

Причиной тому было то, что вкусы публики в это время изменились, и широкое, сочное письмо Рембрандта, его прием трактовать освещение, сосредоточивать освещение в одном пункте и оставлять остальные части картины в тени и полутени, rembrandt_15_smallперестали нравиться любителям искусства, которые стали увлекаться тщательно исполненной, светлой живописью.

Рембрандт умер в крайней бедности, в первых числах октября 1669 г.

Независимо от присущей рембрандтовским работам жизненности и совершенно особенных, только одному этому мастеру свойственных технических приемов, о которых будет сказано ниже, произведения Рембрандта отличаются гениальной rembrandt_17_smallкомпозицией.

В его картинах и гравюрах, все имеющее существенное значение выдвигается, тем или иным способом, на первый план, и главные действующие лица характеризуются так тонко, что у зрителя не остается никаких недоумений относительно содержания изображаемой сцены.

Что касается до рисунка, то Рембрандт далеко не всегда гонится за его правильностью, иногда он прямо умышленно вдается в преувеличения, с очевидною rembrandt_18_smallцелью усилить впечатление; зато его рисунок, подобно композиции, всегда в высшей степени выразителен.

Главная отличительная особенность рембрандтовского колорита — отсутствие красочности — замечается как в ранних, так и в позднейших его работах; ни в одной из его картин нет тех красок, какими блещут произведения итальянских мастеров или, например, работы главы фламандской школы — Рубенса.

rembrandt_22_smallВнимание Рембрандта обращено главным образом на передачу игры света и тени, и в этой области гениальный мастер стоит на недосягаемой высоте.

В его картинах изображенное представляется как бы окутанным воздухом, и игра света в этой насыщенной им атмосфере производит поразительные эффекты. Ставя себе задачей преодолевать трудности передачи того или другого светового эффекта, Рембрандт нередко воспроизводить освещение настолько фантастическое и искусственное, что дает rembrandt_28_smallученым повод спорить о том, при каком свете — дневном или ночном — происходить та или другая изображенная им сцена (например, известная картина амстердамского музея: «Ночной дозор»).

Обыкновенно Рембрандт распределяет свет таким образом, что главное по значению лицо или главная группа картины находится в наиболее сильном свете (напр. в «Уроке анатомии»), световые же рефлексы от этой главной группы распространяются на прочие ближайшие к ней лица или аксессуары, и, наконец, rembrandt_30_smallостальные части картины тонут в прозрачном, глубоком полумраке, полном воздушности.

Впечатление, производимое таким гениальным распределением света и тени, усиливается тем, что наиболее освещенные части выписаны более тщательно, чем остальные трактованные широко и сочно, иногда только намеками.

Мастерство в области передачи света и тени вырабатывалось у Рембрандта постепенно. В своих первых, по времени, работах Рембрандт старался изображать rembrandt_32_smallприроду в том виде, как она ему представлялась, без погони за световыми эффектами, хотя уже и в эту пору в его творениях проскальзывают намеки на будущую рембрандтовскую светотень (напр. «Св. Павел в темнице», 1627, в штутгартской галерее).

До наивысшего развития светотень, а вместе с тем и другие достоинства кисти Рембрандта, достигают в среднюю пору его деятельности.

rembrandt_37_smallКак уже было сказано выше, житейские невзгоды, постигшие художника, не могли не отозваться на его творчестве. В некоторых картинах, написанных им вскоре после его банкротства, прежние прозрачные и теплые тона сменяются более тусклыми; свет утрачивает свою интенсивность, кисть делается менее сочной.

Однако, такой упадок был только временный, и под конец своей жизни Рембрандт снова стад производить вещи великие, неподражаемые, сообщив своей фактуре еще rembrandt_31_smallбольшие свободу и ширину; так например в 1661 г. им были написаны: знаменитые «Синдики гильдии ткачей» (наход. в Амстердаме) и «Возвращение блудного сына» (имп. Эрмитаж, № 797), а в 1682 — «Еврейская невеста» (в амстердамском музее).

Многочисленные гравюры Рембрандта отмечены теми же достоинствами, как и его картины: характерность рисунка, мастерская передача трудных световых эффектов, свободный, уместно тонкий или энергичный ход гравировальной иглы — отличительные качества Pембрандта, как гравера.

zthedreamofraphaelПеречислить все его картины и гравюры представляло бы слишком большой труд; достаточно будет сказать, что его творческая мысль проникала во все сферы человеческого бытия; портреты, сцены из современной жизни, мифологические, библейские, евангельские и исторические сюжеты — все это занимало художника.

Однако, преимущественною его любовью пользовались темы из Библии и Евангелия, как более соответствовавшие протестантскому мировоззрению великого мастера. С особенным интересом и наиболее часто он обращался к истории страданий Спасителя, rembrandt_33_smallкоторые трактовал в картинах и гравюрах, полных христианского чувства.

Произведения Рембрандта высоко ценятся любителями искусства; обладание ими составляет гордость всякого музея; всех других картинных галерей богаче ими Императорский Эрмитаж, в котором насчитываются 42 картины Рембрандта.

Великий мастер оказал огромное влияние на всю голландскую живопись; главные из rembrandt_35_smallего непосредственных учеников — Ф. Боль, Г. Флинк, Г. ван ден Экгоут, А. де Гельдер, Н. Мас, Фабрициюс, Ф. де Конинк. С. ван Гогстратен, Я. Бакер, Я. де Вет, В. де Портер, Ю. Овенс, А. Вердаль и Дрост.

По материалам:Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Русскоязычный сайт о Рембрандте с анализом основных картин., Полный каталог картин Рембрандта по данным исследовательского проекта «Рембрандт»., Сайт, посвящённый творчеству живописца.

220px-Domenichino_-_Portrait_of_Guido_Reni_-_WGA06402Рени Гвидо

1575–1642

Гвидо Рени (итал. Guido Reni, 4 ноября 1575, Кальвенцано, Эмилия-Романья — 18 августа 1642, Болонья) — итальянский живописец болонской школы.

Биография:
Девяти лет от роду поступил в ученики к проживавшему в Италии фламандскому живописцу Денису Калверту; перейдя затем в школу Лодовико Карраччи, из неё перешёл с целью усвоить себе технику фресковой живописи к Феррантини, а в 1596 г. ____20111025_1535739649отправился в Рим, где занялся основательным изучением произведений Рафаэля.

Ещё до приезда своего в этот город, Рени расписал фасад палаццо Цани в Болонье и исполнил для тамошней церкви Сан-Микеле-ин-боско образ «Св. Бенедикт в пустыне». В Риме им написаны по заказу кардинала Боргезе картина «Распятие св. Петра» (находится в Ватиканской галерее) и знаменитый плафон «Аврора» в палаццо Роспильози. По возвращении Рени на родину из-под его кисти вышло «Избиение младенцев» (находится в болонской пинакотеке). Вскоре он снова отправился в Рим по вызову папы Павла V, поручившего ему расписать стены капеллы в квиринальском дворце 200px-Guido_Reni_-_Tod_der_Kleopatra_Potsdam_Sanssouciсценами из жития Богородицы и заказавшего ему «Поклонение кресту» для церкви С.-Грегорио. Дальнейшие работы Рени: «Рай» для церкви С.-Доменико, «Вознесение» для церкви С.-Амброджио (в Болонье), «Распятие» для капуцинской церкви в Генуе (находится в болонской пинакотеке), «Собирание небесной манны» и др. фрески в равенском соборе. В 1622 г. Рени трудился над украшением капеллы св. Януария в Неаполе, но вскоре принужден был удалиться оттуда, спасаясь от преследований и мести со стороны завидовавших ему живописцев Ланфранко и Риберы. Под конец своей жизни он предался игре, страсть к которой мало-помалу погубила его талант.
В первый период своей деятельности Рени примкнул к господствовавшему тогда в 200px-Guido_Reni_031итальянской живописи натуралистическому направлению, причём, подобно другим ученикам Карраччи, подпал в сильной степени под влияние М.-А. да Караваджо. Натуралистическое стремление Рени особенно ярко выразилось в ватиканском «Распятии», по своей концепции и по типам фигур очень схожем с изображениями пыток, обычными у итальянских художников того времени. К числу произведений Рени в том же роде относится, сверх «Избиения младенцев», о котором упомянуто выше, картина берлинского музея «Св. Антоний и Павел отшельники». В среднюю пору своего творчества Рени старался передавать более тёплое и нежное чувство и достигать красоты и грациозности, как, например, в «Авроре» палаццо Роспильози. В последний период своего он изображал типы чисто 1209242504_reni_arianna_baccoвнешней женской красоты, причём придавал своим красавицам чересчур мягкие расплывчатые формы; колорит Рени прежде весьма свежий и яркий, в эту пору упадка его таланта стал тусклым и бледным.
Влияние Рени:

Рени был учителем целого ряда живописцев, Лаури, Лолли, Динарелли, Элизабеты Сирани, Джесси, Сементи, Марескатти, Руджиери, Кантарини, Лафранко, Читтадини, Бьянкуччи и многих других.

Из его картин, кроме вышеупомянутых, наибольшей известностью пользуются: i_guido-clio_team_1616_guido_reni_loth_et_ses_filles_fuyant_sodome_loth_and_her_daughters_fleeing_sodome_huile_sur_toile_111x149_cm_londres_national_gallery«Подвиги Геркулеса» (находится в луврском музее), «Се человек» (в дрезденской галерее), «Клеопатра» (в палаццо Питти, во Флоренции), собственный портрет (в капитолийском музее) и женский портрет (в мадридском музее).

В Государственном Эрмитаже имеется 11 картин Рени, из которых лучшими могут считаться: «Поклонение пастырей» (№ 182),

«Поклонение волхвов» (№ 183), «Св. Семейство на пути в Египет» (№ 184),

1367666052_reni_02«Пётр» (№ 186), «Отцы церкви, рассуждающие о бессемянном зачатии» (№ 187), «Св. Иероним» (№ 188),

«Похищение Европы» (№ 189) и «Юность Богоматери» (№ 191).

 

Рени известен также как гравер; им были исполнены, между прочим, эстампы «Богоматерь с Младенцем», по собственной картине, и «Св. Семейство», с картины Ан. Карраччи.

0_a1a02_26889af7_origРенуар, Пьер Огюст

1841-1919

Пьер Огю́ст Ренуа́р (фр. Pierre-Auguste Renoir; 25 февраля 1841, Лимож — 2 декабря 1919, Кань-сюр-Мер) — французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма, к энгризму.
Биография:
18v0038aОгюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в Лиможе, городе, расположенном на юге Центральной Франции. Ренуар был шестым ребёнком небогатого портного по имени Леонар и его жены, Маргариты.

В 1844 году Ренуары переезжают в Париж, и здесь Огюст поступает в церковный хор при большом соборе Сен-Эсташ. У него оказался такой голос, что регент хора, Шарль Гуно, пытался убедить родителей мальчика отдать его учиться музыке. Однако помимо этого у Огюста проявился дар художника, и когда a_road_in_louveciennes_bol_shajaему исполнилось 13 лет, он начал помогать семье, устроившись к мастеру, у которого научился расписывать фарфоровые тарелки и другую посуду. По вечерам Огюст посещал школу живописи.
В 1865 году, в доме своего товарища, художника Жюля Ле Кёра, он познакомился с 16-летней девушкой Лизой Трео, которая вскоре стала возлюбленной Ренуара и его любимой моделью. В 1870 году у них родилась дочь Жанна Маргерит, хотя Ренуар отказался признать своё отцовство официально. Их связь продолжалась до 1872 года, когда Лиза оставила Ренуара и foto_202_bвышла замуж за другого.

Творческая карьера Ренуара прерывалась в 1870—1871 годах, когда он был призван в армию во время франко-прусской войны, закончившейся сокрушительным поражением Франции.

В 1890 году Ренуар женился на Алине Шариго, с которой познакомился десятью годами раньше, когда та была 21-летней белошвейкой. У них уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году, а после свадьбы у них появились ещё два сына — Жан, noirmoutiers-1892родившийся в 1894 году, и Клод (известный как «Коко»), родившийся в 1901 и ставший одной из самых любимых моделей отца. К тому времени, когда окончательно сложилась его семья, Ренуар достиг успеха и славы, был признан одним из ведущих художников Франции и успел получить от государства звание кавалера Ордена Почётного легиона.

Личное счастье и профессиональный успех Ренуара были омрачены болезнями. В 1897 году Ренуар сломал правую руку, упав с велосипеда. В результате у него развился ревматизм, от которого он страдал всю оставшуюся жизнь. Из-за ревматизма Ренуару oarsmen-at-chatou-1879трудно стало жить в Париже, и в 1903 году семья Ренуаров переехала в усадьбу под названием «Колетт» в небольшом городке Кань-сюр-Мер.

После приступа паралича, случившегося в 1912 году, несмотря на две хирургические операции, Ренуар был прикован к инвалидному креслу, однако продолжал писать кистью, которую вкладывала ему между пальцев сиделка.

В последние годы жизни Ренуар снискал славу и всеобщее признание. В 1917 году, когда его «Зонтики» были выставлены в Лондонской Национальной галерее, сотни the-garden-at-fontenayбританских художников и просто любителей живописи прислали ему поздравление, в котором говорилось: «С того момента, как ваша картина была вывешена в одном ряду с работами старых мастеров, мы испытали радость от того, что наш современник занял подобающее ему место в европейской живописи». Картина Ренуара выставлялась также в Лувре, и в августе 1919 года художник в последний раз навестил Париж, чтобы взглянуть на неё.

3 декабря 1919 года Пьер Огюст Ренуар скончался в Кань-сюр-Мере от воспаления лёгких в возрасте 78 лет. Похоронен в Эссуа.
Творчество:

220px-Pierre-Auguste_Renoir_-_Bouquet_printanier1862—1873 Выбор жанров:
В начале 1862 года Ренуар сдал экзамены в Школу изящных искусств при Академии художеств и записался в мастерскую Глейра. Там он встретился с Фантен-Латуром, Сислеем, Базилем и Клодом Моне. Вскоре они подружились с Сезанном и Писарро, так сложился костяк будущей группы импрессионистов.

В ранние годы Ренуар находился под влиянием творчества барбизонцев, Коро, Прюдона, Делакруа и Курбе.

В 1864 году Глейр закрыл мастерскую, обучение закончилось. Ренуар начал писать свои первые полотна и тогда впервые представил в Салон картину «Эсмеральда, Pont-Neuf.jpgтанцующая среди бродяг». Её приняли, но когда холст вернулся к нему, автор его уничтожил.

Избрав в те годы жанры для своих произведений, он не изменял им до конца жизни. Это пейзаж — «Жюль ле Кёр в лесу Фонтенбло» (1866), бытовые сцены — «Лягушатник» (1869), «Понт Неф» (1872), натюрморт — «Весенний букет» (1866), «Натюрморт с букетом и веером» (1871), портрет — «Лиза с зонтиком» (1867), «Одалиска» (1870), обнаженная натура — «Диана-охотница» (1867).
В 1872 году Ренуар с друзьями создал «Анонимное кооперативное товарищество».

280px-Pierre-Auguste_Renoir,_Le_Moulin_de_la_Galette1874—1882 Борьба за признание:
Первая выставка товарищества открылась 15 апреля 1874 года. Ренуар представил пастель и шесть живописных полотен, среди которых были «Танцовщица» и «Ложа» (обе — 1874). Выставка закончилась провалом, а члены товарищества получили оскорбительную кличку — «импрессионисты».

Несмотря на бедность, именно в эти годы художник создал свои главные шедевры: «Большие бульвары» (1875), «Прогулка» (1875), «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), «Обнаженная» (1876), «Обнажённая в солнечном свете» (1876), «Качели» (1876), «Первый выезд» (1876/1877), «Тропинка в высокой траве» (1877).

Pierre-Auguste_Renoir_037Ренуар постепенно перестал участвовать в выставках импрессионистов. Он представил в 1879 году в Салон полнофигурный «Портрет актрисы Жанны Самари» (1878) и «Портрет госпожи Шарпантье с детьми» (1878) и добился всеобщего признания, а вслед за этим финансовой независимости. Он продолжил писать новые полотна — в частности, ставшие знаменитыми «Бульвар Клиши» (1880),«Завтрак гребцов» (1881), «На террасе» (1881).

1883—1890 «Энгровский период»:
Ренуар побывал в Алжире, затем в Италии, где близко познакомился с работами классиков Возрождения, после чего его художественный вкус изменился. Ренуар 250px-Pierre-Auguste_Renoir_021написал серию картин «Танец в деревне» (1882/1883), «Танец в городе» (1883), «Танец в Буживале» (1883), а также такие полотна, как «В саду» (1885) и «Зонтики» (1881/1886), где ещё проглядывает импрессионистское прошлое, но проявляется новый подход Ренуара к живописи.

Открывается так называемый «энгровский период». Наиболее известное произведение этого периода — «Большие купальщицы» (1884/1887). Для построения композиции автор впервые использовал наброски и эскизы. Линии рисунка стали четкими и определенными. Краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись в целом стала выглядеть сдержанней и холоднее.

1891—1902 «Перламутровый период»:
220px-Pierre-Auguste_Renoir_158В 1892 году у Дюран-Рюэля открылась большая выставка картин Ренуара, которая прошла с большим успехом. Признание пришло и от государственных чиновников — картина «Девушки за фортепьяно» (1892) была закуплена для Люксембургского музея.

Ренуар ездил в Испанию, где познакомился с творчеством Веласкеса и Гойи.

В начале 90-х годов в ренуаровском искусстве произошли новые перемены. В живописной манере появилась переливчатость цвета, отчего этот период иногда именуют «перламутровым».
В это время Ренуар написал такие картины как «Яблоки и цветы» (1895/1896), «Весна» (1897), «Сын Жан» (1900), «Портрет госпожи Гастон Бернхейм» (1901). Он путешествовал в Нидерланды, где интересовался полотнами Вермеера и Рембрандта.

1903—1919 «Красный период»:
220px-Pierre-Auguste_Renoir_040«Перламутровый» период уступил место «красному», названному так из-за предпочтения оттенкам красноватых и розовых цветов.[1]

Ренуар по-прежнему писал солнечные пейзажи, натюрморты с яркими цветами, портреты своих детей, обнаженных женщин, создал «Прогулку» (1906), «Портрет Амбруаза Воллара» (1908), «Габриэль в красной блузе» (1910), «Букет роз» (1909/1913), «Женщину с мандолиной» (1919).

zthedreamofraphaelРеньо Жан Батист/Regnault Jean Baptiste(Классицизм)

1754—1829

 

Жан-Батист Реньо (фр. Jean-Baptiste Regnault; 9 октября 1754, Париж — 12 ноября 1829, там же) — французский исторический художник.

Родился в Париже 9 октября 1754 года. Десяти лет от роду был увезен в Америку jean-baptiste-regnault-toilet-of-venus-1341520048_bсвоим отцом, четыре года служил юнгой на купеческом корабле, что дало ему возможность посетить множество экзотических земель африканских и американских материков.

После смерти отца Реньо возвратился в Париж и поступил в ученики к живописцу Бардену, который вскоре затем взял его с собой в Рим.

По возвращении из Италии, в 1775 году за картину: «Эсфирь обличает Амана перед Артаксерксом», Жан Батист Реньо получил второстепенную римскую премию, а в 000013_dispследующем году, за большое полотно «Посещение философа Диогена царем Александром Великим» — главную римскую премию, после чего отправился, в качестве пенсионера академии, вторично в Рим, где написал: картину «Крещение Господне», обратившую на него общее внимание.

После своего возвращения в Париж, за выставленную в салоне 1782 году картину: «Персей освобождает Андромеду», Реньо был признан сопричисленным к академии, а в 1783 году, за картину «Воспитание Геркулеса» (хранится в Луврском музее), возведен в академики.

Jean-Baptiste_Regnault_001В 1795 году Реньо стал членом французского института, во времена правления Наполеона I получил титул барона и до конца своей жизни былректором королевских специальных училищ живописи и скульптуры.

Картины художника Жана Батиста Реньо, для которых сюжеты предоставляла преимущественно мифология, отличаются грациозностью изображенных фигур (чем он заслужил от своих современников название «живописца граций»), приятностью красок, нежностью кисти, но холодны и не глубоки по внутреннему содержанию.

jean-baptiste-regnault-the-death-of-general-desaix-at-the-battle-of-marengo-14th-june-1800-365317Реньо одно время стоял во главе целой школы молодых живописцев, соперничавшей со школой Давида, влияние которого, в конце концов, сделалось преобладающим.

Реньо был видным художественным педагогом. К его ученикам принадлежит целый ряд французских живописцев, в том числе Пьер Нарсис Герен, Александр Менжо, Франсуа Бушо, Тома Анри, Луи Эрсан, Шарль Поль Ландон, Анри Греведон, Алексис Франсуа Жирар, Огюст Кудер и другие.

regnault_01_smallКроме вышеупомянутых, к лучшим картинам Реньо относятся: «Снятие с креста», «Три грации» (обе картины в Музее Лувра), «Изобретение живописи, «Пигмалион, просящий Венеру оживить изваянную им статую»» (обе картины во Дворце Фонтенбло), «Сенат, принимающий знамена, взятые от австрийцев», «Смерть генерала Дезе при Маренго», «Бракосочетание Иеронима Бонапарта с вюртембергской принцессой» (все три картины в Версальском дворце), «Геба, наливающая нектар в чашу Юпитера» и некоторые другие произведения. Скончался Жан Батист Реньо 12 ноября 1829 года в regnault_03_smallПариже.

