Валеджо Борис

1941–

Борис Валеджо (Вальехо исп.) (исп. Boris Vallejo) — современный американский художник.

Родился 8 января 1941 года в Лиме, Перу.

В 1964 году эмигрировал в США, где живёт в настоящее время. Женат на художнице и соавторе Джулии Белл.

От предыдущего брака с Дорис у него двое детей: сын Дориан и дочь Майя, которые тоже занимаются изобразительным искусством.

Работает в стиле фэнтези. Лучший мастер в области рисования красивых мужских

и женских тел. Борис Валледжо не рисует людей с натуры. Обычно он имеет дело с фотографиями, чтобы не заставлять модели подолгу позировать, хотя у него за плечами — длительный опыт зарисовок с натуры.

В конце концов, модель или фотография — это всего лишь отправная точка. Его живопись — это полет фантазии, а не документальный рассказ о земной реальности.

В процессе преобразования рисунка или фотографии в окончательный вариант картины, возникают сознательные и бессознательные вариации образа, и в конечном итоге изображение становится более драматичным.

Картины Балледжо основаны на существующей реальности, но он далеко ушел от слепого следования природе.

Основная тема картин – сказочные герои на фоне фантастических пейзажей.

Наиболее известные: «Египетская принцесса», «Крылья ночи», «Амазонка наездница», «Смотри — бабочки», «Сад в горах».

Валлоттон Феликс(Felix Vallotton)

1865-1925

Швейцарский художник, график, участник группы «Наби»

Родился 28 декабря 1865 года в Швейцарии. Феликс обучался в кантональной гимназии Лозанны. Уже в это время юноша проявляет интерес к живописи. Он начинает заниматься у художника Гиньяра. Заметив способности сына, отец Феликса отвозит его в Париж. Здесь Валлоттон поступает в Академию Жюлиана. В этот период начинающий художник ищет свой творческий путь, он изучает произведения других мастеров, посещая музеи. Чтобы зарабатывать какие-то средства, Валлоттон работает в журналах, создавая для них иллюстрации.

Первая работа Валлоттона появилась на выставке 1885 года. Картина «Портрет старика» имела большой успех. В это же время художник осваивает технику создания офорта. Он делает репродукции картин Милле, Рембрандта и других мастеров. Однако впоследствии настоящую известность приносят ему не офорты, а ксилография. Валлоттон работал также над акварелями, гравюрами на дереве. Серия гравюр «Купальщицы» принесла ему известность. Во многом с этой работы началось увлечение художника черно-белыми контрастами, которое впоследствии стало его визитной карточкой.

С 1891 года Валлоттон активно принимает участие в выставках Салона Независимых, а позднее – группы «Наби». Несмотря на то, что Валлоттон тесно общался с представителями этой группы, его творчество разительно отличалось от их работ.

Характерная черта всех картин художника – некоторая язвительность, критическая оценка изображаемого. В своих работах Валлоттон не стремился к художественности, напротив, его картины часто напоминали карикатуры. Эта черта побудила многих критиков негативно относиться к творчеству этого художника.

В 1899 году Валлоттон женится на Габриеле Родригес-Хенрикс. Брак с дочерью известного торговца картинами обеспечил художнику безбедную жизнь. В галерее отца своей супруги Валлоттон неоднократно выставлял свои работы.

Творчество художника всегда отличалось разнообразием. Он создавал гравюры, картины, иллюстрации для книг.

Валлоттон проявлял интерес к импрессионизму, однако стремился к изображению не отвлеченного мимолетного впечатления, а устоявшихся явлений и форм.

В течение всей жизни Валлоттон работал в Париже, нередко путешествуя по Швейцарии, Франции и другим странам.

В военные годы художник откликнулся на происходящее серией ксилографий «Такова война», позднее занимался в основном только живописью.

Феликс Валлоттон скончался 29 декабря 1925 года в Париже.

Ван Гог Винсент

1853–1890

Винсент ван Гог — голландский живописец, представитель постимпрессионизма.

Родился 30 марта 1853 года в деревушке Грот-Зюндерт, в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов.

Первые уроки рисования он получил в колледже Виллема II в Тилбурге. О своём детстве он вспоминал так: «Моё детство было мрачным, холодным и пустым…»

Закомство с живописью Винсент начал, работая с июля 1869 года в гаагском филиале крупной художественно-торговой фирмы Goupil & Cie.

Его переводили по работе, то в Лондон, то в Париж. Здесь он посещал выставки в Салоне и Лувре.

В 1876 году Винсент возвратился в Англию, где он выполнял работу учителя и помощника пастора. Очень скоро он вернулся в Амстердам.

В 1880-х Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880–1881) и Антверпене (1885–1886), с увлечением рисовал шахтёров, крестьян, ремесленников.

В серии картин и этюдов середины 1880-х гг. («Крестьянка», 1885, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Едоки картофеля», 1885, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам), написанных в тёмной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздавал гнетущую атмосферу психологической напряжённости.

В 1886-1888 Ван Гог жил в Париже, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена.

В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок («Мост через Сену», 1887, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам; «Папаша Танги», 1887, Музей Родена, Париж).

В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Наиболее известные картины мастера: «Бульвар Клиши» 1887, «Сады Монмартра» 1887,

«Поле пшеницы с жаворонком» 1887, «Автопортрет в серой фетровой шляпе» 1887, «Цветущая слива» 1887, «Ирисы» 1889, «Хижины» 1890, серии натюрмортов: «Подсолнухи» и «Красные виноградники в Арле».

Напряжённая работа Ван Гога в последние годы сопровождалась приступами психической болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле,

затем в Овер-сюр-Уаз, где он покончил жизнь самоубийством 29 июля 1890 года, смертельно ранив себя выстрелом из пистолета.

Ван Даль Жан Франсуа

1764–1840

Жан-Франсуа (Ян Франс) Ван Даль Jean-Francois (Jan Frans) van Dael Родился 27 мая 1764 В Голландии (Антверпен).

Французский живописец и литограф фламандского происхождения.

Несмотря на свое раннее увлечение живописью, с 1776 г. изучал архитектуру в антверпенской Академии. В 1786 Дейл обосновался в Париже, как декоратор.

В 1793 он приобретал жилье в Лувре рядом с соотечественниками Пьером Жозефом Редутом, Пиатом Жозефом Соважем (1744–1818) и Жераром Ван Спайндейком.

Под влиянием Спайндейка он увлекается цветочной живописью, в которой затем специализировался оставшуюся часть жизни.

ван Даль был плодовитым и успешным художником, работая по заказам таких богатых и влиятельных патронов, как императрицы Жозефина и Мария-Луиза Бонапарт (1791–1847), а также короли Людовик XVIII и Карл X.

С 1793 до 1833, Даль регулярно выставлялся в Парижском Салоне, а после 1807, иногда в Нидерландах. Ван Даль оставался преданным фламандской традиции цветочной живописи, («Розы и Бабочки», 1802, Лилль).

Но он также привнес в свои картины много французского, вдохновленный японской икебаной и декоративной монументальностью.

В некоторых из его натюрмортов декоративных фруктов и икебан, фон пейзажа делается наброском. Сохранились также несколько чистых пейзажей, включая «Дом живописца» (1822, Роттердам).

Умер – 20 марта 1840 в Париже.

Ван Дейк Антонис

1599—1641

Ван Дейк Антонис — фламандский живописец.
Родился 22 марта 1599 г. в Антверпене в семье богатого торговца тканями. С 1609 г. учился у X. ван Валена, а к 1615 г. уже имел собственную мастерскую.

Около 1618—-1620 гг. работал помощником у П. П. Рубенса, в конце 1620 — начале 1621 г. — при дворе английского короля Якова I, затем вернулся в Антверпен.

С конца 1621 г. Ван Дейк жил в Италии, главным образом в Генуе.

С 1632 г. он работал в Лондоне как придворный художник Карла I. С юных лет Ван Дейк проявлял интерес к портретной живописи (портрет Я. Вермёлена, 1616 г.).

