Фабби Фабио/Fabio Fabbi

1861–1946

Одним из самых известных и коммерчески успешных художников-ориенталистов, восхищенных востоком, является итальянский художник Fabio Fabbi.

Ориентализм — определённая тенденция в проявлениях той или иной культурной традиции, опирающаяся по ряду признаков на экзотические относительно самой этой традиции особенности, свойственные восточному мировоззрению в тех или иных его формах.

Художник родился в Болонье (Италия) в 1861 г.

Изучал живопись и скульптуру в Академии искусств во Флоренции.

После учёбы путешествовал по Европе и побывал в Египте. По возвращению в Италию, в 1893 г принял профессорский чин в Академии искусств.

С 1884 г регулярно проводил выставки в Турине, Милане и Флоренции. В 1890 г получил заказ от королевской семьи Гонзаго Мантуя декорировать один из залов их дворца в восточном стиле.

В 1898 г Фабио Фабби получил престижный титул Cavaliere della Corona d’Italia. В основном он изображал красивых пышнотелых девушек, обитательниц восточных гаремов.

Композиции его работ могут показаться однообразными, но если задуматься, жизнь женщин в гареме достаточно скованна и однообразна, как жизнь в золотой клетке.

Гарем — это место, где девушки получали новое имя, обучались религиозному почитанию и абсолютному подчинению.

Жизнь мусульманских женщин проходила только в гареме, в то время как мужчины спокойно ходили по улицам, иногда работали, отдавали друг другу визиты или просто болтали на главной площади.

Женщина же оставалась неизвестной практически никому, за исключением, может быть, ближайших друзей своего мужа. На картинах художника женщины утопают в роскоши, но никакая роскошь не могла заменить свободу.

Фабрес и Коста Антонио Мария/Antonio Maria Fabrés y Costa

1854–1938

Испанский художник и скульптор, один из самых знаменитых испанских живописцев начала 20-го века.

Антонио родился в Барселоне. Позже художник говорил, что любовь к живописи была заложена в нем генетически.

Его отец был рисовальщиком, а дядя – серебряных дел мастером.
В возрасте 13 лет юноша начал учиться в Школе изящных искусств в Барселоне.
Когда Антонио исполнился 21 год, он получил грант на учебу в Риме.

В начале своей карьеры Фабрес занимался скульптурой, но позже перешел исключительно к живописи.

В Риме Антонио присоединился к группе художников, объединившихся вокруг Мариано Фортуни, и стал под его влиянием писать акварели.

В этот период Антонио создал немало иллюстраций для книг и журналов.
Единомышленники Фортуни были известны своим интенсивным реализмом. Одной из тем, пользовавшейся популярностью у буржуазии, было экзотическое изображение восточного средневековья, чем и пользовались художники этой группы.

В Барселону художник вернулся в 1886 году, и в следующем, 1887 году занял второе место на Национальной выставке изящных искусств за одну из своих акварелей.
В 1894 году переехал в Париж.

Популярность, которую Фабрес завоевал во время десятилетия жизни в Италии, позволила ему открыть большую студию.

В 1902 году Академия Сан-Карлос в Мехико решила обновить свои классические методы обучения и внедрить новшества, которые были так популярны в Европе в то время. В этом же году по приглашению президента Мексики Контрераса Антонио Фабрес приехал в Мексику.

Художнику предложили занять место ректора Академии Сан-Карлос после смерти мексиканского художника Сантьяго Ребулла (Santiago Rebull, 1829 — 1902), который с 1860 года преподавал в этой Академии, а потом возглавлял ее.

Хотя некоторые из учеников Фабреса впоследствии стали известными художниками «революционного движения» в мексиканском искусстве, факультет живописи Академии с трудом приспосабливался к особому стилю и индивидуальности своего руководителя.

Поэтому Фабрес постоянно конфликтовал с другими преподавателями.

Спустя пять лет, в 1907 году, Фабрес вновь вернулся в Рим.

Одним из крупных заказов художника в Мексике было украшение Зала оружия в особняке Порфирио Диаса, где Фабрес использовал в основном стиль модерн.

Творчество художника было признано везде, где он путешествовал.

А Антонио посетил кроме родной Барселоны, еще и Лондон, Париж, Вену и Лион.

Конец жизни художника был омрачен судебными тяжбами.

В 1926 году он решил пожертвовать большую коллекцию своих работ в Музей изящных искусств Барселоны.

