Палисси Бернар/Palissy Bernard(Чинквеченто Керамика)

1510—1589

Бернар Палисси (фр. Bernard Palissy; ок. 1510, Ажен — ок. 1589, Париж) — французский естествоиспытатель и художник-керамист.

Бернар Палисси родился в Ажене, приблизительно в 1510 году.

Учился живописи по стеклу, работал в Сенте и Париже; посетил Германию и Нидерланды.

Изучал гончарное производство, стеклоделие и искусство живописи по стеклу.

С 1539 года занимался производством керамики в Сенте. В середине 1550-х годов Палисси разработал способ изготовления керамических изделий, покрытых цветными глазурями.

В 1564 году переехал в Париж, где получил должность «изобретателя сельских фигурок для короля» при дворе Карла IX и Екатерины Медичи.

Среди произведений мастерской Палисси,которые производились методом прессовки в формах, получивших название «сельские глины», выделяются овальные блюда с рельефными, сделанными на основе слепков с натуры цветными изображениями рыб, раковин,цветов, растений, змей, лягушек, ящериц и тритонов.

Бернар Палисси изготовлял также сосуды с ренессансным орнаментом и с низким рельефом на мифологические и аллегорические темы.

Результаты своих исследований Палисси опубликовал в трактате «Чудесные рассуждения о природе минеральных вод и источников … металлов, солей и солончаков, камней, земель, огня и эмалей» (1580).

Книга считается первым сочинением по минералогии на французском языке .

В 1575—1584 годах выступал в Париже с публичными лекциями по химии и технологии минеральных веществ.

В 1575 году устроил в Париже выставку ископаемых остатков и впервые провёл их сравнение с ныне живущими видами.

В 1588 году за свои религиозные убеждения был заключён в Бастилию, где и умер.

По материалам:: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства.

Пальма Веккьо Якопо/Palma Vecchio Jacopo(Ренессанс)

1480-1528

Джакомо Пальма Старший (Пальма иль Веккьо, итал. Palma il Vecchio, собственно итал. Jacopo Negretti, 1480, близ Бергамо — июль 1528, Венеция) — итальянский художник, мастер венецианской школы.

Работал в Венеции. Уроженец округа города Бергамо — самой западной части венецианских владений в Северной Италии, — Пальма Веккио сформировался как живописец в Венеции; в 1510—1520-х был самой заметной фигурой венецианской школы после Тициана.

Ранние работы Пальмы Веккио (Мадонна, ок. 1506, Берлин, Гос. музеи; Мадонна со святыми, ок. 1508—1510, Рим, галерея Боргезе) выдают влияние Джованни Беллини.
Пальма иль Веккьо учился под влиянием Беллини, Витторе Карпаччо, Чимы и Тициана и провёл большую часть своей жизни в Венеции.

Произведения Пальмы иль Веккьо отличаются красивой композицией, уверенным рисунком, блестящим и тёплым колоритом.

Фигуры его картин, в большинстве случаев выполненные на фоне пейзажа, имеют благородный характер и одеты в широкие одежды с широкими складками.

С начала 1510-х художник органично осваивает мотивы и живописные приемы Джорджоне и раннего Тициана.

Одной из его излюбленных тем становятся Святые собеседования и Святые Семейства, решенные как идиллические сцены на фоне спокойных сельских ландшафтов, несколько тяжеловесные по рисунку и ритму, но написанные со свойственной венецианской школе 1510—1520-х глубиной и насыщенностью цвета, богатством тональных переходов (Святое Семейство, около 1516—1517, Флоренция, галерея Уффици; Святое собеседование, около 1517, Вена, Музей истории искусства; Святое Семейство со святой Екатериной, 1520-е, Дрезден, Картинная галерея; Святое собеседование, около 1527—1528, Венеция, галереи Академии, закончена Тицианом).

Как сельская, крестьянская идиллия трактована у Пальмы Веккио библейская сцена в монументальном полотне Встреча Якова и Рахили (1520-е, Дрезден, Картинная галерея).

Существенной особенностью творчества Пальмы было создание им художественного типа венецианки — пышной белокурой красавицы -тип, который становится отличительным признаком живописной манеры этого художника.

Этот тип женской красоты оказал некоторое влияние на искусство молодого Тициана.

Произведения Пальма Веккьо (“Три сестры”, около 1515-1518, Картинная галерея, Дрезден; политриптих “Святая Варвара со святыми” алтаря церкви Санта-Мария Формоза в Венеции) отличаются типичной для венецианской школы живописи мягкой, насыщенной цветовой гаммой, идилличностью пейзажных фонов, жизнерадостным полнокровием персонажей.

Якопо Пальма Веккьо в своих картинах часто помещал религиозные сцены в идиллическое, пасторальное окружение.

Якопо Пальма Веккьо был признанным портретистом и выполнял также множество работ по заказу церкви.

К их числу относятся алтари с изображением Мадонны и младенца в окружении святых (композиция Sacra Conversazione).Самым знаменитым из них является алтарь Санта Барбара, написанный для церкви Санта Мария Формоза в Венеции.

Картины художника Пальмы Веккьо выполнены уверенным рисунком, отличаются красивой композицией, наполнены блестящим и тёплым колоритом.

Фигуры его картин, в большинстве случаев выполненные на фоне пейзажа, имеют благородный характер и одеты в широкие одежды с широкими складками.

Созданный художником тип пышной, белокурой горожанки был популярным в искусстве Венеции 1-й половины 16 века.

Одной из лучших работ Пальмы Веккио является величественная святая Варвара из Полиптиха Св. Варвары (ок. 1522—1523, Венеция, церковь Санта Мария Формоза), написанная в полнозвучной и праздничной цветовой гамме, основанной на теплых вишнево- и розово-красных тонах, объединенных мягким золотистым светом.

Пальма Веккио работал также в портретном жанре. Его женские портреты (так называемая Виоланта, около 1518, Вена, Музей истории искусства; Женский портрет, ок. 1518, Мадрид, Музей Тиссен-Борнемиса), решенные в нарядной, звучной цветовой гамме, воплощают характерный венецианский тип чувственной полнокровной красоты.

Написанные в темной, благородной цветовой гамме мужские портреты (Юноша, ок. 1512—1515, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; Франческо Кверини, 1528, Венеция, галерея Кверини-Стампалья) выдают влияние Джорджоне.Вазари приписывает Пальме Веккио ныне полуразрушенное полотно Буря (Венеция, галереи Академии), являющееся первым в истории итальянской живописи изображением разбушевавшейся морской стихии.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Паннини Джованни Паоло/Pannini Giovanni Paolo(Рококо, ведута)

1691-1765

Джованни Паоло Панини или Паннини (17 июня 1691 — 21 октября 1765) — знаменитый итальянский художник и зодчий, известный своими работами в жанре городского пейзажа — «ведуты» (итал. виденная).

Родился в Пьяченце около 1692 года.

В юношестве Панини учился в своём родном городе Пьяченце, под предводительством Джузеппе Натали (Giuseppe Natali) и Андреа Галуцци (Andrea Galluzzi), а чуть позже, под руководством театрального художника Франческо Галли-Бибьена (Francesco Galli-Bibiena).

В 1711 он переехал в Рим, где он обучался художественному рисунку с Бенедетто Лути, и достиг известности своими работами по декорированию дворцов, включая Villa Patrizi (1719—1725), Palazzo de Carolis (1720) и Римской семинарии (англ.)русск. (1721—1722).

В Риме, античные руины вдохновили его на создание исторических композиций, сцен из современной ему жизни и воображаемых видов реальных построек, находящихся в разных частях города, но собранных вместе, как на представленной здесь картине «Римская фантазия».

Джованни Панини был первым художником, специализировавшимся на подобного рода видах, и его многочисленные работы имели огромный успех у туристов, равный, в каком-то смысле, видам Венеции, написанным Каналетто, стиль которого был первоначально близок манере Панини.

Известность получил своими росписями на вилле Патрици (закончены в 1725) и декорациями для праздника в честь рождения дофина (1729, Лувр, Париж; 1731, Дублин).

Женитьба на сестре французского художника Флейгельса, покровительство кардинала Полиньяка и связь с Французской академией в Париже, членом которой он был избран в 1723, связали его с французскими художественными кругами.
В 1755 году избран президентом Академии св. Луки в Риме.

Джованни Паоло Панини — один из родоначальников архитектурного или руинного пейзажа.

Свои архитектурные виды, интерьеры («Интерьер церкви Сан Джовани ин Латерано», Музей изобразительных искусств, Москва); руины («Руины», Эрмитаж, Санкт-Петербург и Музей изобразительных искусств, Москва) художник населял маленькими человеческими фигурками, обыгрывая излюбленную тему 18 столетия — сопоставление величия древнего прошлого и тривиальности настоящего.

Панини умер в Риме 21 октября 1765-го года.Как художник, Панини больше всего известен своими картинами достопримечательностей Рима, в которых большое внимание он уделял его античности.

Самые известные его работы — интерьер Пантеона и рисунки картинных галерей видов Рима в стиле ведута.

Большая часть его работ, в особенности пейзажи руин, имеют особенную и причудливую атмосферу с нереальной красотой интерьеров и декораций, которые характеризуют уникальный стиль каприччио.

Он также известен своими портретами известных людей, включая самого Папу Бенедикта XIV.
В студии Панини с ним вместе работали Юбер Робер и его сын Франческо Панини. Стилистика его работ оказала заметное влияние на других ведутистов, таких как Антонио Джоли (англ.)русск., Каналетто и Бернардо Беллотто, который пытался добиться популярности рисуя «открытки» с видами Италии.
Быстрая и легкая кисть художника, декоративная красота колорита, остроумие в выборе сюжетов способствовали популярности живописи Джованни Паоло Панини, вызвавшей поток многочисленных подражаний его темам и манере. Влияние Панини испытали Пиранези, Каналетто, Белотто, Франческо Гварди и французские мастера пейзажа-ведуты.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства,  Большая иллюстрированная  энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Работы художника на сайте,  Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Папроски Эжен Джей (E. J. Paprocki)

1971–…

Эжен Джей Папроски — американский художник-импрессионист

Всемирно известный художник E. J. Paprocki родился в Чикаго в 1971 году. Рисовать ему хотелось всегда, поэтому в семь лет у него стали появляться полноценные картины.

Заядлый художник с детства, он изучал бизнес и изобразительное искусство в Университете Лойола в Чикаго, штат Иллинойс. У него было 16 персональных выставок, а его работы получили хорошие отзывы критиков и были показаны в нескольких международных журналах искусства. Его чувствительные и вызывающие воспоминания картины заработали толпы фанатов по всему миру и включены в более чем 1000 государственных, частных и корпоративных коллекций в Европе, Америки, Азии и Австралии.

Его картины отличаются яркими красками и сильными, размашистыми мазками. Вблизи картины напоминают сложную мозаику, собрать которую глазу удается на некотором расстоянии от полотна.
С детства был очень активен, стремился познать многое, поэтому в университете родного города учился по двум направлениям — в студии изобразительного искусства и в студии бизнеса одновременно.

Результатом его работы чаще оказываются пейзажи, но портреты и натюрморты ему не чужды. Потрясающий стиль художника проявляется именно в мазках. Широкие, выверенные по цвету, силе нажатия, они шаг за шагом формируют чудесную картину. Возможно, это кому-то покажется легким, однако за такой техникой стоят годы труда, немалый опыт и, безусловно, талант.

Картины Папроски выставляются по всему миру, к настоящему времени они находятся более чем в 1000 государственных, частных и корпоративных коллекциях более чем в 10 странах мира.

На данный момент много путешествует, рисует и посещает знаменитые музеи мира. В среде коллег и ценителей его уважают за преданность классическому искусству. В частности, Эжена считают последователем импрессионистов.

Парет и Алькасар Луис/Luis Paret y Alcazar(Рококо)

1746–1799

Испанский живописец и рисовальщик эпохи рококо(11 февраля 1746, Мадрид — 14 февраля 1799, Мадрид).

Специализировался на изысканных морских и городских пейзажах, натюрмортах и интерьерах дворцов.Среди испанских художников XVIII в.Парет-и-Алькасар, наряду с Гойей,вызывает особенно живой интерес современных исследователей.

В изысканном творчестве этого художника более, чем в чьем-либо другом, заметно влияние французского искусства, приспособленного к испанским условиям.
Его отец Пабло Парет был французом каталонского происхождения, а мать — Maрия дель Пилар была испанкой.

Азам рисования мальчик учился у французского ювелира Огюстина Дуфло (1722-1767), а затем у монаха Бартоломео де Сан-Антонио (1708-1782), который доводился дядей архитектору Вентуре Родригесу.
Учился он в мастерской у Антонио Гонсалеса Веласкеса. Уже в 1760 году Парет завоевал второе место в конкурсе, проводимом ежегодно Академией.

Луис Парет был принят в качестве студента в Королевскую Академию Сан-Фернандо в Мадриде в возрасте 10 лет, и уже в 17 ее окончил.
Еще будучи студентом, юноша испытал влияние французского искусства позднего рококо, посещая студию французского живописца Шарля де ла Траверс (Charles de la Traverse), ученика Франсуа Буше.

Траверс был послом Франции в Испании и в то время работал над большим полотном «Шествие из Осунны» (the Marchese of Ossun).
Опять же, еще в студенческие годы Парет обзавелся покровителем в лице инфанта дона Луиса де Бурбона, брата короля Карла III.

Благодаря поддержке дона Луиса юный художник в 1763 году отправляется в Италию для расширения своего художественного и гуманитарного образования. Он посещает музеи, изучает греческий и латинский языки, много рисует.
В 1766 году Парет возвращается на родину, представляет на конкурсе в Академии одну из своих работ и завоевывает первую премию.
С 1770 года художник начинает писать по заказу короля Карла III и инфанта дона Луиса.
В 1775 году он был назначен придворным живописцем дона Луиса, для которого написал несколько своих самых известных жанровых сцен, в том числе «Магазин модной одежды» (The Boutique, Мадрид, музей Лазаро Гальдиано).
В 1775 году художник уезжает в Пуэрто-Рико.

Он пользуется большим влиянием и уважением среди художников на острове. При этом занимается у художника Хосе Кампече (José Campeche) и помогает организовать ему рисовальную школу.

Парет продолжает писать жанровые картины и увлекается цветочными натюрмортами, которые все называют «бамбочадас» (bambochadas), за то, что они пользуются успехом только у бедного населения.
Через четыре года, в 1778 году, из Мадрида приходит помилование и позволение вернуться в Испанию.

Художнику запрещается проживать в столице,и он вынужден поселится в Бильбао.
Здесь он в 1779 году женится на Марии де лас Ниевес Микаэле Фурдинье (Maria de las Nieves Micaela Fourdinier), чей замечательный портрет находится в музее Прадо в Мадриде, и успешно работает до 1787 года.
В 1780 году Парет из Бильбао посылает в Академию картину «Благоразумие Диогена» (Мадрид, Академия Сан Фернандо) и становится ее членом.
Пребывание в Бильбао обратило художника к пейзажу, к изображению морских гаваней, широкого кантабрийского побережья с низкой линией горизонта и огромным простором неба, написанного светлыми красками.

Впрочем, это была не любовь художника к пейзажу, а очередной королевский заказ. Карл, вдохновленный увиденными пейзажами, которые Людовик XV заказал Клоду Жозефу Верне, заказывает Парету аналогичные пейзажи северной Испании с морем и видами испанских портов.
В 1787 году Парет получает крупный заказ на религиозную живопись, который можно считать последним декоративным рококо в испанской живописи.

Он украшает купола в церкви Сан-Хуан-дель-Рамо, а в церкви Санта-Мария-де-Виана в Наварре пишет сцены из жизни Иоанна Крестителя.
После смерти короля Карла III в 1788 году художник получает разрешение вернуться в Мадрид.После возвращения в столицу, несмотря на то, что Парет становится преподавателем в Академии Сан-Фернандо , он получает от королевского дворца заказы, главным образом, рисовать и гравировать виды портов, своеобразный испанский вариант итальянских ведут (от итальянского veduta — вид), то есть городских пейзажей.
В 1791 году художник пишет картину « Фернандо VII принимает присягу, как принц Астурийский», а в 1792 году – одну из своих известных работ «Ботанический сад».
Последние десять лет своей жизни художника связаны с Академией.

В это время в Академии преподавал Гойя, который в 1795 году, после смерти Байеу, становится директором живописного отделения. Парет тоже получает должность вице-секретаря.

Парет умер в 1799 году в возрасте 53 лет, оставив жену и двух дочерей практически в нищете, потому что ему не удалось оформить официальную пенсию.

Вскоре на фоне неуемной энергии обновления всего испанского искусства Гойей, имя Парета было забыто.

И все же, человек широкой культуры, открытый художественным новшествам времени, Парет внес большой вклад в европейскую живопись XVIII века ,и в настоящее время Парета считается вторым после Гойи испанским художником восемнадцатого века.

Источники: Википедия, Энциклопедия мировой живописи.

де Пареха (де Парейо) Хуан/Juan de Pareja

1610–1670

Хуан де Пареха(1606 или 1610, Антекера, Севилья – 1670, Мадрид)- испанский художник, слуга и ученик Диего Веласкеса.

Хуан де Пареха родился в Севилье и был потомком мавров.

Несмотря на то, что в своем родном городе он, как художник, пользовался прочной репутацией, в 1630 году Пареха переселился в Мадрид для дальнейшего обучения.

В Мадриде Пареха начинает работать у Веласкеса, помогая ему смешивать цвета и готовить холсты.В начале 1649 года Диего Веласкес отправился во второй раз в Италию, с целью привлечь именитых мастеров фресковой живописи для украшений росписями помещений.

Признание художника в Италии утвердили его портреты, написанные в Риме, и в 1650 году он был избран в члены Академии святого Луки.

Поводом для такой почести послужил необыкновенно правдивый, жизнерадостный портрет его помощника Хуана Парехи, который сопровождал мастера в поездке.

Картина была выставлена для широкого показа в Пантеоне и вызвала всеобщее восхищение своей неприкрашенной правдивостью.

Один из живописцев — современников Веласкеса, рассказывает, «что художники разных наций сошлись во мнении, что рядом с ним все прочие картины кажутся живописью, и лишь он один самой истиной».

На подгрудном портрете Пареха изображен вполоборота.

Гордо вскинув голову, с чувством собственного достоинства смотрит он на зрителя.

Темные глаза, взгляд которых свидетельствует о характере страстном и легковозбудимом, слегка приоткрытый чувственный рот придают его облику

тревожно – угождающую достоверность, которую напрасно было бы искать в портретах королевской семьи Веласкеса.

Портрет Парехи был написан в 1649—1650 годах, в те редкие часы, когда, освободившись от официальных поручений короля, живописец принадлежал своему искусству.

Источник: Википедия

Парк Сун Сэм (Sung Sam Park)

1949–…

Корейский художник Су Сем Парк. Его живопись удивительно романтична. После окончания Сеульского Jung Ang University в 1973 году, С. Сэм Парк отправился во Францию, где изучал живопись, читал книги по искусству и жил с другими молодыми художниками в Париже.

Его художественный стиль сегодня четко отражает влияние французских импрессионистов. В то время как в Европе, С. Сэм Парк продолжает учиться и развивать свое видение импрессионизма и гиперреализма. В настоящее время он выставляется себя в ряде европейских и мировых галерей . Его произведения были опубликованы в различных газетах и журналах, в том числе Европейском Туристическом Агентствеи Euroko, корейского журнала в Европе. С. Сэм

Парк переезжает в 1994 году в Соединенные Штаты Америки, где продолжает жить и работать на побережье Южной Калифорнии.

Мастер городской живописи, он в своих работах рассказывает о различных городах мира, показывает их романтические дворики, прекрасные набережные и сказочные цветы в парках.

Как искусный сказочник он рисует картину романтического сказочного мира, порой далекого от реальности в жизни, но так близкого в наших мечтах и снах.

Искусство Парка всегда немного нереально, немного сказочно и иносказательно. Различные художники, различные полотна. У Парка все работы удивительно свежи и радостны, как будто с детского мультфильма или книжки детства, которую мама читала на ночь.

Паркес Майкл/Parkes Michael(Магический реализм)

1944–….

Майкл Паркес (Michael Parkes) — американский живописец, основатель течения магического реализма, мастер фантастической живописи и литографии.

Наиболее известен своими работами в жанре магического реализма и в стиле фентези. Специализируется на живописи, литографии и скульптуре.

Работы Паркеса широко доступны в форме массово выпускаемх постеров и в составе девяти изданных книг.
Родился в 1944 году, в городке Сайкстоун, штат Миссури в Америке. Изучал искусство живописи и графики в Канзасском университете.

В молодые годы, он писал картины в стиле абстрактного экспрессионизма и примитивного авангардизма, довольно широко распространенном в 60-е годы прошлого века в Америке.

Однако, уникальный стиль живописи Паркеса сложился в период изоляции от общества поп-культуры, в период, когда он бросил изучение и практику живописи и отправился в Индию в поисках философских истин и просветления.

Это неудивительно, так как, родившись в сороковые годы, он принадлежал к поколению «детей цветов», хиппи.

После довольно долгого пребывания в Индии Паркес стал писать картины и создавать литографии в стиле тщательного и детализированного представления изображений; он стремился отразить в своих работах представления о мире, навеянные философией Востока.

Стиль был в принципе реалистическим, действия и сочетания предметов — волшебными, и собственно с тех пор его работы и положили начало формированию течения, названного магическим реализмом.

Майкл Паркес длительное время посвятил изучению философских доктрин Востока и Запада, и его образы навеяны древней восточной мудростью, включая тантризм и каббаллистику, но воплощены в формах его собственного воображения, которые, благодаря картинам, стали доступными для всех.

В его картинах странные животные сталкиваются с таинственными крылатыми женщинами, повелители марионеток дирижируют мифическими существами и людьми, добро побеждает зло в их древнем конфликте .

В невесомой воздушной атмосфере миров Паркеса, окружающей его картины, достаточно очевидно для всех, как эти миры разрушаются, трансформируются и вновь создаются по желанию сердца художника.

Еще будучи студентом, познавая искусство живописи,

Паркес был очарован различными графическими процессами в живописи, в настоящее время он стал признанным мастером в кропотливой и трудоёмкой сфере создания цветной каменной литографии.