В 1615—1616 гг. в своей мастерской вместе с другими молодыми художниками он выполнил серию «Головы апостолов», писал картины на религиозные и мифологические сюжеты («Распятие святого Петра», 1615—-1617 гг.; «Юпитер и Антиопа», около 1617— 1618 гг.).

Испытав сильное влияние живописной манеры Рубенса, варьируя выработанные им приёмы и образы, Ван Дейк придавал героям своих картин более изящный облик («Иоанн Креститель и Иоанн Евангелист», 1618 г.).

В работах 1620—1621 гг. (портрет Ф. Снейдерса с женой, «Святой Мартин» и др.) определилось стремление художника к одухотворённому благородству образов, проявилась его чуткость к неповторимым особенностям каждого человека.

В Италии Ван Дейк выработал и довёл до совершенства тип парадного портрета барокко, в котором играют роль поза, осанка и жест (портрет кардинала Г. Бентивольо, около 1623 г.).

Знакомство с колористикой венецианской живописной школы сказалось в галерее блестящих парадных портретов генуэзской знати. В то же время Ван Дейк создал выразительные образы одарённых людей (портрет скульптора Ф. Дюкенуа, около 1622 г.; мужской портрет, около 1623 г.). Конец 20-х — начало 30-х гг. XVII в. — период высшего творческого подъёма Ван Дейка. Ему удалось в парадных портретах органично соединить индивидуальные характеристики образа с торжественностью его представления (портрет Марии Луизы де Тассис, между 1627 и 1632 гг.).

В камерных портретах, в частности живописца Ф. Снейдерса, около 1620 г.), художник раскрыл богатство духовной жизни своих современников.

Очень эффектны религиозные и мифологические композиции: «Мадонна дель

Розарио» (начата в 1624 г.), «Отдых на пути в Египет» (между 1627—1632 гг.).

С 1632 г. и до смерти (9 декабря 1641 г.) работая в Лондоне,

Ван Дейк много рисовал короля («Карл I на охоте», около 1635 г.),

членов его семьи («Дети Карла I», 1637 г.) и знатных вельмож.

Ван ден Eycken Чарльз(Charles van den Eycken)

1859–1923

Чарльз родился 17 апреля 1859 в Бельгии в семье художников.

Дедушка, Франс Ван ден Эйкен, и отец, Шарль Ван ден Эйкен, были художниками.
Сначала Ван ден Эйкен обучался живописи у них, а затем продолжил своё обучение в Академии Брюсселя у Дж. Стивенса-художника-анималиста.

Как и многие его современники, Ван ден Eycken специализируется на живописи домашних животных часто в симпатичных и игривых ситуациях.

Чарльз родился 17 апреля 1859 в семье художников — его дед, Франс ван ден Eycken, и отец, Чарльз Ван ден Eycken, были художники.

Его дед был художником декораций и его отец был известный художник-пейзажист. Ранние учения Чарльза пришел от его, и он продолжил учебу в Академии Брюсселе под Дж. Стивенс, жанр и художник-анималист.

Чарльз был членом L’Essor — группу, которая была основана в 1876 году, когда Реализм стал объединяющим движение среди многих молодых художников.

Группа организовала ряд выставок в Брюсселе и в Остенде, Антверпен и Лондон;, помогающих вам распространить их имена по всей Европе.

Чарльз был также постоянным участником Брюссельской Салоне и был награжден многочисленными медалями.

Ван ден Eycken считается одним из ведущих отечественных художников животных 19-го века и даже при его жизни они высоко ценятся — получая комиссию от королевы Генриетта Бельгии.

Умер в 1923 году.

Васнецов Виктор

1848–1926

Васнецов Виктор Михайлович (Viktor Mikhailovich Vasnetsov, 1848–1926),

великий русский художник, один из основоположников русского модерна в его национально-романтическом варианте.

Родился в селе Лопьял (Вятская губерния) 3 (15) мая 1848 в семье священника.

Учился в духовной семинарии в Вятке (1862–1867), затем в рисовальной школе при Обществе поощрения художеств в Петербурге (где наставником Васнецова был Иван Николаевич Крамской) и в петербургской Академии художеств (1868–1875).

Васнецов — основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна.

Живописец Васнецов преобразовал русский исторический жанр, соединив мотивы средневековья с волнующей атмосферой поэтической легенды или сказки.

Мастер живописи на бытовые, исторические и фольклорные сюжеты, на тему русских былин и народных сказок.

Прославился картинами: «Витязь на распутье» 1882, «Алёнушка» 1881, «Иван Царевич на Сером Волке» 1889, «Богатыри» 1898, «Царь Иван Васильевич Грозный» 1897, «Три царевны подземного царства» 1881 г. Умер 23 июля 1926.

Ван Хоув Бартоломеус

1790–1880

Bartholomeus Йоханнес ван Хоув (родился 28 октября 1790 в Гааге — умер 8 ноября 1880 года в Гааге) был голландский художник и отец Hubertus ван Хоув . Он сыграл важную роль в развитии творчества его многочисленных учеников. Он был в состоянии преподавать свои навыки, чтобы большая группа художников, из которых особенно Йоханнес Bosboom и Йохана Хендрика Weissenbruch вырасла до больших творческих высот.Ван Хоув был учеником своего отца, Hubertus ван Хоув Старшего и художник театра JHAA Breckenheijmer, и был назначен в 1820 году директором в Гаагской академии Teeken.

В этом качестве он стал учителем Карел Jacobus Behr , Petrus Августа Beretta , Питер Gerardus Бернхард , Йоханнес Bosboom , Корнелис де Кока , Йоханнес Иосиф Дестре , Lambertus Харденберга , его сын Huib ван Хоув , Йоханнес ван Хоув , Герман Gijsbert Keppel Hesselink , Everhardus Костер , Шарль Leickert , Морис Леона , Фердинанд Карл Sierich , Йоханнес Anthonie Бальтазар Stroebel , Виллем Troost , Petrus Gerardus Vertin , Сэмюэл Verveer , Lodewijk Энтони Vintcent , Hendricus Stephanus Йоханнес ван Weerden , Ян Хендрик Weissenbruch , Корнелис Westerbeek и Саломона ван Witsen . [ 1 ]

Ван Хоув был также художник-декоратор и в 1829 году он стал преемником своего учителя JHAA Breckenheijmer в качестве художника в театре Гааги.

В 1847 году он стал одним из основателей студии Pulchri . Он также стал первым президентом этой группы, должность, которую он занимал до 1851 года. Он был также членом амстердамской Arti ET Amicitiae ,почетным председателем которой он стал в 1874 году.

Ватроуз Гарри Уилсон(Harry Wilson Watrous)

1857-1940

Гарри Уилсон Watrous — американский  академический художник-портретист, имевший в свое время большой успех. За всю свою выдающуюся карьереру он одинаково успешно создавал пейзажи, натюрморты, портреты.

Особенного успеха художник достиг в создании идеализированных портретов женщин. Но то, что особенно привлекает нас сегодня в его работах, так это серия картин его наиболее выдающегося этапа творчества, когда он работает слепой.

Тогда, именно из-за отсутствия зрения, художник достигает модернистского упрощения и синтетизма, особенно в его женских портретах, которые неожиданно покорили большинство гуру из капризного мира моды.

Они нашли, что его женская модель была прекрасно адаптирована к современности после Первой мирвой войны. Это был своеобразный идеал женщины в ту эпоху. Родился художник в Сан-Франциско в 1857 году, вырос в Нью-Йорке.

Он учился в частной школе в Нью-Йорке. После поездки в Калифорнию в 1881 году, Watrous утешествовал по разным странам в течение пяти лет. Начал он свое птешествие с южной Испании и Марокко.

Затем художник учился в Академии Жюльена в Париже с Леон Бонна, Гюстав Буланже и Жюля Joseph Lefebvre. Особенно зачительное влияние на ранние работы Watrous оказала живопись Жан-Луи Месонье: Watrous в начале своей академическй карьеры был известен как создатель жанровых картин, изображая людей в исторических костюмах в различных интерьерах, соответствующих эпохи.