Произведения этого художника, для которых сюжеты доставляла преимущественно мифология, отличаются грациозностью изображенных фигур (чем он заслужил от своих современников название «живописца Граций»), приятностью красок, нежностью кисти, но холодны и не глубоки по внутреннему содержанию.

Несмотря на то, Реньо одно время стоял во главе целой школы молодых живописцев, соперничавшей со школой Давида, влияние которого, в конце концов, сделалось regnault_04_smallпреобладающим. К числу учеников Реньо также принадлежали Креспен, Герен, Р. ле-Февр, Лафитт, Блондель и многие другие.

По материалам:Wikipedia, , Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Jean-Baptiste Regnault in Artcyclopedia.

____20111025_1535739649Репин Илья

1844–1930

Илья Репин родился 24 июля 1844 года в семье военного поселенца Ефима Васильевича Репина (1804–1884) в городе Чугуеве Харьковской губернии Российской империи. Грамоте и арифметике обучился у пономаря и дьячка С 13 лет обучался живописи в Чугуеве у И. Бунакова. В 1863 году поступил в Академию Художеств в Петербурге. В Рисовальной школе на Бирже Репин познакомился с И.Н. Крамским, который стал его наставником. Обучался также у Р.К. Жуковского. Учился успешно, в 1869 г. был 370-14награждён малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья». Во время своего путешествия по Волге в 1870 году написал ряд этюдов и эскизов; по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге», оконченную в 1873 году. В 1872 году за программную работу «Воскрешение дочери Иаира» получил Большую золотую медаль и право на 6-летнее обучение в Италии и Франции, где завершил художественное образование. Возвращается в Россию летом 1876 года. Осенью того же года художник возвращается в свой родной Чугуев, а через год перебирается оттуда в Москву. В 1878 году, гостя в Абрамцеве, Репин услышал рассказ украинского 477px-Oliv_by_Repinисторика о том, как турецкий султан писал к запорожским казакам и требовал от них покорности. Ответ запорожцев был смел, дерзок, полон издёвок над султаном. Репин пришёл в восторг от этого послания и сразу сделал карандашный эскиз. После этого он постоянно возвращался к этой теме, работая над картиной более десяти лет. Она была закончена только в 1891 году. Картина имеет 3 списка (не считая этюда). Первый Репин подарил другу, историку Дмитрию Яворницкому, а тот — Павлу Третьякову и сейчас хранится в Третьяковке. Второй вариант картины (1880–1891 гг.) хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге. А третий вариант (1893 г.) — в Харьковском художественном музее. В 7947893_0s588_12926985841882 году переезжает в Петербург, где становится деятельным членом Товарищества передвижных художественных выставок, к которому он примкнул с 1874 г., став одним из вождей реалистической школы живописи. На выставках товарищества появляются его картины: «Правительница Софья Алексеевна в монастыре» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иоанн Грозный и его сын Иван» (1885). В 1887 году Репин развёлся с женой Верой Александровной Шевцовой и вышел из Товарищества художественных передвижных выставок. В этот же период созданы картины: «Дуэль», «Поприщин» (1882), портреты Ференца Листа и Михаила Глинки (1887), а также портреты П.А. iCATT1CCHСтрепетовой, Н.И. Пирогова, П.М. Третьякова, И.Н. Крамского, И.С. Тургенева, В.М. Гаршина, В.В. Самойлова, М.С. Щепкина, баронессы Икскуль и многих других. С начала 1890-х годов Репин подолгу работал в приобретённом им имении Здравнёве Витебской губернии. Здесь им созданы картины «Белорус» (1892), «Осенний букет» (1892), «Охотник с ружьём» (1892), «Дуэль» (1896), «Портрет сына Юрия на террасе Здравнёвкого дома» (1896) и другие, ряд этюдов. В 1893 г. Репин стал действительным членом Петербургской Академии художеств. В 1894–1907 годах он — профессор-руководитель мастерской в Академии художеств, а в c9375d35b9471898–1899 гг. — ректор Академии. На почве переутомления у Репина стала болеть, а потом перестала действовать правая рука, но он научился писать левой рукой. В 1899 году Репин женился, вторым браком, на Наталье Борисовне Нордман и приобрёл на её имя землю в посёлке Куоккала в Финляндии, на которой он выстроил усадьбу и назвал «Пенаты». Там он провёл последние тридцать лет жизни. Посёлок Куоккала после Октябрьской революции оказался за границей, в составе независимой Финляндии. Художник скончался 29 сентября 1930 года в Куоккале, где и был похоронен в своём любимом саду рядом с домом.

iCA8DPBJIРерих Николай

1874–1947

Рерих (Nicholas Roerich), Николай Константинович — русский живописец, театральный художник, ученый, писатель, путешественник, общественный деятель и философ; человек-легенда, одна из самых ярких фигур русского символизма и модерна.

Родился в Петербурге 27 сентября (9 октября) 1874 в семье нотариуса.

В 1893 поступил в Петербургский университет, где занимался на юридическом факультете, и одновременно в Академию художеств, где работал в мастерской iCAOV5XCCА.И.Куинджи.

Учился также в студии Кормона в Париже (1900–1901). До революции жил преимущественно в Петербурге, много путешествовал. На рубеже веков написал цикл архитектурно-исторических пейзажей Пскова, Ростова Великого, Изборска и других старинных русских городов. Сперва не приняв революцию и выразив свой ужас перед ее вандализмом. В 1920 переехал в США, основав там «Общество Агни-Йоги» posterlux-rerih-11_08359для распространения учения буддизма. В 1926–1928 через Алтай возвращается в Сикким (Индия). Постоянной резиденцией Рёриха становится Институт гималайских исследований (Институт Урусвати — от санскритского слова, означающего «утреннюю зарю») организованный им в 1929. Духовным итогом путешествий явились книги Алтай-Гималаи, Сердце Азии и Шамбала (1927–1930).

Еще более известны его живописные работы этих лет — написанные темперой, где iвеличественная горная природа сочетается с символами древних вер. В поздний период мастер по-прежнему активно работал как живописец.

Умер Рёрих в Кулу 13 декабря 1947. Музей Рёриха был открыт в 1924 в Нью-Йорке. В Москве же с 1992 существует Международный центр Рёрихов со своим собственным музеем.

Рёйсдал Саломон ван (Salomon van Ruysdael)

1600–1670

------~1Саломон ван Рёйсдал (нидерл. Salomon van Ruysdael; ок. 1602, Нарден — 3 ноября 1670, Харлем) — нидерландский художник-пейзажист, дядя Якоба ван Рёйсдала.
Брат Изакса ван Рёйсдала и дядя великого Якоба ван Рёйсдала, Саломон (фамилия которого по-голландски пишется через «у», в отличие от фамилии брата и племянника) также специализировался в пейзажном жанре.

Он учился в Харлеме, однако имя его учителя не известно, на его творческое luxfon_com-13493становление, безусловно, оказал влияние Эсайяс ван де Вельде, как видно из сюжетов его картин и техники живописи.

В любом случае, по словам Винсента-Лоренса 1 ван де Винне, сведения которого часто использовал Хоубракен, в 1623 он стал членом, а затем и деканом гильдии живописцев этого города.

В Харлеме он имел положение зажиточного горожанина, что доказывают суммы его налогов и большие расходы на погребение его супруги в 1660.

zthedreamofraphaelИзвестно также, что по своим религиозным взглядам он принадлежал к меннонитам.

Его самые первые из дошедших до нас произведений датированы 1627; в них проявляется влияние Э. ван де Велде и Молейна — родоначальников (наряду с ван Гойеном) натуралистического монохромного пейзажа (оба они были связаны с Харлемом — ван де Велде работал здесь до 1618, а Молейн провел здесь весь свой творческий период жизни).

ruysdael_salomon02_smallВ этих произведениях много общего и с ван Гойеном; поэтому Вюрцбах, впрочем, бездоказательно, считает Рёйсдала учеником ван Гойена, поэтому же картины двух художников, по крайней мере ранние, столь похожи.

Как и у ван Гойена, излюбленными мотивами Рёйсдала являются берег реки, со спокойной водой, в которой отражаются деревья и дома (особенно.в 1630-е); дюны, дороги, оживленные тонкими силуэтами деревьев (особенно с 1640).

Ruysdael_RUY068Подобно ван Гойену, деревья написаны мелкими точечными мазками; Рёйсдал использует также жидкие краски серо-зеленых или коричневых тонов, но его техника более механична и монотонна, чем у ван Гойена.

Любопытно, что их эволюция прямо противоположна: ван Гойен стремится к достижению общего эффекта, тяготеет к монохромности, все более совершенной, но сдержанной теплым колоритом на основе коричневого и золотистого.

REysdal_Salomon_von_Ruysdael_Salomon_vanРёйсдал же более чувствителен к деталям, к извилистому графизму стволов деревьев, к живописной трактовке животных и людей, которых он изображает гораздо менее обобщенно, чем ван Гойен (возможно, под влиянием Э. ван де Велде).

Лучшие произведения Саломона ван Рёйсдала относятся к 1650—60 гг.

Все его работы посвящены природе Нидерландов. На его пейзажах изображены деревни и села на берегах рек и каналов, а также лесные ландшафты.

lgp01a201306180700В отличие от Якоба Рёйсдала Саломон изображал людей, часто группами, как того требовали сцены деревенской жизни. Саломон Рёйсдал писал и зимние пейзажи.

Полихромность Рёйсдала более богатая, но и более холодная, особенно после 1640; небо он пишет в ярких светло-голубых тонах, а деревья отмечены большей нервозностью.

Поздним произведениям Рёйсдала, как, например, прекрасному пезажу «Руины 800px-Salomon_van_Ruisdael_Deventerмонастыря в Эгмонде» (1664, Ла Фер, музей), присущ некий декоративный и драматический характер, который можно сравнить с работами итальянистов (Берхем, Бот и Мушерон).

С 1650 в его творчестве появляется тенденция к увеличению форматов и к монументализации. Тогда же был создан и ряд натюрмортов; один из самых замечательных — «Индюк» (1661, Париж, Лувр), «рокайльный» и очень близкий современным произведениям ван Алста, Лилиенберга и Яна Баптиста Веникса (еще landscape_-_detail-largeодин натюрморт Рёйсдала находится в музее Бредиуса в Гааге).

Произведения Рёйсдала, часто подписные и датированные, очень многочисленны и находятся во всех крупных музеях мира.

Так, во Франции, помимо Лувра, где хранится шесть картин художника, они представлены в Амьене (музей Пикардии), Бордо (Музей изящных искусств), Гренобле (Музей изящных искусств), а также в музеях Кана, Дьеппа, Ла Фера, Лилля, view_of_egmond_aan_zee-largeМеца, Страсбурга и в Музее декоративного искусства в Париже.

Также работы Саломона ван Рейсдаля представлены ​​в Rijksmuseum, Амстердам; Кунстхалле, Гамбург; Национальной галерее, Лондон; Метрополитен-музее, Нью-Йорк; Миннеаполисе Институте искусств и Музее изобразительных искусств, Бостона.
Художником стал и сын Саломона ван Рёйсдала и двоюродный брат Якоба ван drawingeРёйсдала, также по имени Якоб ван Рейсдал, который, однако, не смог достичь их славы.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Работы художника. Работы в Лондонской национальной галерее.

biopic-smallРёйсдал Якоб Исаак ван

1600–1682

 

Рёйсдал Якоб Исаак ван — наиболее значительный нидерландский художник-пейзажист.

Предполагается, что первые уроки живописи Якоб ван Рёйсдал получил от своего дяди, художника Саломона ван Рёйсдал . Известно, что Рёйсдал освоил также профессию хирурга и практиковал в Амстердаме.

ruisdael_63mountЯкоб Рёйсдал вступил в харлемскую гильдию художников в 1648 г., с 1659 г. стал гражданином Амстердама. Талант художника не был в должной мере оценён при его жизни.

Умер Рёйсдал в марте 1682 г. По всей видимости, смерть настигла его в Амстердаме, но затем его прах перевезли в Харлем и 14 марта 1682 г. погребли в церкви св. Бавона.

Встречающееся в некоторых источниках указание на то, что художник умер в нищете в приюте для бедных, — следствие путаницы: на самом деле такая судьба постигла не ruisdael_jacob_isaackszon_van_two_water_mills_and_open_sluiceего самого, а его двоюродного брата, сына Саломона ван Рёйсдала, — тоже Якоба и тоже живописца.

Рёйсдал считается ведущим мастером пейзажной живописи Нидерландов. Ему удалось превратить ландшафтную живопись в зеркало человеческих эмоций.

В его картинах даёт себя знать чуткая, напряжённо-страстная восприимчивость художника к жизни природы в её частных и общих проявлениях.

____20111025_1535739649Манера письма маленькими мазками характеризует разнообразие форм увиденного в пейзажном мотиве и вместе с тем эмоциональное их переживание, образное восприятие.

Рёйсдал заставляет почувствовать каждый маленький мотив в сложном хоре образа природы, будь то дорога, бегущая вверх, или склонённое от сильного морского ветра дерево, растрёпанный куст или предвещающее грозу облако.

Движение каждого мотива слагается в широкий, мощный процесс взаимосвязи и N-R0012-058-landschaftвзаимодействия стихийных сил природы и всех её порождений на земле.

Рёйсдал любил писать лесные чащи, болота, водопады — места, где человек только прохожий, — маленькие нидерландские города или деревни, теряющиеся в пространственной дали равнин под огромным, торжествующе властным небом. Вольфганг Гёте назвал его «подобно поэту мыслящим художником».

ruisdael_jacob_isaackszon_van_the_hunt

Творческое наследие Рёйсдала составляют около 450 картин.

 

Большинство его пейзажей посвящены природе родным Нидерландам, однако Якоб Рёйсдал также писал дубовые леса Германии или по примеру своего друга художника Алларта ван Эвердингена водопады Норвегии.

220PX-~1Рибера, Хосе де/José de Ribera(Испанское барокко)

1591–1652

Хосе или Хусепе де Рибера (исп. José de Ribera) по прозвищу Спаньолетто (Lo Spagnoletto — «маленький испанец»); 12 января 1591, Хатива — 2 сентября 1652, Неаполь) — испанский караваджист эпохи барокко, живший и работавший в испанском Неаполе. Помимо живописных работ, оставил большой объём графики. Наиболее значительный испанский гравёр, работавший до Гойи.

Большинство его произведений хранятся в музее Прадо и в неаполитанских церквях (в частности, в соборе св. Януария).
1Биография:
Как сообщает биограф Паломино, учился в мастерской Франсиско Рибальты. Сведения о молодости Риберы крайне обрывочны. Вероятно, не позднее 1613 года он перебрался в Италию, где, как принято считать, изучал картины старых мастеров в Парме и Риме.

Все сохранившиеся работы художника датируются неаполитанским периодом. Впервые о нахождении Риберы в Неаполе сообщается под 1616 годом, когда он женился на местной жительнице.

Работал по заказам местного духовенства и вице-короля герцога Осуна, а также его преемников. Большинство заказчиков увозило картины Риберы с собой в Испанию, где 220PX-~2его ценили и много копировали. В 1626 г. он был избран членом римской академии Св. Луки.
Творчество:
Рибера учился у испанского художника-реалиста Рибальты, был последователем Караваджо. Посетив Рим и Парму, Рибера поселился и большую часть жизни прожил в Неаполе, однако остался глубоко национальным художником.

В творчестве Риберы преобладали религиозные темы, трактованные с жизненной достоверностью, бытовой конкретностью и драматизмом. Испанский художник в своих картинах обращался также к мифологическим сюжетам, писал портреты, воплощая в них, как и в религиозных композициях, индивидуальные национально-самобытные характеры испанцев из народа.
ribera_02_smallРибера изображал суровых аскетов, сильных, мужественных людей, отшельников с благородными лицами и пламенными взглядами. Это люди сильных и искренних чувств, страстно борющиеся за свои идеалы, стоически выносящие страдания.

Обычно их фигуры или полуфигуры изображены на переднем плане и заполняют почти всю плоскость картины. В отличие от Эль Греко Рибера стремился к точности воспроизведения характерного, включая множество подробностей и характеризуя особенности формы.

Его рисунок и моделировка тщательны, но обобщенная энергичная лепка объемов большими массами света и тени определяет впечатление монументальности.

В однофигурных композициях, типичных для него, Рибера шел от этюдов с натуры: ribera_03_smallизображал рыбаков, уличных бродяг, носильщиков, с увлечением писал их выразительные характерные загорелые лица с грубой обветренной и обожженной солнцем кожей, следами жизненных невзгод. Темпераментная лепка плотным пастозным мазком придает пластическую силу суровым фигурам его героев в рубищах и нищенских лохмотьях.

Как и в случае с Караваджо, стилевая манера Риберы строится на контрастах света и тени. В драматических сценах мученичества он выявлял победу духа и воли над телесной немощью и страданием.

Натуралистичность полотен Риберы сделала его героем жутких легенд и сплетен. Многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. В творческом наследии Риберы преобладают мифологические ribera_04_smallи религиозные темы. Его влекли античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых. Сохранилось также несколько портретов.

Как отмечено в БСЭ, приблизительно с 1635 года Рибера «переходит к более уравновешенным решениям: светотень в его произведениях становится мягче, цветовая гамма насыщается золотистыми или серебристыми оттенками». Жуткие в своей реалистичности детали подчёркиваются грубыми мазками кисти. Драматический эффект ран, морщин, бород зачастую достигается утолщением красочного слоя.

Одним из лучших произведений художника считается картина «Св. Инесса» (1641; Дрезден, Картинная галерея).

0antoniomaraesquivellecде Рибера и Фиве Карлос Луис/Carlos Luis de Ribera y Fievé

1815–1891

1815, Рим — 14 апреля 1891, Мадрид.Выдающийся испанский живописец.Был старшим сыном художника — Хуана Антонио де Риберы и Фернандеса.Карлос Луис родился в Риме.Его крестными родителями были коронованные особы — свергнутый французами во время наполеоновских войн король Карл IV и Мария-Луиза Пармская.
Вернувшись в Испанию, Карлос учился в Королевской Академии изящных искусств Сан-Фернандо. В возрасте 15 лет он выиграл первый приз в Академии за портрет Васко Нуньеса де Бальбоа, затем получил стипендию, чтобы продолжать учебу в Риме и Париже, как и многие выпускники Академии.
В Париже Рибера учился у Поля Делароша. Карлос дружил с Федерико де Мадрасо, который написал портрет художника, когда они оба жили в Париже.
a0423ee314Художник строил свою карьеру традиционно для того времени.Карлос де Рибера с 1835 года становится профессором Академии, в 1846 году его назначают придворным живописцем королевы Изабеллы II Испанской, позже Рибера занимал пост министра народного просвещения, преподавал также в художественном лицее и, наконец, был избран директором Академии Сан-Фернандо и награжден Большим крестом Ордена Изабеллы Католической.
Художник в своем творчестве культивировал историческую тему. Наиболее известными его работами являются картины «Путь Дона Родриго Кальдерона на эшафот» (Don Rodrigo Calderón camino del cadalso) и «Захват Гранады католиками» (La Toma de Granada por los Reyes Católicos).
Среди религиозных работ выделяют «Обращение Святого Павла» (La conversión de San Pablo) и «Вознесения Девы Марии» (La Asunción de la Virgen).
Свои картины художник регулярно экспонировал в Париже между 1839 и 1855 годами, а также на выставках Академии Сан-Фернандо и художественного лицея, хотя был уже известным художником и педагогом. Картины Риберы были представлены также на национальных выставках изобразительного искусства 1856, 1858 и 1871 годов.
Рибера работал также иллюстратором в нескольких популярных журналах того времени, таких, как «Художник», «Музей испанских древностей», «Женщины Испании».
Умер Рибера в Мадриде 14 апреля 1891 года.
В честь художника был открыт целый зал с его работами на Международной выставке изобразительных искусств 1892 года.

Источники- Википедия и зарубежные энциклопедии.

8c737a1bcd9cРигаль е Фарриоль Луис/Lluís Rigalt y Farriols

1814–1894

 

Каталонский живописец-пейзажист и рисовальщик, написавший первые природные ландшафты Каталонии, став предвестником целой школы каталонской пейзажной живописи.
Луис родился в семье художников. Еще в середине XVIII века в Барселоне был известен художник и позолотчик Ригаль, у которого было два сына. Старший Хоакин стал архитектором, а младший Пабло – художником.

Luis_Rigalt_y_FarriolsПабло был любимым учеником французского живописца, жившего в Каталонии, Жозефа-Бернара Флаугера (Joseph-Bernard Flaugier, 10 декабря 1757, Прованс – 1813, Барселона), который известен в Каталонии под именем Хосеп Бернат Флаугер (Josep Bernat Flaugier). Когда Барселону оккупировали войска Наполеона, Пабло вынужден был эвакуироваться в городок Вильянуэва, назад художник вернулся спустя пять лет, а в скорости в семье родился сын.