Практически все произведения Паркеса сейчас находятся в частных коллекциях.

Скульптура Паркеса Angel Affair (2004 год) была на обложке сентябрьско-октябрьского выпуска 2004 голландского журнала Fine Arts Magazine, в который вошла также статья об одной из выставок Паркеса в Нидерландах.

Лиза Старри (Lisa Starry) из Театра танцев Скорпиус (Scorpius Dance Theater) в 2007 году создала современную танцевальную постановку, основанную на работах Паркеса.

В том же году Паркер был приглашён выставить своё видение Венеры на международной выставке 35 художников, работающих в жанре магического реализма, в Дании.

В 2009 году одна из картин Паркера, The Three Graces, была упомянута в романе Дэна Брауна «Утраченный символ».

Паркес давал интервью насчёт своей интерпретации символического использования своего творчества в книге Брауна.

Майкл Паркес имел персональные выставки на Базельской Ярмарке Искусства в Швейцарии, Художественном Чикаго, Нью-Йорке Художественная Экспо, Франкфуртская Книжная ярмарка,

Амстердамская Художественная Ярмарка, Искусство Tefaf и Ярмарка Старинных вещей Маастрихт и представлен престижными галереями в Амстердаме, Париже, Дании, Италии, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе,Закулисной части сцены Сан-Франциско, и вокруг Соединенных Штатов.

В 2007, Майкл был почетным гостем и представлял художника в международном представлении “Венера и Женская Интуиция,” участвовал в выставке в Дании и Голландии.Также в 2007, работа Майкла Паркеса вдохновила современную постановку балета Танцевальным театром Scorpius Финикса, где его искусство оживало в декорациях и персонажах балета.

В последнее время Майкл Паркес живет и работает в Испании.

По материалам:Wikipedia,  Официальный сайт художника , Иллюстрированная энциклопедия «Современные мастера мировой живописи»,

Пармиджанино Франческо/Parmigianino Francesco(Маньеризм)

1503—1540

Джироламо Франческо Мария Маццола (итал. Girolamo Francesco Maria Mazzola, более известный под прозвищем Пармиджани́но (11 января 1503, Парма — 24 августа 1540, Казальмаджоре) — итальянский художник и гравёр эпохи Возрождения, один из крупнейших живописцев маньеризма.

Сын художника Филиппо Маццолы, Франческо осиротел в два года, его воспитывали братья отца — художники Микеле и Пьер Иларио.

Первую картину — «Крещение Иисуса» — написал в шестнадцатилетнем возрасте. В 1521 году из-за боевых действий в районе Пармы (город был осаждён войсками Франциска I), Пармиджанино переезжает во Вьядану.

Довольно часто он наезжал в Кремону, где в то время над фресковым циклом собора работал Джованни Антонио Порденоне, повлиявший на Пармиджанино в гораздо большей степени, чем Корреджо, с которым тот познакомился в 1522 году.

Позднее получил обычное для той эпохи топонимическое прозвище («уроженец Пармы»). Испытал влияние Рафаэля и Микеланджело, но в первую очередь Корреджо, именно в этом городе создавшего свои главные произведения.

Это влияние довольно четко проступает уже в ранних работах художника.Уже в ранний период своего творчества Пармиджанино проявил себя и как выдающийся портретист, умеющий очень впечатляюще акцентировать аристократическое благородство своих моделей и окутывать их, благодаря эмблематическим деталям антуража, аурой многозначительной тайны («Портрет мужчины», 1523, Национальная галерея, Лондон; «Галеаццо Санвитале», 1524, Галерея Каподимонте, Неаполь).

В 1524 году Пармиджанино прибыл в Рим, где был представлен новоизбранному папе Клименту VII. Дабы продемонстрировать свое мастерство художник Пармиджанино преподнес папе несколько картин, в том числе знаменитый «Автопортрет в выпуклом зеркале» (1524), где блестяще разрешил достаточно сложную перспективную задачу, в итоге придав своему изображению (с огромной рукой на переднем плане, более крупной, чем голова) почти «сюрреалистический» облик.

В главном его религиозном образе того периода («Видение святого Иеронима», 1527) закрепилось влечение Пармиджанино к идеалу загадочной, отрешенной от мира красоты.

После погромов, которыми сопровождался захват Рима войсками Священной Римской империи, Пармиджанино в 1527 спешно уехал в Болонью, а оттуда в 1531 возвратился в родной город. В последние десять с небольшим лет своей недолгой жизни исполнил три лучшие свои религиозные картины — «Мадонна со святой Маргаритой и другими святыми» (конец 1520-х), «Мадонна с розой» (начало 1530-х) и прославленную «Мадонну с длинной шеей» (1534-1540), ставшую его своеобразным творческим завещанием.С 1531 художник работал над росписями пармской церкви Санта-Мария-делла-Стекката, но задержка с их завершением привела в итоге к заключению его в тюрьму в 1539 году.

Выпущенный под залог, Пармиджанино бежал в Казальмаджоре, где и скончался в возрасте 37 лет.

Кроме живописных работ виртуозное мастерство художника Пармиджанино, как графика, проявилось также в его многочисленных рисунках и в первых в Италии офортах.

По литературной традиции, идущей от Вазари, о Пармиджанино принято говорить, как о человеке, постоянно погружённом в мистические размышления и всецело отдавшем себя алхимии.

Автопортрет художника, написанный в последний год жизни, где Пармиджанино предстаёт глубоко задумавшимся, преждевременно постаревшим, подтверждает слова его биографа. Вазари отдаёт должное мастерству Пармиджанино, но с большим сожалением пишет об его увлечении и следующим образом воссоздаёт печальный финал живописца:

В конце концов Франческо, все ещё увлекаясь этой своей алхимией, превратился, как и все другие, однажды на ней помешавшиеся, из человека изящного и приятного в бородатого, с волосами длинными и всклокоченными, почти дикого, совсем не такого, каким был раньше, и после того как он так опустился и стал нелюдимым и мрачным, напали на него тяжкая горячка и жестокий понос, вследствие чего через несколько дней он отошел к лучшей жизни, положив тем самым конец тягостям мира сего, в котором не познал он ничего, кроме тоски и докуки.

Никто не мог предполагать, что творчество Франческо Пармиджанино очень сильно повлияют на европейскую живопись, и подготовит возникновение и бурное развитие нового стиля, барокко.

В России в 2008 году были показаны две картины мастера. В Государственном Эрмитаже демонстрировалось полотно «Обращение Савла» , в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина — портрет «Антея».

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника в музеях мира.

де ла Парра Кастеллано Мануэль Родригес/Manuel Rodríguez de la Parra Castellano

1828–1880

Испанский живописец, гравер и коллекционер, принадлежавший к стилю романтизму.
Он учился в Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, затем работал в качестве помощника художника Луиса Карлоса Рибера, например, в украшении сводов Палаты Конгресса депутатов.
Место в истории художник занял, благодаря своим коллекциям.
Он собирал гравюры, рисунки и фотографии, которые попали после его смерти в Национальную библиотеку. Мануэль, как коллекционер, являлся обладателем одной из первых коллекций фотографий Испании, которую он приобрел в 1871 году в Национальной библиотеке в обмен на литографии и гравюры, которые были в его коллекции.
Кастеллано был ярким представителем романтизма, большим любителем корриды и театра, которые отражены в его живописи.
Художник регулярно участвовал в Национальных художественных выставках, завоевав уже на первой из них, в 1856 году, почетное упоминание, благодаря своей картине «Внутренний дворик (патио) для лошадей на арене в Мадриде» (Patio de caballos de la plaza de toros de Madrid).
На этой картине изображен самый известный тореро и пикадор на самой старой арене для коррид в Мадриде, построенной по приказу короля Фернандо VI и открытой в 1754 году.
Эта арена была расположена вблизи Пуэрто де Алькала и была уничтожена в 1874 году.
На Национальной выставке 1862 года Кастеллано получил третью премию за картину «Смерть Дайоса и Веларде» (Muerte de Daoiz y Velarde). В 1866 году была отмечена картина художника «Заключение в тюрьму дона Фернандо Валенсийского» (Prisión de don Fernando Valenzuela), а спустя еще два года, в 1868 году – картина «Смерть графа де Вилламедины» (Muerte del conde de Villamediana, 1868, музей Прадо). К последней работе художник сделал многочисленные наброски карандашом, которые сейчас находятся в музее Прадо и Национальной библиотеке.
Когда художнику было около 50 лет, он получил пенсию в Риме, куда переехал в 1875 году. В Венеции он сделал немало копий картин Витторе Карпаччо, а затем переехал в Париж, где написал историческую картину «Присяга войска маркизу де Ла Романа» (Военный музей Мадрида).
Умирать художник вернулся на родину. Кастеллано умер в Мадриде в 1880 году в возрасте 52 лет. Источник: Википедия,зарубежные энциклопедии

Паскаль Даньян-Бувере/Paskal Dagnan-Bouveret(Академизм)

1852—1929

Паскаль Адольф Жан Даньян-Бувре (фр. Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret; 7 января 1852, Париж — 3 июля 1929, Кенсе) — французский художник-реалист.

Даньян-Бувере Паскаль родился 7 января 1852 года в семье портного. Воспитывался дедом; впоследствии художник добавил имя своего деда — Бувере (Bouveret) — к своему собственному.

С 1869 года Паскаль обучался живописи в Школе изящных искусств при Академии художеств у Александра Кабанеля и Жана Леона Жерома, а также у художника Камиля Коро.Тогда же в школе он встретил и подружился с будущим художником, представителем натурализма в живописи как составной части реализма Жюлем Бастьен-Лепажем и живописцем Густавом Куртуа.

В 1873 году Паскаль совместно с Гюставом Куртуа открыл художественную студию и начал писать в своей своеобразной манере, способной свободно передавать натуру, не исключающей, однако, выработанности рисунка и точного сохранения человеческих характеров персонажей картин и динамики их движений.

С 1875 года принимал участие в ряде выставок, и в 1876 году Паскаль получил так называемую римскую премию. Картина «Смерть Манон Леско», выставленная им в салоне 1878 года, уже показала самостоятельное, вполне реалистическое направление в творчестве художника.

За этим произведением последовали другие картины, все более и более возвышавшие репутацию живописца Даньян-Бувере Паскаля вхудожественной среде Франции: «Новобрачные у фотографа» (1879), «Несчастный случай» (1880, медаль I класса), «Благословение жениха и невесты перед венчаньем во Франш-Конте» (1882) и «Гамлет и могильщики» (1884).

В 1880 года был награждён медалью первого класса за картину «An Accident», в 1885 году — Почетной медалью за полотно «Horses at the Watering Trough».

С середины 1880-х годов Даньян-Бувере Паскаль наряду с Гюставом Куртуа стали содержать студию в Нейлли-сюр-Сен, фешенебельном предместье Парижа.

К этому времени Паскаль уже являлся признанным ведущим художником Франции, известным не только своими жанровыми и крестьянскими сценами, но и мистическо-религиозными композициями.

С 1885 года он часто посещает Великобританию, которая вдохновила его на написание многих картин. За одну из них «ПLe Pardon en Bretagne» художник был награждён Почетной медалью на Всемирной выставке 1889 г..

Даньян-Бувере Паскаль не оставлял своего пристрастия к изображению простонародных типов Бретани, в тот же период живописец написал прекрасную картину «Водопой лошадей» (1885, в Люксембургском музее), а также полотно «Благословленный хлеб» (1886, там же) и превосходную сцену «День церковного прощения» (1887).

Даньян-Буве был, наряду с великим Жюлем Бретоном, один из первых французских художников, изобразивших крестьянский быт в духе натурализма.

Его творчество представлено также портретами и полотнами на религиозные темы.
В ходе подготовки эскизов своих будущих картин художник использовал фотографию.

В 1878 году он переехал на восток Франции в Франш-Конте, где создал большое количество пейзажей и натюрмортов.

В 1896 году крупноформатная картина Паскаля «Тайная вечеря» была выставлена в Салоне Шамп-де-Марс.

Помимо жанровых сцен, исторических и религиозных картин, Даньян-Бувере Паскаль писал также портреты, в том числе, например, портрет британского коллекционера живописи и мецената Джорджа Маккаллока.

В 1891 году Даньян-Бувере Паскаль удостоился чести стать кавалером ордена Почетного Легиона, а в 1900 году — избран в члены Института Франции.

Художник скончался 3 июля 1929 в возрасте 77 лет в Кенсе, где и был похоронен.

По материалам: Wikipedia , Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Картины художника на сайте.

Патинир Иоахим/Patinir Jochim(Северный Ренессанс)

около 1475-1480-1524

Иоахим Патинир (нидерл. Joachim Patinir; 1475/1480, Динан в провинции Намюр, Валлония, Бельгия — 5 октября 1524, Антверпен, Бельгия) — фламандский живописец, один из основоположников европейской пейзажной живописи.
Работал в Антверпене.

Природу сделал главным компонентом изображения в композициях на религиозные сюжеты, в которых, следуя традиции братьев Ван Эйк, Герарда Давида и Босха, создавал величественное панорамное пространство.

Работал совместно с Квентином Массейсом. Предположительно многие работы, приписываемые сейчас Патиниру или Массейсу, являются на самом деле их совместными работами.

Иоахим Патинир внёс неоценимый вклад в развитее пейзажа.Он является родоначальником пейзажа в искусстве Северного Возрождения. Именно в его творчестве природа приобрела свободное значение.

Мастер пейзажа отклонился от обычаев прошлого, когда пейзажу в картине причислялась функция фона. У Иоахим Патинира пейзаж стал частью сюжета, получил смысл и содержание.

Появление нового жанра в художестве стало стремлением к изображению эмоций природы, к восприятию ее как олицетворения величия Мира, который устроен Богом, где человек ставал второстепенным.

Пейзажи Патинир изображал обычно с возвышенной точки и разделял их на три плана, используя градацию цветовых тонов. Они получают характер полуфантастических панорам, где одновременно являются узнаваемыми настоящие ландшафты.

Произведения “Св. Иероним в пустыне”, “Крещение Христа”, “Пейзаж с Хароном”, “Бегство в Египет” были написаны в период, когда художник полностью определился со своим творческим методом.

На всех картинах как будто с высоты птичьего полета наблюдается панорама природы. Маленькие изображенные фигуры людей и животных теряются среди огромных природных пейзажей.

Все нарисованное является органичным единым миром, в котором каждый занимает подобающее ему место.

Следует отметить, что в его картинах природа является частью религиозных композиций. До этого времени ни один художник не использовал что-то подобное. Если картина была посвящена религиозной тематике, то акцент был поставлен только на событие и главного персонажа, природе уделялось очень мало внимания.До нашего времени сохранились пейзажи художника связанные с религиозной тематикой. Они находятся в известных музеях мира. “Бегство в Египет” находится в Королевском музее изящных искусств в Антверпене, “Пейзаж с Хароном” можно увидеть, посетив Музей Прадо в Мадриде, “Крещение Христа” в Венском Музее истории искусств.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Виртуальная галерея работ художника.

Пачеко Франсиско/Francisco Pacheco

1564–1645

Франсиско Пачеко дель Рио (исп. Francisco Pacheco del Río, крещён 3 ноября 1564 г. Санлукар-де-Баррамеда — 27 ноября 1644, Севилья) — испанский художник, теоретик искусства и поэт, учитель таких мастеров кисти, как Диего Веласкес и Алонсо Кано, оказавший серьёзное влияние на развитие живописи в Испании в XVII столетии.
Родился Франсиско в семье моряка в небольшом городке в провинции Кадис, но в детстве, переехал в Севилью, увлекся литературой и получил гуманитарное образование у своего дяди, каноника севильского собора.

Одновременно в Севилье Франсиско обучался живописи у Л. Фернандеса.
После поездки во Фландрию обосновался в Севилье, где в 1611 году открыл свою мастерскую, которая стала центром художественной жизни города.

Здесь вплоть до 1617 года учился великий Веласкес.

В 1618 году Пачеко выдал за Веласкеса свою дочь Хуану Миранду.
Современники называли мастерскую художника Академией образованнейших людей Испании.

Среди тех, кто дружил с Пачеко или посещал его регулярно, нужно назвать в первую очередь писателей и поэтов — Сервантеса, Эрнандо де Эррера и других.

Бывали у него и археолог Родриго Каро, и ученые — лингвист Арготе де Молино, историк Ариас Монтано, теоретик искусства Пабло де Сеспедес.
Дважды Пачеко совершал поездки в Мадрид: в 1611, когда посетил Эль Греко в Толедо, и в 1623—1624, сопровождая своего ученика и зятя Веласкеса к королевскому двору. Второстепенный, но плодовитый живописец Пачеко писал картины на религиозные сюжеты и портреты.
В севильском Музее изящных искусств целый зал посвящен его работам, в которые Пачеко неизменно вносил оттенок сухости и прозаизма, в меньшей мере присущие ему как человеку.

Широко и многосторонне образованный, серьезный и опытный педагог, он был примечательной, хотя и противоречивой личностью своего времени.
Школа живописи Франсиско Пачеко отражала академический, официальный взгляд на изложение религиозных сюжетов и образов.

Не последнюю роль в этом сыграло то обстоятельство, что художник занимал также должность цензора при святейшей инквизиции в Севилье. Его глубокая религиозность нашла своё отражение в таких произведениях, как «Страшный суд» и «Мученики Гранады».

Служение с 1618 года в инквизиции цензором, контролирующим сюжеты картин, не помешало Пачеко увлекаться идеями гуманизма, многие точки зрения, близкие теоретикам итальянского маньеризма, не препятствовали ему отдать дань развивающемуся реализму.
Противоречивость теоретических взглядов Пачеко сказалась в его известном трактате «Искусство живописи, ее древность и величие» (первое издание вышло в свет в 1649).
Показательны его слова: «Чтобы быть портретистом, как и поэтом, таковым надо родиться».
Особое место в его творчестве заняла неоконченная «Книга-описание подлинных портретов знаменитых и достопочтенных мужей» (1599), состоящая из 170 портретов-рисунков представителей духовенства, поэтов, художников, музыкантов и врачей. Рисунки выполнены черным и красным карандашами, украшены орнаментированной рамкой, а под каждым портретом — краткая биография.

По свидетельству самого художника, им до 1647 года было написано более ста шестидесяти портретов.
Поэт Кеведо писал: «Для твоей славы, Севилья, ученый, знаток и виртуоз искусным карандашом выполнил эти рисунки, которые так почитаемы всеми народами. Их хвалят не за красочность, а за то, что с помощью угля и карандаша Пачеко сумел придать им не только сходство, но вложить в них душу и жизнь».
Жизнь художника объединяет две эпохи в испанской живописи, он умер в девяностолетнем возрасте в Севилье.

Франсиско Пачеко был значительной фигурой в истории испанской культуры в переломную эпоху от Возрождения к искусству XVII в.
Ему довелось соприкоснуться в своей жизни с двумя величайшими живописцами Испании.

Описание визита Пачеко в 1611 к стареющему Эль Греко, связанное с созданием его графического портрета для упомянутой серии (портрет не сохранился) стало единственным достоверным рассказом современника о толедском живописце.
Пачеко сразу же оценил гениальное дарование Веласкеса, в обучении, жизни и карьере которого он сыграл важную роль.

Источники: Википедия, Энциклопедия испанской живописи.

Пелевин Иван Андреевич

1840–1917

Пелевин Иван Андреевич (1840-1917) –родился в 1840 г. Ученик Академии художеств с 1856.

Окончил курс императорской Академии художеств в 1862 г. со званием неклассного художника. Вскоре по выходе из академии написал несколько картин, между прочим две сцены: «Воскресный досуг» и «Молодая мать», за которые академия в 1864 г. произвела его в классные художники 3-й ст. Однако недостаточность материального обеспечения побудила его заняться мозаичным искусством, причем он продолжал заниматься и живописью.В 1868-74 гг. ученик Мозаического отделения АХ. В 1869 г. за картины «Детский завтрак», «Деревенская швея», «Два врага», «Деревенский пестун» и «Этюд девушки» было присуждено ему звание академика.Выставлялся в АХ более тридцати лет, начиная с 1860.

В 1870 году в мозаичном отделении он был повышен в младшие мозаисты. В 1874 году переехал в Вильно. Здесь попробовал свои силы в исторической живописи и написал, между прочим, картины: «Иоанн Грозный в келье Николы Юродивого, во Пскове» и «Боярин Троекуров читает царевне Софье указ о заточении ее в монастырь», но вскоре вернулся к изображению сцен деревенского быта, как более свойственных его дарованию. В противоположность большинству других русских жанристов он представляет в своих картинах не печальные или темные стороны этого быта, а его отрадные проявления, порой излишне приукрашенные идиллией, причем особенно любит выводить на сцену детей. В 1884 г. П. снова поступил на службу в мозаичное отделение.
Большую часть своей жизни Жил и работал в Санкт-Петербурге. Один из самых плодовитых жанровых живописцев второй половины XIX века в русской реалистической живописи. Мастерски писал детей, детские и женские головки. Известен как мозаичист, выполнял работы в Исаакиевском соборе (фигура Иуды в образе «Тайная вечеря», 1869-70).

Пеллегрини Джованни Антонио/Pellegrini Giovanni Antonio(Рококо)

1675-1741

Итальянский живописец венецианской школы периода позднего барокко и рококо. Пеллегрини родился в Падуе.

Учился у ломбардца П. Пагани. 1700—1701 годы художник провел в Риме, изучая традиция позднебарочной живописи и произведения Питера Пауля Рубенса, Франческо Солимены, Луки Джордано.

Последователь творчества Себастьяно Риччи.
В отличие от художников Якопо Амигони и Себастьяно Риччи живописец Джованни Антонио Пеллегрини использовал теплые мягкие тона палитры.

В рисунках Пеллегрини доминировал ореолом легкий, еле видимый абрис.

Творческая деятельность Пеллегрини как венецианского «художника-виртуоза» была связана с выполнением заказов европейских дворов.

Работал в Англии (1708—1713), Германии (1713—1716), Голландии (1716—1719), Франции (1720—1722), а также в Вене (1725) и Мюнхене (1736—1737). Работа мастера практически во всех культурных европейских столицах принесла Джованни Антонио Пеллегрини широкую известность.