Примерно в 1905 году, Watrous начал терять зрение и стал создавать более инновационные картины.

С 1905 по 1918 специализацией в живописи Watrous стали стилизованные женщины в соблазнительных костюмах. Символическое содержание этих картин делало их уникальными.

С 1918 по 1923 год художник переключился на создание пейзажей, особенно ночных.

В своих композициях он умело использовал контраст света и тени. Жена Watrous — Элизабет Snowden Nichols- тоже была художницей.

Художник служил секретарем в Национальной Академии дизайна с 1898 по 1920 год, а с 1933 года был президентом этой Академии.

Умер художник в Нью-Йорке в 1940 году.

Веласкес Диего

1599–1660

Веласкес Диего (1599–1660), великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес (Diego Rodriguez de Silva Velazquez).

Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство. Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье. Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни “бодегонес” (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (“Завтрак”, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Водонос”, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон). Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче особенностей натуры сближают живопись севильского периода художника Диего Веласкеса с караваджизмом.
В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства. Художник проницательнее вглядывался в мир, порывал с присущими искусству его времени условностями, искал пути к созданию полотен широкого обобщающего смысла. В картинах “Вакх” (“Пьяницы”, до 1630) и “Кузница Вулкана” (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами.
На формирование Диего Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634–1635, Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов.
В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Дама с веером”, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо).
Мудрая непредвзятость и человечность Веласкеса воплотились в его портретах королевских шутов и карликов (Эль Бобо из Кории, Эль Примо, так называемого Хуана Австрийского, Себастьяна Мора и других, все – 1631–1648, Прадо, Мадрид). Тонко и точно разработанная гамма красных и розовых оттенков – эмоциональный ключ к пониманию жестко-правдивого образа папы Иннокентия Х (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим), портрет которого Веласкес написал во время второй поездки в Италию в конце 1648 – середине 1651 годов.
К этому же периоду относятся “Венера перед зеркалом” (около 1650, Национальная галерея, Лондон), в которой необычный композиционный прием (лицо Венеры видно только в зеркале) придает особую свежесть и остроту изображению гибкого, стройного, полного жизненного обаяния обнаженного женского тела, а также два пейзажа “Вилла Медичи” (1650–1651, Прадо, Мадрид; по другому мнению – около 1630), в необычайно для своего времени широкой живописной манере воссоздающие целостные образы природы.
В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитые свои картины. В картине “Менины” (“Фрейлины”, 1657, Прадо, Мадрид) частный эпизод придворного быта (на первом плане – инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, рядом – сам художник за исполнением портрета испанской королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала), изображенный в смелом пространственном развороте, предстает как один из моментов общего течения жизни во всей сложности ее взаимосвязанных и изменчивых проявлений. Пленительная красота и живописное многообразие реальности воплотились в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными ударами кисти голубыми, розовыми, темно-серыми, коричневатыми прозрачными мазками.
В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи” (1657, Прадо, Мадрид), сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне — ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы.
В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы. Живописец Диего Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения. Творчество художника Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века и одним из ярчайших явлений мирового искусства.

Вельде, Виллем ван де(Младший)

1633–1707

Голландский художник Как и его отец Виллем ван де Велде Старший, ван де Велде Младший был мастером марин; согласно документам, оба художника тесно сотрудничали, подчас даже трудно определить различие между их многочисленными рисунками, но в живописи стиль сына был глубоко отличен от манеры отца.

Первые марины художника (Кассель,Гос. художественные собрания) датируются 1653; они близки картинам Симона де Влигера, у которого он учился. Морское пространство подчиняется спокойному ритму кораблей,парусов и мачт. Около 1660 художник начинает нюансировать различные мотивы — воду, облака, корабли. Композиции становятся более сложными,а корабли — главными объектами картины, они часто занимают первый план. Эта новая концепция была, несомненно, продиктована художнику творчеством Яна ван де Капелле, который был старше его на десять лет и влияние которого чувствуется в картинах с изображением безмятежного сумеречного моря (<Марина>,1661, Лондон, Нац. гал.; <Спокойное море>, Шантийи, музей Конде). Художник так же мастерски выражает и беспокойный динамизм парусов, вздымаемых бурей. Его лучшие произведения подобны моментальным снимкам, однако пространство и материя изображены в утонченной технике. До 1672 отец и сын ван де Велде работали в Амстердаме. Война и экономический кризис вынудили их отправиться в Англию, где они получили множество заказов. В 1674 король назначил им пенсию. Оба художника стали изображать морские баталии и другие морские события. Композиция их картин часто перегружена, в них подчеркнут декоративный эффект; в конце же этого английского периода исполнение становится более небрежным. Чтобы объективно судить о творчестве ван де Велде Младшего, необходимо принять во внимание благосклонность, с которой всегда принимались его картины, особенно в Англии. Кроме того, у него было много подражателей, которые использовали даже его подпись и монограмму (). Его творчество огромно, назовем только коллекции Гос. музея в Амстердаме, Гос. художественных собраний в Касселе, музея Маурицхёйс в Гааге, Нац. гал. и собрания Уоллес в Лондоне и Гос.Эрмитажа в Санкт-Петербурге.

Верде Рубио Рикардо/Ricardo Verde Rubio

1876–1954

Испанский художник(23 июля 1876, Валенсия — 29 марта 1954, Валенсия).

Родился в самом центре городка Баррио дель Кармен в Валенсии на улице Сан Рамон в доме № 5.

Художник от природы был застенчивым и одиноким, этому приписывается его отсутствие интереса к общественной жизни, он не участвовал в выставках и не посещал художественные мероприятия, при этом он активно творил, подвергая при этом жесткой критике свои работы.

Этим, возможно, объясняется и отсутствие больших статей и объемных биографий художника, хотя кое-какие подробности удалось в интернете найти.

Чего только стоит название улицы и номер дома, где художник родился.
Художник начал свою карьеру, специализируясь на портретах, он оставил после себя серию автопортретов, которые писал с навязчивой настойчивостью в течение всей жизни.
Тематика его творчества была очень обширна.

Рикардо Верде писал портреты и натюрморты, пейзажи и классические ню, вдохновленные творчеством Тициана.

При всем этом, во многих картинах Верде чувствуется влияние Хоакина Сороллы.
В 1906 году художник совершил поездку в Европу, где пробыл три месяца.

Он посетил Лондон и Париж и написал серию замечательных картин: «Мулен де ла Галлет» (Le Moulin de la Gallete), «Панорама Парижа» (Panneau de Paris), «Золя» (Zola) и «Дыхание Музы» (El Soplo de las Musas).

Во время Испанской гражданской войны (июль 1936 — апрель 1939) художник был членом Альянса антифашистов-интеллектуалов.

В 1937 году Верде принял участие в Международной выставке в Париже, представив свои картины «Портрет Мануэля Асака» (Retrato de Manuel Azaсa) и «Espaсa Victoria».

После войны художник подвергся репрессиям со стороны диктатуры Франко, он был уволен с работы, ему было запрещено продавать картины и выставляться.

В это трудное время Верде обратился к импрессионизму, который отражал состояние его духа.Умер художник в 1954 году в своем родном городе в возрасте 78 лет.