В обмен на это щедрое пожертвование, Фабрес просил, чтобы в экспозиции музея был открыт зал его имени, где бы были представлены лучшие картины художника.

Но музей, пообещав все сделать, нарушил договор и свои обязательства не выполнил,

и хотя Фабрес несколько раз протестовал, тяжба с музеем до конца жизни художника так и не была урегулирована.

Антонио Фабрес умер в Риме в 1938 году.

да Фабриано Джентиле/Gentile da Fabriano(Религиозная живопись)

1370–1427

Джентиле да Фабриано (итал. Gentile da Fabriano, собственно итал. Gentile di Niccolò di Giovanni Massi, ок. 1370, Фабриано, провинция Анкона — сентябрь 1427, Рим) — итальянский живописец, крупнейший представитель интернациональной готики в Италии.

Рос сиротой (мать умерла, отец ушёл в монастырь и вскоре также умер).

Учился в своём родном городе у художника Аллегретто Нуци, которого наряду с Франческуччо Гисси считают основателем местной художественной школы в Фабриано.

Вероятно, сблизился в юности с кем-нибудь из сиенских мастеров и быстро достиг большой известности.

Работал в Центральной Италии — в Брешии, Венеции, Флоренции, Сиене, Орвьето и в Риме, где с 1426 до самой смерти своей занимался украшением Латеранского собора фресками, изображающими сцены из жизни Иоанна Крестителя.

После его смерти его младший современник и друг Пизанелло, которому Джентиле завещал свои рабочие инструменты, завершил роспись базилики (не сохранилась).

По одному из предположений, похоронен в римской церкви Санта-Мария-ин-Трастевере.
Фворчество:
Фрески в Сан-Джованни ин Латерано, равно как того же рода произведения Джентиле в других местах (например, в венецианском Палаццо Дожей) погибли.

О его даровании можно получить представление только по немногим дошедшим до нас станковым картинам его работы, из которых самые замечательные — «Поклонение волхвов» (один из лучших образцов интернациональной готики), «Коронование Марии» и «Бегство в Египет».

Их главные достоинства — оживлённость композиции, тщательно разработанный, тонкий рисунок, благородство и экспрессивность фигур, свежесть красок.

Деликатностью моделировки лиц, нежной бледностью их карнации и умением одушевлять их чувством благочестия Джентиле напоминает фра Беато Анджелико.

Джентиле имел значительное влияние на современную ему живопись, особенно на венецианскую, через своего ученика Якопо Беллини.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фабрициус Карел/Fabritius Carel(Барокко, бытовой жанр)

1622–1654

Карел Фабрициус (нидерл. Carel Fabritius; крещён 27 февраля 1622 — 12 октября 1654) — голландский художник.
Голландский живописец.

В 1641-1643 вместе со своим братом Барентом Фабрициусом учился у Рембрандта в Амстердаме; с 1650 работал в Делфте, где впоследствии погиб вместе со всей своей семьёй при взрыве порохового погреба.

Усвоив творческий метод Рембрандта более глубоко, чем другие его ученики, Фабрициус вместе с тем сохранил самостоятельность, писал картины, особую свежесть которым придают оттенок естественной случайности в композиции, разнообразная и свободная манера письма.

От “рембрандтовской” живописной манеры Фабрициус рано перешел к более светлой и холодной цветовой гамме, к оригинальному приему выделения темных фигур первого плана на полном воздуха и тонкой светотеневой игры светлом фоне (“Воскрешение Лазаря”, около 1643, Национальный музей, Варшава).

Фабрициус писал выделяющиеся смелостью замысла, мастерством анализа портреты (автопортрет, 1645, Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам; “Человек в шлеме”, Музей в Гронингене), разработал своеобразный тип жанровой картины, в которой за кажущейся простотой мотива, бессюжетностью постепенно проявляются внутреннее эмоциональное напряжение, сложная пространственная структура, ощущение целостного единства мира (“Продавец музыкальных инструментов”, 1652, Национальная галерея, Лондон).
Во многих картинах Фабрициус обращался к эффектам естественного солнечного освещения, которое сообщает пленэрный характер их колористическому строю (“Щеглёнок”, 1654, Маурицхёйс, Гаага), усиливает мягкую лиричность их настроения (“Часовой”, 1654, Художественный музей, Шверин).

Творчество Фабрициуса, его учеников и последователей (Яна Вермеера Делфтского, Эммануэла де Витте, Питера де Хоха) составило особое направление в голландской живописи XVII века — так называемую делфтскую школу.