Между поездками художник успевал выполнять заказы в Венеции и Падуе.
Джованни Антонио Пеллегрини, подобно Риччи, Амигони и другим художникам, часто писал картины на мифологические сюжеты.

Фигуры персонажей в его полотнах не выглядят созерцательно-отвлеченными, как у Себастьяно Риччи, они всегда находятся в живом диалоге, подкрепленном выразительными, полными патетики позами и жестами.

Большую известность Джованни Антонио Пеллегрини принесли работы, выполненные во время пребывания в Англии, где художник писал станковые произведения и портреты, создавал декоративные росписи дворцов, в которых ему помогал Марко Риччи.

Был удостоен звания члена лондонской Королевской академии; в 1733 стал членом парижской Академии.

В 1736—1737 художник исполнил почетный заказ — роспись плафона галереи Миссисипи Королевского банка в Париже, в котором прославлял мудрое королевское правление, учредившее банк (роспись не сохранилась).

Автопортрет художника Джованни Антонио Пеллегрини (1716—1717) хранится в галерее Уффици во Флоренции.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи ,Работы художника в музеях мира.

Пеннингтон Брюс

1944–…

Брюс Пеннингтон (родился 10 мая 1944 года в Сомерсет) является британским художником, известен его иллюстрациями к фантастическим и фэнтезийным романам.

Работы Пеннингтона в основном расположенны на обложках романов подобных Айзеку Азимову, Кларку Эштону Смиту и Р. А. Хенлану, принятые как научная фантастика.

Его работы в значительной степени характеризуются смелыми цветами, а также точными мазками кистью, гармоничным сочетанием пигмента, а также острая концентрация на деталях его изображения, его работы это, как правило, пейзажи других времен или миров.

Пеннингтон, ранее разочаровавшиеся с традиционными методами искусства, осуществляет свое увлечение молодости.

Пеннингтон учился в Ravensbourne, школа искусств в Bromley, в начале 1960-х годов. Он начал работать внештатным иллюстратором в 1967 году.

В 1976 году опубликован графический альбом Eschatus, картины Пеннингтона воодушевлены пророчеством Нострадамуса.

После этого, в 1991 году, опубликован графический альбом, Ultraterraneum, как сбор различных частных и коммерческих работ.

Перез Фабиан(Fabian Perez)

1967–….

Фабиан Перез родился 2 ноября 1967 года в Буэнос-Айресе, Аргентина. Еще подростком он увлекся боевыми искусствами и живописью и, таким образом, изучал обе дисциплины. Каратэ оказало влияние на его характер, сделав его высокодисциплинированным, а также открыло перед ним другие формы искусства.

Многое из того, что Фабиан узнал, изучая Восток, повлияло на его живопись.

Фабиан покинул Аргентину в 22 года и уехал жить в Италию, где провел семь лет. Именно там его живописное и литературное творчество приняло восточную направленность.

Также в Италии он написал книгу «Отражения (или Образы) мечты», позже опубликованную в США. Затем он уехал на год в Японию.

Там он создал работы «Японский флаг» и «Медитирующий человек», выставленные в резиденции губернатора.

Фабиан уехал из Японии в Лос-Анджелес, где и живет в настоящее время, посвятив свою жизнь созданию живописных и литературных произведений для воздействия на других людей и пробуждения в них чувств.

Стиль художника Фабиан Перез (Fabian Perez), равно как и сам художник, уникален. Фабиан отказывается классифицировать свои работы, поскольку считает, что это ограничивает и художника, и сам процесс написания картины.

Фабиан пишет акриловыми красками, и этот выбор объясняет тем, что акриловая краска быстро сохнет, что позволяет художнику легко следовать своим творческим порывам.

Каждая его картина отображает эмоциональность, напористость, силу и энергию художника.

Чувственность и страсть наполняет смелые и символические образы Фабиана, превращая его картины в дорожные карты человеческой жизни.

Они становятся путеводителем, глядя на которого, зритель решает, какую дорогу, какой путь им выбрать.

До начала 2000-х годов был абсолютно неизвестен широкой публике. Но буквально с 2000 года, по достижению возраста Христа, Фабиан Перез разразился серией работ, которые приковали к нему внимание.

Успеху Переза способствовал необычный приём: он словно перенесся на несколько десятилетий назад и представил зрителю картины злачных мест Буэнос-Айреса и других городов Аргентины годов эдак 30-х — 50-х.

Романтическая привлекательность образов Фабиана Переса замешана, пожалуй, на двух составляющих.

Первая — это извечное любопытство почтенной публики к злачным местам и присущий ей некоторый благоговейный трепет перед их обитателями. Романтика «дна», если можно так выразиться.

Вторая — тема одиночества среди веселья. Контраст, который приковывает внимание. И который заставляет ожидать большего, чем, возможно, есть на самом деле.

Кто эти женщины? Почему одни, где их мужчины? Почему чувствуют себя как рыба в воде в сомнительном заведении?

Авантюристки, искательницы приключений? Танцовщицы тех же заведений? Путаны?…

Откуда эта странная отстраненность от всеобщего «праздника жизни», почему ни тени кокетства на лицах — там, в окружении множества мужчин?

Может быть, одна из них — «та самая» Незнакомка?..
Женщины Переса -это взрослые женщины лет 23-28, уже прошедшие огонь и воду.

Женщины, которые на данный момент,возможно, потерпели поражение в любовных делах, но не сдались, а взяли паузу на переосмысление.

Сейчас они с еле уловимой усмешкой смотрят на мужскую суету, но внутренне ужеготовы к чему-то новому. Им кажется, что в новой ситуации всё обязательно будет совершенно иначе.

Теперь они многое знают и умеют и, если уж появится кто-то достойный, то будет вознаграждён всей мощью любви женщины, умеющей чувствовать.

Конечно, они не станут заигрывать с завсегдатаями злачных мест, они знает себе истинную цену…..

Столь же точно написана Фабианом Перезом его мужская серия.
Мужчины Фабиана Переза далеко не красавчики. Жесткие, будто вырубленные топором лица. Уверенные в себе, несмотря на то, что фортуна явно не всегда поворачивалась к ним лицом. Вольные позы, некоторая небрежность в одежде и ощущение способности мгновенно собраться и распрямиться подобно стальной пружине. Одинокие искатели приключений? Гангстеры? Прогоревшие предприниматели?.. Возможно… Да истоль ли это важно «женщинам Переса»?
Fabian Perez написал именно тех мужчин, которые и заполучат написанных им же женщин. Этим мужчинам м не нужно ничего, кроме одной ночи (и женщины знают это).

Он подойдёт, предложит «огоньку» — и женщина суетливо схватится за сигарету, даже если вовсе не собиралась курить.

А потом увлечет в страстном танго и уверенно опрокинет в танце столько раз, сколько требуется, чтобы пришло твердое понимание — сегодня она обязательно будет опрокинута ещё неоднократно — и вовсе не в танце….

В атмосфере ночного заведения или ночью на пустынной улице «мужчины Переза» чувствуют себя хозяевами положения.

Иной раз не чуждые и романтике, но только в меру, для порядка. Захватить с собой единственную розу, пять минут на перекур под окном — и вперёд, без глупостей.

Мужская уверенность и внутренняя, вовсе не физическая сила — на одну ночь, но сводят на нет все женские благие намерения.

Перино дель Вага/Perino del Vaga(Маньеризм)

1501-1547

Перино дель Вага (итал. Perino del Vaga, собственное имя Пьеро Буонаккорси, 23 июня 1501, Флоренция — 19 октября 1547, Рим) — итальянский художник-маньерист.

Собственное имя Пьеро Буонаккорси. Родился 23 июня 1501 во Флоренции.

Потерял мать в двухмесячном возрасте, воспитывался мачехой.

Первые уроки получил от Андрея Чери, посредственного живописца, который впоследствии поручил его Ридольфо Гирляндайо; другой художник, Вага, пораженный способностями Буонаккорси, привез его в Рим, где он сделался учеником Рафаэля.

Буонаккорси, из признательности к Ваге, принял его фамилию, — отсюда Перино-дель-Вага.

Около 1517 приехал в Рим, исполнял мелкие работы, помогая Рафаэлю в росписях лоджий Ватикана. Также писал по рисункам Рафаэля изображения планет в апартаментах Борджиа.

Фактически Перино стал вторым, после Джулио Романо, помощником Рафаэля. Самостоятельно расписал дворец Бальдассини, написал образ Богоматери скорбящей в церкви Санто-Стефано дель Какко.

После смерти Рафаэля (1520) и эпидемии чумы (1523) Перино вернулся во Флоренцию, сблизился с Россо Фьорентино.

В 1527 году Перино дель Вага был приглашен в Геную,где основал школу, получившую впоследствии большую известность.

Ему поручено было полное украшение дворца Дории, как наружное, так и внутреннее, где сам он исполнил много фресок мифологического содержания и различных декоративных работ.
Расписывал также Палаццо дель Принчипе в манере, близкой к работам Джулио Романо в мантуанском Палаццо дель Те. Выполнил несколько работ в Пизе.

В 1538 году Перино дель Вага вернулся в Рим. Художник был приглашен в Рим для реставрирования многих картин, поврежденных в 1527 г., во время разграбления этого города Карлом V.

В своих композициях иногда напоминает, по духу, знаменитого Рафаэля, никогда, впрочем, не достигая высоты своего учителя.
Писал в церкви Тринита Деи Монти, в Замке Сант-Анджело, Ватикане, Сикстинской капелле.

Живопись Перино дель Вага рассматривается как соединительное звено между римской рафаэлевской манерой и флорентийским маньеризмом.

Уже при жизни многие его работы были гравированы.

Среди его учеников и помощников — Даниэле да Вольтерра.

Вага был превосходным рисовальщиком, и в этом отношении приближался более к Микеланджело, чем к Рафаэлю.

Вага упрекают в том, что он слишком много пользовался трудами своих учеников и, таким образом, препятствовал известности имени одних, а с другой стороны, выбор других помощников, далеко не первой силы, был причиной, что картины, значащиеся под его именем, обладают весьма неодинаковыми достоинствами.

Его картины находятся во многих галереях Европы; сообщим названия некоторых: в Риме — «Сотворение Евы», «Св. Семейство»; в Генуе — «Муций Сцевола»; в Дрездене — «Пресвятая Дева с Младенцем Иисусом»; в Париже — «Состязание в пении муз и нереид».

Но главные его произведения — фресковая живопись в Риме, Генуе и Пизе.
Скончался 19 октября 1547 в Риме. Похоронен в Пантеоне.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Статья о Перино дель Вага в «История живописи» Александра Бенуа 1912-1917 г., Энциклопедия мирового искусства, Работы художника в музеях мира, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Перов Василий Григорьевич/Perov Vasily(Реализм)

1833—1882

Василий Григорьевич Перов — русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.

Автор жанровых картин («Сельский крестный ход на Пасхе», 1861), проникнутых сочувствием к народу («Проводы покойника», 1865, «Тройка», 1866), психологических портретов («А. Н. Островский», 1871; «Ф. М. Достоевский», 1872).

Родился 21 декабря 1833 года в Тобольске. Незаконный сын барона Г. К. Криденера; фамилия «Перов» возникла как прозвище, которое дал будущему художнику его учитель грамоты, заштатный дьячок.

Учился Василий Перов в Арзамасской школе живописи (1846-1849) и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1853-1861), в частности у С. К. Зарянко.

Жил и работал в Москве, а в 1862-1864 в Париже (пенсионер Академии художеств).

Василий Перов испытал особое влияние творчества П. А. Федотова, а также французской журнальной сатирической графики и немецкого бытового жанра дюссельдорфской школы.

Перов был одним из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.

Ранние картины живописца Перова Василия Григорьевича проникнуты анекдотически «обличительным» настроением, представляя собой живописные карикатуры, в том числе на духовенство («Проповедь в селе», 1861; «Чаепитие в Мытищах», 1862); художник Перов тщательно выписывал характеры персонажей своих картин и обстановку, стремясь к нравоучительному эффекту.

Сатирическое настроение в работах художника с годами ослабевает, сменяясь драматической экспрессией либо добродушным юмором.

Колорит Перова обретает новую, более острую, тональную выразительность в таких картинах, как «Проводы покойника» (1865) и «Тройка.

Ученики мастеровые везут воду» (1866; обе — там же); крестьянские похороны в первом случае и эпизод из жизни обездоленных детей-подмастерьев во втором предстают уже не просто социальной сатирой, но драмой об «униженных и оскорбленных», по смыслу своему общечеловеческой.

Сила символико-психологического обобщения — и соответственно параллели с прозой Достоевского, — еще более значительны в «Утопленнице» и в особенности в картине «Последний кабак у заставы» (обе — 1868, там же).

Туманный утренний город за фигурой женщины-самоубийцы и в картине с кабаком закат, гаснущий за городской чертой кажутся роковым порубежьем, придающим серой бытовой среде подобие земного ада.

Перов внес также большой вклад в искусство портрета. Живописец создал образы ряда известных деятелей русской культуры («А. Н. Островский», 1871; «В. И. Даль», «М. П. Погодин», оба — 1872; все — Третьяковская галерея). Портрет Ф. М. Достоевского кисти Перова (1872, там же) считается лучшим живописным изображением писателя.

Персонажи Перова, — в том числе крестьянин «Фомушка-сыч» (1868) или купец И. С. Камынин (1872; оба — там же), полны особой внутренней значительности вне зависимости от своего социального и культурного статуса; яркая индивидуальность порой сочетается в них с беспрецедентной (для русской портретной традиции тех лет) напряженностью духовной жизни, иногда на грани мучительного трагизма (как в портрете Ф. М. Достоевского).

Мягкой юмористической разрядкой на этом фоне кажутся жанровые композиции 1870-х годов («Птицелов», 1870; «Охотники на привале», 1871; «Рыболов», 1871; все — Третьяковская галерея).

Созерцая простых обывателей с их отнюдь не героической, но все же «человечкиной» душой, Перов здесь —если говорить о литературных параллелях — приближается к Н. С. Лескову.

Впрямую его литературные симпатии сказываются в картине «Старики-родители на могиле сына» (1874, там же), написанной как иллюстрация к финалу тургеневских «Отцов и детей».Сам художник обнаруживает и писательский талант (рассказы из народной жизни «Тетушка Марья», 1875; «Под крестом», 1881).

В поздний период своего творчества Перов стремится к созданию грандиозных, обобщающих образов национальной истории.

Однако законченные исторические картины Перова («Суд Пугачева», 1875, Исторический музей, Москва, вариант — 1879, Русский музей; «Никита Пустосвят. Спор о вере», 1880-1881, Третьяковская галерея) не принадлежат к числу его шедевров, поскольку как раз должной степени монументального обобщения в них и не удается достичь.

Среди учеников Перова (когда он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1871-1882 годах) были Н. А. Касаткин, С. А. Коровин, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин и другие художники.

Скончался Василий Григорьевич Перов 29 мая (10 июня) 1882 года от чахотки в маленькой подмосковной больнице на территории усадьбы Кузьминки (ныне территория Москвы).

Похоронен на монастырском кладбище в Даниловом монастыре.

Прах его был перезахоронен на монастырском кладбище в Донском монастыре; точная дата перезахоронения не установлена.

На новой могиле художника был установлен надгробный памятник работы скульптора Алексея Евгеньевича Елецкого.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника на сайте, Русский биографический словарь А. А. Половцова.

Перро Леон Жан Базиль

1832-1908

Леон Жан Базиль Перро (16 июня 1832, Пуатье — 6 августа 1908, Руайан), французский живописец академического стиля.
Леон Перро родился в Пуатье в семье со скромным достатком. Его отцу Генри в тот момент было 30 лет, и он работал портным. В возрасте 9 лет Леон Базиль поступил в начальную школу «Pere Danjou».
А уже через год, в 10 лет, он поступил в школу дизайна в городе Пуатье, возглавляемую братьями Хивон.
Вскоре учителя заметили талант своего ученика. Леон Перро учился в этой школе до 14-летнего возраста, часто выигрывая творческие конкурсы. Но в 14 лет пришлось бросить школу и заняться поисками работы, поскольку семья жила в большой нужде.
Леон стал работать учеником художника оформителя, принимал участие в многочисленных проектах, включая восстановление настенной живописи в церкви de Sainte Radegonde.
В 1851 Перро принял участие в конкурсе рисунка и был награжден первым местом. В 19 лет он за победу в этом конкурсе получил грант в размере 600 франков от города на учебу в престижной Школе изящных искусств в Париже.
Перро становится учеником в мастерской Франсуа Эдуарда Пико (1786-1868), позже он продолжает учебу в Академии Изящных искусств, затем в Академии Жюлиана и в мастерской Уильяма Бугро (1825-1905), который становится его другом на всю жизнь. Многие искусствоведы делают акцент на том факте, что Перро был учеником Бугро. Возможно, это так и было, основываясь на их дружеских отношениях, и возможно, Перро работал вместе с Бугро, принимал его советы и был вдохновлен его творчеством. Но в большинстве его записей и анкет, представленных в Салон, Перро называет только Пико своим учителем.
В начальные годы учебы проявился интерес Перро к аллегорическим и религиозным темам. Но, к сожалению, эти темы практически не представлены в галереях и информации о художнике.
В 1861 г. началась его карьера, как академического художника. Это был период Второй Империи, время в большой степени сформированное под влиянием революции 1848 года.
Анри Марсель в своей книге «Французская живопись 19 века» (La Peinture Française au XIXeme Siècle) писал: Вторая Империя дала рождение тому, что называют “живописью стиля” .
После ряда неудач в конкурсах в борьбе за престижный приз «du Prix de Rome» , Леон Перро все-таки вошел в парижский Салон.
Он дебютировал в Парижском Салоне в 1860 году с картиной «Старик и трое юношей» ( Музей Пуатье), вдохновленной басней Лафонтена. Картина получила «почетное упоминание».
Перро имел огромный успех с картинами “Christ au tombeau” и “la Descente de Croix” в Салоне 1863, был также награжден поощрительной премией Салона в 1864 за «La Frayeur»(Испуг). Кстати, художник выставлялся на Салоне до самой своей смерти. За 46 лет творческой жизни Перро отсутствовал на выставках Салона только 4 года. Присутствие художника в Салоне являлось важным индикатором его популярности среди общественности и признания среди коллег.
Перро вначале успешно писал военные сцены, например “Le Mobillisé”. Его считали опытным баталистом, он выполнил даже несколько работ совместно со студией Ораса Верне (1789-1863) в 1862 и 1864 годах.
В 1866 г. сам Наполеон III купил его полотно «Nestled».
Кроме того, Перро была присуждена престижная премия жюри Салона. В 1868 Перро был приглашен участвовать в художественной выставке в Бостоне, США, а в 1873 он был назначен представлять Францию как дипломат от культуры («diplôme d’honneur») в Вене, Филадельфии и Лондоне, где Перро получает почетный диплом.
В 1876 году за картину «Святой Иоанн Креститель» художник получает медаль второго класса, в 1878 году ему присуждается еще одна серебряная медаль.
В 1882 году Перро предложил два варианта изображения Республики на объявленном конкурсе, и они были использованы для украшения Дворца бракосочетания и отеля de Ville de Poitiers.
В 1887 году его друзья из Общества французских художников выдвигают кандидатуру художника, и он становится кавалером Ордена Почетного легиона. Одновременно художник получает большой заказ от Министерства общественных отношений.
На Всемирной выставке 1889 Перро получает бронзовую медаль, а в 1900 году на этой же выставке еще одну — серебряную.
Компания Goupil & Co. воспроизводит репродукции его картин, распространяя их за границей. Художник быстро становится популярен в Англии и Соединенных Штатах.
Американский журнал The Century, писал, что этот » изысканный французский джентльмен проводит ежедневно по 10 часов, работая в своей студии».
Особой популярностью пользовались картины Перро, изображающие детей – во время игры или на фоне цветов. Филипп Хук в книге «Популярные жанровые живописцы 19-ого столетия: словарь европейских живописцев» так объясняет интерес к детской теме:
Корни этого вида сентиментальной живописи нужно искать в конце восемнадцатого столетия. В течение девятнадцатого века отношение к детям было кристаллизовано в различные стереотипы: невинность, уязвимость, любовь.
Эта любовь к детской теме имела еще и истоки в том, что Перро был отличным семьянином и любящим отцом.
Женат он был на Мари-Луизе (1840-1920), у них было 2 мальчика – Эмиль и Анри, и 4 девочки, еще одна дочь Алиса умерла в возрасте 9 лет в 1880 году.
Анри, следуя по стопам отца, стал художником, занимался иллюстрациями, а позже был директором городского Музея Пуатье.
Эмиль сделал блестящую карьеру в качестве скульптора-анималиста, он был женат на писательнице Мириам Гарри.
Перро был членом Общества французских художников, а к концу жизни получил в Салоне звание “hors concours”, разрешающее ему выставлять картины без предоставления их на суд жюри Салона.
В последние годы художник переехал жить в курортный городок Руайан, поскольку страдал от сердечной недостаточности. Его часто посещал друг У. Бугро, они до последнего дня оставались близкими друзьями. В 1868 году Перро крестил третьего ребенка Бугро.

6 августа 1908 года сердце Леона Перро остановилось. Похоронен художник на кладбище Пасси.
В октябре 1910 года в городе Пуатье был возведен памятник Перро в парке Blossac, он сохранен до наших дней.

К сожалению, имя художника забыто любителями живописи, но его имя очень популярно на аукционах Сотбис и в других аукционных домах.

В основном его картины представлены в частных американских коллекциях, хотя и представлены в некоторых музеях, например, в музеях Бордо, Пуатье, Ла-Рошеля и Штутгарта.

Перроно Жан Батист/Perroneau Jean-Baptiste(Реализм, пастельный портрет)

1715-1783

Жан-Батист Перронно (иногда Перроно, фр. Jean-Baptiste Perronneau или Perroneau; 1715, Париж, Франция — 19 ноября 1783, Амстердам, Нидерланды) — французский гравер и художник.

Наряду с де Латуром считается одним из крупнейших мастеров французского пастельного портрета.

Жан-Батист Перронно родился в Париже в 1715 году в семье буржуа Генри Перронно и Марии-Женевьевы Фремон.