Верещагин Василий Васильевич

1842–1904

Василий Васильевич Верещагин — русский живописец и литератор, один из наиболее известных художников-баталистов. Родился 26 октября 1842 г. в Череповце (тогда Новгородская губерния) в семье помещика. У него было три брата. Все были определены в военно-учебные заведения. Младшие, Сергей и Александр, стали профессиональными военными; старший, Николай — общественным деятелем. Василий в возрасте девяти лет поступил в морской кадетский корпус. По окончании этого заведения после короткого периода службы вышел в отставку и поступил в петербургскую Академию художеств, где учился с 1860 по 1863 у А. Т. Маркова, Ф. А. Моллера и А. Е. Бейдемана. Оставив Академию, уехал на Кавказ, где пробыл около года. Затем уехал в Париж, где учился и работал под руководством Жерома (1864—1865). В марте 1865 Верещагин вернулся на Кавказ и продолжил писать с натуры. Осенью 1865 г. Верещагин посетил Петербург, а затем вновь вернулся в Париж, чтобы продолжить учёбу. Зиму 1865–1866 г. он провёл, обучаясь в Парижской академии. Весной 1866 художник вернулся на родину, завершив своё официальное обучение. В 1867 г. К. П. Кауфман, генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками в Средней Азии, приглашает художника к себе на службу — тот должен состоять при генерале в чине прапорщика. В августе 1867 г. Верещагин отправляется в Ташкент и Самарканд. Участвовал в обороне осаждённого Самарканда, был ранен и получил Орден Святого Георгия 4-го класса. В конце 1868 г. художник едет в Петербург, оттуда в Париж, а затем снова в Петербург. В 1869 г. он при содействии Кауфмана организует в столице «туркестанскую выставку», где демонстрирует свои работы. После окончания выставки Верещагин снова едет в Туркестан, на этот раз через Сибирь. В 1871 г. Верещагин переезжает в Мюнхен и начинает работать над картинами по восточным сюжетам. В 1873 г. он устроил персональную выставку своих туркестанских произведений в Хрустальном дворце в Лондоне. Весной 1874 г. состоится выставка в Петербурге. Затем он почти два года живёт в Индии, выезжая также в Тибет. Весной 1876 г. художник возвращается в Париж. Узнав весной 1877 г. о начале русско-турецкой войны, он тотчас же отправляется в действующую армию. В 1882–1883 г. он снова путешествует по Индии. В 1884 г. едет в Сирию и Палестину, после чего пишет картины на евангельские сюжеты. Когда началась русско-японская война, Верещагин поехал на фронт. Он погиб в сражении при Порт-Артуре в результате взрыва на броненосце «Петропавловск» 31 марта 1904 г.

Вермеер Ян

1632–1675

Вермеер Делфтский (Vermeer van Delft) Ян (1632–1675), голландский живописец, крупнейший мастер нидерландской жанровой и пейзажной живописи.

Дата рождения художника неизвестна, однако по сохранившейся записи о его крещении в Новой церкви Делфта (крещен 31 октября 1632) можно предположить, что будущий великий нидерландский художник родился в конце октября.

Вермеер, как художник, вероятно, сложился под влиянием талантливого мастера Карела Фабрициуса.

Достоверно известно, что 29 декабря 1653 года начинающего художника приняли свободным мастером в делфтскую гильдию Святого Луки, объединявшую живописцев всех жанров, мастеров стекольных и фаянсовых дел, ювелиров и торговцев картинами.

Ранние картины Вермеера отмечены тягой к монументальности и возвышенности образов, и, кроме того, свидетельствуют о влиянии итальянского барокко («Христос у Марфы и Марии», Национальная галерея, Эдинбург; «Диана и нимфы», Маурицхейс, Гаага, 1653–1655).

Сильное влияние на творчество Вермеера оказало искусство голландского мастера жанровой живописи Питера де Хооха, проживавшего в Делфте с 1652 по 1662 годы. Стиль этого живописца в дальнейшем нашел развитие в картинах Вермеера.

Со второй половины 1650-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурами в залитом серебристым светом интерьере городского дома («Девушка с письмом», Картинная галерея, Дрезден; «Служанка с кувшином молока», Государственный музей, Амстердам),

уделяя внимание не столько сюжетно обоснованному действию, сколько общему лирическому настрою сцены, душевному состоянию персонажей.

К лучшим картинам этого жанрового плана принадлежат «Дама и два кавалера» (Музей Антона Ульриха, Брауншвейг), «Офицер и веселая девушка» (Собрание Фрик, Нью-Йорк), «Девушка, примеряющая ожерелье» (Картинная галерея, Берлин-Далем), «Дама в голубом, читающая письмо» (Рейксмузеум, Амстердам), «Девушка с кувшином воды» (Музей Метрополитен, Нью-Йорк).

Даже, казалось бы, чисто бытовой, совсем не галантный жанр («Молочница», Рейксмузеум, Амстердам; «Кружевница», Музей Лувр) полон в полотнах Вермеера обаяния несказанной тайны, достигающей особой, аллегорической сложности в картине «Искусство живописи» (также «Мастерская художника» или «Аллегория живописи», Музей истории искусства, Вена).

В конце 1650-х годов Вермеер создал два шедевра пейзажной живописи: лирически проникновенную, тонкую по исполнению картину «Улочка» (Государственный музей, Амстердам) и сияющий свежими, чистыми, мягкими красками «Вид города Делфта» (Маурицхёйс, Гаага). В 1660-е годы творчество Вермеера становится более созерцательным и изысканным, живопись — более холодной, матово-эмалевой, выдержанной в жемчужной гамме с яркими пятнами лимонно-желтых и голубовато-синих тонов («Девушка с жемчужной сережкой», Маурицхейс, Гаага).

В 1662–1663 и 1670–1671 годах Ян Вермеер занимал должность декана гильдии Святого Луки в Делфте и успешно руководил ее деятельностью. Должность декана гильдии живописцев и прочих мастеров, связанных с искусством, считалась очень почетной и это свидетельствует об авторитете Яна Вермеера в Делфте, как художника и знатока искусств.

В конце 1660-х годов художник стал часто изображать богато обставленные комнаты, в которых дамы и кавалеры музицируют, ведут галантные беседы («Любовное письмо», Рейксмузеум, Амстердам, и др.).

Особым обаянием обладают созданные в этот период образы людей труда, искусства, науки, передающие самоуглубленность человека в минуты творчества («Кружевница» и «Астроном», обе картины в музее Лувра, Париж; «Географ», Штеделевский художественный институт, Франкфурт).

В последние годы жизни Вермеера его финансовое положение сильно ухудшилось в связи с начавшейся в 1672 году франко-голландской войной.

Спрос на картины резко упал, живописец вынужден был брать ссуды, чтобы прокормить одиннадцать детей и других членов семьи.

Тяжелое материальное положение, вероятно, ускорило приближение смерти.

Неизвестно, что произошло, острое заболевание, или неизбежная депрессия в связи с постоянными финансовыми проблемами, которая подтачивала здоровье художника последние несколько лет, но похоронили Вермеера 15 декабря 1675 года в семейном склепе в Делфте.

Верне Карл/Carle Vernet(Жанровая живопись)