По воспоминаниям самого художника, написанным в возрасте 80 лет, в детстве он был спокойным и меланхоличным, склонным к длительному молчанию и созерцанию природы. «Мое детство было не очень счастливым из-за болезненного характера, я не раз видел смерть на близком расстоянии» — писал Ригаль.
2a2dafdb82d1Первым учителем будущего художника стал, естественно, отец, который преподавал в Школе изящных искусств Лотья в Барселоне. Затем Луис учился в Мадриде в Академии художеств у Женаро Перес Вильямила (Jenaro Pérez Villaamil, 1807–1854). В 1840 году художник выиграл первый приз на академической выставке.
В 1838 году, в возрасте двадцать два года, Луис женился. В 1841 году Совет по торговле Барселоны, руководивший Академией Лотья предоставил художнику право замещать своего отца в качестве преподавателя Школы Лотья в случае его отсутствия или болезни. В 1845 году Ригаль официально принял класс ландшафта и перспективы, которым руководил отец. В 1870 году художник был назначен директором Школы изящных искусств Лотья.

LLUS_R~1Ригаль был профессором в Школе изящных искусств Лотья, а в 1850 году стал действительным членом Королевской Академии изящных искусств Сан-Фернандо, в которой хранятся несколько сотен его рисунков и картин. Есть картины художника и в собрании Музея Прадо в Мадриде.
На протяжении сорока лет художник воспевал в своих работах красоту земли родной Каталонии. Хотя художник старался держаться подальше от политики, она все-таки влияла на его работу.
В 1855 году Ригаль побывал в Париже в составе испанской делегации, ответственной за оформление павильона Испании к Всемирной выставке.

Поездку художник использовал и с целью посетить музеи и художественные центры. После Парижа в работах Ригаля стало видно пристальное внимание к воздуху и свету.
В 1859 году был утвержден план реконструкции Барселоны, по которому по политическим причинам или стремясь к обновлению, многие здания города были снесены. Ригаль увековечил образ старой Барселоны своей серией рисунков вскоре разрушенных зданий.
Кроме того, Ригаль известен, как декоратор, сценограф и литератор.

Он украшал дворец, который служил резиденцией королевы Елизавета II во время ее визита в Барселону, а также оформил убранство собора во время похорон известного генерала, I-го герцога Байленского Франсиско Ксавьера Кастаньеса в 1852 году. В 1850 году художник создал декорации для спектаклей театра Грейс и Театра комедии.
Художник умер в 1894 году в Барселоне в возрасте 80 лет.

zthedreamofraphaelРиго Гиацинт/Rigaud Iacent(Портретный жанр

1659—1743

 

 

Гиацинт (Иасент) Риго (фр. Hyacinthe Rigaud; 20 июля 1659, Перпиньян — 27 декабря 1743, Париж) — французский художник, мастер парадного барочного портрета времён Людовика XIV и Людовика XV.

472px-GueidanРодился Гиацинт Риго 18 июля 1659 года в Перпиньяне.

Первоначально обучался живописи у малоизвестного живописца Пезе в Монпелье, а с 1681 года учился в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.

Испытал влияние портретного творчества Антониса Ван Дейка, Питера Пауля Рубенса, Рембрандта Харменса ван Рейна.

В 1681 году приехал в Париж, где создал обширную галерею выдающихся деятелей 494px-La_Menasseuse_1709эпохи.

Поначалу востребованный третьим сословием, с 1688 года работал по заказам версальского двора.

Следующие полвека он не писал ничего, кроме портретов.

Тем не менее в 1700 году был избран академиком живописи по исторической части.

Постоянно работал в Париже, c 1733 года — ректор Королевской академии живописи и 464px-Hyacinthe_Rigaud_(French_-_Charles_de_Saint-Albin,_Archbishop_of_Cambrai_-_Google_Art_Projectскульптуры.

Излюбленный художник королевской семьи, Гиацинт Риго в своих многочисленных картинах и портретах французской аристократии, ставших образцом для европейских парадных портретов XVIII века, сочетал пышную театрализованную эффектность со стремлением к индивидуальной характеристике облика модели (портрет Филиппа V Испанского, 1700; портрет Людовика XIV, 1701, обе картины — Лувр, Париж).

В знаменитом портрете Людовика XIV поза короля, надменный взгляд, богатство Louis_XIV_of_Franceодеяния и драпировок, торжественный архитектурный фон служат воплощению идеи абсолютной монархии.

Может быть, только французский портрет дает нам возможность отойти от темы королевского деспотизма и увидеть непредвзято действительный реальный смысл художественных инициатив короля,плодами которых мы пользуемся и поныне.

Внимательный взгляд на широко известный парадный образ монарха — Людовика XIV Гиацинта Риго — обнаруживает незаурядную проницательность этого самого 468px-Hyacinthe_Rigaud_-_Gio__Francesco_II_Brignole-Sale_-_Google_Art_Projectмасштабного патрона живописи барокко, которого только могла породить та эпоха.

В то же время в камерных портретах писателей, ученых, деятелей искусств Риго воссоздавал реальный человеческий характер, интеллектуальное достоинство, жизненную полнокровность своих моделей (портрет Бернара ле Бувье Фонтенеля, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

Сегодня зрителю кажутся вполне естественными и привычными такие вдумчивые и очень личностные штудии, как двойной портрет мадам Риго, выполненный ее сыном.

1715_-_Auguste_III_de_PologneНо не меньшей симпатией к моделям отмечены и его парадные портреты, художественное достоинство которых не всегда получало должную оценку.

Скончался Гиацинт Риго в Париже 29 декабря 1743 года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика., Работы художника в музеях мира.

MartnRicoy_8962762_10631422Рико и Ортего Мартин/Martin Rico y Ortega(Импрессионизм)

1833–1908

 

Испанский живописец-импрессионист, выдающийся пейзажист.
Мартин родился в Мадриде во время гражданской войны в Испании. Начальное художественное образование юноша получил у своего старшего брата Бернардо Рико (Bernardo Rico, 1825-1894), который, окончив Школу изящных искусств Сан-401778_10151630335195435_1402780374_nФернандо, работал гравером.

В 12 лет мальчик поступил в художественно-литературный Лицей, где ему очень повезло с преподавателем рисования. Им оказался известный художник-пейзажист романтического направления Винсент Камарон и Торра (Vicente Camarón y Torra, 7 апреля 1803 – 2 апреля 1864), который и пробудил любовь юного Рико к этому жанру живописи.

Martin Rico y Ortega (1833-1908)Несмотря на то, что имя художника сейчас известно лишь узкому кругу специалистов, в свое время Камарон был одним из известнейших живописцев испанского романтизма. Родился Винсент в семье придворного художника Карлоса IV — Хосе Камарона, в возрасте одиннадцати лет , 5 октября 1814 года, он поступил в Школу изящных искусств Сан-Фернандо, где впоследствии, в 1844 году, был избран почетным членом.

MartinRico_1146408_10633200После чего художник 7 декабря 1847 года был назначен художником при дворе королевы Изабеллы II. В 1849 году Камарон был назначен также преподавателем пейзажной живописи в уже Академии Сан-Фернандо, в 1854 и 1856 годах художник выдвигал свою кандидатуру на должность профессора Академии, но история умалчивает, получилось ли это у него. 2 апреля 1864 года Камарон и Торра умер в Мадриде от хронического гепатита .

MartinRico_1465957_10633639После обучения в Школе Сан-Фернандо Рико совершил путешествие по Испании, посетил Астурию (1856), Сьерра-Неваду (1857) и Сьерра-де-Гуадарраму (1858). В 1858 году Рико и Ортега успешно дебютирует на Национальной выставке изящных искусств в Мадриде, через два года (1860), подтверждая там же свою профессиональную репутацию.

В этом же году Мартин получает Римскую премию, то есть стипендию, которая MartinRico_1542096_10633722позволяет ему продолжить дальнейшее обучение за границей. Отмечу, что в Национальной выставке художник принимал ежегодное участие вплоть до 1867 года.

Рико и Ортега принадлежит к тому поколению молодых испанских художников, которые тяготели получить образование именно в «мировой Мекке искусства» — Париже. Чуть позже этот новаторский путь получения образования продолжит целая плеяда испанцев – Пабло Пикассо, Хуан Грис, Хуан Миро, Сальвадор Дали и другие.

MartinRico_1575056_10633154Мартин отправился во Францию, где, в первую очередь, познакомился с художниками Барбизонской школы, в частности Шарлем-Франсуа Добиньи (Charles-François Daubigny, 15 февраля 1817 — 19 февраля 1878). Существует легенда, что Рико пытался стать учеником Добиньи, но получил отказ уже известного художника. Поэтому испанцу пришлось практически самостоятельно изучать и писать речные пейзажи в окресностях рек Сена, Марна и Уаза. Впрочем, его поддерживали и вдохновляли его земляк, тоже ученик Федерико Мадрасо – Эдуардо Замакоис и Забала (Eduardo Zamacois y Zabala, 1841/1842 — 12 января 1871) и преподаватель Замакоиса в парижской Школе изящных искусств, MartinRico_1873402_10633146известный жанровый живописец.
Жан-Луи-Эрнест Месонье (Jean-Louis-Ernest Meissonier, 21 января 1815 — 21 февраля 1891). В этот же период Мартин познакомился и подружился со своим ровесником, одним из основателей движения импрессионистов – Камилем Писсарро (Camille Pissarro, 10 июля 1830 — 12 ноября 1903).

В начале 1860-х годов Рико и Ортега активно путешествует по всей Европе. Он посещает Бретань, затем Швейцарию, где знакомится с швейцарским пейзажистом Александром Каламом (Alexandre Calame, 28 мая 1810 — 19 марта 1864), чьи эпические альпийские пейзажи производят на Мартина впечатление.

MartinRico_4328067_10633053После Швейцарии путь художника лежит в Англию. «Английский период» свидетельствует об увлечении творчеством Дж. М. У. Тёрнера, который оказал сильное влияние на взгляды молодого испанца на пейзажную живопись в целом. В поездках Рико заполняет многочисленные альбомы рисунками и эскизами. Забегая вперед, отмечу, что искусствоведы отмечают эволюцию художника в своем творчестве от реализма к практически импрессионизму. Под влиянием картин Тёрнера, он начинает писать более смягченные пейзажи, а общение с Фортуни позже приведет к более светлой импрессионистической манере.

MartinRico_5103182_10633690В конце 1870 года, в связи с политической и социальной напряженностью , вызванной началом франко-прусской войны (1870-1871), Рико был вынужден покинуть Францию и вернуться в родную Испанию. Прожив несколько месяцев в Мадриде, художник принял приглашение своего хорошего друга и коллеги Мариано Фортуни и переехал в южную Гранаду, где Фортуни в то время жил со своей женой Сесилией и ее братом – художником Рикардо де Мадрасо (Ricardo de Madrazo, 7 февраля 1852 — 18 августа 1917).

MartinRico_5512999_10633122В 1872 году Рико и Ортега вернулся в Париж и сразу же отправился в путешествие по стране, активно работая на Ривьере и в Шартре.
В этом же году он принял предложение Фортуни составить ему компанию в поездке по Италии, поскольку сам Мариано решил из Гранады вернуться жить и работать в Рим. В 1873 году друзья путешествовали по Италии, останавливаясь в Риме, Неаполе, Флоренции, Вероне и Венеции. Последний город, как сказала бы сейчас молодежь, «просто взорвал мозг Рико»!

MartinRico_7026501_10633509Художник, открыв для себя Венецию, был просто очарован и восхищен ее красотой и сразу влюбился в венецианские бесчисленные улочки, дворцы и каналы, которые моментально захватили его художественное воображение. Рико называл Венецию «большой открытой книгой». С этой первой поездки и в течение тридцати шести лет художник сначала каждое лето, а позже переселившись в Италию на постоянное жительство, отображал на своих картинах городские виды этого всемирно известного итальянского «города Света». Венеция поспособствовала не только совершенствованию художественного стиля Рико, но и созданию многих его MartinRico_7403625_10633740известных работ.
Следует отметить, что Рико и Ортега продолжал демонстрировать свои работы на ежегодном Парижском Салоне и на выставках Национального Общества французских художников. Но настоящим годом признания и успеха стал для художника 1878 год.

В этом году вместе со старшим сыном своего учителя и старшим братом своего друга — MartinRico_8566496_10633019Раймундо де Мадрасо (Raimundo de Madrazo y Garreta, 1841-1920), Рико организовал в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже «Зал Фортуни».
Кроме того, он представил на выставке семнадцать новых своих работ, получив за них Бронзовую медаль. Кроме того, за вклад в организацию Всемирной выставки художник в том же году стал Кавалером ордена Почетного легиона.

MartinRico_8601582_10633715Одной из самых ярких работ, представленных на выставке, является панорама «Вид на Париж» (1878, музей Прадо), в которой в ярких мазках и цветовой палитре есть отголоски импрессионизма, а также почти фотографический реализм, свойственный творчеству, например, Жюля Бастьен-Лепажа, и еще смещение перспективы архитектурных элементов для эффекта живописности, которым вовсю пользовались венецианские художники восемнадцатого века при написании «ведут» (от итальянского «veduta» – увиденная, вид местности), то есть городских пейзажей, MartinRico_8925908_10633318изображённых с топографической точностью.

Одиннадцать лет спустя, на парижской Всемирной выставке 1889 года Рико и Ортега повторил свой успех, завоевав уже серебряную медаль. А еще в 1884 году заслуги художника отметила родина, в Испании он стал Командором Ордена Изабеллы Католической
Рико и Ортега и стал всемирно известным, в основном, благодаря своим многочисленным картинам, изображавшим Венецию. Надо отметить, что его венецианские виды пользовались популярностью, как в самой Италии, так и во Франции и Испании, где порой арт-дилеры просто «заламывали цену», но особенно MartinRico_9962057_10633732большой успех получило творчество испанца в США.

Недаром, большинство более поздних работ Рико и Ортеги находится в музеях и частных коллекциях за океаном. Например, коллекционер Уильям Т. Уолтерс в Балтиморе приобрел одну из картин художника в Гранаде еще в середине 1870-х годов, а в 1881 году картину Рико добавил в свою коллекцию Музей Метрополитен в Нью-Йорке. В Испании основными «поставщиками» картин художника считались мадридская галерея «Bosch» и коллекционер Рамон де Эрразу, у которого музей Прадо в Мадриде в 1904 году приобрел сразу пять картин Рико и martin-rico-pintura-espanola-del-xix-L-xONxw2Ортеги.Стоит отметить, что художник никогда не создавал очень крупных полотен, большинство его картин имеют размеры 70 х 45 см.

Последние годы жизни «испанского венецианца» были связаны также с работой в Испании.
Рико и Ортега остаток жизни провел в Венеции, работая до последнего дня. Умер художник 13 апреля 1908 года в своей мастерской в Дорсодуро в возрасте 74 лет и был user_50_el_sena_en_poissyпохоронен в Венеции на кладбище Сан-Микеле.

Наиболее известные картины Мартин Рико и Ортеги находятся, конечно, в Музее Прадо в Мадриде, представлены работы художника и в коллекциях других известных музеев: Музеях изящных искусств Бильбао и Валенсии, музее Метрополитен и Бруклинском музее в Нью-Йорке, Академии изящных искусств Пенсильвании в Филадельфии, Институтах искусств в Чикаго и Миннеаполисе, Галерее искусств Каррьер в Нью-Гемпшире и Музее Кармен Тиссен Малаге, Музее искусства Милдред -Лейн Кемпер в Сент-Луисе (штат Миссури ), Музее Уолтерса в штате Мэриленд и художественном музее в Далласе.

По материалам: Википедия, Работы художника на сайте.

zthedreamofraphaelРихтер Герхард/Gerhard Richter(Гиперреализм)

1932–….

 

Герхард Рихтер (нем. Gerhard Richter; род. 9 февраля, 1932, Дрезден) — современный художник Германии. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы.

В 2005 году он занимал 1-е место в ежегодном списке журнала «Капитал» — самые richter12дорогие и успешные мастера современной немецкой живописи.

Родился 9 декабря 1932 в Дрездене в Германии.

С 1948 по 1951 год обучался в художественной щколе в Циттау, затем в 1952 — 1956 годах в высшей школе изобразительного искусства в Дрездене.

В 1957 женился на Марианне Ауфингер, а в 1961 году эмигрировал в Западную Германию, где продолжил учебу в академии художеств в Дюссельдорфе (1961 — 1963).

richter05_smallПеребравшись в Западную Германию, Герхард Рихтер начал работать с Зигмаром Польке и Конрадом Фишер-Лойгом, манипулируя в духе поп-арта с рекламными объявлениями и дорожными знаками.

Следующие пятнадцать лет Рихтер работал на стыке живописи и фотографии.

Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 году в пустом павильоне в Дюссельдорфе, но уже в 1967 году его творчество было отмечено премией «Молодое richter06_smallдарование Запада».

В 1970-х годах Рихтер написал серию картин в духе минимализма, озаглавленных «Серое», которые представляли собой плоские и монохромные поверхности.

В 1972 году Рихтер представлял искусство Германии на Венецианской биеннале. Только одному художнику биеннале — Герхарду Рихтеру — был отдан целый павильон.

Первая персональная выставка его работ в Соединенных Штатах прошла в 1973 году.

richter04_smallВ конце 70-х и начале 80-х годов Рихтер продолжал писать абстрактные полотна, порой цветные, порой только серые, используя печатную продукцию, любительскую и профессиональную фотографию.

Главная и, по сути, единственная тема всех образов и стилистических решений, используемых Рихтером, — сама живопись.

Художник исследует ее выразительные средства, обращаясь к этой теме на всех этапах своего творчества. В этих поисках находят отражение сомнения Рихтера richter02_smallотносительно существования семантических и стилистических связей в искусстве.

В творчестве Рихтера сочетаются традиции реализма с патетикой поп-арта, с поздними феноменами неформальной живописи, с модными течениями абстрактного экспрессионизма и фотореализма.

Эти сочетания противоположностей и породили в художнике скепсис по отношению ко всему достоверно известному, раз и навсегда установленному в искусстве.

richter03_smallРихтер понимает живопись как активное действие, поиск реальности сегодняшнего дня.

В 1981 году Герхард Рихтер стал лауреатом премии имени Арнольда Боде, а в 1985 – премии Оскара Кокошки.

С этого момента работы художника можно встретить во всех крупнейших выставочных залах мира.

Знаком особого признания стала ретроспектива «Творчество за сорок лет», richter13прошедшая в 2002 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

На выставке было представлено 188 экспонатов – по масштабам этого музея беспрецедентное число работ для экспозиции ныне живущего художника.

Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы.Всю его долгую и успешную творческую жизнь Рихтера главным образом интересовала идея репрезентации в эпоху доминирования новостной фотографии, и то, как ввести richter09фотографию в границы живописной традиции, все более подчиняющейся требованиям собственных ресурсов.

Необходимо увидеть снова содержание в форме, а не форму как нечто, вмещающее содержание.

«У содержания нет формы, — говорил Рихтер. — Оно само — форма».

Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы.

richter10В списке самых дорогих мастеров современной живописи 2005 года, опубликованном журналом «Кэпитал», он был первым.

По материалпм:Wikipedia, Сайт художника, Энциклопедия “Ведущие мастера современной живописи”

566Риччи Себастьяно/Ricci Sebastiano(Рококо)

1659–1734

 

Себастьяно Риччи (итал. Sebastiano Ricci, 1 августа 1659, Беллуно — 15 мая 1734, Венеция) — итальянский художник, представитель венецианской школы живописи.

Сын Адреаны и Ливио Риччи родился в Беллуно, крещён 1 августа 1659 года. С 1671 ricci_02_smallгода учился в Венеции у малоизвестных художников.

По одним данным его учителем был Себастьяно Маццони, по другим — Федерико Червелли (последователь Луки Джордано).

В 1678 году, обвинённый в попытке отравления женщины, забеременевшей от него, Риччи был заключён в тюрьму.

Выпущен на свободу по ходатайству одного из членов семьи Пизани. Позднее он женился на матери своего ребёнка.

ricci_03_smallПосле освобождения Риччи уехал в Болонью и своё образование продолжил под руководством Джан Джузеппе дель Соле, художника декоративного направления, находившегося под влиянием манеры Веронезе.

Изучая достижения болонской и венецианской школ, Риччи создал свой неповторимый стиль, для которого были характерны яркая цветовая гамма, светлый колорит, декоративность композиции.
Его заказчиком стал герцог Пармы Рануччо II Фарнезе. В 1686 году Риччи выполнил ricci_04_smallпо его поручению «Оплакивание Христа» для церкви Нуово Капуцино.

В 1687 — 1688 годах он создал серию полотен со сценами из жизни римского папы Павла III для дворца герцогини Фарнезе в Пьяченце.
Турин. Рим. Возвращение в Венецию:
В 1688 году Риччи, оставив жену и дочь в Болонье, бежал в Турин с дочерью художника Джованни Франческо Перуццини Магдаленой.

ricci_05_smallРиччи был снова заключён в тюрьму, ему грозила смертная казнь, но благодаря герцогу Рануччо он избежал наказания. Тот нанял Риччи в качестве придворного художника и поселил во дворце Фарнезе в Риме.

Художник по заказу герцога копировал (1692—1694) ватиканскую фреску Рафаэля «Коронация Карла Великого» для короля Людовика XIV. Смерть герцога Рануччо в декабре 1694 года вынудила художника покинуть Рим, он переехал в Милан.

ricci_06_smallЗдесь до ноября 1695 года работал над росписью часовни церкви Сан-Бернардино деи Морти. В Милане Риччи познакомился с живописью Алессандро Маньяско.

Трагическое содержание работ Маньяско не затронуло приверженца светлых и жизнерадостных композиций, трактовавшего библейские сюжеты в светском ключе, но Риччи перенял у него экспрессивную манеру исполнения, характерный энергичный мазок.