Из всех художников школы Рембрандта он более других остался самостоятельным, смотрел на природу своими глазами и воспроизводил её во всей её простоте, без прикрашивания Рембрандтовской светотенью, но сильно и солнечно, сочной, приятной кистью.

Картины его составляют большую редкость.

Особенно замечательны между ними:
«Дремлющий страж» (в Шверинском музее)
«Щегленок на стене, освещённой солнцем» (в Луврском музее в Париже)
«Портрет Абрагама де-Нотте» (в Дёдлейгоузе, Англия)
«Мужской портрет» (в Роттердамской галерее)
другой «Мужской портрет» (в Берлинском музее)
Источники: Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907)

Файн Перл/Perle Fine(Абстрактный Экспрессионизм)

1908–1988

Файн Перл — американская художница, яркая представительница абстрактного экспрессионизма.

Файн Перл родилась в Бостоне, штат Массачусетс в 1908 году.

Ее интерес к живописи проявился уже в раннем возрасте.

В начале двадцатых годов она переехала в Нью-Йорк, для ччастия в Лиге студентов-художников и учёбы у Кимона Nicolades.

В конце 1930-х она училась у Ханса Хофманна в Нью-Йорке.

В 1950 году она была номинирована на премию Виллема де Кунинга.

Работы Perle Fine были отобраны ее друзьями-художниками для участия в, Ninth Street Show , состоявшейся 21 мая -. 10 июня 1951 Шоу распологалось в 60 Восточной 9-я стрит на первом этаже и в подвале здания, которое впоследствии должно было выть снесено .

С 1951 по 1957 год работы Perle Fine принимали участие в годичных выставках работ современных художников и скульпроров в Музее американского искусства .

Она была среди 24 приглашённых, работы которых были включены во все годичные выставки этого периода.

Участие в этих выставках было особенно почётным, т.к. участники всех выставок отбирались самими художниками.

В 1950 художница переехала в местечко Спрингс Ист-Хэмптона на восточном конце Лонг-Айленда, где Джексон Поллок , Ли Краснер, Виллем де Кунинг

, Конрад Марка-Relli и другие члены нью-йоркской школы нашли постоянное место жительства.

Perle Fine умерла от пневмонии 31 мая 1988 года, в возрасте 83 лет в Ист-Хэмптоне, Нью-Йорк.

Источник: Википедия. Ссылка на статью в Википедия

Фалеро Луис Рикардо

1851–1896

Испанский живописец Luis Ricardo Falero родился в Toldeo в 1851 году. Обучался искусству в Париже.

Большую часть своей жизни прожил в Лондоне.Специализировался на женских ню в мифологической или фантастической обстановке.

Особый интерес у художника был к астрономии, знания в этой области привели его к иллюстрациям работ Камиля Фламмариона (Camille Flammarion).

Благодаря многочисленным репродукциям с его картин, известным стал достаточно быстро.

Обнаженные женские формы, которые художник преподносит с особым шармом, мифологические фантазии — основные темы его работ.

Falero скончался в University College Hospital в Лондоне 7 декабря 1896 в возрасте 45 лет.

Что касается самих картин, то большинство из них находится в США, в частности в Нью-Йорке.

Фантен-Латур Анри/Fantin-Latour Henri(Портретный жанр, натюрморт)

1836–1904

Анри Фантен-Латур (фр. Henri Fantin-Latour) (14 января 1836, Гренобль — 25 августа 1904, Буре, Орне) — французский художник и литограф.

Родился Анри Фантен-Латур 14 января 1836 года в Гренобле.

Первым учителем Фантен-Латура был отец, портретист.

Вместе с семьей в 1851 году Анри переезжает в Париж, поступает в мастерскую де Буабодрана.

Но подлинных учителей Фантен-Латур находит в Лувре — Тициана, Веронезе, Ван Дейка, Ватто.

Подружившись с художником Уистлером, Анри подолгу живет в Англии (4 раза за период с 1859 года по 1881 год), где приобретает известность. Сближается с прерафаэлитами, особенно с Россетти.
В 1863 году Анри Фантен-Латур принимает участие в «Салоне отверженных», с 1864 — регулярно выставляется в Салоне (официальном), вначале в основном портретами: «Эдуард Мане» (1867, Чикаго, Институт искусств), «Мадам Фантен-Латур» (Гренобль, Музей изящных искусств), «Две сестры» (1859, Антверпен, Музей), «Портрет четы Эдвардсов» (1875, Вашингтон, Национальная галерея искусства), «Чтение» (1877, Лион, Музей изящных искусств).