Начал учиться рисунку у Шарля-Жозефа Наруара. Затем перешел к Лорану Кару с намерением стать гравером, но вскоре решил оставить гравюры и стал писать пастелью. В этом он довольно быстро преуспел.

Жан Батист Перроно учился в Париже, работал в столице до 1755 года, затем в Орлеане, Бордо и других городах Франции, в Италии, Голландии, России, Польше, Германии.

В 1746 году Перронно прошел первый этап вступления в Королевскую Академию художеств.

Следующим этапом было написание картины за заданную директором академии тему. Перронно было предложено написать маслом портреты скульптора Адама старшего и художника Жана-Батиста Удри.

28 июля 1753 года, после экспозиции этих работ, Перронно было присвоено звание академика.

Самый первый из дошедших до нас пастельных портретов датирован августом 1743 года (в верхнем правом углу картины), это «Портрет девочки с кошкой» хранящийся в Лондонской Национальной галерее. Однако существует вероятность что это более поздняя имитация Перронно.

Произведения Перроно, крупнейшего (наряду с Морисом Кантеном де Латуром) мастера французского пастельного портрета, отличаются относительной свободой живописно-графической манеры, нежностью цветовых созвучий.

В камерных, внешне непритязательных образах художник Перроно раскрывает лирические стороны человеческой натуры, природную мягкость и доброту своих моделей («Девушка с кошкой», 1746, портреты госпожи де Соркенвиль, 1749, Л.Карса, 1759, А. ван Робе, 1767, все пастель, Лувр, Париж; портрет Жака Казотте, 1760-1764, «Девочка с котенком», 1745, обе картины — Национальная галерея, Лондон; «Мальчик с книгой», масло, 1740-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Камерные, преимущественно погрудные портреты Перроно отличаются относительно свободной манерой письма и нежностью цветовых созвучий, обычно изображают провинциальных дворян и буржуа.

Художник обычно подчеркивал в своих моделях душевную мягкость и созерцательность, стремился выявить эмоциональную привлекательность людей, нередко внешне заурядных и не принадлежащих к высшему свету.

Художник старался приукрасить их портретные образы, подчеркивая эмоциональную привлекательность, особенно удавались ему портреты женщин и детей.

В ноябре 1752 года Перронно женился на Луизе-Шарлотте Обер, дочери миниатюриста Луи-Франсуа Обера. Супруги имели двух сыновей.

В целом жизнь художника можно разделить на два этапа: он почти не выезжая жил в Париже до свадьбы, тогда как после — переезжал и странствовал до конца своей жизни.

Он путешествовал по Франции, посетил Италию, Испанию, Англию, Германию, Польшу.

В 1781 году художник побывал в Санкт-Петербурге, о чем свидетельствует заметка об его отъезде в газете Санкт-Петербургские ведомости от 10 декабря.

Перронно много ездил в Нидерланды пользовавшиеся в то время популярностью у художников.

В 1700-х годах, Жан-Батист Perronneau был одним из самых значительных пастельных портретистов Франции.

Он умер в Амстердаме в 1783 году

Несколько десятков портретов художника находятся в музеях и частных коллекциях Европы и Америки.

Самые крупные собрания представленны в Лувре и музее изящных искусств Орлеана.

В России три портрета кисти Перронно хранятся в Эрмитаже, в их числе «Портрет мальчика с книгой» на которой возможно изображен младший брат художника.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907),Музей Гетти: Жан-Батист Perronneau, Энциклопедия мирового искусства, Musée Cognaq-Jay, Paris: Jean-Baptiste Perronneau, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи.

Перуджино Пьетро/Perugino Pietro(Возрождение)

около 1450-1523

Пьетро Перуджино (итал. Pietro Perugino, дословно «Перуджийский», настоящее имя Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи — Pietro di Cristoforo Vannucci; 1446—1524) — итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель умбрийской школы.

Родился в местечке Читта-делла-Пьеве в 35 км от Перуджи. Согласно Джордж Вазари учился сперва в Перудже (отсюда и его прозвище — «перуджинец»).

Настоящее имя художника Пьетро Ваннуччи (Pietro Vannucci).После обучения у местного живописца в 1470 году приехал во Флоренцию и поступил в мастерскую Андреа Вероккьо.

В 1481 году, будучи уже известным мастером, в числе лучших художников Италии приглашён папой Сикстом IV в Рим для участия в работах над декорированием Сикстинской капеллы в Ватикане (1478-1482).

Позднее, в 1536, большая часть этих росписей была уничтожена, чтобы освободить место для “Страшного суда” Микеланджело.

Единственной сохранившейся Сикстинской фреской Перуджино, написанной им целиком собственноручно, является знаменитая «Передача ключей апостолу Петру».

Творчески усвоив разнородные влияния, Перуджино выработал свой собственный метод, полный глубоко прочувствованной, умиротворенной гармонии; в «Передаче ключей» эта гармония усилена и просторным городским антуражем, в центре которого, как символ будущей Церкви (первосвященником которой становится Петр), красуется центрический храм, идеально отвечающий архитектурным принципам ренессансного гуманизма.

Перуджино и впоследствии не раз писал фрески (росписи училища Колледжо-дель-Камбио в Перудже, с 1496; и др.), однако вошел в историю все же, в первую очередь, как мастер алтарной картины.

Именно в его творчестве сформировался тот классический тип большого живописного алтаря, который в полной мере именно «классичен», будучи основанным на глубоко композиционно и колористически продуманном, чуждом резких диссонансов, равновесии.

Такое равновесие вкупе с мягким, задумчивым лиризмом характерно для лучших его произведений (“Богоматерь с младенцем и юным Иоанном Крестителем”, 1480-е; “Видение святого Бернара”, 1491; и др.).

Эта созерцательная задумчивость доминирует даже в предельно драматическом по своему сюжету “Положении во гроб” (1507).

Мастер умбрийской школы, Перуджино испытал влияние Пьеро делла Франческа, Луки Синьорелли, нидерландских художников, а также Андреа дель Верроккьо, в мастерской которого во Флоренции он работал с 1470.Перуджино жил в Перудже, Риме, Флоренции, Венеции, Сиене и других городах Италии.Работал во многих городах Италии, но более всего в Перудже, где он был главой большой мастерской.

В 1480—1490-х годах Перуджино был одним из самых прославленных художников Италии.

Перуджино более всего известен как учитель Рафаэля, чьи ранние произведения столь близки манере этого мастера. Молодой Рафаэль работал в мастерской Перуджино на рубеже 15-16 веков (после 1494).

Возможно также, что последний был не столько непосредственным учеником Перуджино, сколько его подражателем (в ранние годы) и продолжателем. Предполагают также, что они сотрудничали друг с другом, в том числе в росписях Колледжо-дель-Камбио.

Ясная уравновешенность пространственных построений, гармоничность, мягкая грациозность, поэтически-созерцательная тональность произведений Перуджино (фреска “Передача ключей апостолу Петру” в Сикстинской капелле , 1481-1482, Ватикан; “Оплакивание Христа”, около 1494-1495, Уффици ), созданный им своеобразный лирически-проникновенный тип Мадонны (“Мадонна с младенцем”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва) оказали значительное воздействие на Рафаэля.

Лучшими произведениями Перуджино считаются созданные до 1500 года.Грациозные удлиненные фигуры с головой, мягко склоненной на плечо, и несколько сентиментальным выражением лица — характерная черта манеры Перуджино.

Как свойственно искусству того времени, художник использует в своих алтарях строго симметрический принцип построения, верхняя часть пространства отведена изображению группы, центр которой составляет Мадонна с младенцем, нижняя — изображению святых.

Выделяется фреска «Передача ключей св. Петру», которая отличается стройностью композиции, но одна из самых известных картин — «Оплакивание Христа».

Живопись Перуджино отличается плавностью композиционных ритмов, лиризмом пейзажных фонов, изображающих холмистые ландшафты Умбрии.

В историю Перуджино вошел как главный наставник юного Рафаэля, завещавший ему свои творческие принципы, которые имели и вполне самоценное значение, пролагая путь «ренессансному классицизму».

Перуджино умер от чумы в феврале 1523 в Фонтиньяно.

После смерти своего ученика Рафаэля Перуджино завершил незаконченные им фрески в церкви Перуджи.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Pietro Perugino: Biography from Answers.com, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Петти Джордж(George Petty)

1894–1975

Джордж Петти (англ. George Brown Petty IV, 27 апреля 1894 — 21 июля 1975) — художник, прославившийся своими иллюстрациями полуобнаженных игривых девушек.

Позднее этих красоток стали называть «Petty Girl», а их изображения приобрели чрезвычайную популярность.

Джордж Петти стал знаменитым благодаря картинам в стиле пин-ап, которые появились в 1933 году в журнале Esquire.

В 1933 году Петти побеждает на конкурсе плакатов, который проводился на Всемирной выставке, в тот год проходившей в Чикаго. Журнал Esquire становился все более популярным, а вместе с ним росла и известность Джорджа Петти.

Его рисунки появились в семи из десяти первых выпусков журнала, и сразу же нашли как своих поклонников, так и противников.

Последние обвиняли Петти в том, что он создает слишком откровенные изображения женщин.
В 1937 году Джордж Петти выпускает брошюру со своими работами, которую называет очень просто — «Петти — Портфолио».

Она привлекает внимание различных международных рекламных агентств, которые приглашают Петти к сотрудничеству. А Esquire начинает в каждом номере делать вкладку большого плаката с изображением так называемых «девушек Петти» («Petty Girl»).
Сложно даже описать, насколько знаменитым стал Петти, и насколько быстро это произошло.

В 1940 году компания Janzen выпускает купальник в стиле «девушки Петти», а фирма Old Gold заказывает у Петти создание рекламы часов.

В 1942 году в школе Чикаго студенты, изучающие искусство, голосовали за художника, который за три года обучения оказал на них самое заметное влияние, и наибольшее количество голосов получил Джордж Петти.

Также в 1942 году он создает обложку для журнала Time.

Постепенно ухудшаются отношения Петти с руководством журнала Esquire, и через какое время художнику находят замену. Поэтому в годы Второй мировой войны он сосредотачивается на создании рекламы и постеров под заказ.

В 1945 году начинается его трехлетнее сотрудничество с журналом True Magazine, продажи которого за это время увеличиваются в два раза.

Джордж Петти до конца своей жизни продолжал вдохновленно и настойчиво работать.

В 1953 году он создал календарь для компании Ridge Tools, а в 1955 году снова начал сотрудничество с журналом Esquire.

Умер Джорж Петти в 1975 году. Во время Второй мировой войны американские летчики украшали «Petty Girls» фюзеляжи своих истребителей.

Петтит Марк (Mark Petit)

1959–…

Современный американский художник
Повышенный интерес в детстве к рисунку и живописи дал Марку Петит ранний старт в его стемлении стать художником, но невозможно было предположить, что он достигнет нынешнего уровня так рано в своей карьере.

Направляя все свои усилия на совершенствование техники изобразительного письма, Петтит, уроженец Техаса, получил вместе с тем уникальную возможность учиться изобразительному искусству в школе изобразительных искусств Шулер в Балтиморе, штат Мэриленд.Обучение в данной школе было основано на методах сформулированных Жаком Maroger, автором книги «Секретные формулы и техника Старых мастеров ». Maroger был реставратором в Лувре и теоретиком живописи, разработавшим метод создания обширной светящейся среды, аналогичной той, которая использовалась в 17 веке фламандскими мастерами. Петтит считает, что использование этого метода для классическая подготовка поверхности письма было неоценимо для достижения качества краски и светимости детализации, что крайне редко можно увидеть в сегодняшнем изобразительном искусстве.

Основным предметом письма Марка Петтит является панорамный американский ландшафт и редкостные по красоте и глубине изложения пейзажи Венеции. Сочетая в себе собственный стиль с темами фламандских живописцев Петит мастерски передаёт объёмную детализацию изображаемого материала, демонстрируя при этом уникальную связь между классическим и современным в своих пейзажах и натюрмортах.

Петтит в течение длительного времени жил в Италии,что позволило ему влюбиться в романтический пейзаж. Недавно он начал писать свою любимую Венецию. Эти редкие и дорогостоящие картины пользуются спросом у коллекционеров всего мира его.

Марк Петтит в настоящее время живет в Колорадо, где вдохновляющая атмосфера Скалистых гор Колорадо является благодатной почвой для творчества. Он рисует по возможности на открытом воздухе, ибо он чувствует, что только прямая связь с природой является самым важным элементом в процессе обучения художника и вызывает наибольшие эмоции и желание творить.

Петров-Водкин Кузьма

1878–1939

Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908). В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине.
Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911; Играющие мальчики, 1911; обе работы – в Русском музее, Петербург). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915). В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна». Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (1918 год в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920; все картины – в Третьяковской галерее).

В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты». По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты (Селедка, 1918, Русский музей), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (Автопортрет, 1918; А.А.Ахматова, 1922; оба портрета – в Третьяковской галерее). Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (После боя, 1923, Центральный музей Вооруженных сил, Москва; Смерть комиссара, 1928, Русский музей). Но картина 1919 год. Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) –на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт.

Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910–1915) и Академии художеств (1918–1933).
Умер Петров-Водкин в Ленинграде 15 февраля 1939.

Пизанелло Антонио/Pisanello Antonio

1395-1455

Антонио Пизанелло(Antonio Pisanello, наст. имя Antonio die Puccio Pisano) (ок. 1392 — 1395, Пиза — вероятно, 1455, Рим) — один из наиболее выдающихся художников эпохи Возрождения и раннего итальянского кватроченто.

Родился в семье суконщика Пуччо ди Джованни да Черетта. После его смерти, вдова Изабета с сыном Антонио переехала в свой родной город — Верону.

Первым учителем будущего художника стал Стефано да Верона, позднее его наставником и другом стал Джентиле да Фабриано. С да Фабриано Пизанелло в 1409 — 1415 годах в Венеции работал над украшением Зала Большого совета во Дворце Дожей (оформление Зала погибло при пожаре в 1577 году).

После внезапной смерти Джентиле (1427) Пизанелло продолжил начатую им роспись базилики Сан Джованни ин Латерано (не сохранилась).

В 1420-х годах работал над фресками в замке Висконти в Павии — этот фресковый цикл погиб во время войны с Францией в 1527 году.

В декабре 1439 года принял участие в войне против Венецианской республики: в составе войск Джанфранческо I Гонзага осаждал Верону.

Вскоре после освобождения Вероны власти Венеции запретили находиться художнику на её территории, а в 1442 году заочно приговорили к конфискации имущества и лишению языка «за клевету на республику и произнесение порочащих правительство слов».

Лишь благодаря высокопоставленным друзьям Пизанелло избежал наказания.
В 1441—1444 годах художник, которому запрещено было жить на венецианских землях, работал при дворе герцога Феррары Лионелло д’Эсте.

В 1448 году Пизанелло был приглашён в Неаполь королём Альфонсо Арагонским.
После 1450 года сведений о Пизанелло нет. Часть биографов считает, что он умер именно в этом году.

Большинство же полагает, что Пизанелло умер в 1455 году.
Произведения Пизанелло можно увидеть в художественных собраниях Бергамо, Лондона, Парижа и Вены.

Судьба Пизанелло-художника при жизни сложилась удачно: он пользовался огромной популярностью, работал почти для всех правителей Италии, его творчеству посвятил поэму Гуарино да Верона. Но в середине XV века вместе с ростом интереса к классике и распространением гуманистических идей мода на позднеготический романтизм Пизанелло прошла.

Из фресок, созданных Пизанелло сохранились лишь две. Одна в Вероне в церкви Санта Анастасия. Вторая — незавершённая роспись так называемого «Зала Пизанелло» (одного из залов Палаццо Капитано в Мантуанском дворцовом корпусе) на тему средневековых легенд о короле Артуре и его рыцарях.

Авторство Пизанелло было определено лишь в середине 1960-х годов. Самое же значительное произведение художника, созданное в 1420-х годах и дошедшее до нашего времени — живописная часть надгробия Никколо Бренцони в церкви Сан-Фермо Маджоре в Вероне.

Большая часть станковой живописи Пизанелло утрачена. Из ранних его работ только относительно «Мадонны с куропаткой» авторство Пизанелло установлено точно.

С «феррарским периодом» творчества художника связаны самые ранние из известных сегодня ренессансные портреты — «Портрет Лионелло д’Эсте» и «Портрет принцессы из дома д’Эсте».

Антонио Пизанелло являлся одним из основоположников ренессансного портрета в Италии (портрет Джиневры д’Эсте, 1430-е годы, Лувр, Париж ).

Интересны его женские портреты Раннего Возрождения, в которых в полной мере проявился светский дух искусства.

Готическую условность, лиричность, изысканность рисунка и цвета сочетал с тонким наблюдением человека и природы. С наибольшей яркостью эти тенденции творчества Пизанелло отражены в его рисунках — зарисовках животных и костюмов, штудиях фигур, в том числе обнаженных.

Однако в своих многочисленных рисунках, исполненных пером и серебряным карандашом, иногда подцвеченных акварелью, Пизанелло является ярким представителем раннеренессансного реализма.

Обнаруживая живую наблюдательность и знание натуры, он в своих тонких по мастерству набросках животных (многие из которых хранятся в Лувре) — «Мул», «Лань», «Волки» (карандаш), «Заяц», «Утки», «Ягуар» (акварель) предвосхищает рисунки Леонардо да Винчи.

Помимо Этого ему принадлежит большое количество эскизов и набросков декоративного характера. Среди них следует выделить исключительный по тонкой светотеневой лепке эскиз мужского лица к невыполненному портрету (Лувр).

Пизанелло был также одним из крупнейших медальеров Возрождения (медали в честь Лионелло д’Эсте, 1444, Чечилии Гонзаго, 1447, Альфонса Арагонского, 1448-1449 и другие).

Медали Пизанелло представляют большую ценность прежде всего благодаря точному портретному сходству с изображенными на них людьми – знаменитыми современниками художника.

В основе этих портретов лежат произведения древнеримского медальерного искусства. Обычно на аверсе медали Пизанелло помещал профильное изображение головы заказчика в окружении девиза, а на реверсе – сцену, прославляющую одну из добродетелей или демонстрирующую одно из славных деяний медальируемого.

После Пизанелло ни один другой мастер медальерного искусства не достигал такого мастерства в построении композиции и столь блестящей лаконичности и ясности.

К медальерному искусству Пизанелло обратился уже будучи зрелым художником. Первая медаль авторства Пизанелло (изображение Иоанна VIII Палеолога) датируется 1438 годом.

Этот год считается годом рождения ренессансного медальерного искусства. Популярность его объясняется возросшим в то время интересом к античной культуре. Многие высокопоставленные особы коллекционировали древние медали и геммы.

По материалам:Wikipedia,Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Статья «Творческий путь Пизанелло» автор Н.Соколова, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Работы художника в Музее Виктории и Альберта, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Пимоненко Николай Корнилович

1862 —1912

Николай Корнилович Пимоненко (укр. Микола Корнилович Пимоненко; 9 марта 1862 — 26 марта 1912) — украинский живописец, автор многих картин на национальную украинскую тематику.

Н. К. Пимоненко родился в Киеве 9 марта 1862 года. Сын иконописца и резчика по дереву, Николай Пимоненко с малых лет ездил с отцом по селам, помогал ему в росписи иконостасов местных церквей. А попутно знакомился с селянами, с их бытом, промыслом, с их укладом. Видимо, эти детские впечатления и легли в основу бытовых и видовых картин, написанных много позже. Сперва же была Киевская рисовальная школа Николая Ивановича Мурашко, где будущий художник получил начальное (пожалуй, и основное) художественное образование (1876—1882).

С 1882 по 1884 год Н. Пимоненко находился на Педагогических курсах Академии художеств. И учеба шла хорошо: получил три медали за первый учебный год. К сожалению, здоровье молодого художника не позволило ему полностью выполнить свою программу пребывания в Петербурге: повлиял сырой петербургский климат, к тому же появились материальные проблемы. И получив малую и большую поощрительные медали и аттестат на звание учителя рисования, Н. Пимоненко отбывает в родной Киев, где преподает в Киевской рисовальной школе Н. И. Мурашко и Киевском художественном училище.

Однако он не забывает и заниматься живописью. В 1885 году он отправил в Петербург на академическую выставку картину «На галерке», навеянную увиденной в театре комедией Гоголя «Женитьба». Картину заметили, о ней заговорили.
Участвует Пимоненко и в киевских вернисажах. Темы для своих бытовых картин он берет из окружающей его жизни малороссиян. Уже одни названия картин позволяют судить об интересе художника к жанру, к житейским сценам: «Засватанная» (1886), «В Чистый четверг» (1887), «В разлуке» (1887), «На каникулах» (1887), «Художник» (1887), «Святочное гаданье» (1888), «Афанасий Иванович и Хавронья Никифоровна» (1889).

Картины привлекали зрителя, их упоминали в печати, но подлинный успех пришел в 1888 году, с картиной «Святочное гадание». Вот как оценивает ее один из современников художника: «Две украинские девушки гадают на святках со свечой в руках по отлитому воску. Картина пользовалась успехом. С нее делали копии. Одну из них пришлось делать и мне по заказу магазина А. Шомина, торговавшего на Большом проспекте Петербургской стороны».

В 1891 году за картины «Свадьба в Киевской губернии» и «Утро Христова Воскресения» Н. К. Пимоненко получает звание почетного вольного общника Академии художеств. В 1904 году ему присуждают звание академика.

Н. К. Пимоненко активно участвует в общественной художественной жизни. Картины художника охотно приобретаются коллекционерами, и даже Лувр спешит стать собственником одной из картин живописца — в 1909 году он покупает «Гопак» Н. К. Пимоненко.

Умер Николай Корнилович Пимоненко в родном Киеве 26 марта 1912 года.

Пиназо Камарленх Игнасио/Ignacio Pinazo Camarlench

1849–1916

Испанский художник, один из самых известных художников Валенсии конца девятнадцатого века, работавших в стиле импрессионизма.
Игнасио родился в бедной семье, с раннего возраста он был вынужден работать, чтобы помогать семье. Мальчик только закончил восемь классов, когда умерла от холеры его мать.
Юный Игнасио работал учеником ювелира, позолотчиком, расписывал плитку и веера, писал плакаты, поскольку с детства проявил интерес к рисованию.