В 1698 году Риччи возвращается в Венецию и время от времени покидает пределы 250px-Phineasреспублики, чтобы исполнить очередной престижный заказ.

Этот период отмечен серьёзным увлечением Риччи творчеством Веронезе.

Некоторые его произведения, созданные в то время, напоминают грандиозные многофигурные композиции и сияющую живопись одного из главных художников Венеции второй половины XVI века.
1706—1707. Флорентийские фрески:
250px-The_Miraculous_Draught_of_Fishes_Sebastiano_RicciВ 1706—1707 годах во Флоренции Риччи выполнил две важнейшие работы: некоторыми исследователями творчества художника они считаются вершиной его карьеры.

Риччи создал большую серию фресок на мифологические сюжеты и аллегории в Палаццо Маручелли-Фенци и работал вместе с художником Джузеппе Тонелли над украшением комнат Палаццо Питти («Венера и Адонис»).

ricci_23_smallФрески в Палаццо Питти по сравнению с предыдущими работами Риччи отличаются более ярким цветом и светоносностью. Эти работы принесли Риччи европейскую славу.
Лондон. Париж:
В 1712 году Себастьяно Риччи вместе с племянником и учеником Марко приезжает в Лондон. Вдвоём они создали серию из восьми полотен на мифологические сюжеты для лорда Берлингтона.

ricci_25_smallПо заказу графа Портленда Риччи расписал Часовню герцога Чендоса во дворце Кэннонс (эта работа не сохранилась). Пробыв в Англии четыре года, Риччи переезжает в Париж.

18 мая 1718 года за работу «Триумф Мудрости над Невежеством» Себастьяно Риччи был принят в Королевскую Академию живописи и скульптуры.

В поздние годы творчества колорит Риччи несколько утрачивает свое разнообразие, ricci_28_smallкомпозиционное решение становится более логически выверенным, но сцены не утрачивают очарования волшебной сказочности («Царь Соломон, поклоняющийся идолам», 1724, Турин, Галерея Сабауда).

Роль Риччи была значительной и в создании камерного портрета 18 века, который получил развитие в Венеции раньше, чем в других областях Италии в 18 столетии.

ricci_30_smallРиччи одним из первых после путешествия в Англию стал изображать модели в античных одеяниях на фоне английских пейзажных парков («Портрет неизвестной», частное собрание), писать портреты в духе английских «сцен собеседования» (conversation pieces), изображая портретируемых в интерьере или в парках («Английские кавалеры у клавесина», 1730-е годы, частное собрание).

В его портретах нашел выражение культ естественной природы, палладианские zthedreamofraphaelувлечения и тот дух театрализации образа, который будет присущ европейскому портрету века Просвещения («Певец Фаринелли», Лондон, Королевский Музыкальный колледж).

Риччи одним из первых мастеров Италии познакомил Европу в 18 столетии с высокой живописной культурой Венето, стал провозвестником новых поисков в итальянском искусстве 18 века.

Творчество Риччи, самого раннего художника рококо, повлияло на развитие целой плеяды венецианских мастеров нового поколения: Франческо Палаццо, Гаспаро ricci_24_smallДициани, Франческо Мильори, Гаэтано Цомпини, Франческо Фонтебассо.

Увлечён был произведениями Риччи и самый гибкий и разносторонний из венецианских художников — Тьеполо.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика., Работы художника в музеях мира.  Работы художника на сайте

zthedreamofraphael Робер Юбер/Robert Hubert(Классицизм, пейзаж)

1733—1808

 

Юбер Робер (фр. Hubert Robert, 22 мая 1733, Париж — 15 апреля 1808, там же) — французский пейзажист, получивший европейскую известность габаритными холстами с романтизированными изображениями античных руин в окружении

robert_01_smallидеализированной природы.

Его прозвищем было «Робер развалин» (Robert des Ruines).

Юбер Робер родился 22 мая 1733 года в столице Франции.

Учился и работал в Париже.В 1745—1751 учился у иезуитов в парижском Коллеж-де-Франс, в 1754 отправился в Рим вместе с послом Франции Этьеном Франсуа Шуазелем (у его отца служил отец Робера).

Провел там 11 лет, познакомился с Пиранези, оказавшим на него большое влияние, с robert_02_smallФрагонаром, другими художниками, коллекционерами искусства.

В 1760 ездил с Фрагонаром в Неаполь, посещал развалины Помпей.

В 1765 вернулся в Париж, в 1766 был принят в Королевскую Академию живописи и скульптуры.

Стал планировщиком королевских садов, хранителем королевского музея, канцлером robert_03_smallАкадемии и др., занимался убранством резиденций короля, королевы и высших придворных (Ферму Королевы в Версале, дворцы в Меревиле, Эрменонвиле).

В 1775 году Робер принимал участие в реконструкции парка в Версале, с 1784 года назначен хранителем Лувра.

Робер писал преимущественно античные руины, виды парков, в которых трактованный в духе эстетики классицизма идеал природы органично сочетается с руссоистскими идеями «естественного человека» («Храм Юпитера в Риме», Лувр, 131097~1Париж; «Пейзаж с обелиском», 1775, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

В то же время богатство фантазии, тонкость живописной манеры и передачи эффектов воздушной перспективы, изящные жанровые сценки, иногда размещаемые Робером на фоне величественной архитектуры («Терраса в Марли», около 1783, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), вносят в произведения французского художника элементы рококо.

robert_04_smallБольшим разочарованием для философа Дени Дидро стал живописец Юбер Робер, объявленный им в 1767 году новой надеждой французского искусства.

По мнению Дидро, при всей одаренности, художник Юбер Робер имел еще и чрезвычайно развитый эстетический вкус, позволявший ему в изображениях античных развалин воссоздавать сам дух места, царивший в нем некогда ритм жизни и мироощущение далекой эпохи.

Эта способность мастера делает его «Пон-дю-Гар» (Мост через Гap) незабываемым hubert-robert-parklandschaft-1773-224333шедевром.

Однако Дидро предъявлял обычные претензии: картине не хватает законченности. В обзоре Салона 1781 года он укорял художника: «Послушайте, Робер, Вы делаете наброски уже много лет, не пора ли написать законченную картину?». «Картиной», которую Робер закончил, стал сам Лувр.

В 1784 году по рекомендации графа д’Анживийе, директора королевских зданий и фактического руководителя музея, Юбер Робер был назначен ответственным за Robert_Hubert-ZZZ-Pool_Surrounded_by_a_Colonnade_(Villa_Giulia_)реорганизацию последнего.

Он обладал способностью видеть весь круг практических проблем и наглядно показать возможные решения с помощью живописи.

Робер изобразил и альтернативу — огромную галерею, превратившуюся в руины, — если ничего не будет предпринято.

1013065В ходе Французской революции был в октябре 1793 арестован по подозрению в нелояльности, заключен в тюрьму Сент-Пелажи, затем в тюрьму Сен-Лазар. Освобожден в 1794 после падения Робеспьера.

Его холсты привлекают не только красотой, но и вниманием к основной на то время двойной задаче — устройству верхнего освещения и ритмично выдержанного архитектурного пространства по всей длине Большой галереи.

22755183_Hubert_Robert_La_Bi_232vre_1768gОн представил свет, струящийся с потолка, и огромную экспозицию почти такими, какими мы их видим сейчас.

Шедевры, ставшие объектом и поводом для написания этой картины, рождали мысль о высоком предназначении самого здания и заставляли думать о его возможностях как будущего музея, полностью осуществленных только в XX веке.

Скончался Юбер Робер в Париже 15 апреля 1808 года от апоплексического удара.

b55453ea4374fafae6abd7Каприччо Робера высоко ценились современниками, о нем писал в поэме «Воображение» (1806) Жак Делиль, Вольтер избрал его для украшения своего замка в Фернее.

Его картины представлены в Лувре, музее Карнавале, петербургском Эрмитаже и других дворцах и усадьбах России, во многих крупных музеях Европы, США, Канады, Австралии.

О живописном мире художника снят документальный фильм Александра Сокурова 3051«Робер. Счастливая жизнь» (1996).

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на сайте,  Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.,  Работы художника в музеях мира.
Catalogue des Collections des Musées de France, List of the work of Robert (315 entries), French.

zthedreamofraphaelРоза Сальватор/Rosa Salvatorе(Барокко)

1615-1673

 

Сальватор Роза (Salvator Rosa) — итальянский живописец, гравер, поэт и музыкант.Родился в Ренелле, неподалеку от Неаполя, 20 июня 1615, в семье землемера.

Был воспитан в монастыре и готовился принять духовный сан, но вскоре почувствовал 62019079f614непреодолимое влечение к искусству и стал учиться сначала музыке, а потом живописи.

Изучение латыни, Священного Писания, итальянской литературы, античной истории в коллежде иезуитов помогло Сальваторе Роза в будущем, когда он стал живописцем.
Наставниками его в живописи были сперва его шурин, Фр. Франканцоне, ученик X. Риберы, затем сам Рибера.

salvator_rosa_05Был знаком с известным неаполитанским баталистом А. Фальконе, одним из ранних мастеров этого жанра.

Кроме этих художников, развитию таланта Р. в значительной степени способствовало писание им этюдов с натуры без чьей-либо помощи. Восемнадцати лет от роду он пустился странствовать по Апулии и Калабрии, попал в руки тамошних разбойников и прожил некоторое время среди них, изучая их типы и нравы, после чего работал в Неаполе.

luxfon_com-15601Творчество этого талантливого живописца связано с традициями неаполитанской школы. Имя Сальваторе Роза окружено легендами, так как он отличался бунтарским нравом, смелостью, большим живописным темпераментом.

Он был не только живописцем и гравером, но и поэтом, музыкантом, актером и во всем проявилась страстность его натуры.

Живописный талант художника реализовался в пейзаже, портрете, батальных сценах, 27E0023aполотнах исторического жанра.

Работал в Неаполе (до 1635), Риме и во Флоренции (1640-1648) в качестве придворного художника Джованни Карло Медичи, будущего кардинала.

Выразитель предромантических тенденций в живописи итальянского барокко, Роза в картинах на библейские и мифологические темы (“Блудный сын”, Государственный 1391483984Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Сновидение Энея”, Метрополитен-музей), графике (офорт “Игра тритонов”), сценах кавалерийских схваток (“Боевая схватка”, рисунок пером, Музей изобразительных искусств, Лейпциг), “бурных” пейзажах с видами диких, порой фантастических местностей (“Лесной пейзаж с тремя философами”, Картинная галерея, Дрезден; “Пейзаж с мостом”, Галерея Питти, Флоренция) воспевает бегство человека на лоно природы, противостоит общепринятым нормам академического искусства 17 века.

d9164a963c35Экспрессивно-сумрачная атмосфера произведений Розы создается с помощью резких светотеневых контрастов, свободной манеры письма, мрачного, буровато-свинцового колорита.

В 1634 г. переехал в Рим, где не замедлил приобрести себе известность изображениями характеристичных, полных жизни сцен из быта пастухов, солдат и бандитов, но, благодаря своим сатирам и в особенности двум картинам: «Скоротечность человеческой жизни» и «Богиня счастья, расточающая свои дары недостойным», до такой степени восстановил против себя римское общество, что должен был удалиться в Неаполь.

1318803169_yavlenie-teni-proroka-samuila-caryu-saulu-saul-u-aendorskoy-volshebnicy_-1668-www_nevsepic_com_uaКогда там вспыхнула революция Мазаниелло, он участвовал в ней.
В 1649 Сальваторе Роза переезжает в Рим, стремясь освободиться от придворной службы. Он отказывается от предложений работать при дворах Австрии, Швеции и Франции.

Остроумными сатирами художник раздражает тех, от кого зависят богатые заказы. Его полотно “Фортуна” (Лондон, Галерея Мальборо) с изображением животных, в образах которых влиятельные лица узнали себя, чуть не навлекло гнев на художника самого папы.

posterlux-rosa_salvator-jason_charming_the_dragonКруг недоброжелателей Сальваторе Роза увеличился, о чем вполне свидетельствует сатирическая картина художника “Зависть”.

После ссоры с маститым Лоренцо Бернини и другими известными живописцами художника, несмотря на приобретенную известность, отказались принять в Римскую Академию святого Луки. В связи с этим Сальваторе Роза основал “Академию ушибленных” (Academia degli percossi).

Ее членами и частыми гостями Розы стали известные художники, поэты, музыканты, ученые. Среди них были математик Торричелли, композитор Чести, филологи Карло posterlux-rosa_salvator-human_fragilityДати и Валерио Киментелли.

С 1650 по 1660 гг. работал во Флоренции, при дворе великого герцога Дж.-К. Медичи, по временам посещая Рим.

В 1660-е годы Роза копировал в гравюре свои живописные произведения, иногда создавая самостоятельные исторические и аллегорические композиции (аллегория “Гений Сальватора Розы”).

Еще в 1656 художник увлекся техникой офорта и исполнил серию “Каприччи”.

rosa8Как и в его живописных полотнах, ее герои — бродяги, солдаты, бандиты, пастухи. Они изображены то в реальных ситуациях, то в театрализованных позах и выглядят то жизненно конкретными персонажами, то актерами из костюмированных сцен.

В них особенно наглядно просматриваются присущие Розе фантазия и умение образно синтезировать все поразившее его воображение в действительности.

Умер Сальваторе Роза 15 марта 1673 года в Риме от водянки. Перед смертью posterlux-rosa_salvator-self_portrait_1художник обвенчался со своей любовницей Лукрецией, вместе с которой он прожил многие годы и вырастил двоих сыновей.

Крупный мастер итальянского барокко Сальватор Роза оказал значительное влияние на развитие итальянской живописи. Под воздействием его искусства формировался талант Маньяско, Риччи и ряда других мастеров.

Искусство Сальваторе Роза вдохновляло и живописцев романтической эпохи.
Творчество:
Lucreziaperhaps_as_PoetryHartfordc1640_440_557Принадлежа по направлению дарования к натуралистам неаполитанской школы живописи, имея некоторое сродство со своими учителями, Риберой и Фальконе, Роза тем не менее выказал, при большом разнообразии в выборе сюжетов, много оригинальности в их трактовке.

В картинах на исторические темы он умел соединять реалистичность изображения с благородством оживленной композиции и с сильным выражением идеи. Лучшей из таких картин считается «Заговор Катилины» (в галерее дворца Питти, во Флоренции).

201895В числе прочих произведений Розы в этом роде достойны внимания особенно: «Ангел и Товия» и «Явление Саулу тени Самуила» (в Луврском музее, в Париже), «Иона в Ниневии» и «Кадм и Минерва» (в копенгагенской галерее), «Распятие» (в Брауншвейгском музее), «Прометей» (в Гаагской галерее), «Блудный сын», «Улисс и Навзикая» и «Демокрит и Протагор» (в Императорском Эрмитаже) и некоторые другие.

Портреты работы Розы очень характерны и экспрессивны, что заставляет предполагать об их сходстве с позировавшими перед ним лицами.

scylla1-4530В тех ландшафтах, которые выходили из-под его кисти во время пребывания его во Флоренции, как, например, в большом приморском виде, находящемся в галерее Колонна, в Риме, знатоки живописи усматривают влияние Клода Лоррена. В других картинах подобного рода заметна некоторая деланность и вялость.

Зато Роза является превосходным, совершенно самобытным мастером, проникнутым поэзией, когда изображает суровые горы, дикие ущелья, глухие лесные чащи, особенно тогда, когда пишет на полотнах небольшой величины.

170px-Self-portrait_of_Salvator_Rosa_mg_0154Есть немало его картин, в которых пейзаж играет второстепенную роль, а главное содержание составляют человеческие фигуры — по большей части фигуры солдат и разбойников. Такие картины можно видеть в Императорском Эрмитаже («Солдаты, играющие в кости»), в венской, мюнхенской, гаагской и др. галереях.

Наконец, Роза прекрасно писал очень сложные картины сражений, замечательный образец которых имеется в Луврском музее, в Париже.

Относительно колорита Р. должно сказать, что он вообще не отличается большим блеском, но чрезвычайно приятен по своей теплоте и по выдержанности светотени.

5908-portrait-of-a-man-salvator-rosaВ последние годы своей жизни Роза усердно занимался гравированием.

Всего им исполнено 86 офортов собственной композиции, из которых многие могут быть причислены к лучшим созданиям художника и в хороших оттисках очень ценятся любителями эстампов, таковы, например, «Св. Вильгельм пустынник», «Платон и его ученики», «Воин, сидящий на холме» и другие

По материалам: Wikipedia,  Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на сайте, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Notes on etchings titled The genius of Salvator Rosa, Artcyclopedia entry on Salvator Rosa online.

Розен Карл Иоганович

1864 — 1934

000002Российский и латвийский художник Карл Иоганович Розен родился 28 января 1864 года в Елгаве. По окончании местного реального училища уехал в Пeтepбург, где продолжил обучение в Императорской Академии художеств у Ф.Бурова, И.Шишкина и Ю.Клевера по классу пейзажной живописи. Выставки с участием художника проходили в залах Академии в 1906, 1908, 1912 и 1914 годах.

В 1918 году К.Розен вернулся в Латвию, где продолжал активно работать. Так родились «Сумерки на озере Бабитее», «Глыбы Даугавы», «Юрмала летом», «Ночной 1350245663-0034357-www_nevsepic_com_uaвид Кулдыги», «Вид на реку Огре» и т.д. Здесь же, в Латвии, продолжилась давняя дружба Карла с Юлием Клевером, который в начале XX века жил и работал в Риге, где имел собственный салон — мастерскую.

Персональная выставка Розена прошла в 1927 году в рижском Клубе офицеров, в сохранившемся каталоге — 104 работы, одна из которых — «Водяная мельница» — написана Карлом в память о своем поместье в России. По окончании выставки 1350245665-0032391-www_nevsepic_com_uaхудожник подарил Военному музею картину «Пулеметная гора» (1926 г., I 18×178 см, х., м), посвященную героизму латышских стрелков в годы Первой мировой войны. Сегодня полотно хранится в Государственном историческом музее Латвии.

После выставки работы художника продолжали успешно продаваться и, судя по сохранившимся этикеткам — ценникам, стоили довольно дорого. Например, картина «Дуб в лесу В Даксте» (114×114 см., х., м) была продана за 1400 лат. (Для сравнения: 1350245667-0039058-www_nevsepic_com_uaК.Розен платил 30 лат в месяц за квартиру из четырех комнат и кухни.)

Последние три года жизни Карл Розен работал очень мало, так как был неизлечимо болен. Он умер 18 марта 1934 года в родной Елгаве. Жена, сын и дочь покойного сообщили об этом в газете, пригласив всех желающих проститься с художником.

Из некролога в газете «Latvis»: «Имя умершего художника Розена упоминалось мало и знакомо далеко не всем. В кругу латышских художников были такие, кто принципиально не замечал работ своего коллеги. Покойный Розен был типичным 000015представителем старой школы пейзажной живописи. Его учителем в Петербургской Академии художеств был знаменитый И.Шишкин. Агрессивное высокомерие и «хлебная вражда» со стороны художников других направлений заставляли страдать миролюбивое и честное сердце Розена. Он жил только ради искусства, отвергая любые сомнительные сделки, далекие от его творчества. Художник содержал семью исключительно на доходы от продажи своих картин. Надеемся, что известие об этом достойном латышском художнике, работавшем на 000017поприще искусства 49 лет, дойдет до главных персон Пенсионного совета в надежде назначить вдове и двум малолетним детям соответствующую пенсию».

Посмертная выставка К.Розена, устроенная вдовой художника, прошла в Елгаве в 1937 году. Экспозиция состояли из 62 работ. Пресса отметила это событие трогательной рецензией, особенно выделив такие полотна, как «Глубокий снег», «Сосна па закате солнца», «Зимний пейзаж с полками», «У озера ранним 1353721450-0489929-www_nevsepic_com_uaутром», «Вид на кладбище в Баложах».

Летом 2003 года рижская галерея «Aiitonija» провела выставку «Романтическая эпоха в живописи балтийских художников XIX—XX вв.», где было представлено несколько пейзажей Карла Розена, отмеченных вниманием благодарных зрителей.

Оценивая сегодня живопись Карла Розена, необходимо учитывать, что его творчество, как и всякое художественное явление, обусловлено особенностями своего времени. Нельзя переносить на произведения художника требования и вкусы последующих 000008эпох. Большая часть картин еще при жизни автора нашла своих ценителей в Дании, Швеции, Англии, Голландии, Франции, на родине — в Латвии, а также в России. Его лирические пейзажи, в которых воплотились пронзительное чувство родины и щемящая душу одухотворенность природы, украшали кабинеты иностранных резиденций и стены респектабельных домов.

3380712_faf5fe8aРойо Луис/Royo Luis(Фэнтези Арт)

1954–….)

 

Луис Ройо (исп. Luis Royo) — испанский художник,рисовальщик и иллюстратор, работающий в жанре фантастики.

Автор обложек фантастических книг, музыкальных альбомов, комиксов. Лауреат премии «Странник» 2002 года.
luis_royo_prohibited018Ройо родился в городе Оллала, Испания в 1954 году.

Окончил школу технического дизайна в г. Сарагоса по специальности дизайнер интерьеров и Школу прикладного искусства.

Параллельно занялся живописью.

С 1972 по 1976 год Луис Ройо участвовал в нескольких общественных художественных выставках.

2150565_b2088831В 1977 начал создавать картины большого формата с использованием различной техники живописи и коллажа.