Известность получили групповые портреты Фантена-Латура. Художник пишет людей искусства, близких ему по духу: «В честь Делакруа» (1864), «Мастерская в Батиньоле» (1870), «У фортепьяно» (1885, все — Париж, музей Орсе) и другие картины.

Анри Фантен-Латур создает яркие индивидуальные образы и в то же время передает особую атмосферу творческого содружества — перед нами единомышленники.
Фантен-Латур — мастер натюрморта.

Живописец с любовным вниманием, легким и точным прикосновением кисти выписывает лепестки, тычинки, листья цветов, от его букетов веет свежестью. Столь же хороши у него фрукты и ягоды: «Клубника и бокал вина» (1869, Гренобль, Музей изящных искусств), «Цветы в глиняной вазе» (1883, Санкт-Петербург, Эрмитаж), «Натюрморт» (1866, Вашингтон, Национальная галерея искусства).

В ранний период Фантен-Латур работал в традиционной манере, принятой парижским Салоном.

Однако романтическое видение художника побудило его отказаться от канонов академизма.

С 1865 года он выставляется вместе со своими друзьями-импрессионистами, включая Эдуарда Мане. Помимо натюрмортов Фантен-Латур известен своими композициями с фигурами.

Одна из них изображает Эдуарда Мане и его друзей-художников перед портретом Эжена Делакруа.

Порой художник обращается к миру аллегорий, фантастических идей и образов, изображая нимф, одетых в причудливые одеяния; нередко это как бы видения, навеянные музыкальными темами Шумана, Вагнера, Берлиоза — композиторов, которых любил Фантен-Латур. Аллегорическая композиция подобного рода — «Годовщина» (1876, Гренобль, Музей изящных искусств). Фантен-Латура связывала дружба со многими художниками-импрессионистами, хотя сам мастер работал в более традиционной манере.

Фантен-Латур исполнил также серию литографий, служащих иллюстрацией к музыке Вагнера и других композиторов-романтиков.

В 1876 г. он женился на художнице Виктории Дюбурж, после чего проводил каждое лето в поместье своей жены в Нормандии, где и умер в 1904 г.Фантен-Латур похоронен на кладбище Монпарнас.

Источники: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1910).

Фаринати Паоло/Farinati Paolo(Маньеризм)

11524–1606

Паоло Фаринати (итал. Paolo Farinati, ок. 1524, Верона — ок. 1606) — итальянский живописец, гравёр и зодчий, один из ведущих живописцев Вероны XVI века.

Писал в стиле маньеризма, работал преимущественно в Вероне, а также в Венеции, Мантуе, Падуе и других городах.

Был современником знаменитых художников Италии — Паоло Веронезе и Джулио Романо.

Их творчество оказало глубокое влияние на развитие художественного таланта Фаринати.

По свидетельству Джорджо Вазари, первым его учителем был отец Джованни Баттиста, позже Фаринати работал под руководством Николо Джольфино и Антонио Бадиле.

Первой большой работой был алтарь для Мантуанского собора.

Первоначально стиль Фаринати формировался под влиянием Джулио Романо, позже он перенял стиль Паоло Веронезе.

Необыкновенная изобретательность в композиции, смелость рисунка, грешащего, однако, недостатком правильности, разнообразие и гармоничность теплого колорита составляют главные достоинства фресок и переносных картин Фаринати.

Важнейшие фресковые произведения этого художника находятся в веронских церквах Сан Джорджо ди Маджоре («Умножение хлебов»), Санта Mapиa ин Органо, Сан Джованни ин Фонте и Сан Назаро,

а также в палаццо графини Гварьенти и на фасаде палаццо Камоццини в Вероне.

Фаринати создал несколько скульптур и разнообразные гравюры на библейские и мифологические сюжеты.

Из гравюр, воспроизводящих его собственные композиции, наиболее замечательны «Венера и Амур», «Святой евангелист Иоанн на облаке», «Святая Мария Магдалина» и «Апостол Петр».

Источники: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства.

Фаттори Джованни/Fattori Giovanni(Маккьяйоли)

1825-1908

Джованни Фаттори (итал. Giovanni Fattori, 6 сентября 1825, Ливорно — 30 августа 1908, Флоренция) — итальянский художник, член группы Маккьяйоли.

Один из крупнейших представителей итальянской живописи XIX века. Изначально стал знаменит как художник-баталист, затем под влиянием Барбизонской школы стал работать в пленэрной живописи, в основном в пейзажном жанре.