После смерти отца в 1866 году, его и семерых братьев воспитывали бабушка и дедушка.
В 1864 Пиназо поступил в Академию изящных искусств Сан-Карлос в Валенсии, где учился у Хосе Фернандеса Олмоса Jose Fernandez Olmos). Параллельно с учебой, юноша зарабатывал себе на жизнь, работая шляпником в ателье.
Раннее творчество Пиназо находилось под влиянием картин Франсиско Доминго Маркеса (Francisco Domingo Marques). Кроме того, юноша изучал цвета и композиции картин в музеях, много копируя античные работы.

Его творческая карьера началась, когда юноше исполнился 21 год, в 1870 году Игнасио решил посвятить себя целиком живописи.

Уже три года спустя он добился первого успеха в Барселоне. В 1871 году его работы впервые были выставлены на Национальной выставке изящных искусств.
Первая крупная работа художника под названием «Святая Моника» (Santa Mуnica) была написана для прихода Санта Моники, но картина не понравилась пастору и была отклонена. Тогда Игнасио в 1873 году представил ее на Национальной выставке изящных искусств в Барселоне под названием «Милосердие» (La Caridad). Сейчас картина находится в Музее современного искусства в Барселоне.
Пиназо дважды побывал в Риме.

Первый раз в 1873 году, благодаря деньгам, собранным от продажи картин. В 1872 году художник не получил грант пенсионера, но все равно решил посетить Италию, куда отправился в компании с другом – художником Хосе Мираллесом (Jose Miralles).
Пиназо провел семь месяцев в Италии, посетив Рим, Неаполь и Венецию. В Италии он понакомился с Мариано Фортуни, влияние которого заметно в пейзажах художника римского периода (например, Венецианская лагуна, 1873-75).
Когда Игнасио вернулся в родной город в 1874 году, он отказался от исторических тем, которые писал с удовольствием раньше. Вернее, удовольствия в этом было мало, поскольку художнику (и не только ему одному) приходилось мириться с официальными академическими требованиями той же национальной выставки, не говоря об Академиях живописи. С другой стороны, создав
серию исторических картин, Пиназо тем самым приобрел богатого покровителя в лице самого государства.
И все же, вернувшись из Италии, Пиназо начал писать семейные портреты, обнаженные фигуры и сцены из повседневной жизни, тем самым предвосхищая темы и стиль, в которых вскоре будут работать Хоакин Соролла и Бастида и Франсиско Доминго.

Этот стиль испанские историки назовут интимным импрессионизмом.
А в 1876 году Пиназо все-таки получил грант департамента Валенсии за историческую картину «Высадка Франциска I Французского в Валенсии» (Landing of Francis I of France in Valencia, 1876).
Художник вновь уехал в Италию, где прожил пять лет (до 1881 года).
В 1876 году Игнасио женился на Терезе Мартинес Монфор, которая подарила ему двух сыновей — Хосе и Игнасио. Оба парня, как и отец, стали художниками. Старший сын Хосе родился в 1879 в Риме.
Вскоре его работы стали напоминать импрессионистические картины итальянских художников группы «Маккиайоли» (Macchiaioli), яркий пример такого «подражательства» — «Поле пшеницы» (Wheat field, 1880).

Под влиянием Маккиайоли Пиназо начал писать большую историческую картину о последних минутах короля Хайме Завоевателя и передаче своего меча сыну Педро. Картина является одним из шедевров испанской исторической живописи, Пиназо написал два варианта картины и отправил их в 1881 году на Национальные выставки изобразительных искусств в Валенсию и Мадрид.

На выставке в столице он стал обладателем серебряной медали. Эта картина сейчас хранится в художественном музее Сарагосы.
Кроме этого, для департамента Валенсии в качестве отчета были написаны картины «Игры Икария» (Juegos Icarios), «Фавн» (Un fauno) и «Дочери Сида» (Las hijas del Cid).
В 1881 году он вернулся в Валенсию, в 1883 году в семье родился второй сын – Иламаро Игнасио. В этом же году художник был назначен президентом Общества изобразительных искусств Валенсии.
В 1884 году по предложению его бывшего учителя Хосе Олмоса Пиназо был назначен доцентом кафедры цвета и композиции в Академии изящных искусств Сан-Карлос в Валенсии, где проработал с 1884 по 1886 год.

В этот период его работы все чаще отображают семейную жизнь художника. Число картин и рисунков, посвященных детям, действительно велико, так как художник использовал в качестве моделей своих детей.
При этом он был очень востребованным художником, получая много заказов от аристократии Валенсии (например, маркизы Беникарло).
В 1884 году из-за эпидемии холеры в Валенсии, Пиназо временно переехал в город Бетера, где его приютил на своей вилле «Мария» банкир Хозе Хаумандреу (Jose Jaumandreu).
Находясь в гостях, художник продолжает интенсивно работать, в 1885 году им написаны серия «Времена года» из четырех картин, пейзажи Бетеры и портреты семьи Хаумандреу, которые сейчас находятся в частных коллекциях потомков банкира.
Для Коллегии Патриарха Пиназо пишет картину «Лежащий Христос» (Cristo Yacente), в эти же годы написаны также картина «Карнавал Аламеда в Валенсии» и серия обнаженных.
В 1885 году Пиназо купил дом в городе Годелья, куда в последние годы перебрался на постоянное местожительство.
А пока Пиназо регулярно принимал участие в ежегодных национальных выставках и точно так же регулярно завоевывал на них награды — серебряные медали в 1881, 1885 и 1895 годах, золотые — в 1887 и 1899 годах.

В 1895 году Пиназо получает серебряную медаль Национальной выставки в Мадриде за портрет полковника Никанора Пиче. В 1897 году он был награжден золотой медалью за портрет Хосе Мелладо. В 1899 году золотую медаль получил портрет сына Игнасио, названный «Урок памяти» (La lecciуn de memoria).
В 1896 году художник был избран профессором Академии Сан-Карлос в Валенсии, а в 1903 году академиком Академии живописи Сан-Фернандо в Мадриде.
В 1900 году вместе с художниками Антонио Фильолем (Antonio Fillol), Перисом Бреллем (Peris Brell), Рикардо Верде (Ricardo Verde) и Луисом Бейтом (Luis Beüt) Игнасио Пиназо участвовал в оформлении дворца Дон Хосе Айора.
Кроме того, художник был приглашен работать доцентом в Школу искусств и ремесел в Мадриде, на этой должности Пиназо проработал практически до самой смерти. Оставаясь жить в Валенсии, художнику приходилось совершать частые поездки в Мадрид, где были написаны известные портреты последних лет — Альфонсо XIII, Ромеро Робледо и графа Гуакия.
Ссылаясь на проблемы со здоровьем, Пиназо все-таки оставил преподавание и окончательно переселился в Годелью. Пиназо также получил королевскую медаль, а в 1912 году (еще при жизни!) городской совет Валенсии одну из улиц города назвал в его честь.
Художник умер в 1916 году в своем доме в Годелье.
Большая коллекция работ Пиназо а находится в Валенсии в Институте современного искусства (более 100 картин и 600 рисунков).Часть работ можно увидеть в Базилике де ла Асунсьон в городе Сьеса и в валенсийском Музее изобразительных искусств «Сан Пио V» ( San Pio V).

Источники- Википедия, зарубежные энциклопедии.

Пинтуриккьо/Pinturicchio(Раннее Возрождение)

около 1454-1513

Пинтуриккьо (в итал. Pinturicchio; собственно Бернардино ди Бетто (или ди Бенедетто) ди Бьяджо, Bernardino di Betto di Biagio, 1454, Перуджа — 1513, Сиена) — итальянский живописец,известный, прежде всего, своими замечательными фресками и станковыми полотнами («Портрет мальчика»).

Представитель умбрийской школы кватроченто.

Учился у Фьоренцо ди Лоренцо, вместе с Рафаэлем — у Перуджино, которому помогал при создании фресок Сикстинской капеллы Ватикана (1481—1482), а по некоторым данным — ещё и у Бенедетто Капорали, создателя дворца кардинала Пассерини, впоследствии расписанного Синьорелли.

Вероятно, испытал влияние и Бенедетто Бонфильи, учителя Перуджино.

Став зрелым мастером, Пинтуриккьо отказался от некоторых принципов Перуджино — однообразности и степенности фигур, единства времени и места, — что сближает его скорее с Боттичелли.

Пинтуриккио получил прозвище («маленький художник») за малый рост.

Утверждение Дж. Вазари о том, что он был непосредственным учеником Перуджино, ставится под сомнение современной наукой, но бесспорен тот факт, что он испытал сильное влияние последнего.

В 1481 был принят в цех живописцев в Перудже.
Написал немало алтарных образов и ряд светских картин — станковых полотен (отечественному зрителю особенно запомнился его лиричный «Портрет мальчика» (1500-е гг.), показанный на выставке Дрезденской галереи в 1955), однако в целом эти произведения не поднимаются над средним уровнем живописи позднего кватроченто.

Работал во многих городах Италии — Перудже, Риме, Орвьето, Сполето, Сиене.

Наиболее известные росписи — в церкви Санта-Мария-дель-Пополо, Апартаментах Борджиа и Сиенском соборе (библиотека Пикколомини).

На его фресках часто появляются «гротески» (элементы растительного и архитектурного орнамента).
Действительно же уникальны его монументально-декоративные работы. Он прошел в данном плане очень хорошую школу, поскольку в 1481—82 участвовал под руководством Перуджино, вместе с Боттичелли и Синьорелли, в росписях ватиканской Сикстинской капеллы.

Затем Пинтуриккьо, единственный из «сикстинской бригады», остался в Риме и расписал там капеллу Буфалини в церкви Санта-Мария-ин-Арачели (ок. 1481—86), капеллу делла Ровере в церкви Санта-Мария-дель-Пополо (1488—90) и апартаменты Борджиа в Ватикане (1492—94).

Именно тогда окончательно сформировался его яркий дар художника-декоратора, интересующегося не столько драматическими коллизиями сцены, сколько общей композиционной и цветовой ритмикой, связывающей фигуры, архитектуру и пейзаж в единое праздничное зрелище.

В 1496 вернулся в Перуджу. Позднее получил заказ на оформление библиотеки собора в Сиене, где хранились манускрипты из собрания знаменитого Энея Сильвия Пикколомини, ученейшего Папы-гуманиста, носившего в годы своего понтификата (1458—64) имя Пия II.

Главное место среди этих шедевров Пинтуриккьо (исполненных в 1503—08) занимают сцены из жизни Энея Сильвия, представленные на фоне городских и природных пейзажей, трактованных с невиданным пространственным размахом и тончайшей грацией.

Пинтуриккьо также были созданы эскизы мозаик для украшения пола собора (в сложной философской программе этих мозаик особо выделяется аллегория с «Историей Фортуны», 1505).

Вазари достаточно негативно отзывается о Пинтуриккьо, считая его славу недостаточно заслуженной.

Кроме того, биограф упрекает художника в излишнем стремлении угодить заказчикам.

Бенуа отмечает особую декоративность работ художника: «Каждая фреска Пинтуриккио в отдельности — нечто довольно пустоватое, крайне наивное и условное.

Однако в общем эффекте яркие его краски, обилие золота и изощрённая орнаментика, которой он любит окружать свои главные сюжеты, производят чарующее впечатление»

Умер Пинтуриккьо в 1513г.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Джорджо Вазари о Пинтуриккио, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Работы художника в музеях мира, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика

Писсаро Камиль

1830–1903

Писсарро (Pissarro) Камиль (1830-1903), французский живописец.
Камиль Писсарро родился 10 июля 1830 года на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда Абрама Писсарро и Рашель Мансано-Помье, уроженки Доминиканской республики.

До 12 лет Камиль жил в Вест-Индии, затем, уже в возрасте 25 лет, вместе со всей семьёй переехал в Париж. После окончания школы снова ездил на Сен-Тома, а также в Венесуэлу, где вместе со своим другом, датским художником Мёльбу осваивал в Каракасе искусство живописи. В 1855 году окончательно вернулся во Францию. С 1855 по 1861 год учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса в Париже. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Основные сюжеты его произведений в этот период — сельские пейзажи, а также виды Парижа. Во время франко-прусской войны 1870—1871 годов Писсарро переехал в Лондон. За это время множество его работ, оставленных в Париже, было уничтожено немецкими солдатами, жившими в его доме. Сохранились лишь сорок картин.

По своим политическим взглядам Писарро был убеждённым анархистом, и оказывал регулярную помощь деньгами анархистским изданиям и самим анархистам во Франции и Бельгии. Впрочем, на творчество Писсарро анархизм не оказал никакого влияния. Точно так же анархизм не повлиял и на практическую сторону жизни Писсарро: нуждаясь в деньгах, художник время от времени принимал участие в коммерческой деятельности своего отца. Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с такими художниками, как Дега, Сезанн и Гоген. Писарро — единственный участник всех восьми выставок импрессионистов.

Ещё в период обучения в Академии начался роман Писарро с горничной его родителей — Жюли Веллей. Но оформить отношения молодые люди смогли лишь через 10 лет. В семье Писсарро было восемь детей. Двое из них — Жорж и Люсьен — стали художниками. Художник скончался 12 ноября (по другим сведениям — 13 ноября) 1903 года в Париже. Похоронен на кладбище Пер-Лашез. Писарро начинал, как ученик Камилля Коро. В этом выборе учителя уже сказалась врождённая любовь художника к пейзажной живописи. Но не меньше внимания в начале своего творческого пути Камиль Писарро уделяет и рисунку. Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде.

Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писарро. Постепенно Писарро стал освобождаться от влияния Коро, у него созревал собственный стиль. С 1866 года палитра художника становится светлее, доминантой его сюжета становится пространство, пронизанное солнечным светом и лёгким воздухом, а свойственные Коро нейтральные тона исчезают. Работы, прославившие Писарро, это сочетание традиционных пейзажных сюжетов и необычной техники в прорисовке света и освещённых предметов. Картины зрелого Писарро написаны плотными мазками и наполнены тем физическим ощущением света, выразить которое он стремился.

После знакомства с Сёра в 1890 году Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но эти работы очень плохо продавались. К тому же то, что хотел передать с помощью этой технике Писарро, постепенно исчерпало себя и перестало приносить ему художественное удовлетворение. Писарро вернулся к своей обычной манере. В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Несмотря на это, он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных великолепными художественными эмоциями. Необычный ракурс этих полотен объясняется тем, что художник писал их не на улице, а из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов и во многом его общеизвестным символом
По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника на сайте.

Пла и Галлардо Сесилио/Cecilio Pla y Gallardo(Портрет,жанр)

1860–1934

Испанский живописец, жанрист и портретист, акварелист, декоратор и иллюстратор.
Успешно работал в импрессионистском стиле, похожем на манеру Хоакина Сороллы и Бастида, и модернизме.

Начал художественное образование в Академии Сан-Карлос в Валенсии. Через несколько лет Сесилио стал учеником и помощником известного исторического живописца и портретиста Эмилио Сала и Франсес (Emiliо Sala i Francés, 20 января 1850 — 14 апреля 1910) в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде.

В двадцатилетнем возрасте Пла и Галлардо продолжил обучение, путешествуя по Европе. Сначала он отправился в Рим, где изучал искусство великих мастеров, позже путешествовал по Италии, посетил Францию и Португалию.

Из Италии художник в 1881 году начал посылать свои работы на традиционные Национальные художественные выставки Валенсии, в которых участвовал до самой смерти.

Большинство представленных работ были выполнены в стиле «костумбрисмо», написанных под влиянием каталонского художника Мариано Фортуни (Mariano Fortuny, 11 июня 1838 — 21 ноября 1874). Костумбрисмо (costumbrismo)- живописная интерпретация испанской повседневной жизни, манер и обычаев, присущая испанскому искусству в XIX веке.

Основана на романтическом реализме и точном представлении конкретного времени и места с акцентами на фольклорные мотивы.

Первое признание художника связано именно с национальными выставками в Валенсии. В 1884 году Сесилио получил третью премию за картину «Данте», в 1887 году – еще одну третью премию за картину «Погребение святой Леокадии». Обе картины были написаны в Италии.

В 1892 и 1895 годах художник стал обладателем уже вторых премий, в 1899, 1901, 1904 и 1912 годах получил очередные премии и награды на национальных и международных выставках. Пла и Галлардо был также удостоен наград на Всемирной ярмарке в Париже в 1899 году и на Национальной ярмарке в Валенсии в 1910 году.

В том же 1910 году художник был избран профессором и начал преподавать «Теорию цвета и эстетику» в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо, заняв место своего учителя Эмилио Сала после его смерти.

Во время преподавания художник опубликовал теоретическую работу «Грунтовка в живописи» (Cartilla del arte pictórico).

В 1924 году Пла и Галландо был избран членом Академии.

Среди его учеников можно назвать таких известных живописцев, как Хуан Грис (Juan Gris, 1887-1927) и Хосе-Мария Лопес Мескита (José María López Mezquita, 1883-1954).

Художник активно сотрудничал, как иллюстратор, со многими испанскими журналами, был автором календарей в 1906-1908 годах.

Как декоратор, выполнил фрески залов казино в Мадриде, которые начал вместе со своим учителем Э.Сала, создал росписи в Обществе изобразительных искусств Мадрида и во дворце Мединачели на площади Колон.

Умер Сесилио Пла и Галлардо в 1934 году в возрасте 74 лет.

Плахов Лавр Кузьмич(Реализм,бытовой жанр)

1810-1881

Получил известность как жанрист, пейзажист.

Родился в 1810 году в семье военного. Художественное образование первоначально получил у художника-литографа Карла Иоахима Беггрова в Петербурге, с 1829 года стал учиться живописи у Алексея Гавриловича Венецианова, под руководством которого писал интерьеры, жанровые сцены, портреты, пейзажи.

Однако, между произведениями Венецианова и его учеников и работами Плахова больше различий, чем сходств: картины Плахова отличаются большей трезвостью в восприятии человека, отсутствием поэтического настроя.

Заслугой художника является то, что он первым из жанристов обратился к жизни ремесленников и мелкого городского люда. Характерными являются произведения «Каменщик», «Кучерская в Академии художеств» (1834), «Кузница» (1845).

В 1832-1836 годах Плахов сначала в качестве вольноприходящего ученика Академии художеств, а затем и полноправного академиста учился в пейзажном классе у Максима Никифоровича Воробьева.

В своих пейзажных произведениях, в отличие от бытовых сцен, художник предпочитал романтические эффекты.

После четырех лет обучения в Академии Лавр Кузьмич получает звание классного художника I степени и на средства одного из почитателей его таланта отправляется в Германию, где поселяется сначала в Берлине и обучается у Э. Писториуса, а затем в Дюссельдорфе, где работает в мастерской А. Шредтера.

Но жизнь вдалеке от России привела художника в состояние творческого кризиса, что впоследствии наложило отпечаток на всей его профессиональной судьбе.

В 1842 году Плахов возвращается в Россию.

Художник в своем творчестве обращается к жизни крестьян, к своей излюбленной рабочей теме, но ничего сколько-нибудь значительного уже не создает.

Как сказал о Плахове потом Венецианов, «фантастики-немцы положительное из него все вывеяли».

К лучшим произведениям этого художника венециановской школы можно отнести картины: «Пирушка водовозов» (1833, музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань),

«Кучерская в Академии художеств», (1834, Русский музей, Санкт-Петербург), «Столярная мастерская» (1845, Третьяковская галерея, Москва), «Кузница» (1845, Русский музей).

Интересны и другие полотна: «Обручная мастерская», «Отдых на сенокосе», «Каменщик».

В 1850-х годах Плахов практически прекратил заниматься живописью, он увлекся созданием художественной фотографии.
Плахов Лавр Кузьмич скончался в 1881 году в Петербурге.

По материалам:Википедия, Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Поленов Василий

1844–1927

Художник Василий Поленов это один из ярчайших представителей в русской живописи второй половины 19 века и начала 20 века.

Его пейзажи полны романтики, красоты восприятия и одухотворенности. Автор знаменитых картин «Московский Дворик», «Христос и грешница» и конечно картина «Бабушкин сад».

Василий Дмитриевич Поленов Биография. Художник родился в 1844 году 1 июня в благородной многодетной семье дворян проживавшей в столице в Санкт Петербурге. Глава семьи Поленовых Дмитрий Васильевич был очень образованным человеком, его познания были тесно связаны с археологией, попутно увлекался описанием книг, различных обзоров литературы, заметки в журналах и др. Мама Поленова М. А. была творчески подкована, увлекалась живописью, историей, а также была замечена, как детский писатель. В семье она заботливо обучала детей рисованию и живописи, картины нарисованные детьми обсуждались на семейном совете, лучшие работы поощрялись наградами. Дополнительно с детьми по основам живописной грамоты занимались художники из академии художеств, все это очень способствовало развитию молодого художника и вступлению во взрослую жизнь. По развитию в рисовании от Василия также не отставала и его младшая сестричка Елена, в будущем он и она станут профессиональные художниками. Василий вместе с сестрой с 1856 года обучаются под присмотром молодого художника Чистякова П. П., который занимается с ними в течении пяти лет. Паралельно Поленов учится в гимназии и заканчивает данное заведение в 1863 г и поступает в университет изучая основы физики и математики. Творческий потенциал молодого художника был разносторонен по вечерам как вольнослушатель он посещает уроки в академии, активно занимается музыкой, даже пытается писать свои музыкальные произведения, посещает концертные залы, театры, участвует в различной студенческой самодеятельности, поет на сцене и в последствии на постоянной основе посещает академию художеств занимаясь в натурном классе.

Не определенный в своем истинном предназначении на некоторое время он покидает обучение в университете, полностью отдав себя живописным познаниям в академии и заканчивает курсы в 1867 году с серебряными медалями. Едет за границу на всемирную выставку во Францию, где представлены на то время образцы различных современных народных промыслов, впоследствии для Поленова это будет тема для защиты диссертации в университете.

В 1868 году он опять поступает в университет изучает на данном этапе основы юриспруденции.