С 1978 года Луис Ройо начал публиковать собственные комиксы в различных журналах фантастической направленности и в 1980 году его работы были выставлены в Ангулеме.

В 1981 году Луис начал работать в Heavy Metal Magazine, рисуя комиксы. С 1983 работает как иллюстратор для книжных и журнальных обложек, переезжая по Европе и Америке.

untitledВ 1983 году Ройо начинает сотрудничать с испанским издательством “Norma Editorial”. В последующие годы работы Ройо публикуются не только в Испании, но во всем мире. Он работает иллюстратором с издательствами “Tor Books”, “Berkley Books”, “Avon”, “Warner Books”, “Bantam Books” в США, Англии, Швеции и других странах. Кроме того, он оформляет обложки для известнейших американских и европейских журналов.

С 1990 года Луис Ройо все больше времени уделяет своему творчеству, создавая картины как свободный художник, и практически не выполняет коммерческих 340250заказов.

При создании своих произведений Ройо использует техники фотографического коллажа с дальнейшей трансформацией картины в живописное полотно.

В 1992 году в Испании выходит первый сборник работ Ройо — “Women”(Женщины), который получает широкую известность и переиздается в Германии и Франции.

В 1994 году “Norma Editorial” выпустила новый альбом “Malefic” (Вредный), который 257885-blackangelповторно был выпущен во Франции, Италии и других странах.

В 1996 году сотрудничает с журналом “Пентхаус”, в котором о творчесте Ройо была опубликована обширная статья.

Другая статья, посвященная его иллюстрациям появилась в еженедельном итальянском журнале “Стампа”.

Выходит новый альбом “Secrets” (Тайны) и Луису Ройо присуждается награда 6ассоциации Silver Award Spectrum как лучшему иллюстратору в искусстве фэнтези 1996 года.

Совместно с журналом “Хэви Метал” издательство “Norma Editorial” выпустило его портфолио.
В 1997 году “Хэви Метал” (Heavy Metal), журнал, который регулярно публиковал его работы на обложках и календарях, посвятил свою галерею ему и заказал ему обложку для 20-й годовщины выпуска журнала, также как и серию иллюстраций.

8В 1998 году Ройо выпустил в свет еще один альбом “Millennium” (Тысячелетие), в котором художник отразил свое видение конца тысячелетия.

В 1999 году опубликован его новый альбом “Dreams” (Грезы), в который вошли все коммерческие иллюстрации, созданные художником за последние 10 лет.

Позже в этом же году вышел новый альбом “Prohibited Book” (Запретная Книга). Это fantasy111художественное издание создано в ином ключе, работы Ройо стали более откровенны и эротичны.

Наиболее известными работами Ройо стали изображения обнаженных женщин в фантастических антуражах, иногда с оружием.

Этот стиль роднит его с Борисом Вальехо и Фрэнком Фразеттой. Собственное творчество Ройо оказало влияние на ряд современных художников, среди которых 337можно назвать Викторию Франсес.

Луис выступил художником-аниматором мультфильма Тяжёлый Металл, а также оформителем обложки компьютерной игры Heavy metal f.a.k.k.

По материалам:Wikipedia, Иллюстрированная энциклопедия современной западной живописи, Официальный персональный сайт художника, Работы художника на сайте. Галерея рисунков из последних альбомов Луиса Ройо

1unkmansРокотов Федор

1735–1808

Дата рождения известного русского художника XVIII века Федора Степановича Рокотова точно не установлена. Однако исследователи в исповедных книгах московской церкви Великомученика Никиты на Старой Басманной, в приходе которой живописец имел в 1780-х годах собственный дом, обнаружили, что в 1787 году Рокотову был 51 год. Из этого можно заключить, что приблизительной датой его рождения можно считать 1735 или 1736 год.

____20111025_1535739649Родился Федор в подмосковном имении князя П.И. Репнина Воронцово, крепостными которого были родители художника. Предположительно Рокотов был освобожден от крепостной зависимости еще в раннем возрасте. Подтверждением этому может служить быстрая карьера его в Петербургской Академии художеств и его подпись под «Правилами Московского английского клуба», членами которого могли быть только дворяне.

Во второй половине 1750-х годов Рокотов находился уже в Петербурге. Ему покровительствовал влиятельный И.И. Шувалов — куратор только что созданной Академии художеств. Именно он знакомит художника с выдающимся русским поэтом 381204_248965228490544_100001312075918_595047_753812672_nи ученым М.В. Ломоносовым и с известным гравером Е.П. Чемесовым. Как раз с Ломоносовым и Чемесовым связаны первые художественные работы Рокотова.

15 марта 1757 года был написан «Портрет молодого человека в гвардейском мундире». Сначала предполагалось, что эта работа является автопортретом. Однако позднее, когда былоустановлено, что Рокотов никогда в гвардии не служил, произведение получило нынешнее название. В 1758 году Рокотов пишет картину «Кабинет И.И. Шувалова» — дань популярному в XVII — XVIII веках жанру интерьерной живописи. При отсутствии людей мир вещей характеризует хозяев, и интерьер словно оживает.

76Интересны «Портрет великого князя Петра Федоровича» (1758) и «Портрет М.Е. Шуваловой» (1759), в которых значительно проявляется влияние Антропова. Но уже к 1760-м годам Рокотов вполне самостоятелен. Кто был учителем Рокотова до его поступления в 1760 году в Петербургскую Академию художеств и кто из академических педагогов занимался с ним, неизвестно. Следует отметить несколько работ художника этого периода. К началу 1760-х годов относится «Портрет Е.Б. Юсуповой». В 1761 году Рокотов специально ездил в Петергоф писать «Портрет великого князя Павла Петровича» (Павлу тогда было всего семь лет); в 1762 году выполнен «Портрет Петра III».

1334834441_d3b1693baf8775f546e313e16f1_prev28 июня 1762 года на престол вступила Екатерина II. И 16 октября Рокотов выехал в Москву на коронационные торжества, где написал парадный профильный портрет императрицы, служивший своеобразным эталоном, с которого выполнялись копии. Близок к «Портрету Екатерины II» по манере письма и парадный портрет ее фаворита графа Г.Г. Орлова (1762). В эти же годы Рокотов создал и два интересных интимных портрета: «Портрет И.Г. Орлова» известен в двух вариантах: в первом случае И.Г. Орлов изображен Рокотовым тихим и незаметным, во втором — хитрым, умным и энергичным человеком. Выразителен портрет известного государственного деятеля и писателя И.Л. Голенищева-Кутузова, дяди знаменитого полководца. К первой половине 60-х годов относится и «Портрет А.С. Тулиновой», один из немногих женских интимных портретов.

iCAG6E7TPВ 1765 году Рокотов, получив звание академика, покидает Петербург. Он возвращается в Москву теперь уже навсегда. В том же году был создан «Портрет В.И. Майкова». Это произведение — одно из самых ярких в искусстве XVIII века. В Москве Рокотов попадает в иную, по сравнению с Петербургом, атмосферу художественной жизни, более раскованную, сильно отличающуюся от петербургской официозности и казенности. В университете преподавали ученики М.В. Ломоносова — Н.Н. Поповский и А.А. Барсов. В 1760-е годы директором университета, а с 1778 года его куратором становится выдающийся русский поэт XVIII века М.М. Херасков. В 1769 году в Москву переезжает и Сумароков, а с конца 1770-х годов — Н.М. Новиков. В Москве у Рокотова появляется iCAPRRRS5новый круг знакомств. По-видимому, часто бывал он в московском доме Струйских; до смерти Н.Е. Струйского (1796), поэта, коллекционера произведений искусств, архитектора, книгоиздателя, Рокотов оставался его другом и любимым художником. «Портрет Н.Е. Струйского» (1772) пострадал от времени, но, как ни странно, он от этого выиграл в своей выразительности: мерцающие краски, размытые контуры лица, горящие глаза — все это сделало образ Струйского экзальтированным и несколько таинственным.

К 1768 году художник выполнил серию портретов опекунов Московского воспитательного дома, среди его моделей — И.Н. Тютчев, С.В. Гагарин, П.И. Вырубов. iCA32C52AУже этих работах проявляется стремление Рокотова к простоте даже в решении парадного портрета. Следующий период творчества художника связан с работой исключительно над интимным портретом. В это время складывается узнаваемая, «рокотовская», манера живописи. Среди его работ преобладают овальные портреты, причем форма холста подчеркивает общий ритмический строй произведения. То удаляя, то приближая фигуру, Рокотов дает ее в легком повороте, как правило, погрудно. Даже незначительные, сдержанные движения модели связаны с состоянием человека. В рокотовской характеристике образа очень важны выразительность глаз и мимика, причем художник не стремится к конкретной передаче настроения, скорее, он хочет создать ощущение неуловимости, мимолетности чувств человека.

attachК началу 1770-х годов относится портрет «Неизвестная в розовом», к их середине — «Портрет И.И. Воронцова». Из портретов молодых людей, написанных Рокотовым в конце 1760-х — начале 1770-х годов, особо выделяются два: «Портрет неизвестного в треуголке» и «Портрет А.М. Римского-Корсакова».

В 1777 году Рокотов пишет портрет выдающегося русского поэта XVIII века А.П. Сумарокова. Портрет не лишен черт парадности. Но Сумароков-сановник в рокотовском портрете соседствует с Сумароковым-поэтом, Сумароковым-человеком. Несмотря на парадность, портрет отличается и индивидуализацией образа, и сложным психологизмом.

iCABS1VSBОвальный «Портрет Екатерины II» (1779) значительно отличается от более раннего профильного. Если прежде Рокотов идеализировал внешность, избегая всякой психологической характеристики, то теперь он передал ранее никем не изображаемые недостатки: двойной подбородок и мясистый нос, а также надменность, холодность, лукавство, самодовольство.

В пору своего творческого расцвета живописец создает галерею прекрасных женских образов: А.П. Струйской (1772), В.Е. Новосильцевой (1780), Е.В. Санти (1785), В.Н. Суровцевой (1780). Каждый из них глубоко индивидуален и по-своему прекрасен.

В 1780-е годы Рокотовым было создано одно очень интересное произведение — это K0851_~2«Обнаженная девочка». Картина эта не имеет аналогий в творчестве Рокотова — изображена обнаженная девочка, сидящая на холме на фоне холодного пейзажа.

К старости зрение художника ослабело, и ему приходилось «близко придвигать свои глаза к полотну». Отсюда и четко вырисованные детали на некоторых поздних рокотовских работах, и изменения в рисунке и цвете. Характерен в этом смысле «Портрет А.М. Писаревой» (1790-е годы). К этому времени относятся изображения супругов Бутурлиных, «Портрет П.А. Воронцовой» (около 1793 года).

Одна из последних работ Рокотова — «Портрет Н.П. Голицыной» . Время написания его в точности неизвестно. Предположительно, судя по возрасту изображенной (а она portrait-of-an-unknown-lady-in-a-white-cap-s-0030родилась в 1741 году), портрет можно датировать концом XVIII — началом XIX века. «Портрет Н.П. Голицыной» находился в усадьбе Ольгово под Москвой, и долгое время исследователи не знали о его существовании. Но когда портрет был найден, пришлось срочно обратиться к реставраторам. И реставраторы спасли его — очистили и укрепили живопись. Наталья Петровна Голицына послужила Пушкину прототипом для образа той самой роковой старухи в «Пиковой даме», у которой Герман пытался выведать секрет трех карт. С портрета Рокотова на нас смотрит угрюмое, но умное лицо старухи.

В последние годы жизни Рокотов не работал . Он почти ослеп и одиноко доживал свой 5380261_9b0150aaвек в собственном доме на Воронцовской улице в Москве. Самыми близкими его родственниками и наследниками явились племянники. К сожалению, о последнем десятилетии его жизни ничего неизвестно.

Умер Рокотов 12 декабря 1808 года.

В кладбищенской книге Новоспасского монастыря записано: «Декабря 15 дня погребено тело на кладбище к башне академика Федора Рокотова».

zthedreamofraphaelРоманино Джироламо/Romanino Girolamo(Маньеризм)

1485-1566

 

Джироламо Романиноо (итал. Girolamo Romanino, известный также под именем Джироламо Брешиано) — итальянский живописец.

Родился в Брешии, около 1485 года.

romanino01_smallУченик Стефано Рицци или, возможно, Флориано Ферраморы. В дальнейшем сложился как художник под влиянием венецианских мастеров эпохи Возрождения.

Джироламо Романино работал преимущественно в Брешии и окрестностях этого города, а также некоторое время в Падуе (1513), Кремоне (после 1517, в Тренто (1531-1532, вместе с Доссо Досси) и в Триесте (1540).

Открытие творчества Романино произошло лишь недавно.Одной из ранних работ romanino02_smallхудожника является «Оплакивание Христа» (1510, Венеция, гал. Академии), написанное для ц. Сан-Лоренцо.

Это произведение отмечено сложным стилистическим синтезом, в котором венецианские (Тициан, Джорджоне) и ломбардские элементы (Фоппа, Боккаччино) сочетаются с особенностями падуанской культуры.

В результате художник создал очень своеобразный выразительный язык. Исследователи единодушно признают, что алтарная картина «Мадонна со святыми и Girolamo-Romanino-Pieta-2-ангелами» из ц. Санта-Джустина в Падуе (1513; ныне Падуя, городской музей), этот шедевр венецианского хроматизма, исполнен под влиянием тициановского колорита, который Романино мог видеть здесь же, в Падуе, во фресках Скуоло дель Санто.

Однако уже в этот период молодости художник подчеркивает свою собственную индивидуальность — графическая стилизация, резкость моделировки, странные, даже гротескные физиономии, перспективы в духе Браманте («Мадонна со св. Бонавентурой и св. Себастьяном», Сало, собор; «Обручение Марии», Öèôðîâàÿ ðåïðîäóêèÿ íàõîäèòñÿ â èíòåðíåò-ìóçåå Gallerix (http://gallerix.ru)ц. Сан-Джованни Эванджелиста).

В 1519 начинается зрелый и наиболее известный период в творчестве Романино.

В 1517 он отклонил приглашение Гонзага отправиться в Мантую, но взялся за роспись центрального нефа собора в Кремоне.

В четырех больших сценах «Страстей Христа» он утверждает свой пылкий и динамичный стиль, с помощью чисто народных элементов показывая превратности 56960084этого исторического периода, особенно потрясенного войной.

К влиянию Порденоне и прямому воздействию Альтобелло Мелони добавляются германские черты, которые ставят Романино рядом с Дюрером.

В 1521-1524 художник работал в капелле Сакременте ц. Сан-Джованни Эванджелиста, в сотрудничестве с Моретто.

Натурализм некоторых сцен обладает камерностью и лиризмом («Чудо св. таинства», «Воскрешение Лазаря», «Пир у Симона Фарисея», «Св. Иоанн», «Апостол Матфей», 589746_photoshopia_ru_235_Romanino__Dzhirolamo_-_Madonna_s_mladencem«Пророки») и предвосхищает открытия Караваджо («Апостол Матфей»), но, в отличие от последнего, стиль Романино развивается в сторону более выразительных деформаций, большей фантазии, в противовес классической красоте — все это связывает его с маньеризмом (роспись органа в соборе Азолы).

Этим же периодом датируется большой алтарь из ц. Сант-Алессандро в Брешии (1525, ныне — Лондон, Нац. гал.).

Его портреты, написанные в манере Джорджоне (Будапешт, Музей изобразительных искусств; Брешиа, пинакотека Тозио Мартиненго), пронизаны захватывающей 545160_photoshopia_ru_223_Girolamo_Romanino_-_Saint_Gaudioso__Sobranie_Londonskoy_Nacional_noy_Galereiправдивостью.

Росписи в Кастелло дель Буонконсильо в Тренто (мифологические и библейские фрески в лоджии и коридорах, на лестницах и в большом салоне), над которыми Романино начал работать в 1531, открывают период больших циклов (ц. Сантиссима-Аннунциата в Бьенно; Сант-Антонио в Брено).

Здесь в блестящих взрывах красок и в изображении повседневных тем выражается радостная чувствительность. В этом смысле Романино можно сравнить с Брейгелем.

76w083aВ 1540-е в творчестве художника происходит поворот к более напряженной религиозности, что было обусловлено реформистским кризисом, который не обошел и Брешию.

Некоторые барочные черты, утяжеление больших композиций, контакты с молодым Латанцио Гамбара — направили Романино в сторону маньеризма; на фонах своих композиций он изображает «романтические» пейзажи («Сбор манны», Брешиа, собор).

Его приемным сыном был живописец Латтанцио Гамбара.

2c29c42fb9383edd791135cfd4f5fc7e5f493376473841Скончался Джироламо Романино в 1566 году в Брешии.

Достоинства произведений художника Джироламо Романино составляют блестящий колорит сперва теплого, золотистого,

а затем, в зрелый период творчества мастера, серебристого тона, привлекательность и экспрессивность изображенных голов, красивая укладка драпировок и тщательно придуманная композиция.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника в музеях мира.

0_8b31b_5c2de021_XLРомеи и Эскерра Рамон/Ramón Romea y Ezquerra

1830–1907

Испанский живописец и акварелист, специализировавшийся на пейзажах Астурии.
Рамон был девятым ребенком Томасо Ромеи и Каталины Эскерра.
Юноша начал свое обучение в королевской Школе экономического общества друзей страны в Сарагосе, и продолжил заниматься в Академии изящных искусств Сан-Луис у Мануэля Агуирре и Монсальве (Manuel Aguirre y Monsalve) и Мариано Пескадора (Mariano Pescador). Вместе с Рамоном учился один из его братьев, Мариано, но художником он не стал.
В 1852 году художник переехал в Мадрид для продолжения учебы в Академии Сан-Фернандо. Он учился в мастерской Федерико де Мадрасо и пейзажиста Хенаро Переса Вильямиля.
После окончания Академии перед Ромеи встала проблема трудоустройства. Он не мог позволить себе стать «свободным художником», поскольку нужно было заботиться о большой семье. К тому же полюбившиеся ему пейзажи были не тем жанром, который приносил деньги. В результате
художник переезжал из одного города в другой, преподавая рисование в художественных гимназиях в Лерида, Бургосе и Толедо.
В 1864 году художник работал над декорациями к оперетте «Pan y Toros de Barbieri» в столичном театре.
В 1866 году Ромеи устроился в Школу изящных искусств в Овьедо, где позднее был избран профессором, а затем и директором Школы.
Поселившись в Овьедо, Ромеи вновь начал сотрудничать с театрами.
Например, в театре Circo, открытом в 1849 году, в 1880 году выполнил декорации для нескольких спектаклей (джунгли, готическую улицу с видом на море, интерьеры домов).
В апреле 1885 года художник выполнил декорации для спектакля «Часы в Люцерне» по пьесе популярного драматурга из Сарагосы Маркоса Сапата.
В следующие десять лет художником были выполнены декорации для театра Кампоамор (Campoamor).
Он также участвовал в восстановлении монумента la Semana Santa (Страстная неделя) в соборе Овьедо. Выполнил дизайн кафе «Мадрид».
Кроме того, как считают искусствоведы, Ромеи был сильным портретистом. Это доказывает портретная галерея исторических лиц, священнослужителей, военных, президентов университета города Овьедо, которую художник завершил после участия в организации этой галереи лучших портретистов города — Дионисио Фирроса, Игнасио Суареса Льяноса и Игнасио Леона и Эскосуры.
Рамон представлял свои работы на Национальной выставке изящных искусств.
Впервые свои работы художник экспонировал на этой выставке в 1858 году. В 1860 году он получает почетное упоминание, в 1862 году он удостоился бронзовой медали за полотно под названием «Recuerdos de Villalba al pie del Guadarrama», третье место он занял и на национальной выставке в 1867 году.
Среди учеников художника — известные художники Луис Менендес Пидаль, Аугусто Хункуэра, Хосе Рамон Сарагоса, Хосе Пардо Норниелла и Хосе Урия. Последний написал замечательный портрет своего учителя.
В пейзажах Рамона Ромеи и Эскерра видна эволюция от первых романтических представлений природы в стиле бидермейера до произведений, выполненных реалистическим языком, на которых изображены живописные ландшафты Астурии.
К сожалению, после смерти художника его имя было забыто. Первое крупное на сегодняшний день исследование его биографии и работ было проведено при подготовке его ретроспективной выставки Музеем изящных искусств Астурии в 1989 году.
Источники – статья искусствоведа Мануэля Гарсия Гуатаса.

5e07c0ec66eaРонер-Книп Генриетта

1821 — 1909

 

Генриетта Ронер-Книп (Henriette Ronner-Knip, 1821 — 1909) родилась в Амстердаме в семье художника. Ее отец Иосиф Август Книп (1777-1847) начал свою художественную деятельность в студии своего отца, и в 1801 г. направился в Париж, где писал пейзажи в основном гуашью. С 1809 г. он несколько

1362483316_1307050847_dog-with-puppies-in-the-garden_www_nevsepic_com_uaлет провел в Риме, где сделал множество рисунков римских памятников и пейзажей в неоклассическом стиле. В 1813 г. он вернулся в Нидерланды, а в 1823 г. снова переехал в Париж с женой и двумя детьми, Августом и Генриеттой. Когда Иосиф Книп через четыре года вернулся в Нидерланды, его зрение стало резко ухудшаться, и к 1832 г. он полностью ослеп. Сначала семья поселилась в Гааге, а затем в Брабанте, где художник умер в 1847 г.