После 1884 года много увлекался графикой.
Джованни Фаттори родился 6 сентября 1825 года в Ливорно в семье скромного торговца. В 1845 году он поступил в ученики к Джузеппе Бальдини, художнику, получившему образование в Риме, но работавшему в Ливорно.

В 1846 году он переехал во Флоренцию, где брал частные уроки у Джузеппе Беццуоли, затем записался в Академию Художеств. О жизни Фаттори в 1840-е годы сохранилось мало документов. Известно, что в 1848 году он прервал обучение в Академии, сочувствовал национально-освободительному движению и хотел записаться в армию, но семья удержала его от этого шага.

В 1850 году он возобновил обучение в Академии, делая большое количество зарисовок с натуры в небольших альбомах, которые всегда носил с собой. Известно также, что в начале 1850-х годов он был завсегдатаем Caffè Michelangelo во Флоренции, широко посещаемого художниками. К этому же времени относятся его первые художественные произведения.
Джованни Фаттори первоначально выступал в качестве живописца исторического и батального жанра.

В 50-х годах 19 столетия, вдохновленный творчеством художников Барбизонской школой живописи, он стал одним из ведущих итальянских художников plein-airists, в своих картинах отдавая предпочтение пейзажам, сельским сценам и историям военной жизни.

В 1855 году во Флоренции сложилась группа художников, объединенная единой творческой программой и получившая название «маккьяйоли». В группу «маккьяйоли» вошли, помимо Джованни Фаттори, Телемако Синьорини (1835— 1901), Сильвестро Лега (1826—1895) и многие другие художники.

В том же 1855 году ряд итальянских художников посетили Париж, где ознакомились с работами художников Барбизонской школы. Вернувшись, они распространили в Италии ранее там неизвестную идею пленэрной живописи.

В 1859 году Фаттори познакомился с римским художником Джованни Коста, под влиянием которого также занялся пленэрной живописью. Во Флоренции из числа художников, посещавших кафе «Микеланджело», сформировалась группа Маккьяйоли, работавшая на пленэре и исповедовшая принципы, близкие к импрессионизму, и иногда рассматривающаяся как предществующая импрессионизму. Фаттори вошёл в эту группу, что существенным образом изменило его стиль, хотя он никогда не шёл так далеко в растворении контуров в свете, как импрессионисты.

В 1859 году Фаттори выиграл конкурс на лучшую патриотическую батальную сцену в рамках правительственного Concorso Ricasoli с картиной «После битвы при Мадженте».

Вырученные средства позволили ему жениться в июле 1859 года на Сеттимии Вануччи и поселиться во Флоренции.
Творчество Фаттори периода 1861-1883 годов представляет собой синтез пленэрной живописи, когда фиксируется живой естественный свет, и традиционной живописи, когда большая картина готовится в студии по эскизам.

С 1861 по 1867 год художник в основном жил в Ливорно, так как его жена была больна туберкулёзом, и климат в Ливорно был более подходящим для неё. Он писал в основном сельские пейзажи, сцены из сельской жизни и портреты.

В 1864 году Фаттори выставил четыре картины на выставке Promotrice fiorentina. В конце 1866 года он переехал в новое, большего размера, ателье во Флоренции, где работал над большими картинами на исторические, в основном батальные темы. В марте 1867 года умерла его жена.

Лето 1867 года Фаттори провёл в Кастильончелло, вместе с художником Джузеппе Аббати работая над сельскими пейзажами.

Эти пейзажи отличает простота геометрических форм и особое внимание, уделённое свету. В 1870 году на выставке в Парме он получил приз за батальное полотно «Князь Амадео Феритио в Кустозе». Джованни Фаттори также получил бронзовые медали на Всемирных выставках в Вене (1873) и Филадельфии (1876).

В 1875 году он впервые посетил Париж, где одна из его работ, «Отдых», была выставлена в Салоне. Ему удалось познакомиться с некоторыми французскими художниками, в том чисе Камилем Писсарро, однако он воспринял импрессионизм без особенного энтузиазма, явно отдавая предпочтение барбизонской школе и выражая своё восхищение такими мастерами, как Камиль Коро и Эдуар Мане.

В конце 1860-х годов он начал давать частные уроки. Кроме того, с 1869 года он два дня в неделю преподавал во флорентийской Академии художеств, где одним из его студентов позже был Амедео Модильяни.