В 1869 году активно занимается живописью в надежде на получение золотых медалей, и в конце концов он добивается своего, за картину ‘Иов и его друзья’ его награждают малой золотой медалью, которая давала следующее право в соревновании художников в получении долгожданной большой золотой медали по академическому заданию необходимо написать картину ‘Воскрешение дочери Иаира’. Конечно задача была не простая, тем более в соревновании с ним участвовал Илья Репин. В 1871 году оба художника справились с заданием на отлично, с некоторыми различиями работ друг от друга, картины получили положительные отзывы и художники были награждены большими золотыми медалями с правом на поездку в Европу. Закончив университет с защитой диссертации в 1872 году они с Репиным посещают заграничные государства. Поленов едет в Германию, затем в Италию , его впечатляет заграничная жизнь с ее укладом, он посещает музеи и галереи, выставки, впитывая все необходимое в познании европейской живописи и различных ремесел. В последствии он посетит Францию, зачарованный красотой этого города он живет и работает некоторое время В Париже, где под впечатлением напишет картину ‘Арест графини д’Этремон’, собственно за это произведение по возвращении на родину ему присваивают почетное звание академика в 1876 году. В этом же году в должности придворного художника едет в зону русско-турецких военных действий.

Будучи академиком Поленов преподает в училище живописи в Москве, под его руководством стали настоящими художниками , Костантин Коровин, Иссаак Левитан, Абрам Архипов и много других. Живя в Москве Василий Поленов влюбляется в московские улочки, находя в них поистине живописные места, украшенные красивыми церковными храмами с золочеными куполами и в 1878 году он создает просто неповторимый шедевр своего творчества картину с ласковым названием ‘Московский дворик’, который художник приметил в одном из арбатских закоулков. Данное произведение принесло художнику впечатляющий успех и популярность а его стиль написания, стал восприниматься современниками, как новый стиль, обозначенный интимным пейзажем.

В 1879 году Поленов вступил в ряды художников передвижников и часто выставляет свои работы на выставках, среди которых картина ‘Бабушкин сад’ получила много добрых отзывов, это произведение Стасов обозначил, как наилучшую колоритно живописную работу среди пейзажистов на то время.

В 1881 году Поленов вместе с Праховым А. В. и Абамелек-Лазарев С.С. посещают ближний восток, побывав в Египте, Сирии и Палестине. За время поездки по ближнему востоку Художник исполнял различные этюды с натуры и пейзажи ‘Нил у Фиванского хребта’, ‘Нил, вдали пирамиды’. В 1882 году художник возвращается в Россию, привезенные работы после поездки были проэкспонированы в 1885 году на передвижной выставке, где их увидел Павел Третьяков, зачаровавшись работами он приобретает их.

В 1882 году Василий Поленов женится, его избранницей становится Якунчикова Н. Б. родственница Мамонтовой Е. Г.

В 1883 году он снова едет за границу на этот раз вместе с супругой и посещает Италию,обосновавшись в столице Италии в Риме, где вынашивает замысел к картине на тему из жизни Христа

В 1887 году художник пишет картину ‘Христос и грешница’, самое интересное что Христа Поленов изобразил не совсем традиционно, как простого человека с мудрым разумом и чистой душой. Картина была выставлена в этом же году на передвижной выставке и была куплена императором Александром 3-м
1890 годы художник уезжает из столицы в Тульскую область, где приобретает дом на берегу Оки а позднее по его замыслу ему построили дом вместе мастерскими, в которых он собирает художников, местных сельских детишек обучает живописи и рисунку. Это имение было названо Борок. Насытившись деревенскими видами Поленов много работает и создает ряд живописных произведений с красотами окрестностей реки Оки ‘Ранний снег’, ‘Летом на Оке’, ‘Осень на Оке близ Тарусы’, ‘Золотая осень’

Много работая с пейзажной темой Поленову не давало покоя тема из Евангелия, он поэтому замыслу создал много работ и в 1909 году многие из них были продемонстрированы в разных городах России в Петербурге, в Твери и в Москве.

Василий Поленов много времени уделяет работе в театре, исполняя различные декорационные работы это способствовало его дружбе с Савой Мамонтовым. По замыслу художника в 1915 году построено театральное здание с различными мастерскими для постановки сцен. Сам принимает участие в разработке сценариев и режиссерских постановках.

После Октябрьской революции 1917 года он переезжает в свое имение Борк, где участвует в организации крестьянских театральных кружков. Он много работает с молодежью, Поленов преподает живописные основы детям. Продолжает заниматься творчеством , пишет картину пишет картину в 1919 году ‘Разлив на Оке’.

В 1924 году ему 80 лет в знак данного события устраивается его персональная выставка в залах Третьяковской галереи

В 1926 году за различные заслуги советское государство присваивает ему звание народного художника России

В 1827 году летом 18 июля Поленов скончался, его похоронили на берегу реки Ока в окрестностях села Бехово

Понтормо Якопо/Pontormo Jacopo(Маньеризм)

1494-1557

Якопо Понтормо (настоящее имя Jacopo Carucci; 24 мая 1494, Понтормо, ныне пригород Эмполи — 2 января 1557, Флоренция) — итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма.

Родился в Понтормо (Тоскана) 24 мая 1494 в семье ученика Гирландайо, живописца Бартоломео ди Якопо ди Мартино Каруччи.

Учился у Пьеро ди Козимо, Мариотто Альбертинелли,в мастерской Андреа дель Сарто (с 1512) – вместе с Россо Фьорентино, с которым сотрудничал в ранний период, Микеланджело, Альбрехта Дюрера.

В десятилетнем возрасте, потеряв отца, Понтормо отправился во Флоренцию, где и провёл всю свою жизнь.

В ранних работах сказывается влияние Леонардо да Винчи и Сарто (роспись люнеты на вилле Медичи в Поджо-а-Кайано). Позднее большое влияние на его творчество оказало знакомство с гравюрами Дюрера.

Постепенно Понтормо отходит от традиции Ренессанса. Значительные работы: «Христос в Эммаусе», 1525, Уффици, Флоренция; «Мадонна со святым Иосифом и Иоанном Крестителем», Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Встреча Марии и Елизаветы», церковь Сан-Микеле, Карминьяно, 1528—1530.

Понтормо — одна из самых значительных, противоречивых и трагических фигур во флорентийском искусстве 16 века.Мастер огромного дарования и большой искренности, Понтормо выступает первоначально как смелый новатор, стремящийся найти новые пути для искусства Возрождения.

И в то же время Понтормо принадлежит к тем представителям итальянской интеллигенции, которые необычайно остро ощутили драматическую сложность коллизий современной им действительности.

В своей первой значительной работе — фреске «Встреча Марии и Елизаветы» (1514—1516; церковь Санта Аннунциата) — Понтормо выступает как типичный мастер флорентийского Высокого Возрождения.

Его композициям свойственны монументальная широта и торжественность, герои — стройные, сильные фигуры, задрапированные крупными складками одеяний, — величавы и прекрасны, их позы и жесты отличаются безупречной пластической красотой.

Уже в этой ранней работе Понтормо выступает и как мастер большой эмоциональной силы.Эмоциональная насыщенность образов, типичная и для других ранних произведений Понтормо, сближает молодого мастера — при всей разнице в масштабе их дарований — с Микеланджело.

На рубеже 10—20-х годов 16 столетия Понтормо в поисках большей жизненной непосредственности обращается, подобно некоторым мастерам венецианской террафермы, к искусству северного Возрождения и Дюреру.

Это можно проследить в ранних композициях Понтормо — «Истории Иосифа», «Поклонении волхвов» и в особенности в серии работ для монастыря в Галуццо (Чертоза Валь д’Эма), относящихся к 1522—1525 годам.

Но в условиях обостряющихся социальных противоречий, натиска реакции, характеризующих жизнь Флоренции 1520-х годов, столь чуткий и восприимчивый мастер, как Понтормо, не смог сохранить гармонически ясное восприятие мира.

В цикле фресок в Галуццо «Страсти Христа» светлую жизнерадостность ранних произведений сменяет глубокий драматизм. К сожалению, фрески сохранились настолько плохо, что можно судить только об их общем характере.

Все же очевидно, что Понтормо стремится дать евангельским событиям глубоко человечную трактовку, превратить их в сцены горестей и страданий простых людей. И в то же время фрески проникнуты не только трагизмом, но и настроением подавленности, обреченности («Христос перед Пилатом», «Оплакивание»). Противоречивым и двойственным становится изобразительный язык художника: необычная острота восприятия натуры, пластическая сила лепки объемов соединяются теперь с повышенной эмоциональностью линейного ритма, готическими изгибами силуэтов фигур.

С 1520-х годов Понтормо становится одним из основоположников маньеризма во флорентийской школе живописи.

Его виртуозное композиционное мастерство ярко проявляется во фресках с буколическими аллегориями на вилле в Поджо-а-Каяно (1520).

Художник Якопо Понтормо с 1507 года жил и работал во Флоренции и окрестностях; в конце 30-х годов 16 века жил в Риме. Большей противоречивостью отмечена алтарная композиция «Христос в Эммаусе» (Уффици), написанная в 1525 году для того же монастыря в Галуццо.

С одной стороны, эта необычная для Италии картина является кульминацией новаторских реалистических исканий Понтормо.

Фигуры апостолов, превращенных Понтормо в простолюдинов с грубыми обнаженными ногами, и монахов-заказчиков, простонародные набожные лица которых выступают из мрака на заднем плане, вылеплены контрастами светотени с такой пластической осязаемостью и суровой правдивостью, что непосредственно предвосхищают картины Караваджо.

С остротой и лаконизмом, достойными реализма 17 века, написан и натюрморт на столе. И в то же время, помещая своих героев па отвлеченном темном фоне, вырывая их из мрака холодным мерцающим светом, исходящим из символического «ока», Понтормо переносит действие в некую ирреальную среду.

Напряженный, нервный ритм угловатых, ломающихся складок, беспокойные, извивающиеся линии силуэтов сообщают фигурам апостолов и Христа повышенную одухотворенность, вся картина приобретает религиозно-мистическую окраску. Работы в Галуццо свидетельствуют о нарастающей творческой трагедии Понтормо.

В своих исканиях Понтормо выходит за пределы идеально-возвышенного стиля флорентийской живописи, сближается с мастерами террафермы, предвосхитившими Караваджо.

Но эти тенденции не могли найти плодотворной почвы для развития в охваченной кризисом Флоренции 1510—1520-х годов.

Отсюда стремление противопоставить реальному миру некие духовно-мистические ценности, усиление субъективного начала, свидетельствующие о том, что Понтормо начинает переживать тяжелый кризис.

В следующем своем значительном произведении — «Положении во гроб» в церкви Санта Феличита во Флоренции (1525—1528) — Понтормо уже целиком захвачен творческим кризисом.

Это одно из самых трагических произведений итальянского искусства 16 века, полное глубокого, мучительного отчаяния, выраженного Понтормо с большой эмоциональной силой.

И в то же время мастер приходит к отказу от гуманистических и реалистических исканий своего раннего творчества.

В «Положении во гроб» и «Встрече Марии и Елизаветы» (1528—1530; Карминьяно) — последних своих значительных произведениях — Понтормо выступает как один из основоположников маньеризма.

Поздний период творчества мастера убедительно свидетельствует о негативном характере эстетических принципов маньеризма.

После 1530 года Понтормо остается чуждым складывающейся придворной культуре; в уединении своей мастерской, окруженный непониманием современников, он продолжает одинокие поиски.

Но, лишенные теперь опоры в действительности, они становятся бесплодными, завершаются постоянными творческими неудачами.

Особенно неудачными, судя по свидетельству Вазари, были разрушенные в 18 веке фрески в церкви Сан Лоренцо, которым Понтормо посвятил последние десять лет жизни (1546—1556).

Сохранившиеся наброски к ним поражают не только вымученной переусложненностыо замысла, подчинением человеческой фигуры абстрактному узору, но и странной для такого блестящего рисовальщика вялостью линий, говорят о полном творческом упадке мастера.

После 1530 года единственными значительными работами Понтормо являются его немногочисленные портреты.

Необходимо отметить,что Понтормо был одним из первых рисовальщиков Италии, причем рисунок является едва ли не самой замечательной частью его творческого наследия.

В какой-то степени такое заключение основывается на том, что рисунки сохранились в большем количестве сравнительно с живописными произведениями и на особенной свободе проявления в рисунке фантазии и экспериментального духа его искусства.

Якопо Понтормо был человеком нелюдимым, чудаком, непрактичным, мечтательным, за работой забывавшим о сроках.Художника не так волновал результат трудов, сколько их процесс, бесконечные поиски новых решений.

Он готов был уничтожить свои произведения, казавшиеся другим совершенными, чтобы вновь погрузиться в поиски и еще улучшить свой замысел. Еще в ранней юности Понтормо была предсказана великая будущность, сначала Рафаэлем, а затем Микеланджело, причем любовью последнего он пользовался всю свою жизнь.

Однако это отнюдь не сделало его высокомерным. Как гений, поглощенный своим искусством, Понтормо вообще мало придавал значения чужим мнениям, а будучи человеком благородной, щедрой души, никогда не знал зависти и заботливо, с любовью пестовал своих учеников.

Умер Понтормо во Флоренции 2 января 1557.

Понтормо относится к числу тех итальянских мастеров 16 века, которые как бы стояли на грани двух эпох.

Творчество Якопо Понтормо оказало воздействие на многих живописцев, в частности таких, как Бронзино, Россо и Лапполи.

Являясь одним из основоположников маньеризма, Понтормо, однако, противостоит другим маньеристам, выступая в лучших своих произведениях как смелый искатель новых путей, своеобразно преломивший в своем искусстве реалистические и гуманистические традиции Высокого Возрождения.

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Pontormo’s paintings and drawings illustrated, Энциклопедия мирового искусства, Джорджио Вазари о Понтормо, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Порселлис Ян/Porcellis Jan(Барокко, марина)

около 1584-1632

Ян Порселлис ( нидерл. Jan Porcellis ) (около 1584 в Генте -29 января 1632 в Зутервауде близ Лейдена ) — нидерладский художник фламандского происхождения, основоположник голландского реалистического морского пейзажа.Считается одним из самых знаменитых -маринистов начала XVII века.

Основоположник национальной школы морского пейзажа, стремился к убедительной передаче изменчивости водной стихии («Буря на море», 1629) и одновременно к документальной точности в изображении кораблей.

Родился в семье, которая в 1585 г. в результате испанских преследований после нидерландской революции эмигрировала из Фландрии в Северную Голландию.

Карьеру художника Порселлис начал в качестве графика у гравера из Роттердама Яна ван Дотечума (умер в 1630), который занимался изготавлением географических карт, книжными иллюстрациями и гравюр кораблей.

Согласно голладской историографии искусств Арнольда Хаубракена, учителем Яна Порселлиса был Хендрик Корнелиш Врум, однако эта информация, как и многие другие факты из жизни художника, не нашла документального исторического подтверждения.

В 1617 Ян Порселлис получил звание мастера живописного цеха св.Луки в Антверпене.

Много путешествовал , его имя встречается в документах Харлема, Амстердама, Лондона, Зутервауде.

Художник был приверженцем не только одного жанра, но и одной темы. Он был типичным представителем «малых голландцев» в пейзаже.

Всю свою жизнь Порселлис писал морские пейзажи. Картины мастера отличались нежной, почти монохромной колористикой.

Он блестяще рисовал корабли, суда, знал их устройство и оснастку. Художника интересовали самые различные состояния моря — от спокойного до бури и урагана.

В отличие от Х. К. Врума в них больше передачи чувств и личных впечатлений.

Их характеризует общее поэтическое настроение и богатые световые и атмосферные эффекты.

Порселлиса интересовало только море, все остальное: людей и берег, корабли и лодки — художник воспринимал только в связи с ним.

Современники высоко ценили его картины. Сохранился целый ряд свидетельств, в которых Порселлис упоминается среди лучших пейзажистов. К голландскому периоду жизни художника относится его соревнование с двумя мастерами ландшафтной живописи Яном ван Гойеном и Книббергеном.

Порселлис победил в этом соревновании — его пейзаж был признан лучшим.

Преодолевая композиционную дробность и колористическую пестроту ранних голландских морских пейзажей, Порселлис стремился к убедительной передаче свето-воздушной среды. Марины Порселлиса («Кораблекрушение», 1631, Национальный морской музей, Гринвич) выдержаны в строгой тональной гамме, построенной преимущественно на тонких градациях серого цвета.

Порселлис был очень производительным художником.

Одно время он обязался предоставлять своему торговцу по две картины в неделю. Однако его полотна фламандского периода неизвестны.

Ян Порселлис имел много учеников, наиболее известные из них Симон де Флигер, Виллем ван Дист, Хендрик ван Антониссен, Виллем ван де Велде Младший и Ханс Годерис.

Скончался художник 29 января 1632 в Зутервауде близ Лейдена.

Сын художника Юлиус Порселлис (oк. 1609 — 1645) также был художником-маринистом, одднако не достиг уровня мастерства своего отца.

Многочисленные произведения художника находятся в ряде музеев и галерей Европы. Наибольшая коллекция его картин хранится в Национальный Морской Музей в Гринвиче (Великобритания), ряд картин имеется в коллекции Эрмитажа в Санкт-Петербурге, Национальном музее в Варшаве, Государственном музее Амстердама

По материалам: Wikipedia, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника на сайте, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Поттер Паулюс

1625–1654

Паулюс Поттер — (нидерл. Paulus Pieterszoon Potter; крещён 20 ноября 1625, Энкхёйзен — похоронен 17 января 1654, Амстердам) — нидерландский художник, представитель золотого века голландской живописи.

Родился 20 ноября 1625 г. в Энкхейзене.

Умер 17 января 1654 г. в Амстердаме.

Паулюс учился в мастерской своего отца, художника Питера Симонса, а также у Якоба де Веля и, возможно, у Питера Ластмана и Класа Мойерта. В 1646 г. вступил в делфтскую гильдию Святого Луки.

Около 1649 г он жил в Гааге, где также стал членом гильдии художников.

В 1652 г., женившись на Адриане Бакен Эйнде, Паулюс Поттер вернулся в Амстердам, где его наставником стал доктор медицины Николас Тульп.

Художник умер в возрасте 29 лет от туберкулёза.

Первые работы художника датированы 1641 г.

Его творчество охватывает 130 картин, преимущественно пейзажей с детальным изображением домашних животных на лугах, жанровых картин и сцен охоты.

Всемирную славу Паулюсу Поттеру обеспечили его изображения животных.

Самой известной является большая картина «Молодой бык», который сейчас находится в музее Маурицхёйс в Гааге.

Сотрудничал с Йорисом ван дер Хаагеном, рисовал фигуры на его пейзажах.

дель Поццо Андреа/Andrea del Pozzo(Барокко)

1642-1709

Андреа дель Поццо (итал. Andrea Pozzo, 30 ноября 1642, Тренто — 31 августа 1709, Вена) — итальянский живописец и архитектор. Представитель барокко.Виртуозный мастер иллюзионистической росписи (фрески в церкви Сант-Иньяцио в Риме, 1685-99 гг.). Автор трактата по теории перспективы.

Родился в Тренто (в то время город принадлежал Австрии), учился в местной иезуитской школе.

Отец, заметив склонность сына к изобразительному искусству, отправил его учиться на художника.

Стиль молодого Поццо сложился, вероятно, под влиянием работ Джакомо Пальма.
25 декабря 1665 года Андреа дель Поццо вступил в орден иезуитов.

Первой большой работой стала роспись потолка церкви Сан-Франческо-Ксавье в Мондови(1676). Здесь Поццо продемонстрировал, что вполне овладел приёмами иллюзионизма.

От потолочной фрески (1678) туринской церкви Святых Мучеников (dei Santi Martiri) сохранились только фрагменты: роспись постепенно разрушалась под воздействием просачивающейся воды и в 1844 году была записана Луиджи Ваккой.

В 1681 году Поццо был приглашён в Рим генералом Ордена Джованни Паоло Олива.

В Риме Поццо первоначально работал как сценограф религиозных театрализованных представлений. Выполненные им декорации составили Поццо славу мастера иллюзионизма.

Одной из первых римских работ Поццо в области монументальной живописи стала роспись коридора, связывающего церковь Иль-Джезу с комнатами Святого Игнатия (1681—1686) — архитектурные мотивы и эпизоды из жизни святого в Камера ди Сан Игнасио (Camere di San Ignazio), дополняющие существующие картины, выполненные ранее Жаком Куртуа.

Шедевром Поццо считаются фрески апсиды, потолка и роспись подкупольного пространства римской церкви Сан-Иньяцио (1685—1699).

У церкви, освящённой ещё в 1642 году, из-за неодстатка средств так и не был возведён купол. Поццо на холсте диаметром 17 метров создал мастерскую иллюзию, так что зритель, находясь в церкви, видит свод несуществующего купола с изображением Апофеоза Святого Игнасио.

Фрески прославляют миссионерскую деятельность ордена иезуитов во всех частях света.

Поццо трактует тему в несколько воинственном ключе, — вместо традиционных евангелистов и отцов церкви художник изобразил героев Ветхого завета: Юдифь и Олоферна, Давида и Голиафа, Иаиль и Сисару, Самсона и филистимлян.

На фреске нефа Gloria di Sant’Ignazio свет, исходя от Бога-отца через Бога-сына, падает на Святого Игнатия и, разбиваясь на четыре луча, озаряет четыре континента.

Так Поццо иллюстрировал слова Христа: «Огонь пришел Я низвести на землю, и как желал бы, чтобы он уже возгорелся!»(12:49) и Игнатия Лойолы: «пойдите и зажгите всё».
Церковь Сан-Иньяцио послужила образцом для других церквей, построенных иезуитами в Италии, Австрии и Германии.

Поццо умер 31 августа 1709 в Вене. После его смерти император Иосиф I приказал отчеканить памятную медаль, посвящённую Андреа дель Поццо.Поццо — автор трактата “ Перспектива живописцев и архитекторов” (русский перевод 1936).

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, Работы художника в музеях мира, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”,Фрески Андреа дель Поццо,  Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Прайор Скотт/Scott Prior(Гиперреализм)

1949–….

Скотт Прайор — американский художник, представитель американского реализма и гиперреализма.

Родился в 1949 году, в городе Эксетер, Нью-Гэмпшир, учился в Университете штата Массачусетс, в городе Амхерст, закончил его в 1971 году и получил степень бакалавра со специализацией в области графики.