Генриетта Ронер-Книп проявила талант к рисованию в возрасте пяти лет, копируя этюды 1362483346_5своего отца-художника. После возвращения в Нидерланды отец Генриетты всерьез занялся художественным образованием дочери. Она работала в студии под руководством слепнущего отца от заката до рассвета, потому что от ее успехов зависел доход их семьи. Отец постоянно повторял дочери о тех жертвах, которые художник должен положить на алтарь изобразительного искусства, чтобы добиться признания. Став взрослее, Генриетта поняла, что уроки и наставления отца дали ей много больше, чем могла бы дать недешевая система академического образования.

1362483350_5f15f5bc082cГенриетта Ронер-Книп быстро училась и в шестнадцать лет уже участвовала в ежегодной выставке в Дюссельдорфе, где была продана ее картина с изображением кошки на окне. Генриетта стала постоянным участником выставок в Германии и Голландии. Она была очень способной и могла быстро создавать картины с изображением пасторальных ландшафтов, замков, ферм, натюрмортов, портретов, а также жанровых сцен. Не смотря на то, что все эти сюжеты были очень популярны и хорошо продавались, художница все больше внимания стала уделять 1362483351_7тематике животных. Они были ее любимым объектом: вместо сельских пейзажей она принялась изображать коров, овец, лошадей и домашнюю птицу. Характерной чертой Генриетты Ронер-Книп в то время были точность и внимание к деталям, она использовала темные цвета, что говорит о влиянии неоклассического стиля ее отца.

После 1845 г. основными героями ее картин стали собаки. Критики не скупились на похвалу ее технике живописи. В 1850 г. она вышла замуж за Тейко Роннера и 1362483351_1307050890_best-of-friends_www_nevsepic_com_uaпереехала вместе с мужем из Брабанта в Брюссель (Бельгия), где у них родились шестеро детей. Первые годы брака ее муж тяжело болел, и Генриетта вновь стала ответственной за доходы семьи. Она вставала в пять утра и без устали рисовала, чтобы заработать средства к существованию. И эти старания не пропали даром. Генриетта часто изображала одну из отличительных черт жизни небогатых фермеров и торговцев – собачьи упряжки, которые использовались за неимением достаточной лошадиной силы. Такое средство передвижения 1362483505_0_90966_e2570391_xlиспользовалось в течение всего XIX в. Эти работы показали влияние романтизма, и одна из лучших была написана в 1860 г. «Смерть друга» (находится в Музее Изобразительных Искусств в Брюсселе). Картина изображает старого торговца, который скорбит о смерти одной из своих собак. После экспонирования этой картины в Брюсселе Генриетта Роннер-Книп завоевала репутацию художника-анималиста и получила большое количество заказов от влиятельных людей, среди них были короли Ганновера, Пруссии, Португалии и королева Бельгии, а также Графиня Фландрии, для которой были нарисованы 1362483380_dbc6007d6846fdf4785a7056cfc97215bc81cc85239433портреты ее собак.

Несмотря на растущую популярность, она продолжала жить скромно и со временем перенесла свое внимание на другое прекрасное домашнее животное. Это произошло после 1870 г., когда в доме художницы появилась кошка и завоевала внимание хозяйки своими движениями, взглядами и взаимоотношениями между собой, что было очень удивительно точно отображено на ее картинах. К тому же тема домашних животных была очень популярна у горожан среднего класса, и картины хорошо продавались. Генриетта Роннер-Книп двигалась по этому 1362483515_2направлению, рисуя игривых или сонных кошек, используя при этом все те же темные цвета, пока нахлынувшее модернистское течение не назвало ее искусство скучным и консервативным. Скорее всего, именно это заставило ее в своих поздних картинах отказаться от строго выстроенной композиции и использовать более светлые тона.

Генриетта Роннер-Книп умерла 2 марта 1909 года в Брюсселе. За всю свою творческую карьеру она получила множество престижных наград и почестей. В 1850 1362483536_16г. она была избрана членом «Артис Магистра» за заслуги перед обществом. В 1857 г. она получила серебряную медаль в Гааге, год спустя бронзовую медаль в Дижоне, а в 1860 г. бронзовую медаль в Труа. В 1861 г. Генриетта была награждена тремя медалями: серебряной медалью в Меце, золотой медалью в Гааге и Большой золотой медалью в Лионе. В конце 1862 г. она была избрана членом Академия живописи и графики Роттердама. В 1864 г. она получила бронзовую медаль в Нанси и серебряную медаль в Руане. За ними 1362483508_17последовали золотая медаль и Почетная грамота на Международной выставке в Порту в 1865 г. Три года спустя она получила серебряную медаль в Гавре и золотую медаль в Амстердаме. В 1873 г. она была награждена «Художественной медалью» на Всемирной выставке в Вене и через год была представлена к награде «Уникальная медаль за заслуги» Короля Голландии. В 1876 г. она получила «Художественную медаль» на выставке в Филадельфии, две золотые медали в Антверпене и Амстердаме в 1879 и 1880 гг. соответственно. Амстердам снова 1362483506_171821359удостоил ее золотой медалью в 1883 г., и в этом же году Эдинбург наградил ее серебряной медалью. В 1887 г. она была награждена Крестом Ордена Леопольда II Короля Бельгии (такая честь очень редко выпадала женщине), а в 1909 г. она стала Кавалером Ордена Оранж-Нассау в Нидерландах. Картины Генриетта Роннер-Книп находятся в крупных музеях (в Гааге, Амстердаме, Брюсселе и др.), а также в частных коллекциях.

zthedreamofraphaelРопс Фелисьен/Rops Philisien(Символизм и Модерн)

1833-1898)

Фелисьен Ропс(фр. Félicien Rops; 7 июля 1833, Намюр — 23 августа 1898, Корбей-Эсон) — бельгийский художник-символист,график и иллюстратор, мастер литографии и офорта.

Фелисьен Ропс не был обойден при жизни успехом, хотя его сла­ва носила зачастую скандальный характер.

4Его работы иногда сравнивали с «Капричос» Гойи, порой они получали высокую оценку таких ценителей, как Бод­лер, Мопассан или Э. Мане.

По происхождению Ропс — бель­гиец. Он родился в Намюре, в семье фабриканта. Окончил Брюссельский университет, также посещал «Мастерскую Святого Луки» в Брюсселе.

Еще учась в брюссельском университете, он начал публиковать в сатирических журналах политические карикату­ры и скетчи на жанровые темы в духе Домье и rops01_smallГаварни.

В нача­ле 1860-х годов Ропс переезжает в Париж и целиком отдается ху­дожественному творчеству.

В это время — и в дальнейшем — он пишет картины маслом, но основ­ная его сфера — графика (рису­нок и гравюра).

Ропс в совершен­стве осваивает технику литогра­фии, офорта и резцовой гравюры, создает эстампы и оформляет книги — делает изящные виньет­ки, заставки и rops02_smallсюжетные иллю­страции к таким изданиям, как «История кафе и кабаре Пари­жа», «Парижские гетеры», а так­же к книгам Мюссе, Беранже и Бодлера.

При этом он без устали рисует — на улицах, в кафе, на публичных балах и за кулисами цирка (литография «Женщина у трапеции»).

Фелисьен Ропс испытал влияние Гюстава Курбе, мастеров импрессионизма, Анри де Тулуз-Лотрека. Ропс работал в области политической и бытовой карикатуры, rops03_smallэкспериментировал в сфере цветной гравюры, создавал иллюстрации к произведениям Шарля де Костера, Шарля Бодлера и других писателей и поэтов, писал пейзажи, выделяющиеся широтой и обобщенностью изображения природы, свежестью насыщенного колорита (“Рыбачий порт в Бланкенберге”, “Баржи в Динане” — оба в Королевском музее изящных искусств, Антверпен).

Ропс был близко связан с литературным движением модерна и символизма. Как и в работах литераторов, поэзию и прозу которых художник иллюстрировал, в картинах rops04_smallРопса четко отражена философия символизма конца 19 века, включающая эротику, ощущение неизбежности смерти, вольную трактовку сатанинских изображений.

В своих жанровых картинах и сатирических иллюстрациях художник пытался сочетать реалистические искания с мистико-эротическими тенденциями.
«У меня упорное желание, — пи­сал он, — изобразить как сцены, так и типы этого XIX столетия.

rops05_smallСтремление к грубым наслажде­ниям, материальные заботы, ме­лочные интересы — все это нало­жило на большинство лиц совре­менников зловещую маску… Мне это представляется забавным».

Однако «типы этого столетия» у Ропса почти исключительно сво­дятся к типу современной париж­ской женщины.

Художник порой рисовал крестьянок в поле или даже молодую работницу на фо­не фабрики и столба, оклеенного призывами к стачке, но эти мо­тивы в духе Милле или rops06_smallМенье— эпизод в творчестве Ропса.

Глав­ная тема его совсем иная, его ге­роини не трудятся, а демонстри­руют свое чувственное очарование… Свои модели Ропс брал из окру­жающей жизни, жизни бульваров, кабаре, цирка, иногда светских го­стиных.

Изображенные им жен­щины полны жизненной энергии, победной уверенности в себе и соединяют непосредственность и природную грацию с откровенной вульгарностью. При этом худож­ник не просто запечатлевает ха­рактерные современные типы, но imagesстремится создать символические образы — олицетворение внемо- рального, чисто телесного бытия, бездуховной чувственной красоты, соблазна и зла.

Очерченные упру­гой, точной линией или вылеп­ленные градациями света и тени, персонажи Ропса соединяют в себе ощущение живой плоти с инфернальностью и демонизмом, в их трактовке авторское любование неотделимо от иронии и сар­казма. И. Э. Грабарь писал в 1899 году: «Фелисьен Ропс — приятель Бодлера и современник своей эпохи,., в течение всей своей жизни был певцом сата­низма женщины, сатанизма ее чар и тела».

3Фелисьен Ропс получил широкую известность в конце 19 столетия как автор аллегорических, воспринимавшихся как вызов мещанской ограниченности вкусов композиций (преимущественно в технике литографии и офорта), в которых жесткий натурализм и эротика сочетаются с мистической символикой (“Сфинкс”, “Демон кокетства”, “Искушение святого Антония”, “Черная месса”, “Порнократия” и др.).

Фелисьен Ропс был вольным каменщиком и членом бельгийской масонской ложи Великого Востока.

К 1892 году зрение художника сильно ухудшилось. Скончался Ропс 22 августа 1898 heistгода в Брюсселе в возрасте 65 лет.

По материалам:Wikipedia,  Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Fondation Félicien Rops à Mettet, Félicien Rops paintings, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Site du musée Félicien Rops à Namur, Rops, biographie et bibliographie.

f4f346112e90ca25517afcfc8284c82eРосалис и Мартинес Эдуардо/Eduardo Rosales y Martínez

1836–1873

Эдуардо был вторым сыном в семье скромного чиновника. Он учился в колледже Эсколапиос и в 1849-1851 годах в Институте Сан-Исидоро, где изучал философию. В 1851 году он поступил в Королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо в мастерскую Федерико Мадрасо. Кроме маэстро Мадрасо преподавателями Росалеса были известные живописцы Карлос Луис Ривера, Карлос де Хас и Луис Феррант.
В 1854 году Эдуардо копировал работы Веласкеса, Ван Дейка, Мурильо и Тициана в iCAU6GV9Cмузее Прадо.
Юноша остался сиротой, прежде чем ему исполнилось 20 лет, и воспитывался в семье своего дяди по матери.

Жизнь практически в нищете и желание вести богемный образ жизни подорвали его здоровье и взрастили его амбиции. В 1856 году у Росалеса обнаружили туберкулез. Юность художника прошла под знаком плохого состояния здоровья, разочарований в любви и экономических проблем.
Тем не менее, педагоги Академии поддерживали своего студента, как могли. В 1856 году Хосе де Мадрасо заказал Росалесу портрет Гарсии Аснара, князя Арагонского. В iCA7HEZ2Uтом же году художника привлекли к сотрудничеству над украшением Ротонды в Эскориале.
Тем не менее, в октябре 1857 года Росалес на собственные деньги (!), без официальной поддержки, поехал в Италию вместе с друзьями – художниками Висенте Пальмаролли и Луисом Альваресом Каталой. Друзья посетили Бордо и Ним, где восхищались историческими картинами Леона Конье и Поля Делароша, Геную, Пизу и Флоренцию, прежде, чем прибыли в октябре в Рим, где и поселились.
Спустя год Росалесу удалось получить официальную стипендию для продолжения учебы в Риме, только благодаря ходатайству друзей, написавших в Академии о iчастых госпитализациях талантливого юноши.
В Вечном городе Эдуардо познакомился с группой испанских художников, которые традиционно собирались в кафе «Греко».

Среди них были коллеги по живописному цеху — Касадо дель Алисель, Диоскоро Пуэбла и Мариано Фортуни.
В Риме Росалес подпал под влияние группы Назарейцев, лидером которой был немецкий художник Овербек. Назарейцы ратовали за «простоту форм и цветов». Первая большая работа «Тобиас и ангел» (1860, Прадо, Мадрид) была выполнена в их стилистике, но вскоре художник отказался от тенденций символизма.
В 1863 году художник представил на Национальной выставке изящных искусств в Мадриде свою работу «Нена» (Nena, 1862), которая была удостоена почетного 2упоминания, и за это стипендия для учебы в Италии была продлена еще на два года.
В Италии Эдуардо заинтересовался более реалистической манерой письма, о чем свидетельствует следующая его крупная картина «Донья Изабелла Католическая диктует свою волю» (Doña Isabel la Católica dictando su testamento, 1864, Музей Прадо), над которой художник трудился более полутора лет.

Эту работу художник представил сначала на Национальной выставке 1864 года в Мадриде и получил за нее Золотую медаль. После своего первого большого триумфа художник какое-то время провел в Мадриде, где он сделал несколько портретов на заказ.
Затем он вернулся в Италию и повез картину «Донья Изабелла Католическая диктует 0_8b31b_5c2de021_XLсвою волю» в Париж на Всемирную выставку 1867 года (во Франции он побывал впервые в 1865 году). Вернувшись с выставки в Рим, Росалес из телеграммы своих друзей – пейзажиста Мартина Рико и Раймундо де Мадрасо, узнал об успехе своей «Доньи Изабеллы»: она получила Золотую медаль для иностранцев.
Кроме того, художник был награжден орденом Почетного легиона.
В 1868 году Росалес женился на своей кузине, дочери своего родного дяди, Максимине Мартинес Бланко и Педроса. Жена подарила Эдуардо двух дочерей.
В 1872 году Росалес возвращается на родину.В это время провозглашена Первая Испанская республика, художник получает несколько предложений — либо возглавить 4музей Прадо, либо стать первым директором только создаваемой Академии живописи Испании в Риме, которая была открыта уже после смерти художника в 1874 году. Увы, он по состоянию здоровья вынужден отказаться от таких почетных должностей.

В возрасте 36 лет в 1873 году Росалес умирает от туберкулеза в Мадриде.
Тем не менее, художник оставил большое творческое наследство – картины, акварели, рисунки и многочисленные портреты. В Прадо находятся «Портрет скрипача Пинелли» (Retrato del violinista Pinelli) и «Портрет дочери генерала Серрано Кончиты» (Retrato de Conchita Serrano, ок. 1872). Любовь к портретному жанру возникла из восхищения мастерством Веласкеса и чувственным хроматизмом венецианских портретистов.

Alexander Roslin: SjŠlvportrŠtt. NM 7004Рослин Александр/Roslin Aleksander(Классицизм, портретный жанр)

1718–1793

 

Александр Рослин, редко Рослен(швед. Alexander Roslin, 15 июля 1718, Мальмё — 5 июля 1793, Париж) — шведский живописец, художник-портретист, работавший при дворе российской императрицы Екатерины II., с 1750-х годов работавший, в основном, roslin_01_smallв Париже.

Будущий художник Александр Рослин (Roslin, Alexander) родился 15 июля 1718 года в Мальме, Швеция в семье местного врача.

Детство и юность мальчика были посвящены изучению основ живописи, что позволило ему уже в восемнадцатилетнем возрасте получить место ученика у придворного живописца Г. Э. Шредера.

roslin_03_smallВ 1747 году художник отправился в Венецию для изучения искусства живописи Тициана, Веронезе, Тьеполо.

В 1749 в Неаполе Рослин познакомился с маркизом П. Г. Л`Опиталем и по его рекомендации был приглашен работать в Парму.

В 1752 году переехал в Париж, где быстро снискал репутацию превосходного портретиста.

roslin_02_smallВыставлялся в Парижском салоне, в 1754 году за портрет графа д’Анжавилье был принят в члены Королевской Академии художеств Франции.

 

В 1765 году за семейный портрет герцога Рошфуко де Ришелье Александр Рослин получил Гран При парижского салона, причем вместе со шведским художником претендентом на первую премию выступал знаменитый французский живописец Жан roslin_04_smallБатист Грез.

С 1767 года исполнял должность советника Академии художеств Франции.

В 1772 был награжден шведским королем Густавом III орденом Ваза, а в 1773 году был избран почетным членом Академии художеств в Стокгольме.

Его удивительная техника письма и мастерские навыки изображения мельчайших деталей шелка, бархата, кружев, золотого и серебряного шитья, драгоценных камней, roslin_06_smallпривлекли внимание знати и королевских дворов Европы.

К Рослину образовалась целая очередь желающих иметь портреты его работы.
В своих лучших портретах Александр Рослин сочетал эффектность и яркость характеристики с виртуозным мастерством («Баронесса Нейбург-Кромьер», 1756; «Жан Франсуа Мармонтель», 1767; «Принцесса Зоэ Гики», 1777).

Художник был особенно искусен в тщательном изображении тканей, кружев, roslin_08_smallвышивок, отделки костюмов и других аксессуаров; лица же портретируемых на его картинах обычно довольно холодны и безжизненны.

Тем не менее шведский живописец пользовался признательностью парижской публики и написал огромное количество портретов своих современников.

В 1776-1777 годах по высочайшему приглашению императрицы Екатерины II проживал в Петербурге, исполнил в российской столице портрет Екатерины Великой roslin_07_small(в полный рост, Петергоф), несколько портретов особ императорской фамилии и представителей русской аристократии: великой княгини Натальи Алексеевны ((1776-в Гатчинском дворце),Екатерины II и великой княгини Марии Федоровны (оба — 1777), цесаревича Павла Петровича (в Романовской галерее Зимнего дворца), великой княгини Марии Федоровны (там же), Ивана Ивановича Бецкого (1777-в галерее Академии художеств), принцессы Анастасии Гессен-Гамбургской, урожденной княгини Трубецкой, князя Василия Михайловича Долгорукого-Крымского(1776), генерал-адъютанта Ивана roslin_09_smallИвановича Шувалова и графа Петра Григорьевича Чернышева(1777).

Русская серия портретов Рослина ныне находится в основном в Эрмитаже, Третьяковской галерее и Русском музее.

В августе 1777 года Рослин покинул Россию и некоторое время жил при дворе польского короля Станислава Августа Понятовского, затем отправился в Вену, где по заказу французской королевы Марии Антуанетты должен был написать портреты ее roslin_10_smallродителей.

Однако художнику не удалось исполнить портрет императрицы Марии Терезии. В 1778 возвратился в Париж.

В ряду прочих работ Рослина наиболее достойны внимания женский портрет в Луврском музее, портреты Карла Линнея, королевы Марии-Антуанетты, живописца Франсуа Буше и гравера Шарля-Николя Кошена (в Версальской исторической галерее).

52e7b8b34823Рослин дважды побывал в Швеции, где портретировал короля Густава III, двух его братьев и других сановных лиц, эти портреты хранятся в Национальном музее в Стокгольме.

Жена художника, Мари-Сюзанн Рослин была также известной портретисткой, писавшей пастельными карандашами. Сохранился ее знаменитый портрет под названием «Дама под вуалью», созданный кистью Александра Рослина.

23Иностранцы знали себе цену и Рослин не был исключением.

Когда он умер 5 июля 1793 года после Великой французской революции, то был одним из самых богатых художников во Франции.

Однако, несмотря на такой успех, он никогда не писал портретов французского короля…
По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на сайте, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Gallery of Roslin’s Work.

Rosso_Fiorentino_-_Portrait_of_a_Man_-_WGA20122Россо Фьорентино/Rosso Fiorentino(Маньеризм)

1494-1540

 

Россо Фьорентино (букв. «Рыжий Флорентиец», настоящее имя итал. Giovan Battista di Jacopo, прозванный итал. Rosso Fiorentino или просто итал. Rosso; 8 марта 1494, Флоренция — 14 ноября 1540, Фонтенбло) — итальянский живописец флорентийской школы позднего Возрождения, один из roslin_10_smallведущих представителей маньеризма,работал в Италии и Франции.

Настоящее имя Джованни Баттиста Россо ди Якопо. Россо получил свое прозвище (Рыжий) благодаря копне огненно-рыжих волос.

Родился во Флоренции 8 марта 1494.

В юности учился в мастерской Андреа дель Сарто вместе с Понтормо, с которым 83e0cf6467c2сотрудничал в ранний период.

В 1524-1527 работал в Риме, затем, после разгрома, учиненного там французскими войсками, в ряде других итальянских городов.

Ярким свидетельством творческой зрелости Россо может служить Снятие со Креста (1521, Городская пинакотека, Вольтерра) и

«Моисей, защищающий дочерей Иофора» (ок. 1523, Уффици), — с их изломанными ------~1формами и, в особенности в первой вещи, острыми колористическими диссонансами.