1758–1836

Карл Верне́ (фр. Carle Vernet, полное имя Антуа́н Шарль Ора́с Верне́, Antoine Charles Horace Vernet; 14 августа 1758 года, Бордо — 27 ноября 1836 года, Париж) — французский жанровый художник, рисовальщик и литограф; анималист, карикатурист и баталист, художник-историограф Наполеоновской армии.
Сын и ученик пейзажиста Жозефа Верне и отец исторического живописца Ораса Верне Учился у Леписье, но в основном получил все знания от отца. Работал в Париже и Риме. В 17 лет получил вторую римскую премию; в 23 года — первую, что позволило ему отправиться в Рим на обучение. В 1787 году был удостоен звания члена Академии; в 1814 г. был снова принят в члены академии. Удостоился орденов Почётного легиона и св. Михаила. Прославился карикатурами на модников и модниц времён Директории, изображениями лошадей.
В годы империи стал офицером живописцем-баталистом, историографом наполеоновской армии. Создал ряд исторических и батальных композиций, прославляющих Наполеона I. В эпоху реставрации Бурбонов писал сцены охоты Карла Х. Занимался педагогической деятельностью. Работал во внешне эффектной, но в то же время академичной манере.
По заказу Наполеона написал картину «Наполеон на охоте в Компьенском лесу» (Холст, масло. 131×162,5; Государственный Эрмитаж). Она принадлежит к серии работ, изображающих выезд Наполеона в сопровождении его второй жены Марии-Луизы и многочисленной свиты на охоту в Компьенский лес, расположенный в 65 км к северо-востоку от Парижа.
Антуан-Шарль-Орас (известный как Карл) Верне , оценивая в конце жизни свою живописную карьеру,
искренне гово рил: «Я как Великий Дофин: сын короля, отец короля, но никогда сам король». Тем не менее репутация Карла Верне, в отличие от его отца, прославленного пейзажного живописца Клода-Жозефа Верне (1714 1789), и его сына,знаменитого батального художника Эмиля-Жана-Ораса Верне (1789-1863), не связана с живописью. Карл Верне былизвестен благодаря литографиям, воспроизводившим его рисунки и акварели, посвященные чистокровным английским лошадям, сценам охоты и скачек. В этих рисунках он представляет свой излюбленный предмет в конюшнях, на скачках, всценах охоты в лесах Компьена и Шантильи. Но свою карьеру художника Карл Верне начал именно с исторических живописных полотен, и в последствии прославился картинами на сюжеты сражений при Маренго и Аустерлице.
Наполеоновские войны дают мощный импульс развитию батальной живописи. Несомненно, война — враг всех искусств, но солдаты каж дый день готовят новые сюжеты для живописцев, война может способ ствовать углубленному восприятию жизни, пробуждению творческих сил. Карл Верне, как и известный французский художник барон Гро, но с меньшим героическим пафосом, переходит к батальной живописи, видя в ней множество преимуществ для современного живописца.
Батальная живопись, в которой художники уже не ограничивались изображением нескольких фигур всадников на переднем плане, окутанных облаком дыма сражения, вызывала большой интерес у публики. Зрителям требовалась историческая точность в передаче ланд шафта, хода перемещения войск, времени суток, состояния атмосферы.
Исторической точности требовал и сам Наполеон.
В изображении баталий талант Карла Верне не отличался живой оригинальностью, но тем не менее, по мнению его биографа, историка искусства Армана Дайо, художником был открыт новый способ писать сражения. Верне словно помещал зрителя в самый центр баталии и изображал не только общую схему генерального расположения сил, но и показывал перемещения войск, драматические эпизоды, в которых участвуют воины и лошади, генералы и солдаты. Карл Верне включал в картину и второстепенные сюжеты, которые обрамляют подобно за навесу главную сцену сражения:марши, отдельные столкновения, зал пы артиллерии. Ход сражения показан развернуто и динамично.
Карл Верне был выбран для сопровождения Первого консула во время второй Итальянской кампании (1799-1800).
Гравюры Жана Дюплесси-Берто по рисункам Карла Верне, изданные под названием «Кампании французов при Консульстве и Империи»3, представляют со бытия двух Итальянских кампаний от битвы при Милезимо (14 апреля 1796 г.) до Маренго (14 июня 1800 г.). Именно с этого времени художник начинает сотрудничать с Главным военным ведомством и остается одним из мастеров ведомства до самой смерти, последовавшей в 1836 г. Карл, прошедший с Бонапартом Итальянскую кампанию и рисо вавший с натуры то, что ему нравилось, действительно был новатором в батальной живописи. Он дополнял картину общего движения войск отдельными яркими эпизодами, акцентируя выразительные жесты персонажей. Это было впоследствии воспринято батальными худож никами,посвятившими большую часть своего творчества наполео новской легенде Дени Огюстом Мари Раффе (1804-1860),Жозефом Луи Ипполитом Белланже (1800-1866), Эмилем-Жаном-Орасом Вер не (1789-1863), Жаном-Луи-Эрнестом Мессонье (1815-1891), Жаном-Батистом-Эдуардом Детайем (1848-1912).
Творчество:
— Его первой прославившейся картиной стал «Триумф Павла Эмилия», где он изобразил большое количество лошадей. Картина выставлялась в первые годы революции и произвела сильное впечатление.
— «Эпизод из Аустерлицкого сражения», где Наполеон со свитой представлен на конях и во весь рост;
— «Аустерлицкая битва» (1808) изображает движение конных и пеших масс;
— исторические рисунки из итальянских походов. Гравюры по рисункам исполнил Дюплесси-Берто.
Карл Верне был выдающимся живописцем, хотя его и нельзя сравнивать с А. Гро или Т. Жерико. Большинство его произведений, на первый взгляд холодных и «прилизанных»,тем не менее были четким отражением эпохи и стиля ампир. Легкость его искусства была поразительной, без видимых усилий он подчинял своему таланту совершенно разные сюжеты, он переходил от самого легкого жанра к самому строгому. Острый глаз художника подмечалвсе характерные детали, превращая его произведения в строгий «документальный» слепок эпохи.
Умер Карл Верне в Париже 27 ноября 1836.
По материалам: Wikipedia, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” , Статья Бринцевой А.А.»Карл ВЕРНЕ — Живописец Наполеоновских войн».

Верне Клод Жозеф/Vernet,Claude-Joseph(Рококо,пейзаж).

1714–1789

Верне Клод Жозеф — французский живописец, отец Карла Верне и дед Ораса Верне, тоже художников.

Родился 14 августа 1714 года в Авиньоне. Клод Жозеф Верне (известен как Жозеф), пейзажист учился у своего отца Антуана Верне и других живописцев, учился в Италии у Бернардино Ферджони и стал одним из самых выдающихся пейзажистов своего времени.

Следуя непременному правилу времени, Верне уехал учиться в Италию, однако в отличие от большинства других художников он смог поехать на средства богатых друзей семьи, не дожидаясь академической премии.

Он оставался в Италии необычно долго, 19 лет, учился у Манглара, Паннини и Локателли, много работал с натуры в Тиволи, на берегах Тибра и в Неаполе.

К первому, итальянскому, периоду его творчества можно отнести работы 1749 Вилла Лудовизи (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж) и Вилла Памфили (Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина), а также Понте Ротто в Риме и Вид моста и замка Св. Ангела (1745, обе — Париж, Лувр).

Ранние картины Верне отличают наблюдательность, тонкость в передаче освещения и световоздушной среды, вдохновенный реализм, не свойственный типичному для его современников декоративному варианту пейзажа.

Пейзажи Верне, продолжившие высокую традицию французских пейзажистов XVII в., прежде всего Клода Лоррена, получили известность во Франции еще до возвращения художника в Париж (1753) и с этих пор всегда пользовались огромной популярностью.

По возвращении в Париж Верне получает звание академика и в 1754-1762 по заказу короля написал серию картин “Порты Франции” (Музей Лувр, Париж), созданию которых предшествовал ряд этюдов с натуры.

Все 15 картин принадлежат Лувру, но выставлены в Морском музее Парижа).

В работе над этим циклом значительное место еще отведено натурным этюдам, но постепенно Верне перестает выезжать из Парижа, торопясь выполнять бесчисленные заказы.

В Салоне 1759 Дидро замечает: «Здесь целый ряд картин Верне, одни — с натуры, другие — плод воображения, но все написаны одинаково вдохновенно, пылко, умело, то же разнообразие колорита.

Этот художник работает с поразительной легкостью». Дидро прав, и все же Верне все больше отдается воображению, работая по памяти, пользуется собственными готовыми рецептами, увлекаясь театральными эффектами (в сценах кораблекрушений, гроз и морских пожаров) в ущерб неповторимому, тонкому единству колорита, нюансов освещения и световоздушной перспективы, свойственному его лучшим полотнам.

Верне оказал огромное влияние на последующее развитие европейского пейзажа, будучи несомненным предшественником романтизма в его сюжетных, жанровых и колористических исканиях.

Жозеф писал главным образом морские виды , в которых традиции классицистического пейзажа в духе Лоррена соединяются с романтикой бурь, закатов и лунных ночей, с интересом к передаче световоздушной среды

.Художник очень много писал с натуры.Сама практика работы с натуры восходила к XVII веку: цветовые фиксации Клода Лоррена, о которых многие знали, осуществлялись им на восходе или на закате солнца на открытом воздухе.

Они не были эскизами в нашем понимании этого слова, но дали повод к продолжению поисков, постепенно сложившихся в традицию. Гаспар Дюге купил дом в Тиволи, чтобы работать с натуры.

Исполненные маслом эскизы Сальваторе Роза, видимо, тоже были связаны с этой общей франко-римской традицией.

Главным новатором выступил Франсуа Депорт, который при необходимости превращал прогулочную трость в мольберт, когда сопровождал короля в выездах на охоту.