Обучался в художественном колледже Академии искусств в Сан-Франциско.

Его ранние работы были несколько ирреальными, сочетающими элементы научных технологий, мифологии и искусства Северного Ренессанса.

С 1980-х годов Прайор начинает писать картины в жанре современного реализма и гиперреализма. Картины Скотта Прайора находятся в Бостонском музее изобразительных искусств, в музее де Кордовы в Линкольне, Дэнфорд музее, Роз Арт музее и других общественных и частных собраниях.

Работы Скотта Прайора регулярно участвуют в групповых выставках в Соединенных Штатах и за границей.

С середины 2001 творчество Скотта Прайора отмечено ретроспективными выставками его сорока пяти картин в музее Кордовы, галерее Нэнси Хоффман в Нью-Йорке и первой художественной галерее Бостона.

На сегодняшний день у Скотта состоялось множество персональных и групповых выставок в разных странах мира.

Картины Прайора есть во многих государственных и частных коллекциях, в том числе в Бостонском музее искусств, музее DeCordova в Линкольне, штат Массачусетс и Ново-Британском музее американского искусства в Коннектикуте.

Скотт Приор считается общепризнанным мастером живописи, который пишет знакомые с детства вещи такими, какими мы не видели их прежде.

Будь то фигура человека, пейзаж или натюрморт. Причина тому — свет, он обладает невероятной способностью делать различными предметы в работах Приора. Сам свет главное «действующее лицо» его картин.

В своем творчестве Скотт использует объекты и их параметры, с которыми мы сталкиваемся в быту, избегая всего экзотического или инородного, а значит, его картины прочно связаны с нашей повседневной жизнью.

Скотт может писать картины в различных стилях и жанрах, но первым и наиболее очевидным объединяющим их фактором является пышная красота.

Но иногда красота сама по себе не может удовлетворять все потребности взыскательного зрителя.

Нужно копнуть глубже, чтобы найти истинную суть. Для многих определяющие значения могут существовать тут же, в пределах картины.

Скотт Прайор является действительным членом Калифорнийского Художественного Клуба, Ассоциации художников Laguna Plein Air и Ассоциации художников Oil Painters of America.

Картины Прайора являют собой тонкий диалог близких ему людей, мест обитания, обычных вещей и обстановки.

Образы в его работах, независимо от того, какими бы обычными они не выглядели, несут в себе поэтическое начало и мифические мотивы.

С 1971 года и до настоящего времени живет и работает в городе Нортгемптон, штат Массачусетс.

По материалам:Энциклопедия “Ведущие мастера современной живописи”, Персональный сайт художника, Работы художника на сайте.

Прюдон Пьер Поль/Prudon Pierre Paul(Поздний классицизм)

1758-1823

Пьер Поль Прюдон(фр. Prud’hon, Pierre Paul, 1758—1823) — французский живописец и график.

Пьер Прюдон родился 4 апреля 1758 года в небольшом городке Клюни (южная Бургундия, Франция) и был девятым сыном в семье резчика по камню. Позже он взял более аристократический псевдоним Пьер-Поль Прюдон.

В 1773 году приехал в Дижон, где поступил в Художественную школу, возглавляемую Франсуа Девожем, который познакомил его с творчеством художника Жана-Батиста Грёза и скульптора Эдме Бушардона.

Оба мастера сыграли определенную роль в формировании молодого художника.

В 1780—1783 продолжил обучение в Париже, в Королевской академии живописи и скульптуры.

В 1784 году он получил Римскую премию (Prix de Rome). Лауреат премии получал возможность отправиться на учёбу в Рим за счёт патрона премии.Прюдон провел жизнь в неослабном самоусовершенствовании.

В 1784 году, получив римскую стипендию, Пьер Поль Прюдон посетил также и Парму. Прюдон путешествовал по Апеннинскому полуострову более четырёх лет — в 1784—1789 годах.

Значительное впечатление на художника произвели работы Леонардо да Винчи и Антонио да Корреджо. Также на молодого художника огромное впечатление произвели работы скульптора Антонио Кановы.

По возвращении Прюдон поселился в Париже, зарабатывая на жизнь рисунками и миниатюрами. Свой первый серьёзный заказ он получил в 1798 году — роспись потолка во дворце Сен-Клу (Saint-Cloud).

В Париж художник привез по-корреджевски мягкую манеру, мало подходившую к суровой художественной атмосфере, воплощенной в давидовской картине «Клятва Горациев».

Прюдон специализировался на сентиментальных декоративных мотивах, часто с мифологическими персонажами-гермафродитами.

В более поздний период он был известен связью со своей ученицей, легкомысленной Констанс Майер, которой он постоянно передавал свои рисунки с теми же мотивами. Картины Прюдона написаны в мягкой, изящной манере и отличаются тонкостью передачи настроения, хотя не всегда безупречны по технике исполнения.

Среди его произведений: «Любовь, соблазняющая Невинность» (Париж, Лувр), «Правосудие и Божественное Возмездие преследующие Преступление», «Похищение Психеи» (обе 1808, там же) и «Сон Психеи» (Шантийи, музей Конде). Прюдон был не только замечательным рисовальщиком (его многочисленные рисунки, выполненные мелом на цветной бумаге, хранятся в музее Конде в Шантийи и в Лувре), но также одним из лучших портретистов своего времени.

Его наиболее известные работы в этом жанре — портреты Мари Маргерит Ланье, императрицы Марии Луизы (1811) и мадам Жарр (1821) из Лувра, мадам Антони с детьми (1796) из Лионского музея и барона Дени (1822).

В рамках неоклассицизма живопись Прюдона тяготеет к лирическому началу, в противовес героическому стилю Жака Луи Давида.

В дальнейшем, встретив поддержку у обеих жен Наполеона, Прюдон стал соперником Жака Луи Давида и прославился своими портретами романтических таинственных женщин.

После прихода к власти Наполеона много работает при новом дворе, ему покровительствует императрица Жозефина. Впрочем, и вторая жена Наполеона Мария-Луиза Австрийская заказывала картины у Прюдона.

Наиболее значительные произведения художника относятся к концу XVIII — началу XIX века. В основном это картины на мифологические и аллегорические сюжеты, а также работы назидательного характера.

В творчестве Прюдона черты позднего классицизма сочетаются с грацией и мягкостью. Вместе с тем в ряде произведений он предвосхищает настроения, свойственные искусству романтизма.

В картинах и панно Пьера Поля Прюдона черты позднего классицизма сочетаются с унаследованными от французского искусства XVIII века интимностью, грацией и живописной мягкостью.

Ряд картин Прюдона, проникнутых эмоциональной экзальтацией (не лишенной иногда несколько манерной сентиментальности), предвосхищает настроения, свойственные живописи романтизма («Правосудие и Возмездие, преследующие Преступление», 1808, Лувр, Париж; портрет четы Антони, 1796, Музей изящных искусств, Дижон).

Прюдон также разрабатывал мебель и интерьеры в стиле классицизма.Умер Прюдон в Париже 14 февраля 1823 года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Работы художника в музеях мира, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Прянишников Илларион Михайлович(Реализм)

1840—1894

Илларион Михайлович Прянишников — русский художник и педагог, мастер жанровой живописи, действительный член Петербургской академии художеств (с 1893), один из основателей товарищества Передвижников.

Илларион Прянишников родился 20 марта (1 апреля) 1840 года в селе Тимашово (нынешняя Калужская область), Российская империя, в купеческой семье.

В 1856—1866 годах И. М. Прянишников учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких мастеров, как Сорокин и Зарянко.

Как живописец испытал также сильное влияние В. Г. Перова.

Уже в первых работах начала 1860-х («Мальчик-коробейник», «Чтение письма в мелочной лавке») отчетливо проявились черты таланта художника: наблюдательность, способность к живым и точным социально-психологическим характеристикам, сочные цвета живописи.

А картина, написанная им в последний год обучения, — «Шутники. Гостиный двор в Москве» (1865, Третьяковская галерея, Москва)- сразу принесла ему широкую известность.

В 1870 году Прянишников был удостоен звания художника 1-й степени.
Следующий этап развития творчества Прянишникова связан с картинами «Погорельцы» (1871), «Порожняки» (1871, Харьковский художественный музей), которые экспонировались на I передвижной выставке и были признаны критикой крупными достижениями русской живописи.

Произведения Прянишникова 1870-х годов отличались от ранних большей композиционной цельностью и колористической насыщенностью.

Пейзаж в этих картинах из условного фона превратился в опоэтизированную среду, обогащающую образный строй острохарактерных сцен, почерпнутых автором из народной жизни.

Широкую известность получила картина «Эпизод из войны 1812 года» (1874, Третьяковская галерея, Москва).

Первым из живописцев Прянишников изобразил Отечественную войну как народную. Не полководцы, а бедно одетые партизаны-крестьяне, ведущие по снежной равнине пленных французов, предстали в этой скромной, но очень выразительной картине как истинные творцы победы над армией Наполеона.

Суровость исторического мотива не помешала Прянишникову добиться тонкого, изысканного колорита картины, передать свое восхищение красотой русской зимы.

С 1873 года практически до конца жизни преподавал в МУЖВЗ, его учениками были, в частности, Архипов, Бакшеев, Богданов-Бельский, Бялыницкий-Бируля, Жуковский, Иванов, Касаткин, Корин, Коровин, Лебедев, Малютин, Степанов и многие другие.

С самого начала существования Товарищества передвижных художественных выставок Прянишников был его членом-учредителем, со второй передвижной выставки он стал бессменным членом правления Товарищества.

Жил преимущественно в Москве, однако ездил на Русский Север для зарисовок с натуры, в частности неоднократно бывал в Лальске, у старшего брата Сергея.

На многих картинах Прянишникова можно видеть сам Лальск, бумажную фабрику, директором которой и был его брат, окрестности, так на последней неоконченной картине художника «Крестный ход» изображена церковь Покрова на Лузе. Принимал участие в работе над росписями храма Христа Спасителя в Москве.

В 1893 году Прянишников был избран действительным членом Академии Художеств, но начать преподавание в ней не успел.

Последняя картина Прянишникова — «Крестный ход» — осталась незаконченной из-за смерти автора.

Илларион Прянишников скончался в Москве. Похоронен на кладбище Ново-Алексеевского монастыря в Москве

По материалам: Википедия,: Русский биографический словарь А. А. Половцова и Энциклопедический словарь Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Пукирев Василий Владимирович(Русский бытовой жанр)

1832-1890

Василий Владимирович Пукирев (1832, с. Лужники, Каширский уезд, Тульская губерния — 1890, Москва) — русский живописец, портретист, художник бытового жанра.

Родился в 1832 году в крестьянской семье в селе Лужники Московской губернии. Получив церковно-приходское образование, поступил в учение к провинциальному иконописцу, в дальнейшем, благодаря счастливому случаю, смог поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.

Обучался живописи под руководством профессора Сергея Константиновича Зарянко.
Вскоре выказал блестящие успехи в этой отрасли искусства.

В 1850 году по представленным двум рисункам получил звание учителя рисования в гимназиях.

В 1855 году за два живописных портрета с натуры дочерей Геркена был удостоен звания неклассного художника.

В 1858 году Пукирев окончил училище и получил звание «свободного художника».
За большой портретный этюд «Девушка» в 1860 году получил степень академика по живописи исторической и портретной.

В 1860-е годы Пукирев жил в дом № 28 по Большой Лубянке, затем поселился на казённой квартире на территории Училища живописи, ваяния и зодчества (Мясницкая, 21), где преподавал в 1861—1873 годах.

Дважды, в 1862—1863 гг. и мае—июле 1864 года на средства члена Московского общества любителей художеств А. А. Борисовского ездил за границу «для обозрения картинных галерей… и художественных произведений».

В 1863 г. на академической выставке появляется «Неравный брак» (1862), и имя Пукирева узнает вся Россия: картина вызвала бурную полемику в прессе.

Позицию ее сторонников наиболее точно выразил В. В. Стасов: «Наконец-то». Наконец-то появилось крупное произведение (в прямом смысле тоже — фигуры изображены почти в натуральную величину) на тему, взятую из современной жизни.

Действительно, Пукиреву удалось создать картину, которая была буквально обречена на успех. Сюжет, хорошо знакомый зрителям. Явно обличительный, в духе времени, настрой автора. Выразительность и ясность психологических характеристик. Классическая в своей простоте композиция, великолепный рисунок, виртуозная, доведенная почти до иллюзорности живопись (не случайно Пукирев был учеником С. К. Зарянко).

Следуя классической ренессансной традиции, художник изобразил в картине и самого себя (фигура шафера справа), сделавшись таким образом не просто свидетелем, но участником происходящего.

Это было неожиданно и ново для русского искусства того времени.

Картина приобрела обостренно-личное звучание: правый шафер явно выделяется среди персонажей второго плана, его фигура образует композиционный и смысловой треугольник с фигурами невесты и старого жениха.

Вероятно, поэтому «Неравный брак» был воспринят как трагическая история любви самого художника. Легенда эта дожила до наших дней.

Совместно с А. К. Саврасовым он подготовил «Курс рисования» (М., 1869).

Последующие работы художника: «Ревность женщины», «Несостоявшийся брак», «Дьячок, объясняющий картину Страшного Суда» (1868), «Размолвка», «В мастерской художника» (1865), «Сбор недоимок» (1970), «Потрава» (1870), «Приём приданного» (1873), «Митрополит Филипп, не благословляющий Иоанна Грозного» (1873), «В приёмной концессионера» (1876) и другие пользовались успехом, но значительно уступали в достоинстве «Неравному браку», некоторые из картин были ниже среднего уровня жанровой живописи тех лет.

Ещё слабее были картины на религиозные темы, которые Пукирев написал в конце своей деятельности. Кроме того он писал иконы — в частности, им написаны иконы для надвратной церкви Страстного монастыря и для церкви Св. Троицы в Грязях. Пукирев также делал иллюстрации к произведениям Н. В. Гоголя («Мёртвые души») и И. С. Тургенева («Записки охотника», 1880).

В приложении к «Вестнику изящных искусств» Сомов поместил о нём небольшой некролог: «среди своих товарищей и учеников он оставил по себе тёплое и прочное воспоминание, а в истории русского искусства — блестящий, хотя и короткий след».

В 1873 г. художник тяжело заболел и был вынужден оставить преподавание. В 1879 г. коллеги добились для него скромной пенсии. Но денег не хватало, живопись не удавалась.

Пукирев распродал свою коллекцию картин, менял квартиры. Менялся и его характер, прежде доброжелательный и мягкий.

В 1890 году полузабытый художник умер в бедности и практически забытым общественностью.. Похоронен на Ваганьковском кладбище.

По материалам:Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства.

Пуссен Николя

1594–1665

Николя Пуссен (фр. Nicolas Poussin, родился в 1594, в Ле-Андели, Нормандия , умер — 19 ноября 1665, Рим) — основатель французского классицизма, знаменитый французский исторический живописец и пейзажист. Родился в Нормандии, первоначальное художественное образование получил на своей родине, а потом учился в Париже, под руководством Кентена Варена и Ж. Лаллемана. В 1624 г., будучи уже довольно известным художником, Пуссен отправился в Италию и близко сошёлся в Риме с поэтом Марино, внушившим ему любовь к изучению итальянских поэтов, произведения которых дали Пуссену обильный материал для его композиций. После смерти Марино, Пуссен оказался в Риме безо всякой поддержки. Обстоятельства его улучшились лишь после того, как он нашёл себе покровителей в лице кардинала Франческо Барберини и кавалера Кассиано дель-Поццо, для которого были написаны им «Семь таинств». Благодаря серии этих превосходных картин, Пуссен в 1639 г. был приглашён кардиналом Ришельё в Париж, для украшения Луврской галереи. Людовик XIII возвёл его в звание своего первого живописца. В Париже Пуссен имел много заказов, но у него образовалась партия противников, в лице художников Вуе, Брекьера и Мерсье, ранее его трудившихся над украшением Лувра. Особенно сильно интриговала против него пользовавшаяся покровительством королевы школа Вуе. Поэтому, в 1642 г., Пуссен покинул Париж и вернулся в Рим, где и жил до самой своей смерти. Пуссен был особенно силен в пейзаже. Воспользовавшись результатами, достигнутыми в этом роде живописи болонской школой и проживавшими в Италии нидерландцами, он создал так называемый «героический пейзаж», который, будучи компонован сообразно правилам уравновешенного распределения масс, при своих приятных и величественных формах служил у него сценой для изображения идиллического золотого века. Пейзажи Пуссена проникнуты серьёзным, меланхолическим настроением. В изображении фигур он держался антиков, через что определил дальнейший путь, по какому пошла после него французская школа живописи. Как исторический живописец, Пуссен обладал глубоким знанием рисунка и даром композиции. В рисунке он отличается строгой выдержанностью стиля и правильностью. Ему принадлежит та заслуга, что благодаря любви к классицизму, которую он умел внушить своим соотечественникам, на некоторое время был приостановлен развившийся у французских художников вкус к вычурному и манерному. К лучшим историческим картинам Пуссена, из которых большая часть хранится в Лувре, в Париже, отнесены: «Всемирный потоп», «Смерть Германика», «Взятие Иерусалима», «Тайная вечеря», «Ревекка», «Жена-блудница», «Моисей младенец», «Поклонение золотому тельцу», «Иоанн Креститель, крестящий в пустыне» и«Аркадские пастухи». Эрмитаж обладает 21-м произведением этого мастера; из них наиболее любопытны: «Моисей, иссекающий воду из камня» (№ 1394), «Эсфирь перед Артаксерксом» (№ 1397), «Триумф Нептуна и Амфритриты» (№ 1400), «Великодушие Сципиона» (№ 1406), «Танкред и Эрминия» (№ 1408).
По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Работы художника в музеях мира, Энциклопедия мирового искусства, Работы художника на сайте, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика, Работы художника на Web Gallery of Art.

Пьеро делла Франческа/Piero della Francesca(Раннее Возрождение)

около 1420-1492

Пьеро делла Франческа (итал. Piero della Francesca; ок. 1420 г., Борго-Сан-Сеполькро, Синьория Римини — 12 октября 1492 г., Борго-Сан-Сеполькро, Флорентийская республика) — итальянский художник и теоретик, представитель Раннего Возрождения.

Пьеро (Пьетро) ди Бенедетто деи Франчески более известен как Пьеро делла Франческа (по имени матери, «…ибо она осталась беременной им, когда его отец и её муж умер…»).

Произведения мастера отличают величественная торжественность, благородство и гармония образов, обобщённость форм, композиционная уравновешенность, пропорциональность, точность перспективных построений, исполненная света мягкая гамма.

Родился в небольшом селении Борго-Сан-Сеполькро, в Тоскане, в 1415/1420 г.; умер там же в 1492 г.

В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Филиппо Брунеллески, мастеров нидерландской живописи.

С 1442 работал преимущественно в Сан-Сеполькро и Урбино, а также в Ферраре, Римини, Риме, Ареццо.

Уже в произведениях 1450-х годов (“Крещение Христа, 1450-1455, Национальная галерея, Лондон; Мадонна делла Мизерикордия, около 1450-1462, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро; “Бичевание Христа, около 1455-1460, Национальная галерея Марке, Урбино) проявились основные черты искусства Пьетро делла Франческа: величавость образов, объемность форм, прозрачность приглушенного колорита, перспективное построение пространства.

Работал в Перудже, Лорето, Флоренции, Ареццо, Монтерки, Ферраре, Урбино, Римини, Риме, но всегда возвращался в родной городок, где с 1442 года он являлся городским советником и последние два десятилетия жизни провёл именно там.

Считается, что авторский стиль Пьеро формировался под влиянием флорентийской школы живописи. Возможно, он был учеником неизвестного живописца из Сиены. В 1439 году под руководством Доменико Венециано художник работал над украшением фресками церкви Санта-Мария-Нуова во Флоренции. Благодаря этой работе он совершенствовал своё мастерство, познакомился с перспективой и созданием освещения.

Пьеро является автором двух математических трактатов: «О перспективе в живописи» (хранится в Амброзианской библиотеке Милана) и «Книжица о пяти правильных телах».

Вероятно, своими научными работами он снискал больший авторитет в XVI—XVII вв, чем живописью. «Если флорентийцы полагали, что изображают мир таким, каков он есть, то Пьеро первым из живописцев сделал последовательные выводы из убеждения, что мир можно изобразить только таким, каким он представляется, ибо всё видимо не само по себе, а только благодаря свету, по-разному отражающемуся от различных поверхностей».

Об исключительном колористическом даровании художника свидетельствуют цикл фресок “История животворящего Креста” в церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452-1466), исполненных в тончайшей гамме бледно-розовых, фиолетовых, красных, синих и серых тонов.

Обобщая объёмы фигур и развёртывая композиции параллельно плоскости стены, на фоне спокойных ясных ландшафтов, Пьетро делла Франческа добивается в этих росписях впечатления просветленной торжественности, гармоничной целостности картины мироздания.

Присущее его произведениям внутреннее благородство обретает особую возвышенность во фреске “Воскресение Христа” (около 1463, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро).

Около 1465 Пьетро делла Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой форм и глубиной психологической характеристики профильные портреты герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца (Уффици), в которых значительную композиционную и эмоциональную роль играют насыщенные светом и воздухом далекие пейзажные фоны.

Пьеро делла Франческа обладал большим чувством красоты, прекрасным рисунком, нежным колоритом и необыкновенным для его времени знанием технических сторон живописи, особенно перспективы.

В конце жизни мастер оставил занятие живописью и полностью отдался сочинению научных трактатов о перспективе и геометрии.

Творчество Пьетро делла Франческа заложило основы искусства Возрождения в живописи Средней и Северной Италии, оказало значительное воздействие на развитие венецианской и флорентийской школ.

Пьеро делла Франческа по праву занимает почетное место в ряду самых известных художников 15 века.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Пьеро ди Козимо/Piero di Cosimo(Ренессанс)

1462-1521

Пьеро ди Козимо, Пьеро ди Лоренцо ди Пьеро д’Антонио Убальдини (Piero di Cosimo) (1462, Флоренция — 12 апреля 1522, там же) — итальянский живописец флорентийской школы.