В римский период Россо испытал сильное влияние Микеланджело.

В 1530 уехал во Францию, где ему удалось снискать расположение короля Франциска I.

Занимался (вместе с Приматиччо и другими мастерами; 1532-1539) декоративным убранством Галереи Франциска I во дворце Фонтенбло, сыгравшей ключевую роль в ----15~1обновлении старого замка; с 1536 был руководителем всех работ по украшению последнего

Эти фрески и рельефы из стукко, в значительной мере исполненные по эскизам Россо, — причудливые по орнаментике и формальному строю, полные сложных символов и эмблем, — оказали воздействие на развитие маньеризма в разных европейских странах, в том числе на становление французской школы Фонтенбло.

Живописец Фьорентино Россо оказал значительное влияние на развитие французской rosso02_smallживописи.

Одной из лучших работ Фьорентино Россо считается картина «Моисей и дочери Иофора» (1524, Галерея Уффици, Флоренция).

В картине художник написал историю о Моисее, убивающем египтянина. Другую картину также на библейскую тему с Иаковом, которому женщины дают испить воды у источника, Фьорентино Россо написал для Джованни Кавальканти.

--1523~1Современниками картина художника была признана божественной, т.к. в ней были с величайшим изяществом выписаны обнаженные тела женщин, которых Фьорентино Россо ранее в своих работах изображал в закрытых одеждах, в тонких платках и с заплетенными косами.

Жизнь художника окончилась трагически.Умер Россо Фьорентино в Париже 14 ноября 1540.

Фьорентино Россо отравился ядом, решив таким образом сохранить свою честь, fiorentino4вследствие нелепой и скандальной истории, связанной с ложными обвинениями другого художника флорентинца Франческо ди Пеллегрино в краже.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907),Rosso Fiorentino’s biography at Web Gallery of Art,Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы в музеях мира.

1smРотари Пьетро/Rotari Pietro(Рококо и Неоклассицизм)

1707-1762

 

Пьетро(Пётр) Антонио Ротари(итал. Pietro Antonio Rotari; 30 сентября 1707 [по другим сведениям 1710], Верона — 31 августа 1762, Санкт-Петербург), итальянский придворный живописец-портретист периода рококо и неоклассицизма, работавший в 1России; граф.

Родился 30 сентября 1707 в Вероне.

Учился сначала у Р. Ауденарде и у Антонио Балестра, затем у Франческо Тревизани в Риме и у Солимена в Неаполе.

Из ранних работ известны несколько образов для Веронской церкви, картины «Св. Людовик», «Вознесение» (обе в Падуе), «Рождество Богородицы» (в Риме).

6a3b7f7648dcВ 1750 году художник переехал в Вену, затем работал в Дрездене и Мюнхене.

Из дрезденских работ известны «Портрет Карла, герцога Курляндского», «Св. Иаков», «Св. Магдалина», «Бегство в Египет», «Монах»; из мюнхенских — «Прерванный сон» и «Плачущая девочка».

При саксонском дворе в Дрездене Ротари работал как придворный живописец.

28В 1756 году переехал в Санкт-Петербург, получив приглашение от императрицы Елизаветы Петровны работать при российском дворе.

Художник быстро вошёл в моду благодаря лёгкой и комплиментарной манере письма. Его деятельность в России была необыкновенно плодотворна — он создал десятки придворных портретов , выполненных на заказ, а также множество так называемых «головок» — небольших портретов девушек или юношей в национальных костюмах в стиле рококо.

Frau_arПроизведения Пьетро Ротари использовались также в оформлении дворцовых кабинетов в Ораниенбауме, Архангельском, Кускове.

Ротари оставил след в истории русской живописи, занимаясь преподавательской деятельностью: среди его учеников были Ф. С. Рокотов и И. С. Аргунов.
Творчество:

У Пьетро Ротари заказывали портреты многие известные люди царствования Елизаветы Петровны.

60707589_Pietro_Antonio_RotariНаиболее известны портреты:
императрицы Елизаветы Петровны в чёрной мантилье (Большой Петергофский дворец), её же поясной (Большой Екатерининский дворец), П. А. Бутурлина, графини М. А. Воронцовой (поясной), И. И. Воронцова, М. И. Воронцова, А. А. Голицыной (1759), князя А. М. Голицына (в Академии Художеств), Св. Димитрия, митрополита Ростовского (1759), три — Великой княгини Екатерины Алексеевны (будущей Екатерины II; все 1758 года; в Эрмитаже, Русском музее и музее-усадьбе «Кусково»), цесаревича Павла Петровича в раннем детстве, княгини Е. С. Куракиной, графа Г. Г. Орлова, два — графа Б. Ф. Растрелли, графини А. А. Рибопьер, два — 711149_A-Girl-Wearing-Pearl-Drop-Earringsгенерал-фельдмаршала П. С. Салтыкова (1760), графа Ф. М. Санти, графа Е. В. Сиверса, графа А. С. Строганова, графа А. В. Суворова, графини В. А. Шереметевой, графа П. Б. Шереметева (оба в музее-усадьбе «Кусково»), два — И. И. Шувалова (один из них в Гатчинском дворце), князя Эстергази (там же).

В Александро-Невской лавре кисти Пьетро Ротари принадлежит «Рождество Спасителя».

На протяжении всей своей жизни художник интересовался костюмами и любил 186365_photoshopia_ru_237_Pietro_Rotariрисовать идеализированные портреты моделей в разнообразных одеждах с национальным колоритом.

Ещё в 1760 году Елизавета Петровна приобрела у Ротари 50 таких работ, а после его смерти Екатерина II выкупила у вдовы художника все полотна, что оставались в мастерской.

Художник слыл большим знатоком костюма; среди портретов есть модели в польских, венгерских, турецких русских и т. д.

26Всего набралось около четырёх сотен портретов, выполненных в одной манере и связанные одной темой.

Екатерина II решила украсить работами Ротари один из интерьеров Большого Петергофского дворца.

В 1764 году по проекту Ж. Б. Валлен-Деламота была закончена шпалерная развеска картин в зале, именуемом сейчас Картинным (другое название зала — Кабинет мод и граций).

10В зале представлено самое крупное собрание работ художника: 368 полотен занимают почти всю площадь стен.

Некоторые работы созданы Ротари ещё до приезда в Россию, но большинство написаны здесь.

Такие же полотна художника представлены в Оранниенбауме и Архангельском.

В Китайском павильоне Оранниенбаума по замыслу Екатерины II устроен Кабинет 9fd9e62c8215148b9c5ee415ad440b8cbc81d6143654565Ротари, в нём представлены 22 работы художника; в Архангельском есть Салон Ротари.

Умер Пьетро Ротари в Санкт-Петербурге в 1762 году.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Половцов А. А. Русский Биографический Словарь, Работы художника в музеях мира.

090f8404e34f5e9c2971c2cfa1187cf2Руар Анри

1833–1912

Станислас Анри Руар (фр. Stanislas-Henri Rouart, 1833, Париж — 2 января 1912, Париж) — французский фабрикант, коллекционер и художник-любитель.
Как и его брат Алексис, Анри Руар был школьгым приятелем Дега. Учился в лицее Людовика Великого в Париже, где с третьего класса с ним и подружился , затем поступил в Политехническую школу и стал инженером-изобретателем. Был капитаном артиллерии во время Франко-прусской войны.

Rouart-Heni-Terrace-at-the-Seine-Sun В 1850-е годы он становится страстным поклонником живописи, он берёт уроки у Коро и Милле, а его собственная манера близка к импрессионисам. С 1868 он начинает участвовать в выставках и коллекционировать работы современных художников, среди них были Делакруа, Курбе, Домье, Милле, Коро, Мане, Берты Моризо, Дега и Тулуза-Лотрека. Был в товарищеских отношениях с Тилло.
79630110В 1874 году по приглашению Дега он принял участие а Первой выставке импрессионистов. Позднее участвовал во всех выставках движения, кроме Седьмой, выставля главным образом акварельные пейзажи, которые привозил из многочисленных зарубежных поездок.
Анри Руар умер 2 января 1912 года и похоронен на кладбище Пер-Лашез
В 1912 годй после смерти художника в галерее Дюран-Рюэля состоялась ретроспективная выставка его работ.

portrait-of-an-unknown-lady-in-a-white-cap-s-0030Рубенс Питер Пауль/Rubens Peter Paul(Барокко)

1577–1640

Питер Пауль Ру́бенс (нидерл. Peter Paul Rubens; 28 июня 1577, Зиген — 30 мая 1640, Антверпен) — фламандский живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа.
rubens_01_smallРубенс из старинной семьи антверпенских граждан. Его отец, Ян Рубенс, бывший в эпоху правления герцога Альбы старшиной города Антверпена, за свою приверженность идеям Реформации попал в опальные списки и был вынужден бежать за границу.
Сначала он поселился в Кёльне, где вступил в близкие отношения с Анной Саксонской, супругой Вильгельма Молчаливого. Эти отношения вскоре перешли в любовную связь и нежелательную беременность, которая оказалась достоянием общественности. Яна посадили в тюрьму, откуда он был выпущен только после долгих просьб и жалоб своей жены, Марии Пейпелинкс и отправлен в ссылку.
rubens_02_smallМестом ссылки ему был назначен небольшой городок Нассауского герцогства, Зиген, в котором он и прожил со своей семьёй с 1573 по 1578 гг., и где, вероятно, 28 июня 1577 г., родился будущий великий живописец.
Детство Питера Рубенса протекло сначала в Зигене, а потом в Кёльне, и лишь в 1587 г., после смерти Яна Рубенса, его семья получила возможность возвратиться на родину, в Антверпен.
Общее образование Рубенс получил в иезуитской коллегии, после чего служил пажом у графини де Лялен. Занятиям живописью Рубенс стал предаваться очень рано. Его учителями по её части были Тобиас Вергагт, Адам ван Ноорт и Отто ван-Вэн, rubens_03_smallработавшие под влиянием итальянского Возрождения и сумевшие, особенно последний, вселить в молодого художника любовь ко всему античному.
В 1598 г. Рубенс был принят свободным мастером в антверпенскую гильдию св. Луки, а в 1600 г., по установившемуся издавна обычаю нидерландских живописцев, отправился заканчивать своё художественное образование в Италию. В 1601 г. он состоял при дворе мантуанского герцога Винченцо Гонзаги, у которого и оставался на службе в течение всего своего пребывания в Италии.
По поручению герцога, он посетил Рим и изучал там итальянских мастеров, после rubens_04_smallчего, прожив некоторое время в Мантуе, был послан с дипломатическим поручением в Испанию, где внимательно осмотрел собрание Прадо. Его деликатное обхождение с мадридским двором и известным своей темпераментностью мантуанским посланником произвело благоприятное впечатление на герцога Винченцо.
Во время пребывания в Мантуе Рубенс курировал местную картинную галерею, пополняя её портретами придворных красавиц, и выполнил три крупных холста на религиозные темы для иезуитской церкви в Мантуе. Слава о нём перешагнула скоро пределы Мантуанского герцогства: иезуиты попросили его написать полотно на сюжет rubens_05_small«Обрезания» для церкви Сант-Амброджио в Генуе.
Судя по копиям, сделанным Рубенсом с картин Тициана, Тинторетто, Корреджо, Леонардо да Винчи и других выдающихся мастеров предыдущего столетия, можно предполагать, что в эту пору он побывал во всех наиболее важных художественных центрах Италии, с целью изучения произведений итальянской живописи эпохи Возрождения.
В 1605 г. брат Рубенса, будучи учеником гуманиста Липсия, занял место библиотекаря при ватиканском кардинале Асканио Колонна и пригласил молодого художника в Рим. После двух лет изучения классических древностей в компании брата Рубенс (летом rubens_06_small1607 г.) был вызван для исполнения портретов генуэзской аристократии на Ривьеру. Там он свёл знакомство с Якопо Серра, генуэзским банкиром, кредитовавшим папу римского. Благодаря его помощи Рубенс получил завидный заказ на алтарь для церкви Санта-Мария-ин-Валичелла в Риме. Одновременно он работал над алтарём для монастыря ораторианского ордена в Фермо.
Появление заказов на работу в Риме, который тогда был меккой для всех европейских художников, позволило Рубенсу разорвать свои обязательства по отношению к провинциальному мантуанскому двору. (Сыграли свою роль и хронические задержки с rubens_09_smallвыплатой жалованья.) В октябре 1608 г. он получил письмо от брата из Антверпена о том, что их мать находится на смертном одре. Он поспешил на север, но уже не застал её в живых.
Возвращение в Антверпен молодого, но уже известного в Италии художника заставило искать его услуг многих состоятельных бургеров, клерикальные круги и наместников испанских Габсбургов. К брюссельскому двору последних Рубенс оказался привязан «золотыми оковами». Положенное ему жалование было таково, что он смог открыть просторную мастерскую, нанять множество подмастерий и выстроить один из лучших особняков Антверпена (ближе всего напоминающий генуэзские палаццо), который с rubens_11_smallгодами наполнился картинами, статуями и предметами декоративно-прикладного и ювелирного искусства, представлявшими лучшее в искусстве Италии.
Не порывал Рубенс и связей с могущественным орденом иезуитов. Он принял участие в проектировании орденом антверпенской церкви св. Карла Борромея и практически единолично отвечал за её внутреннее убранство; впрочем, в подготовке эскизов плафона ему помогал Антонис ван Дейк — самый талантливый из его многочисленных учеников. Венцом его сотрудничества с церковью стали грандиозные алтарные картины «Водружение креста» (1610) для церкви св. Вальбурги и «Снятие с креста» (1611-14) для городского собора Антверпена. В октябре 1609 г. Рубенс сочетался rubens_14_smallбраком с Изабеллой Брант, дочерью известного гуманиста Яна Бранта. В последующее десятилетие Рубенс достиг в Европе славы, с которой из художников предыдущих эпох мог сравниться только Тициан. Зиждилась она как на религиозных полотнах, для которых он выбирал самые драматичные эпизоды библейской истории («Страшный суд» из Старой пинакотеки и «Распятие» из Брюссельского музея изящных искусств), так и на брызжущих безудержной энергией, сочных по палитре, бесстыдных по эротизму сценах из античной мифологии (в Старой пинакотеке — «Битва амазонок» и «Похищение дочерей Левкиппа»).
rubens_16_smallКомпозиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские», которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью.
В 1610-е гг. Рубенс разрабатывает новые для фламандской живописи формы, в частности, жанр охотничьих сцен, которые проникнуты страстной динамикой зрелого барокко («Охота на крокодила и гиппопотама»).
rubens1В 1621 г. фландрская регентша Изабелла Испанская сделала Рубенса своим советником по вопросу продления перемирия с Голландской республикой. С этого времени фламандский живописец, который отличался обходительностью, был начитан, знал шесть языков и состоял в переписке со многими короноваными особами (его называли «королём художников и художником королей»), становится ценным приобретением для дипломатии испанских Габсбургов.
В 1622 г. Рубенса вызвала в Париж наслышанная о его славе вдовствующая королева Мария Медичи; ему было поручено заполнить картинами из её жизни два длинных перехода в новопостроенном Люксембургском дворце. Над исполнением этого заказа rubens3Рубенс работал в Антверпене два года. В 1625 г. в его присутствии 21 полотно из жизни королевы было установлено в Люксембургском дворце (впоследствии перенесены в Лувр). Он получил заказ на такую же серию из жизни её супруга Генриха IV, но этот проект так и остался неосуществлённым.
В 1628 г. король Филипп IV пригласил Рубенса в Мадрид, где тот получил возможность лицезреть богатейшее собрание произведений своего кумира, Тициана, а также копировать их. В 1629 г. ему было поручено отправиться в Лондон для проведения мирных переговоров с Карлом I, что и было исполнено с блеском. Во время пребывания в английской столице Рубенс покрыл потолок rubens6выстроенного Иниго Джонсом зала банкетов Уайтхолльского дворца аллегориями из жизни отца монарха, Якова I. За эти заслуги король возвёл художника в рыцари, а Кембриджский университет произвёл его в почётные доктора.
16-летнюю дочь друга, Елену Фоурман. В последнее десятилетие жизни она становится излюбленным предметом его портретов, среди которых выделяется своей игривостью «Шубка» (1638, Музей истории искусств). Мы узнаём её черты в «Саду любви» (1634), в «Трёх грациях» (1638) и в «Суде Париса» (1639). Портреты семьи Рубенса
Гораздо чаще, чем раньше, позднего Рубенса влекут пейзажи. Такие брейгелевские пейзажи, как «Пейзаж с радугой» (1636) и «Замок Стен» (1637), обязаны своим rubens10появлением приобретению Рубенсом в 1635 г. брабантского поместья Элевейт неподалёку от Мехелена. Средства на покупку доставил полученный от испанского короля заказ на 120 иллюстраций к текстам классических авторов, преимущественно Овидия.
Жизнь в сельской местности приблизила Рубенса не только к природе, но и крестьянам. В таких вещах, как «Кермеса» (1638), он пытается превзойти Брейгеля в изображении разудалой стихии народного праздника.
Работать ему с каждым годом становилось всё труднее из-за прогрессирующей подагры. В 1640 г. Рубенса не стало. В его антверпенском доме после реставрации был rubens16открыт (в 1947 г.) музей Рубенса.
Рубенс никогда не стеснялся подражать тем из предшественников, которые восхищали его, и особенно Тициану с Брейгелем. Первое десятилетие его творчества представляет картину трудолюбивого и методичного освоения достижений художников XVI века. Благодаря такому подходу он освоил все жанры ренессансной живописи и стал самым универсальным художником своего времени.
Многочисленность подписанных Рубенсом работ (которые исчисляются тысячами) свидетельствует о том, насколько большую помощь художнику оказывали его ученики, среди которых — такие виртуозы, как Якоб Йорданс и Франс Снейдерс. В 1620-е гг. произведения мастерской Рубенса наводнили не только Испанские rubens_19Нидерланды, но и всю Европу.

Можно предположить, что для холстов большого размера сам мастер выполнял только первоначальный эскиз композиции и наносил краски на те участки, которые требовали особой проработки. Зачастую он представлял клиентам миниатюрный гризайльный эскиз будущего холста и, получив их одобрение, доверял его исполнение подмастерьям.

По материалам:  Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на сайте, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,  290 of images by the artist, and more.

Рублев Андрей

1370–1430

___20110210_1833246717Андре́й Рублёв (около 1360 — 17 октября 1428[2], Москва) — наиболее известный и почитаемый мастер московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Канонизирован Русской православной церковью в лике преподобных.
Биографические сведения о Рублёве крайне скудны: скорее всего, родился он в Московском княжестве (по другим сведениям — в Великом Новгороде) вероятно в конце 1370-х гг., из-за прозвища «Рублёв» (от слова «рубель» — инструмент для накатки кож) предполагают, что он мог происходить из ремесленной семьи. Принял монашеский постриг в Троице-Сергиевом монастыре при Никоне Радонежском с именем Андрей; мирское имя 1IMG_01неизвестно (скорее всего, по тогдашней традиции, оно тоже начиналось на «А»). Сохранилась икона, подписанная «Андрей Иванов сын Рублёв»; она поздняя и подпись явно поддельная, но, возможно, является косвенным свидетельством того, что отца художника действительно звали Иваном.

Творчество Рублёва сложилось на почве художественных традиций Московского княжества; он был хорошо знаком также со славянским художественным опытом. Первое упоминание об Андрее в летописи появилось только в 1405 году, свидетельствующее о том, что Феофаном Греком, Прохором-старцем и чернецом Андреем Рублёвым был расписан Благовещенский собор в Московском кремле. 20640136_zarhВидимо, к 1405 году Андрей основательно преуспел в своём мастерстве иконописи, если монаху поручили такую ответственную работу и к тому же с Феофаном Греком. Второй раз в летописи Андрей упоминается в 1408 году, когда он делал росписи с Даниилом Чёрным в Успенском соборе во Владимире. Прошло всего 3 года, а у Андрея уже появились помощники и ученики, к тому времени у Андрея уже полностью сформировался свой индивидуальный, настоящий русский стиль. В 1420-х годах Андрей с Даниилом Чёрным руководил работами в Троицком соборе Троице-Сергиева монастыря. Эти росписи не сохранились. В 1411 или 1425—27 годах он создал свой шедевр — «Троицу».

57746958_Spas_v_silah_1408Рублёв скончался во время морового поветрия 17 октября 1428 года в Москве, в Андрониковом монастыре, где весной 1428 года выполнил свою последнюю работу по росписи Спасского собора. Похоронен возле колокольни в Андрониковом монастыре (Спасский собор).
В 1993 году археологическими раскопками был обнаружен древний престол Спасского собора и мощи, которые с определённой вероятностью могут быть приписаны Андрею Рублёву.
Мировоззрение:
На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV — начала XV века, для которого характерен глубокий интерес к нравственным и духовным проблемам. В своих 68815820_image001произведениях в рамках средневековой иконографии Рублёв воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Эти качества присущи иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил», все — рубеж XIV—XV веков, по другим исследованиям, 10-е годы XV века, Третьяковская галерея), где лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.

В конце XIV — начале XV века (по другим исследованиям, около 1412) Рублёв создал свой шедевр — икону «Живоначальная Троица» (Третьяковская галерея). Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским image005_thumbсодержанием. Отойдя от традиционной иконографии, он поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса — клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это — указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть ещё несколько символов: дерево и дом. Дерево — мамврийский дуб — превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность mainТроицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо — за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора — за спиной третьего ангела (Святой Дух).