Его наброски находятся ныне в музее города Компьеня.

Жозеф Верне, по всей видимости, был одним из таких трудолюбивых художников, работавших маслом с натуры.

Хотя от его набросков ничего не сохранилось, некоторые из его протяженных панорам позволяют представить, как выглядели наброски.

Умер живописец Клод Жозеф Верне в Париже 3 декабря 1789 года.

Верне Эмиль Жан-Орас/Émile Jean-Horace Vernet(Батальная живопись)

1789–1863

Эмиль Жан Орас Верне 1789-1863. Французский исторический живописец и баталист.
родился в Париже во время Французской Революции. Отец и дед Ораса Верне – влиятельные французские живописцы.

Эта участь не миновала и его. С самого начала художественной карьеры Верне проявил склонность к реалистическому стилю в живописи, предпочтя его классицизму

.Сын и ученик художника Карла Верне и внук художника Клода Жозефа Верне. Сделал блестящую карьеру художника и дипломата, входя в политическую элиту страны как при Наполеоне I Бонапарте, так и во время Реставрации.

За все время своей долгой художественной карьеры Верне получил истинное признание, он запечатлевал историю Франции, не смотря на смену власти. Король Луи-Филипп был одним из его самых важных заказчиков и поклонников.

Он умел правдиво изобразить солдат французской армии в пылу сражения. После падения Июльской монархии во время революции 1848 г. у Верне появился новый покровитель в лице Наполеона III.

Он продолжал изображать героические эпизоды из жизни французской армии во время Второй Империи все в той же реалистичной манере. Верне был с французской армией во время Крымской войны.

Имел неизменный успех у правящих кругов и буржуазной публики благодаря сочетанию в его картинах официальной парадности, поверхностных романтических эффектов (мелодраматический пафос, восточная экзотика) и натурализма.

Был директором Французской академии в Риме (1829—1835 гг.). Побывал вместе с французской армией в Алжире в 1833 году.

В 1836 и 1842—1843 годах приезжал с дипломатическими поручениями в Россию. Здесь его, особенно при дворе, буквально носили на руках. Николай I пожаловал ему орден Александра Невского с бриллиантами и русское потомственное дворянство.

Он получил заказ написать портреты царской семьи, честь, которой удостаивались только самые знаменитые художники своего времени, и удостоился чести сопровождать Николая I в его путешествии по России во время Вознесенских маневров. О. Верне были заказаны четыре картины на тему из событий русско-турецкой войны 1828 — 1829 гг., причем за каждую такую картину было уплачено по пятьдесят тысяч рублей, что составляло по тогдашнему курсу тридцать семь тысяч на серебро.

За свой громадный холст «Взятие Варшавы» Верне получил от двора двести тысяч франков, т.е. около шестидесяти тысяч рублей!

Во время своего пребывания в России Верне вращался при дворе и официально присутствовал на разных приемах и торжествах. Нечего и говорить, что высшее общество Петербурга встречало его с энтузиазмом.

Таким образом, пребывание Верне в России было для него сплошным триумфом. Удивляться тем ценам, которые были уплачены Орасу Верне за его картины русским двором не приходится, так как произведения этого знаменитого художника и на европейском рынке расценивались чрезвычайно высоко.

Крупнейший российский искусствовед 19 века Владимир Стасов характеризует творчество Ораса Верне так: «… Орас Верне сидел в настоящем своем седле тогда лишь, когда быстро мелькающею, торопливой кистью чертил зуавов, бедуинов, кровавые и беспощадные схватки их, когда воспевал эпопею французской солдатчины в Африке и Европе или изображал ничтожнейшие события отечественной или чужой истории.

Он всегда лишен был поэтической жизни; он всегда был поверхностен до крайности и легкомыслен до невозможности; и все-таки, как бы то ни было, у него нельзя отнять одной значительной заслуги: он был одним из первых – по времени и по энергии, одним из первых реалистов нашей эпохи… »

Практически полное отсутствие эмоций на лицах людей и 100-процентный реализм и внимание к мельчайшим деталям – это не так уж трудно проследить в работах Ораса Верне. Величайшая наблюдательность, свойственная художнику, и при этом – холодный аналитический ум, соблюдение фактов.

Получил широкую известность как автор патетических батальных полотен, в том числе огромных композиций, созданных в 1830-е и 1850-е годы по заказу Луи Филиппа и Наполеона III и хранящихся в Версале. Любил писать яростные схватки и бурные пейзажи, нередко сочетая их в едином образе. Его североафриканские мотивы оказали большое влияние на развитие ориентализма. Мастер монументально-декоративной живописи.

Веттриано Джек

1951–

Джек Веттриано (Jack Vettriano), (настоящее имя — Jack Hoggan) род. 17 ноября 1951 г. Метил, графство Файф, север Шотландии) — современный британский художник.

По национальности — шотландец. В 16 лет оставил школу и был учеником у горного инженера, на шахте.

Рисование вначале рассматривал как хобби. Он никогда не посещал школу искусств. Никто не преподавал ему живопись.

На 21-й день рождения подруга подарила ему набор акварельных красок, он попробовал рисовать и это занятие его увлекло.

Известность пришла к художнику после его первой персональной выставки в Шотландской королевской академии в 1989 году.

После этого с успехом выставлялся в Нью-Йорке, Лондоне, Гонконге, Эдинбурге, Йоханнесбурге.

В апреле 2004 года картина Дж. Веттриано «Поющий дворецкий» (The Singing Butler) была продана за 744500 фунтов стерлингов. Дж. Веттриано известен также как иллюстратор, создатель рекламных плакатов для киноиндустрии, в том числе фильмов нуар.

Интересы художника представляет Портлендская галерея.

Искусствоведы называют его картины вульгарными и лишенными воображения.

Между тем, он один из наиболее успешных из ныне живущих художников, причем доходы — шестизначные — ему приносит не только продажа картин, ежегодно 500000 £ он зарабатывает на авторских правах на печать постеров с его работами,

«Поющий дворецкий» — самый продаваемый постер в Великобритании.

Виберт Жан Жорж(Jehan_Georges_Vibert)

1840-1902

Jehan Georges Vibert (30 сентября 1840 — 28 июля 1902), французский академический живописец.
Vibert родился 30 сентября 1840 в Париже.

Он начал свое обучение в молодом возрасте под инструкцией его дедушки по материнской линии, гравёра Жана-Пьера-Мари Джезет.

Но он больше интересовался живописью, чем гравюрой и пошёл учиться в студию Феликса-Жозефа Барриаса, потом учился у Еколя де Бо-Арца, когда ему было шестнадцать лет.

Vibert дебютировал в Салоне в 1863 году.
Во время Франко-прусской войны Vibert стал снайпером и был ранен при сражении Мэлмэйсона в октябре 1870.

Он был удостоен ордена Почетного легиона и стал кавалером ордена Почетного легиона.

В 1882 году стал сотрудником Почетного легиона.

Умер 28 июля 1902 года.

Виллис Фриц(Fritz Willis)

1907-1979

Уиллис создавал иллюстрации для рекламы известных крупных Компаний: Pepsi, Quality Papers, Max Factor, Purex, Sunkist, Crown Zellerbach, SpringMaid Sheets и многих других.

В конце 30-х-начале 40-х прошлого века автор работал для Warner Brothers, как художник, создающий рекламу и афиши.

Он также работал для Esquire, Saturday Evening Post, Redbook, Collier’s , и над обложками для Ice Follies в период 1952-1969 г.г.

В тот же период он принял приглашение поработать для оформления рекламных акций отеля Stardust и Казино в Лас Вегасе.

Автор создал книги для Waiter Foster Company, выходившие впоследствии многочисленными тиражами в течение 40 лет (Секреты рисунка, Обнаженная модель и пр.), а так же работал над книгами для детей. 15-летний период, во время которого художник создал большое количество работ для альбомов и календарей для Brown & Bigelow, сделало его одним из последних великих художников стиля pin-up.