Родился в 1462 году в Тоскане в семье ювелира и золотых дел мастера Лоренцо Козимо.Ученик Козимо Росселли.

Вместе с учителем работал в Риме, куда Росселли был приглашен папой Сикстом для росписи папской капеллы.

Пьеро ди Козимо выполнил в Риме много портретов знатных лиц и, в частности, портреты Верджинио Орсино и Руберто Сансеверино, а также написал портрет герцога Валентино, сына папы Александра VI.

В своем творчестве художник испытал влияние живописи Филиппино Липпи, Леонардо да Винчи, Хуго ван дер Гуса.

После Рима Пьеро ди Козимо работал во Флоренции, создавая алтарные образы и картины в соборе Сан Спирито, церкви Сан Микеле, капелле Тебальди церкви братства сервитов.

Дарование Пьеро ди Козимо было остро индивидуальным и своеобразным. Присущие Боттичелли элементы смелого претворения мотивов античной мифологии выразились у него еще острее.

Стиль Пьеро ди Козимо менее «идеален», нежели стиль Боттичелли, более пристальное внимание он уделяет отдельным подробностям натуры.

Образы Пьеро ди Козимо поэтичны, но им подчас свойствен какой-то душевный надлом, острая печаль (“Смерть Прокриды”; Лондон, Национальная галерея). “Портрет Симонетты Веспуччи” (Шантильи, Музей Конде) передает одухотворенно-чувственный облик рано умершей молодой девушки, чей тонкий профиль выделяется на фоне черной тучи, прорезанной молнией, которая символизирует ее близкую смерть.

Тонкое ощущение поэтической красоты мира сочетается в произведениях Пьеро ди Козимо с изысканной стилизацией и атмосферой сказочности (“Смерть Прокриды”, Национальная галерея, Лондон; “Легенда о Прометее”, 1500, Музей Страсбурга; “Персей и Андромеда”), выразительным рисунком.

Пристальное внимание к натуре и вместе с тем некоторая манерность присущи его портретам (“Симонетта Веспуччи”, Музей Конде, Шантильи).

Пьеро ди Козимо заимствовал живописную технику у нидерландских мастеров. С необычайной точностью изображал мир растений и животных.

В начале XVI века увлёкся мистической тематикой, в которой проявил незаурядную фантазию.

Редко бывая в официальных кругах, художник не был связан с двором Медичи, но часто выполнял индивидуальные заказы.

Ученик Козимо Росселли, Пьеро смог раскрыть свой талант лишь в конце творческого пути, под влиянием Леонардо, фра Бартоломео и молодого Рафаэля.

Учениками Пьеро ди Козимо были Андреа дель Сарто, Франческо да Сангалло и другие.

В своих произведениях Пьеро ди Козимо нередко трактовал сюжеты в причудливой манере, что породило слухи об его эксцентрическом поведении.

Рассказывали, что долгие годы Пьеро ди Козимо жил в уединении, не питался ничем иным, кроме крутых яиц, и всякие другие малоправдоподобные истории.

Наряду с живописью художник занимался также устройством маскарадов, празднеств и триумфальных шествий.

В дальнейшем в первых десятилетиях 16 столетия в произведениях Пьеро ди Козимо усиливается вычурность и манерность. Но художники подобного типа, утратившие духовную цельность, уже не могли занимать в это время заметного положения, и во Флоренции окончательно возобладало искусство великих мастеров Высокого Возрождения.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Пьетро да Кортона/Pietro da Cortona(Барокко)

1596-1669

Пьетро да Кортона (итал. Pietro da Cortona) (наст. имя Пьетро Берреттини, Berrettini) (1 ноября 1596, Кортона, Ареццо — 16 мая 1669, Рим) — итальянский живописец и архитектор.

Собственно, настоящая фамилия Берреттини (Berrettini).Родился в городке Кортона в Тоскане 1 ноября 1596 года.Учился в Кортоне (1609-1612) и Риме(с1612года) у флорентийских художников Андреа Коммоди и Баччо Чарпи. Изучал творчество Микеланджело, Рафаэля, Корреджо.

Наиболее известной его работой является плафон римского палаццо Барберини. Аллегорическая композиция, представленная на плафоне, прославляет папу Урбана VIII, члена семьи Барберини.

Работа над ним продолжалась шесть лет, с 1633 по 1639 годы.

В 1637 году художник предпринял путешествие в Венецию и Флоренцию, где изучал произведения великих мастеров. «Триумф Венеции» Веронезе из Дворца дождей оказал сильное влияние на живописную манеру мастера.

В 1640-1647 годах Пьетро да Кортона жил и работал во Флоренции. Одной из работ того времени были фрески палаццо Питти, аллегорически изображающие планеты. Этой работой он предвосхитил манеру Луки Джордано, сумев великолепно передать живописными средствами воздушную перспективу.

Пьетро да Кортона являлся одним из самых ярких мастеров эпохи барокко, создатель пышных театрализованных фресковых ансамблей во дворцах Рима и Флоренции.

Его монументальные циклы росписей, алтарные образы для церквей, станковые живописные работы по заказам аристократии отличались высоким уровнем исполнения и вдохновением.

Его талант был замечен папой Урбаном VIII Барберини, ставшим его покровителем.

В свою манеру, основанную на принципах классицизма мастеров болонской школы, подражание Карраччи, он привносил живые, полные фантазии детали, динамичные ракурсы, часто заимствованные из античной пластики, а также торжественную и нарядную праздничность.

В ряду лучших произведений художника картина — «Мадонна со святыми» (1626—1628, Кортона, Музей этрусской истории), в которой воплотилось все великолепие алтарного барочного образа.

В залитом солнцем пространстве словно ощущается движение всех фигур. Пристрастие барокко к сложной символике указывает и богатое аллегорическое содержание. Картина была исполнена по заказу семейства Пассерини и содержит символику духовно-рыцарских орденов, принадлежностью к которой гордились представители этого знатного рода.

Полотно на мифологический сюжет «Похищение сабинянок» (1627—1629, Капитолийские музеи, Рим) было написано по заказу другого покровителя художника — римского мецената Саккетти.

Классицистически чётко продуманная композиция сочетается в нём с бурной, театрализованной экспрессией. Неистовые повороты фигур, возможно, заимствованы из произведений Джованни Лоренцо Бернини, с которым художник сотрудничал и талант которого высоко ценил.

Не менее эффектно полотно «Нахождение Ромула и Рема» (1643, Лувр), полное динамики света и цвета.

Сюжеты об основании Вечного города высоко ценились просвещённой аристократией, искавшей подтверждения древности своего происхождения.

Реминисценции чувственной красоты античного искусства всегда играли большую роль в творчестве художника («Жертвоприношение Диане», Национальная галерея старого искусства, Рим).

Самой крупной работой Пьетро да Кортона в Риме стала его фреска «Триумф Божественного провидения» (1633—1639, Рим, Палаццо Барберини), написанная в плафоне Главного зала дворца папы Урбана VIII Барберини. Работа в апартаментах дворца была поручена ему совместно с Джованни Бернини.

После росписи Галереи Палаццо Фарнезе, исполненной Карраччи, Пьетро да Кортона стал создателем иного типа монументальной барочной росписи со словно прорывающим все преграды, устремлённым ввысь небесным пространством, врывающимися в зал облаками, парящими в опоре на них фигурами героев мифов, Священного писания, аллегорических персонажей.

Все они словно плывут по небу в окружении рассеянного золотящегося от солнца света.

Религиозный сюжет сочетается в них с идеей прославления папы Барберини как главы католической церкви и учёного, а также его славного рода.

В роспись введены элементы геральдической символики в виде изображения пчёл с расправленными крыльями.

За эту грандиозную работу Пьетро да Кортона был удостоен звания князя римской Академии Сан Лука, почётного звания, утвердившего его в положении первого художника Рима.

В эти годы он имел уже большую престижную мастерскую в Риме и в поздних картинах поручал доработку собственного замысла своим ученикам.

Значительной работой художника стали и росписи анфилады парадных залов Палаццо Питти во Флоренции (1640-е), росписи Палаццо Памфили и церкви Кьеза Нуова в Риме.

В архитектуре талант Пьетро да Кортона проявился с не меньшей яркостью.

В своих наиболее значительных постройках в Риме: вилле Саккетти (1625—1630), церквях Святых Луки и Мартины (1634—1650), Санта-Мария-ин-Виа-Лата (1658—1662), Санта-Мария-делла-Паче (1656) — он проявил себя как выдающийся зодчий барокко.

Поклонник идей Браманте и Палладио, он творчески перерабатывал их наследие. Одним из примеров его большого дарования является, например, ансамбль площади с церковью Санта-Мария-делла-Паче, в котором наглядно воплощены градостроительные принципы римского барокко, органичное пластическое мышление талантливого мастера этой эпохи.

Его скульптура богини Дианы завершила оформление ансамбля площади Четырёх фонтанов.

После смерти Гвидо Рени в 1642 г. Пьетро да Кортона перебрался в Болонью, где стал главой местной живописной школы.

В самых поздних работах его ранее пышный театрализованный живописный стиль всё больше приобретал в период 1642-66 гг. черты продуманного аскетизма.

Умер Пьетро да Кортона в Риме 16 мая 1669 года.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Работы художника на сайте, Энциклопедия мирового искусства, Pietro da Cortona: Biography from Answers.com , Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”,Category:Pietro da Cortona — Wikimedia Commons, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика

Пьяццетта Джованни/Piazzetta Giovanni(Позднее Барокко)

1682-1754

Джованни Баттиста (Джамбатиста) Пьяцетта (итал. Giovanni Battista Piazzetta, 13 февраля 1683 (или 1682), Венеция — 29 апреля 1754, там же) — итальянский художник и гравер, мастер позднего барокко.

Джованни Баттиста Пьяцетта родился 13 февраля 1683 года в Венеции в семье скульптора и резчика по дереву Джакомо Пьяцетты.

Учился в Венеции в мастерской Антонио Молинари, куда поступил в 1697 году, и в 1705-1711 годах у Джузеппе Креспи в Болонье,чье влияние оказалось решающим для формирования его стиля. Работая в мастерской Креспи, Пьяццетта стал писать в свободной импрессионистической манере.

Внимательно изучал живопись Креспи и Караваджо.

В 1711 Джованни Баттиста Пьяцетта вернулся в Венецию, где продолжал работать с небольшими перерывами.

По возвращении в родной город испытал влияние венецианской традиции, которое проявилось в частности в использовании очень мягких и нежных тонов для создания светотеневой моделировки.

Эта тенденция хорошо заметна в Портрете Джулии Лама (ок. 1723, Мадрид, музей Тиссен-Борнемиса); она стала важным элементом в дальнейшем развитии венецианской живописи 18 в.

Для ранних работ живописца характерны резкие светотеневые контрасты и преобладание красновато-коричневых тонов. При помощи сильной светотеневой моделировки художник стремился достичь драматического напряжения и рельефности.

В 1727 году был принят в болонскую Accademia Clementina.
Решительный натурализм Пьяццетты сродни искусству Караваджо и Гверчино.

Позднее художник перешел от резких контрастов к более богатой модуляции цвета и света. Одна из лучших его работ – алтарный образ Явление Мадонны св. Филиппо Нери (1725–1727, Венеция, церковь Санта Мария делла Фава). Фигуры приобретают конкретность и реальность благодаря плотности красок и драматическому использованию света.

Со временем цветовая гамма произведений Пьяццетты становится светлее и богаче, а их настроение – более спокойным и созерцательным, как в картинах Ревекка и Елиазар (1735–1741, Милан, галерея Брера) и Гадалка (1740, Венеция, галерея Академии).

В 1750 году возглавил Scuola di Nudo при Венецианской Академии изящных искусств и отдавал много времени преподаванию.

Во фресках (плафон капеллы Сан-Доменико церкви Санти-Джованни э Паоло в Венеции, 1727), алтарных образах, монументальных жанровых композициях (“Юный знаменосец”, около 1743, Картинная галерея, Дрезден) и станковых рисунках Пьяццетты черты позднего барокко и рококо сочетаются с характерными для венецианской школы 18 века смелыми жизненными наблюдениями, декоративное мастерство — с непосредственностью образов.

Живопись Пьяццетты выделяется мягкими световоздушными эффектами, легкостью золотистой гаммы с приглушенными красно-коричневыми, зелеными и сине-серыми оттенками.

Картины Джованни Баттиста Пьяцетты («Экстаз Святого Франциска», 1729; «Гадалка», 1740; «Ревекка у колодца», 1740-е, Пинакотека Брера, Милан) отмечены живостью композиции, мягкой светотенью, богатством колорита.

Пьяццетта выполнил серию рисунков к “Освобожденному Иерусалиму” Т.Тассо (изданы в 1745 году). Высоко авторитетный среди живописцев своего времени, Пьяццетта воспитал плеяду талантливых учеников, оказал влияние на творчество Тьеполо.

Умер Пьяццетта в Венеции 28 апреля 1754.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Giovanni Battista Piazzetta. Biography, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи” Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Пэтон Фрэнк(Frank Paton)

1855–1909

Frank Paton -английский художник-анималист, весьма популярный при жизни.
Frank Paton был известен своими работами с изображением животных и сценами из сельской жизни.Сама Королева Виктория была поклонницей его работ. Родился Frank Paton на 23 ноября, 1855 года в Stepney, London, он был младшим из семи детей в семье, где отец был морским лоцманом. В отличие от своих братьев, большинство из которых вошли в Торговый Флот, Фрэнк Пэтон рано проявил талант к рисованию, и ему разрешили следовать его артистический карьере, первая выставка художника состоялась в возрасте шестнадцати лет.
В семье ходили слухи, что Пэтон некоторое время работал во Франции с витражами, зарабатывал себе на жизнь в Австралии (прибыл в Мельбурн в сентябре 1875 года) , в 1878 году его работа » Ты не курица» (You Are No Chicken) была принята Королевской Академией для выставки. Это стало поворотным моментом в карьере молодого художника, так как работа была приобретена известным арт — дилером Edward Ernest Leggatt. Картина была выгравирована на меццо-тинто в 1880 году, ее коммерческий успех закрепил непрерывные ассоциации с Edward Ernest Leggatt, который стал главным издателем работ Фрэнка Пэтона.
После женитьбы на Марии Софии Эдвардс, семья жила в сельских общинах в Kent и в Essex, художник делил свое время между Лондоном и сельской местностью, получая комиссионные для портретов животных у их владельцев. Он был хорошим семьянином и воспитал с женой четыре сына и три дочери. Хотя Frank Paton никогда не был членом королевской академии, его работы выставлялись на их ежегодной выставке — продаже в период с 1878 по 1890 годы.
Летом 1909 года семья переехала в новый дом, в Walton-on-the-Naze, Essex, который требовал небольшой перестройки и ремонта. Весь день 12 ноября 1909 года Пэтон провел, обсуждая план работ со строителями и контролируя их работу, а затем вечером перенес сердечный приступ. Фрэнк Пэтон умер от сердечной недостаточности, около 5.30 утра 13 ноября 1909 года, всего 10 дней не дожив до своего 54-го дня рождения
Frank Paton был добрым, скромным, непритязательным человеком с редким чувством юмора, которое отражают его работы.

Пюви де Шаванн Пьер/Puvis de Chavannes Pierre(Символизм)

1824–1898

Пьер Сесиль Пюви де Шаванн (фр. Pierre Cécile Puvis de Chavannes) — французский художник, яркий представитель символизма.
Родился 14 декабря 1824 в Лионе.

Образование получил в Лионском колледже и Лицее Генриха IV в Париже.
После получения инженерного образования Пьер-Сесиль самостоятельно начал писать, одновременно и обучаясь живописи в процессе работы, опять же самостоятельно.

Некоторые уроки он получил под руководством Ари Шеффера и Тома Кутюра в Париже, а также Делакруа.

В основном, тематика его работ — это стилизация под античность, декоративная и монументальная живопись в духе итальянских живописцев XV столетия, произведения которых он изучал во время своего пребывания в Италии.

Многие его полотна — это написанные маслом в мастерских монументальные вещи, затем закреплявшиеся на стенах у заказчиков.

Первые его картины в этом роде, обратившие на себя внимание, «Bellum» и «Concordia», были написаны в 1861 году для амьенского музея.

За ними следовали: «Работа» и «Покой» (1863), «Осень» (1864), «Ave Picardia» — символическое изображение сельской жизни в Пикардии (1865) и «Массилия» — идиллическая сцена из древнегреческой жизни.

Самая лучшая картина Пюви де Шаванн в том же роде, «Pro patria ludus», была написана в 1882 г. и также для амьенского музея. В ней художник представил пикардийских юношей, упражняющихся в метании копий.

В композициях Пюви де Шаванн пейзаж и человеческие фигуры играют одинаково важную роль и как бы взаимно дополняют друг друга, производя в высшей степени целостное впечатление.

Не будучи безукоризненным рисовальщиком и даже умышленно избегая точно моделировать фигуры, Пюви де Шаванн ставил себе задачей главным образом передавать дух эпохи, из которой черпал сюжеты.

Из его монументальных работ лучшими считаются фрески в парижском Пантеоне, изображающие две сцены из жизни святой Женевьевы (1874—1877), «Священная роща» (на лестнице дворца искусств в Лионе), «Науки и искусства» (1887—89, в амфитеатре Сорбонны), «Inter artes et naturam» (на лестнице Руанского музея), «Четыре времени года» (в парижской ратуше, 1889—1893), «Музы» (1893—1895, библиотека университета, Бостон).

Менее удачны его патриотические аллегории:
«Вооружённая богиня-покровительница города Парижа следит глазами за воздушным шаром»,
«Богиня, принимающая письмо от почтового голубя»,
«Париж, приветствующий Виктора Гюго».

Пюви де Шаванн выработал свой монументальный стиль декоративной живописи. Для его произведений характерны жесткая организация композиции и размещение фигур в пейзаже параллельными планами.

Художник оставался в оппозиции современным ему направлениям в живописи: реализму и импрессионизму.

Шаванн был идеалистом, однако его работы нельзя назвать иллюстрацией отвлеченных идей и понятий, скорее это их символическое воплощение.

Посредством ритмизованного движения и сдержанного колорита Пьер Сесиль Пюви де Шаванн достигал замечательного художественного единства своих композиций.

В манере художника заметно также влияние Эжена Делакруа и Теодора Шассерио.
В композициях Пюви де Шаванн пейзаж и человеческие фигуры играют одинаково важную роль и как бы взаимно дополняют друг друга, производя в высшей степени целостное впечатление.

Не будучи безукоризненным рисовальщиком и даже умышленно избегая точно моделировать фигуры, Пюви де Шаванн ставил себе задачей главным образом передавать дух эпохи, из которой черпал сюжеты.

Пюви де Шаванн был одним из наиболее значительных французских символистов, оказавших впоследствии большое влияние на развитие живописи в стиле арт-нуво.

В России большим поклонником художника был С. П. Дягилев, что, безусловно, сказалось и на развитии художественной группы «Мир искусства». Умер Пюви де Шаванн 24 октября 1898 в Париже, где и был похоронен.

По материалам: Wikipedia, Энциклопедия мирового искусства, «Pierre Puvis de Chavannes». Catholic Encyclopedia. New York: Robert Appleton Company. 1913., Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”,Commercial Art Gallery Guide, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Пюже Пьер/Puget Pierre(Барокко)

1620–1694

Пьер Пюже (фр. Pierre Puget; 16 октября 1620 года, Марсель — 2 декабря 1694 года, Марсель) — французский живописец, скульптор, архитектор и инженер.Дядя и учитель скульптора Кристофа Веирье.

Пюже был крещен в Марселе 16 октября 1620 года. Первоначально учился у строителя галер и резчика Романа, потом, прожив один год во Флоренции, поселился в Риме и, под влиянием П. да-Кортоны, занялся живописью.

С 1640 года по 1643 жил в Италии, где был подмастерьем у Пьетро да Кортоны; помогал ему в росписи плафонов дворцов Барберини в Риме и Питти во Флоренции.

В 1643 году он возвратился во Францию и исполнил в Тулоне модель военного корабля. Затем он вторично провел несколько лет в Риме и, вернувшись оттуда в 1653 г. в Марсель, принялся было снова за кисти и краски, но около 1655 г. оставил живопись и предался исключительно скульптуре

Излюбленным материалом художника был мрамор.

Пюже испытал сильное влияния Бернини и не раз копировал работы итальянского мастера.

В 1659 году Пюже приехал в Париж, где ненадолго вошел в круг придворных художников Людовика XIV, затем по приглашению Фуко, работал в Риме, но вскоре впал в его немилость, переехал в Геную, где пробыл около семи лет.

В Генуе создал ряд скульптурных работ, среди которых наиболее значительна статуя святого Себастьяна (в церкви Санта Мария ди Кариньяно).

Вернувшись на родину, Пюже по-прежнему жил в основном не в столице, а в Марселе и Тулоне, поскольку его суровый стиль не находил должного понимания при дворе.

Прослужив после того некоторое время в Тулоне, в должности заведующего украшением кораблей, он окончательно поселился на своей родине.

Среди прочих произведений Пюже — группа «Персей и Андромеда» (1683-1684, Лувр, Париж), созданная как композиционный противовес Милону, рельеф «Александр Македонский и Диоген» (около 1671-1693, Лувр, Париж), почти карикатурный в своем ярком жанровом реализме, и более строгий по своему образному строю рельеф «Чума в Милане» (1692-1694, Музей изящных искусств, Марсель).

Умер Пюже в Марселе 2 декабря 1694 года.

Произведения Пюже отличаются энергичной и жизненной лепкой форм, но страдают чересчур утрированными и театральными позами и движениями.

Стиль этого художника до такой степени соответствовал вкусам его эпохи, что соотечественники прозвали его французским Микеланджело и Рубенсом.

Из картин Пюже следует назвать: «Благовещение» и «Посещение Елисаветы Пресвятой Девой Марией», а из скульптурных произведений — группы «Милона Кротонского со львом», «Персея и Андромеды», барельеф «Александр Македонский у Диогена» (все четыре, в луврском музее, в Париже) и статуи «Отдыхающий Геркулес» и «Св. Севастиан» (в церкви С.-Мариа-ди-Кариньяно, в Генуе).

По материалам:Wikipedia, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.