В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами — Успенский собор во Владимире (роспись сохранилась частично) и создал иконы для его монументального трёхъярусного иконостаса, ставшего важным этапом формирования системы высокого русского иконостаса. Из фресок Рублёва в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная portrait-of-an-unknown-lady-in-a-white-cap-s-0030сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовн
Творчество:
В 1425—27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. Сохранились иконы; они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествам. Время, когда на Руси назревали новые междоусобные войны и гармонический идеал человека, сложившийся в предшествующий период, не находил опоры в действительности, сказалось и на творчестве Рублёва. В ряде произведений Рублёву удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Колорит икон более сумрачен по сравнению с Rublev-Trinity-7ранними произведениями; в некоторых иконах усиливается декоративное начало, в других проявляются архаические тенденции. Некоторые источники называют роспись Спасского собора Андроникова монастыря(весной 1428 года; сохранились лишь фрагменты орнаментов) последней работой Рублёва.

Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде (конец XIV — начало XV века; сохранились фрагменты), иконы — «Владимирская богоматерь» (около 1409, Успенский собор, Владимир), «Спас в силах» (1408, Третьяковская галерея), часть икон праздничного чина («Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим» — все около 1405) Благовещенского собора iМосковского Кремля (иконостас этого собора, согласно новейшим исследованиям, происходит из Симонова монастыря), часть миниатюр «Евангелия Хитрово» (около 1395 года, Российская государственная библиотека, Москва).

Существует предположение, что в иконостасе Благовещенского собора Московского Кремля, среди икон, которые, по мнению ряда исследователей, могут принадлежать кисти Рублева, имеется автопортрет Андрея Рублева в образе Иуды Искариота.

Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Совершенство его творений рассматривается как результат особой исихастской традиции. Уже при жизни Андрея его иконы весьма ценились и почитались как чудотворные.
По материалам:Википедия,Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

17__-_~1Рубо Франц Алексеевич/Roubaud Francois(Батальная живопись)

1856–1928

Франц Алексеевич Рубо (17 июня 1856 года, Одесса, Российская империя — 13 марта 1928 года, Мюнхен, Германия) — русский художник-панорамист, академик и руководитель батальной мастерской Академии художеств, создатель трёх батальных панорам: «Оборона Севастополя», «Бородинская битва», «Штурм аула Ахульго».

rubo_04_smallОсновоположник отечественной школы панорамной живописи, автор около двухсот монументальных полотен.

Родился 15 июня 1856 году в Одессе в семье французского коммерсанта. Его отец — переселившийся в Россию французский книготорговец, уроженец Марселя Алекс Рубо; мать — Мадлен Сенек держала свой дом моделей.

В 9 лет он был определен в Одесскую школу рисования и черчения, а в 1878 году поступил в Баварскую королевскую академию художеств.

rubo_03_smallЕго учителем стал Йозеф Брандт. В период обучения в Мюнхене, каждое лето уезжал в Россию, на Украину, Кавказ и в Среднюю Азию, делая там многочисленные этюды с натуры.Кавказ стал одной из самых любимых тем художника.

В 1886 году он получил заказ на написание 19 картин на тему Кавказских войн для Тифлиса. Чтобы выполнить заказ, живописец изучал исторические события, знакомился с местами сражений. На Кавказе художник создал целую галерею колоритных образов горцев.

rubo_02_smallВ 1889 году в залах Императорского Общества поощрения художников открылась первая персональная выставка Ф. А. Рубо.

Это был период расцвета Рубо как мастера станковой живописи. Участвовал живописец и в академических выставках 1896 и 1898 годов.

Специально для них было создано несколько полотен, в том числе «Живой мост», «Кавказская разведка», «Переправа через горную реку».

rubo_07_smallВерный реалистическому идеалу в искусстве, стремясь во всей широте передать героическое прошлое русского народа, Рубо избирает для осуществления своих замыслов такой вид изобразительного искусства, как панорама.

Он стал основоположником русской школы батальной панорамы.

Этот вид изобразительного искусства привлек мастера тем, что давал возможность создавать монументальные произведения, в яркой форме воскрешающие rubo_01_smallзнаменательные события в истории России.

Еще во время работы над картиной «Штурм аула Ахульго» (1888) для Храма Славы Рубо задумал и вскоре создал панораму на ту же тему.

В 1891 году после экспонирования этой панорамы в Мюнхене Баварская академия художеств присвоила Рубо почетное звание профессора.

Художник также был награжден орденом святого Михаила. Затем панораму rubo_05_smallдемонстрировали в Париже, где она имела большой успех.

В 1896 году на Нижегородской всероссийской художественно-промышленной выставке для панорамы «Штурм аула Ахульго» построили специальное здание.

Панорама была приобретена Военным министерством в 1897 году для Тифлиса.Однако посетители смогли ее увидеть только в 1909 году, но не в Тифлисе, а в Севастополе, в здании панорамы «Оборона Севастополя».

2Севастопольская панорама в это время экспонировалась в Санкт-Петербурге на Марсовом поле.

В 1924 году панорама «Штурм аула Ахульго», хранившаяся на валу в Артиллерийском историческом музее в Ленинграде, пострадала во время наводнения.

В плохом состоянии в 1928 году ее передали в Дагестанский краеведческий музей. В 51320947настоящее время четыре фрагмента панорамы хранятся в Махачкале.

Уже будучи зрелым мастером, летом 1901 года художник получил официальный заказ на создание панорамы, посвященной 50-летию героической обороны Севастополя в период Крымской войны 1853-1856 годов.

31275218Рубо последовательно реализовал один из принципов реалистического панорамного искусства — принцип единства времени, показав момент отражения защитниками Севастополя самого яростного штурма, предпринятого неприятелем 6 (18) июня 1855 года, когда героизм русских воинов проявился особенно ярко.

В феврале 1909 года панорама была выставлена для показа в Петербурге, а затем 98170950отправилась в Севастополь.

В период работы над панорамой «Оборона Севастополя», в апреле 1903 года, Рубо узнал об избрании его профессором петербургской Академии художеств, руководителем батальной мастерской Высшего художественного училища академии.

За большие заслуги в художественной деятельности Рубо в 1908 году был награжден rubo_08_smallорденом Святой Анны 2-й степени и избран академиком Императорской Академии художеств.
В 1910 году Франц Алексеевич приступил к работе над панорамой «Бородинская битва».

Одно из ранних упоминаний о панораме «Бородино» относится к 31 октября 1909 года. В этот день на заседании Императорского русского Военно-исторического общества рассуждали «О способах ознаменования столетней годовщины «священной памяти Двенадцатого года»».

rubo_12_smallВ ноябре 1909 года члены упомянутого общества В. А. Афанасьев и профессор Императорской Николаевской военной академии Б. М. Колюбакин высказали Францу Рубо идею написания панорамы, посвященной Отечественной войне.

Сам художник начал работать над картиной задолго до формального подписания в марте 1911 года договора о создании панорамы. В ноябре 1910 года Рубо представил на утверждение государя эскиз панорамы «Бородино».

После почти двухлетних подготовительных работ картина (размеры живописного rubo_14_smallполотна 115ґ15 м) была написана за 11 месяцев. Францу Рубо помогали пять немецких живописцев.

Француз по национальности, проживший большую часть жизни в Мюнхене, Рубо был поистине русским художником, пропагандистом русского искусства.

Именно по его инициативе на Международной художественной выставке в Мюнхене работал русский отдел, представлявший лучшие достижения отечественной живописной школы.

rubo_09_smallРубо отдавал также много сил и преподаванию, возглавив в 1903 батальную мастерскую Академии художеств.

С 1888 все наиболее крупные свои заказы выполнял в своей мастерской в предместье Мюнхена, руководя бригадой немецких художников (при создании «Бородинской битвы» с ним сотрудничал также И. Г. Мясоедов).

В 1912 окончательно поселился в Германии.Живя вдали от Родины, истинным патриотом которой являлся, Рубо не написал ничего равнозначного панораме rubo_13_small«Бородино».

Не получая больше заказов из России, приспособиться к местной художественной жизни не смог и умер в забвении в марте 1928 года в Мюнхене.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Статья М. Н. Соколова из Энциклопедии Кирилла и Мефодия, Работы художника на сайте.

46627665_Philipp_Otto_Runge_005Рунге Филипп Отто/Runge Philipp Otto(Романтизм)

1777—1810

 

Филипп Отто Рунге (нем. Philipp Otto Runge, 23 июля 1777, Вольгаст — 2 декабря 1810, Гамбург) — немецкий художник-романтик, крупнейший — вместе с Каспаром Давидом Фридрихом — представитель романтизма в немецком изобразительном искусстве.

runge_02_smallРодился Рунге 23 июля 1777 года в Вольгасте, на севере Германии в многодетной семье корабелов в Западной Померании , находившейся в тот период под управлением Швеции.

Его школьным учителем был Людвиг Козегартен. С 1799 при финансовой поддержке брата (впоследствии его трудами были изданы статьи, письма и заметки художника) обучался живописи у Йенса Юэля в академии Копенгагена.

В 1801 сблизился в Дрездене с К. Д. Фридрихом и Людвигом Тиком, углубился в runge_04_smallмистические трактаты Бёме, на которые обратил его внимание Тик.

Близкий к кругу немецких романтиков-литераторов, сам видный теоретик живописи, уделявший большое внимание проблемам цвета и его гармоний, художник Рунге стремился всю свою недолгую жизнь к построению сложных, надуманных аллегорий.

В 1803 познакомился и подружился с Гёте, с которым разделял интерес к проблематике цвета, — натурфилософские и естественнонаучные поиски обоих, runge_03_smallпитаясь разными источниками, шли в сходном направлении: Гёте, всегда более чем сдержанно относившийся к романтизму, с неизменным одобрением высказывался о творчестве и теоретизировании Рунге.

В 1804 женился и переехал в Гамбург. В 1810 опубликовал трактат о цветоделении и цветовой классификации Цветовая сфера (гётевское Учение о цвете появилось в том же году).

Филипп Рунге мечтал о фантастико-музыкальной поэме в цикле картин «Четыре 176066_0времени суток», но действительно живые образы немецкий художник создал, обратившись непосредственно к натуре.

Портреты составляют лучшую часть художественного наследия живописца Филиппа Рунге.

В «Автопортрете» (1805, Гамбург, Кунстхалле) поэтическое восприятие действительности у художника сочетается с зоркостью взгляда аналитика, со строгим и точным мастерством рисунка.

73v096aПоследние годы работал над большим мистико-философским живописным замыслом Четыре времени дня, работа осталась незавершенной.

 

Философская глубина мысли, озабоченность за судьбу человека, восхищение богатством и красотой родной природы отличают это произведение Филиппа Рунге.

Runge_KinderСкончался Рунге 2 декабря 1810 года в Гамбурге от туберкулёза.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Живопись и графика художника on line, Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на Web Gallery of Art, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Монография П. Ф. Шмидта Филипп Отто Рунге, его жизнь и творчество, 1923год.

 

251_lgРуо Жорж/Rouault Georges Henri(Экспрессионизм)

1871—1958

 

Жорж Руо (фр. Georges Henri Rouault; 27 мая 1871, Париж — 13 февраля 1958, там же) — французский живописец и график, наиболее крупный представитель французского экспрессионизма.

rubo17Родился Руо 27 мая 1871 года в бедной семье, в рабочем квартале Парижа рядом с кладбищем Пер-Лашез.

Первые дни жизни прошли под грохот пушек, громивших баррикады Парижской коммуны.

Дед, почтовый служащий, был коллекционером-любителем, собирал гравюры Калло, литографии Домье.

Отец, ремесленник по профессии, христианский социалист по убеждениям, отдал сына rouault_03_smallв протестантскую школу. С 1885 года Руо два года учился у художника-витражиста, потом, с 1891 года — в Академии изящных искусств у символиста Гюстава Моро, был его любимым учеником, а после смерти мастера (1898) стал хранителем его музея.

Зрелость и творческие связи:
Собственный стиль художника, сформировавшийся к 1903 году, замечателен своей мощью и энергией.

rouault_02_smallФормы в его полотнах упрощены или искажены, очерчены толстыми черными контурами и окрашены в глубокие яркие цвета. Данный прием возник как воспоминание о работе в мастерской первого учителя Руо — витражиста.

Художник мастерски использует этот стиль для нагнетания трагизма при создании картин на религиозные сюжеты или для выявления некой таинственной силы зла в изображении современных ему персонажей.

Руо познакомился с учениками Моро Матиссом, Марке, стал одним из основателей Georges-Rouault-Mythical-Landscape-Paysage-legendaire-Осеннего Салона (1903). Сблизился с католическим писателем Леоном Блуа.

Выставлялся вместе с фовистами, но держался в стороне от их декоративности, скорее продолжая линию Ван Гога.

С 1907 года в круг постоянных тем живописи и графики Руо вошли судьи, клоуны, проститутки. Они приобрели характер аллегорий, выстраиваясь вокруг основного аллегорического образа зрелой живописи Руо — фигуры Христа (нередко — Христа и Магдалины). Дружил с религиозным философом Жаком Georges-Rouault-Clown-1Маритеном.

В 1910 году персональная выставка Руо прошла в столичной галерее Друэ. Его живопись вдохновляла немецких живописцев, впоследствии составивших ядро экспрессионизма.

При этом художник жил в крайней бедности. Только в 1917 году Руо подписал с известным коллекционером и торговцем картинами Амбруазом Волларом контракт, обеспечивший ему на десятилетия некоторый достаток и свободу в работе.

1485213296Признание:
В 1921 году была опубликована первая монография о творчестве Руо, в 1924 году его большая ретроспективная выставка прошла в галерее Друэ, художник получил от французского правительства орден Почётного легиона.

В 1929 году Руо создал декорации и костюмы для постановки Джорджем Баланчиным балета С. Прокофьева «Блудный сын» в парижском Театре Сары Бернар. Начиная с 1930-х годов его живопись и графика вызывают международный интерес.

320px-thumbnailC 1939 году, после гибели Воллара, началась многолетняя тяжба Руо с наследниками Воллара.

В ходе её он демонстративно сжёг в 1948 году более трёхсот своих работ.

Известность Руо росла, его выставки проходили в Лондоне, Нью-Йорке, Чикаго, Бостоне, Вашингтоне, Сан-Франциско, Нью-Йорке.

8e450cf0f237db847cdb558c084c1cb4Он с успехом участвовал в Венецианской Биеннале 1948 года.

Восьмидесятилетие художника в 1951 году отмечалось Католическим центром французских интеллектуалов в столичном Дворце Шайо,

он стал командором ордена Почётного легиона, папского Ордена Святого Григория Великого.

Georges-Rouault-Night-landscapeПосле смерти художника в Париже 13 февраля 1958 года французское правительство устроило Руо официальные государственные похороны.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,Работы художника в музеях мира,Works by Georges Rouault,  «George Rouault» at Spaightwood Galleries.

0_a1a02_26889af7_origРуссо Анри(Henri Julien Félix Rousseau)

1844-1910

Французский художник, самобытный представитель наивного искусства.

Родился в 21 мая 1844 году во французском городке Лаваль. Руссо воспитывался в семье рабочего. Отслужив в армии, он начал работать на таможне. Руссо известен не только как художник, но и как музыкант. Он написал вальс под названием «Клеманс». Это музыкальное произведение он посвятил своей первой жене, 3rus_bс которой вступил в брак в 1869 году.

К живописи Анри Руссо проявил интерес, будучи уже взрослым человеком. Естественно, образования художника у Анри не было, поэтому обучаться азам живописи ему пришлось самому. Общественность узнает о таланте этого художника только в 1886 году, когда он впервые представляет свои картины на «Выставке независимых».

В этом салоне были показаны две первые работы Руссо: «Заход солнца» и 12rus_b«Итальянский танец». Первое время в своей работе художник активно использует советы Клемана и Жерома.
В последующие годы появляются и другие работы художника, которые принесли ему известность.

Плодотворно работая и день ото дня оттачивая свое мастерство, Анри становится полноправным членом круга художников. От других примитивистов и реалистов его отличает неповторимый стиль работ.

13rus_bНачав писать пейзажи, художник дает волю своей безграничной фантазии. На его полотнах появляется экзотическая природа, естественные пейзажи преображаются под действием воображения художника.

Часто Руссо изображает в своих работах привлекательные джунгли. Руссо как художника отличала и особая работа с цветом. Художник тщательно прорабатывал тона картины и детали пейзажа.

Положительных отзывов о работах Руссо очень мало, часто картины его высмеивались 19rus_bза их простоту и условность. При этом знатоки живописи высоко ценили его творчество. Самое большое количество экзотических пейзажей среди работ Руссо появляется после смерти его второй жены. Главной работой последнего периода творчества художника стала картина «Сон».

Анри Руссо скончался в сентябре 1910 года. Причиной его смерти стала гангрена, которая развилась после травмы ноги. Умер художник в госпитале Неккера в Париже.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Works by Henri Rousseau, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”.

Theodore_RousseauРуссо Теодор/Rousseau Theodore(Барбизонская школа,реализм)

1812—1867

 

Теодор Руссо (фр. Théodore Rousseau) (15 апреля 1812, Париж — 22 декабря 1867, Барбизон) — французский художник-пейзажист, основатель барбизонской школы, объединившей первых художников, использовавших в творчестве пленэр.

runge10Брат менее известного художника Филиппа Руссо. Творчество Теодора Руссо относят к реализму.

Теодор Руссо родился 15 апреля 1812 года в Париже. Как художник формировался в основном самостоятельно.

Первые уроки живописи Теодор Руссо получил у своего двоюродного брата-художника.

В пятнадцать лет его взял в обучение на два года художник-пейзажист Жан Шарль rousseau_02_smallРемон . Теодор Руссо путешествовал по Оверни и Нормандии, что нашло отражение в его творчестве.

В 1831 г. девятнадцатилетний Руссо подал заявку на участие в Парижском салоне.

Его пейзаж дикой природы Оверни получил признание благодаря живой технике письма.

Следующие четыре Парижских салона были для Теодора Руссо неудачными, и он не 27451314_1213813972_Teodor_Russo_Malen_kiy_ruybak1849участвовал в публичных выставках вплоть до 1849 г.

Испытал влияние Якоба ван Рейсдала, Джона Констебла, Жана Мишеля. Уже в ранних картинах («Вид в окрестностях Гранвиля» 1833 год, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и особенно в произведениях зрелой поры, исполненных художником в Барбизоне (где жил с конца 1830-х годов) и во время частых поездок по Франции, Теодор Руссо стремился стать, по его собственным словам, «художником своей страны»,раскрывая в глубоко 565B5188демократических образах особенности национальных ландшафтов (преимущественно сельских и диких).

Руссо ввёл понятие «интимного пейзажа», мотивы для которого предоставлял в основном лес Фонтенбло.

При простоте и натуральности изображённого главную роль в нём призван играть общий колорит картины, сильно и поэтично передающий настроение, создаваемое в душе художника природой в тот или другой момент времени.

70123692_800px12_zodiacВ 1832-33 гг. он впервые вышел на пленэр.

Зиму 1836—1837 гг. Руссо провёл вместе с художниками Нарциссом Виржилем Диасом де ла Пенья и Алиньи (фр.)русск. в Барбизоне.

Природа Барбизона произвела на него такое большое впечатление, что Руссо стал приезжать туда каждый год, а с 1848 г. окончательно переселился туда со своей pierretiennethodorerousженой.

Со временем вокруг Руссо образовался круг его коллег-художников, как и он писавших природу на природе — Каба, Добиньи и Дюпре. Так постепенно возникла барбизонская школа.

Произведения Теодора Руссо обычно отмечены гармонической уравновешенностью medium_20100725110309584892композиционных решений (что связано с манерой мастера замыкать средний план, акцентируя центр композиции).

Используя сдержанную тональную гамму и стремясь к убедительному воплощению материальности предметов, Руссо тонко передавал различные состояния природы, световоздушной среды и во многом способствовал развитию принципов живописи пленэра («Рынок в Нормандии», около ep11_45_5_R1832, Эрмитаж; «Аллея каштанов», 1837, «Болото в Ландах», 1852, «Дубы», 1852, все — в Лувре, Париж; «Вид в Барбизоне», Музей изобразительных искусств, Москва).

Известен также как рисовальщик и офортист. Придавая композиции уравновешенность и монументальность, Руссо тонко воплощал материальность предметного и природного мира.

1240720162Сто лет назад спокойные, в тяжелых рамах, полотна с изображением могучих дубов вокруг деревни Барбизон в лесу Фонтенбло были для большинства людей в Америке и Англии картинами новыми и воистину престижными для их владельцев с точки зрения вложения капитала.

Наши прапрадеды не ошибались. Эти достойные и великолепные полотна, написанные в середине XIX столетия, давали уверенность, поднимали настроение.

2348221В 1860-е годы они были благожелательно встречены публикой, и это убедило работавших в окрестностях Парижа молодых художников в том, что пристально наблюдаемый,

натуралистический пейзаж, восходящий к таким авторитетам двухсотлетней давности, как Рейсдал и Хоббема, остается жизнеспособной формой в искусстве их собственного времени.

0_6c504_12bb5010_XLТеодор Руссо умер в 1867 г. в возрасте 55 лет от разрыва сердца.

По материалам:Wikipedia,  Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Rehs Galleries’ biography on the artist,  Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,Работы художника на сайте, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.