Стиль Фрица Виллиса несколько отличается от других художников эротического пин-апа, в том числе он узнаваем тем, что в большинстве работ автора можно увидеть один женский облик -его жену Пэт, которую художник использовал в качестве модели.

Вильегас и Кордеро Хосе/José Villegas y Cordero(Бытовой жанр)

1844–1921

Испанский художник, иллюстратор, педагог, директор музея Прадо.

В юном возрасте стал брать уроки у художника Хосе Марии Ромеро (José María Romero), после двухлетнего обучения у Ромеро поступил в Школу изящных искусств в Севилье, где учился в мастерской Эдуардо Кано (Eduardo Cano).

В 1860 году, в шестнадцатилетнем возрасте, Вильегас участвует в национальной выставке в Севилье, на которой продает свою картину «Маленький философ» (Pequeña filosofía) за 2000 реалов.

В 1867 году Хосе отправляется в Мадрид, где поступил в студию Федерико Мадрасо. Там он познакомился и подружился с художником Эдуардо Росалес и Фортуни (Eduardo Rosales y Fortuny).

В Мадриде Вильегас часто посещает музей Прадо, где копирует Веласкеса, пытаясь постичь его технику и тайны использования цвета.

Восхищаясь восточными картинами Фортуни, который увлекся ориентализмом,

Вильегас возвращается в Севилью и затем совершает поездку в Марокко.

В конце 1868 года Вильегас в компании художников Рафаэля Перальта (Rafael Peralta) и Луиса Хименеса Аранда (Luis Jiménez Aranda) решил поехать в Рим. Тем более там уже учился его друг Фортуни.

Первые работы в Вечном городе показывают, что Вильегас тонкий жанрист, подмечающий интересные бытовые сцены и ухватывающий точно характеры персонажей.

Бытовая живопись в то время была очень востребована публикой. Поэтому картины художника «Импровизированный приют» (Retreta improvisada), «Тореро в часовне на площади» (Toreros en la capilla de la plaza, 1871) «Отдыхающая банда» (El descanso de la cuadrilla, 1873) пользовались успехом.

Художник продолжает заниматься и темами Востока, с большим мастерством рисуя картины по эскизам, сделанным в Марокко.

В середине 1870-х Вильегас возвращается обратно в Севилью и, воспользовавшись первой же возможностью, вновь отправляется в Марокко.

Вернувшись из Марокко снова в Рим, Хосе становится таким же популярным художником –ориенталистом, как и Фортуни. Благодаря арт-дилерам Бошу и Эрнандесу, некоторые работы Вильегаса смогли увидеть и испанцы на региональных и национальных выставках в Севилье и Мадриде.

В 1878 году Сенат заказывает художнику полотно на историческую тему – «Встреча Эрнана Кортеса с Монтесумой» (La entrevista de Hernán Cortés con Moctezuma).

В 1882 году Сенат вновь обращается с заказом к художнику. Вильегас, заинтересовавшись историей, пишет такие работы, как «Мир Кэмбрей» ( La paz de Cambray) и «Последний визит Дон Хуан Австрийского к Филиппу II» (La última visita de don Juan de Austria a Felipe II).

С 1877 года художник часто живет в Венеции, сам город заставляет Хосе обратиться к темам итальянского Возрождения. На полотнах Вильегаса появляются венецианские леди шестнадцатого века, дожи и Дворец Венецианской республики.

Многие из работ этого периода были куплены американскими миллионерами за астрономические цены.

В 1880-х годах Вильегас увлекается иллюстрацией. Одно из издательств Нидерландов обратилось к Франциско Прадилье (Francisco Pradilla) и другим известным художникам со всей Европы с предложением проиллюстрировать Библию.

Вильегас тоже был в этом списке, он с удовольствием берется за работу, иллюстрируя места книги, связанные с пророчеством Исаии.

Десятилетие 1890-х годов проходит в плодотворной работе. Основными шедеврами этого периода критики называют картины «Кающийся кардинал» (El cardenal peniteniario 1891), «Вербное воскресенье» (El día de Ramos 1891) и «Смерть тореадора» (La muerte del torero). Последняя картина была продана за 100 тысяч песет.

В 1898 году Вильегас назначается на должность директора испанской Академии изящных искусств в Риме. Пользуясь своим положением, Вильегас вскоре вводит ряд новшеств в учебный процесс, среди которых увеличение внимание за посещаемостью, введение наказаний и штрафов за плохую учебу, постоянное приглашение «пенсионеров» из Испании и требования пребывания студентов на стажировке в Париже.

В 1901 году художника назначают директором музея Прадо, он оставляет свою римскую студию и переезжает в новую резиденцию в Мадриде.

В 1914 году художник завершает работу над большой серией из двенадцати картин под названием «Декалог».

Цикл этих работ иллюстрирует Десять Заповедей и обрамляется прологом и эпилогом.
Умер художник в 1921 году в Мадриде в возрасте 77 лет.

Винеа Франческо

1845–1902

Живописец, пейзажист, мастер портретного жанра, исторических и жанровых сцен.

Учился в Академии художеств во Флоренции у известного французского мастера исторического жанра Жана Луи Мейсонье и итальянского профессора Палластрини.

Впоследствии сам занял должность профессора этой же Академии и открыл независимую студию во Флоренции.

Регулярно экспонировал свои произведения на крупнейших выставках в Италии и Лондоне, выставлялся в парижском Салоне.
Он заслужил себе большую известность не только в Италии, но и в Париже, Лондоне и Америке преимущественно миниатюрными, тонко и сочно исполненными картинками с фигурами в костюмах XVI и XVII столетий (каковы, напр., «Прекраснейшей из всех», «Визит к бабушке», «Похищение»), хотя писал иногда картины и более крупных размеров.

Неоднократно писал и виды итальянской провинции, а также жанровые сцены из современной народной жизни.

Лучшие произведения Франческо Винеа отличаются насыщенным колоритом, остроумным сюжетом, яркими и образными характеристиками персонажей.

Произведения Винеа хранятся в различных музейных и частных собраниях всего мира, в том числе, в Бруклинском музее в Нью-Йорке, музеях Флоренции и Милана.

Виньон Поль-Виктор(Victor Alfred Paul Vignon)

1847-1909

Виктор-Альфред-Поль Виньон — французский художник-пейзажист.

Поль-Виктор Виньон (1847-1909) родился во французском городке Вилле-Котре в состоятельной семье.
В молодые лета брал уроки у Коро, который оказал существенное воздействие на его стиль живописи. В дальнейшие годы Виньон был учеником Кальса.
Много работал на пленэре в окрестностях Кламара, Буживаля, Понтуаза, Овер-сюр-Уаза.
Живописец не раз писал картины на пленэре рядом с Писсарро, с которым водил знакомство, а также с Гийоменом и Сезанном.
Виньон участвовал в Пятой (1880) и Шестой (1881) выставках импрессионистов.

Вопреки протестам Моне, он также выставлял картины на Седьмой (1882) и Восьмой (1886) выставках импрессионистов.

Живописец завязал знакомства с приятелями импрессионистов, врачом Гаше и Мюрером, а также семейством Ван Гогов, Винсентом и Тео.В 1894 году в галерее Бернхайма были экспонированы в немалом количестве исключительно работы Виньон
Также подерживал дружеские отношения с Камилем Писсаро, Арманом Гийоменом, Полем Сезаном.
Умер Поль-Виктор Виньон в 1909 г.

Витакер Уильям(William Whitaker)

1943-….

Современный американский художник William Whitaker родился в 1943 году.

В настоящее время он является ярчайшим представителем реалистического направления живописи в современном американском искусстве.

William Whitaker родился в семье художника и с самого раннего детства был окружен миром изобразительного искусства, что сказалось на его художественном даровании, которое проявилось уже в возрасте 6 лет, к большой радости его отца, который тут же создал сыну все условия для развития его живописного таланта, обучив технике рисования маслом и акварелью.

А по достижению 17 лет, William Whitaker поступил в Университет штата Юта, на факультет изобразительного искусства , где его преподавателем живописи был известный художник портретист Alvin Gittins.

В процессе творческих поисков и экспериментов с различными стилями рисования William Whitaker остановился на том, чтобы было ближе его творческому духу — традиционному реалистическому направлению.

С 1965 года William Whitaker полностью посвящает себя профессии художника, много выставляется и постоянно работает над совершенствование своего мастерства.

В данное время William Whitaker является еще и преподавателем живописи, ему присвоено звание профессора, он так же проводит семинары и мастер классы в различных университетах.

Врубель Михаил

1856–1910

Врубель Михаил Александрович (Mikhail Vrubel, 1856–1910), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве.

Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Учился Врубель в Петербургской Академии художеств (1880–1884) у Павла Петровича Чистякова; уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Особое влияние на Врубеля оказали живопись венецианского Возрождения (из современников – испанец М.Фортуни и английские прерафаэлиты).

Самобытная манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства.

Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 век), Врубель в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, «Сошествие Святого Духа», 1884); тогда же художник написал и икону «Богоматерь с младенцем» (Киевский музей русского искусства).

Византийская традиция насыщается здесь острым, трагически-напряженным психологизмом нового времени. Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявилось в картине «Девочка на фоне персидского ковра» (1886, там же).

После переезда в Москву Врубель становится одним из самых активных членов художественной группы Саввы Мамонтова.

Здесь живописец пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике – скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова, – все в Третьяковской галерее, Москва, обращаясь к дизайну, исполняет эскизы керамической печи, вазы, скамьи (Музей в Абрамцеве). «Русский стиль» этих вещей находит выражение и в его сценографии, связанной с Московской частной русской оперой Саввы Ивановича Мамонтова, в том числе в оформлении «Садко» (1897) и «Сказки о царе Салтане» (1900) Николая Андреевича Римского-Корсакова.

Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно » Принцесса Грёза», заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея).

Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин «Пан» (1899), «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Сирень» (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания.

Экспрессивно-драматичны и портреты (К. Д. и М. И. Арцыбушевых, а также Саввы Мамонтова, все три 1897; все работы – в Третьяковской галерее).

Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова «Демон» (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Санкт-Петербург), – в картинах «Демон» (1890) и «Демон поверженный» (1902; обе работы – Третьяковская галерея).

Конгломерат искрящихся форм в последней картине близок уже к беспредметному искусству.

В 1902 году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, но и в поздний свой период (проведенный в основном в частных клиниках Москвы и Петербурга) он создает немало работ, отмеченных изысканным мастерством («Жемчужина», 1904; Портрет Валерия Яковлевича Брюсова, 1906), – работ, переходных от модерна к авангарду.

В 1906 художник ослеп. Умер Врубель в Петербурге 1 (14) апреля 1910. Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского искусства 20 века.

Вьен Жозеф Мари(Joseph-Marie Vien)

1716–1809

Вьен Жозеф Мари (1716, Монпелье — 1809, Париж)- французский живописец.

Изучал рисование в Королевской академии живописи и скульптуры под руководством художника Шарля-Жозефа Натуара и Ж. Ф. де Труа,; при их поддержке принял участие в выставках Парижских салонов.

В 1743 году завоевал Гран-при и, вследствие этого, получил королевскую стипендию для своего учебного гранд тур в Италию.

В начале 1744 года прибыл в Рим и поступил в Римскую французскую академию.Провел в Риме 6 лет, с 1744 по 1750.

После возвращения в Париж жил и работал как свободный художник; в 1750 открыл собственную школу живописи

С его именем связан резкий стилевой перелом во французском искусстве в середине XVIII столетия.

Живопись Вьена в римский период, а также в первые годы после возвращения в Париж остается в рамках довольно легкомысленного, театрального и гедонистического стиля, модного во Франции второй четверти XVIII в. и названного впоследствии «рококо».

Став в 1755 директором Французской академии в Риме, он реформировал художественное образование, провозгласив «возвращение к античности»,однако был более последовательным в педагогических принципах, чем в собственной живописи (Прощание Гектора с Андромахой, 1787, Париж, Лувр).

Когда в конце 1750-х во французском искусстве начинается волна увлечения античностью, и Вьен одним из первых решительно переходит к новому стилю. Его картина»Продавщица амуров», выставленная в Салоне 1763 (Фонтенбло, Нац. музей), была воспринята как манифест антикизирующего направления. Дидро встретил ее потоком восторженных похвал.

С 1776 г. он последовательно занимал пост директора Французской академии в Риме, был назначен в число ректоров Парижской академии.

В 1781 вернулся во Францию и в 1789 был назначен Главным придворным художником короля Людовика XVI. В начальный период Великой французской революции оставался малозаметным художником, однако с приходом к власти Наполеона I оказался в центре внимания первого консула.

в 1789 г. получил титул первого королевского живописца. Наполеон I назначил его сенатором, возвел в графское достоинство и пожаловал в командоры ордена почетного легиона.

С восшествием на императорский престол Франции (в 1804 году),в знак признания его выдающейся роли в художественной жизни Франции, Наполеон сделал Вьена сенатором и графом Империи.

Творчество Вьена отражает во французской живописи переход от рококо к раннему классицизму. Среди многочисленных учеников художника следует назвать Жака-Луи Давида.

Вюйар Фредерик Эдуард(Jean-Édouard Vuillard)

1868-1840

Французский художник, участник группы «Наби».

Родился 11 ноября 1868 года в Кюизо. Его отец был капитаном в отставке. В 1878 году семья Вюйара переезжает в Париж. Уже во время обучения в лицее Вюйар встречает тех людей, с которыми его впоследствии будут объединять похожие взгляды (Ксавье Руссель, Люнье-По, Морис Дени). Изначально предполагалось, что Эдуард станет военным, но, во многом из-за влияния Ксавье Русселя, Вюйар в 1889 году поступает в Школу изящных искусств. В это же время он знакомится с Пьером Боннаром.

В 1888 году Вюйар вместе с Кер-Ксавье Русселем и Морисом Дени организует группу «Наби». Со следующего года его работы постоянно появляются в Салоне. Первая личная выставка художника состоялась в 1891 году в редакции издания «Ревю Бланш», с которым художник сотрудничал в течение нескольких лет. С редактором этого журнала, Таде Натансоном, Вюйар долгое время дружил.

В 1893 году Эдуард плодотворно сотрудничает с еще одним своим приятелем Люнье-По в символистском Театре творчества. Вюйар принимает участие в постановке мизансцен, создании декораций.

В этот период Вюйар знакомится с Маларме и Тулуз-Лотреком. Часть мотивов своего творчества художник перенимает из японской гравюры, которой он увлекся вместе со своим товарищем Боннаром. Именно этому искусству картины Вюйара обязаны интимными, камерными темами и пластическим способом их воплощения. В целом Боннара и Вюйара объединяет некоторая общность тем и мотивов.

Ранние работы во многом близки творческой манере голландских мастеров 17 века («Стакан воды и лимон»). Впоследствии в картинах художника все больше проявляются черты импрессионизма. Типичные черты полотен Вюйара – камерные сцены, образы сливаются с фоном, неотделимы от него, образы нарочито размыты, что усиливает их таинственное обаяние. Художник мастерски использует цветовые созвучия, оригинально подбирая их. Изображая повседневную жизнь, Вюйар представлял ее как нечто таинственное и увлекательное. Нередко персонажами его работ становились родственники («Мадам Вюйар за шитьем»).

Излюбленными темами картин были интерьер и сады.

Также Вюйар увлекался настенной живописью («Сад Тюильри», росписи в Пале-Шайо, панно в театре Елисейских полей), сценографией.

В более поздний период художник обращался к светским портретам.

В течение всей жизни художник много путешествовал, посещая Испанию, Лондон, Милан, Флоренцию, Венецию.

Более всего его привлекали пейзажи Бретани и Нормандии.

Эдуард Вюйар скончался 21 июня 1940 года в Ла-Боле.

Изображённые произведения  могут быть защищены авторским правом. Они размещены на сайте в соответствии с принципом «добросовестного использования» (fair use).

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра с информационно-образовательной целью. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.