Однако его батальные полотна покупали всё хуже, и Фаттори начал испытывать финансовые трудности. Он не смог платить налоги, и его недвижимость во Флоренции была конфискована за долги.

В 1878 году он послал две картины на Всемирную выставку в Париже, но у него не было достаточно средств, чтобы поехать туда самому. Его депрессивное состояние конца 1870-х годов выразилось в сдвиге его творчества в сторону реализма. В 1880-е годы он писал в основном картины на сельскую тематику, в частности, домашних животных.

Несколько его изображений стада коров экспонировались на выставке в Венеции 1887 года.
После 1875 года Фаттори много работал в графике, и в особенности, после 1884 года, в технике офорта. Его офорты сразу были отмечены критикой, выставлялись в 1886 году на выставке Promotrice во Флоренции и в 1888 году на Национальной выставке в Болонье.

В том же году его офорты купила Национальная галерея современного искусства в Риме. Отмечалось, что офорты Фаттори выделяются инновационной техникой и композицией.

В 1884 году он выпустил альбом с 20 литографиями, «20 Ricordi del vero». После 1884 Джованни Фаттори в своем творчестве уделяет больше времени гравюре и офортам, чем классической живописи.

Живопись этого периода в основном представлена большими холстами, выполненными в мастерской по пленэрным эскизам (которые Фаттори обычно писал на дереве) и выделяющимися ощущением пространства.
С 1886 года он преподает в Академии художеств во Флоренции, в 1888 году получает звание почетного академика болонской Академии.

Кульминацией этого неуклонного движения к славе и почету стало присуждение Джованни Фаттори золотой медали на Всемирной выставке в Париже в 1900 году.
В 1891 году он женился во второй раз, на Марианне Бигоцци Мартинелли.

Несмотря на значительные доходы от продажи своих работ, Фаттори жил в бедности и вынужден был давать частные уроки. После сметри второй жены в 1903 году он в 1906 году женился в третий раз, на Фанни Маринелли.

Под конец жизни Фаттори разочаровался в политическом развитии Италии, и следы глубокого разочарования видны в его творчестве. Он до конца своих дней преподавал в Академии, но не воспринял новых художественных течений, в частности, выступил с резкой критикой пуантилизма.

Джованни Фаттори умер 30 августа 1908 года во Флоренции и похоронен около церкви Санутарио делла Мадонна ди Монтенеро в деревне Монтенеро.
Работы Джованни Фаттори выставлены в наиболее престижных музеях современного искусства в Италии, таких как Национальная галерея современного искусства в Риме, Пинакотека Брера в Милане и Палаццо Питти во Флоренции.В Ливорно открыт музей Джованни Фаттори.

По материалам: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи,

Федден Мари/Mary Fedden(Наивное искусство-примитивизм)

1950–2012

Мэри Fedden ОБЕ, (родился 14 августа 1915 в Бристоле )- британская художница.

Мэри Fedden родилась в Бристоле 14 августа 1915 г.

Иногда ошибочно считают дочерью Роя Феддена, который на самом деле являлся ее дядей.

Мэри Fedden училась живописи в Школе изящных искусств Slade, Лондон с 1932 по 1936 год.

После учебы художница вернулась в родной Бристоль, где писала и преподавала до самого начала войны.

После окончания войны , Fedden удалось разработать свой собственный стиль цветочных картин и натюрмортов, напоминающих работы таких художников, как Матисс и Брака.

В 1951 году Мэри Fedden вышла замуж за художника Джулиан Тревельян .с 1958 по 1964 год преподавала живопись Королевском колледже искусств, будучи при этом первой женщиной-наставником преподававшей в художественной школе.

В число её учеников входили Дэвид Хокни и Аллен Джонс . Впоследствии, с 1965 по 1970 год. она преподавала в Yehudi Menuhin School в Cobham графство Суррей.
Стиль и Влияние:
Предметы Мэри Fedden часто выполнены в смелом, выразительном стиле с яркими и контрастными цветами, хотя ее работы 2005-2006годов используют более узкий диапазон тонов.

Ее натюрморты часто помещаются на фоне ландшафтов , она пользуется противопоставлением разрозненных, даже необычных элементов. При использовании акварели она подчеркивает грубой текстурой из ее любимых индийских газет.
Творчество:
Fedden организовывала персональные выстави по всей Великобритании ежегодно, начиная с 1950 года. Перечень её выставок включает Редферн галерею, Лондон с 1953года, Новый Графтон галерею, Лондон с 1960-го года , Hamet галерею с 1970 года Arnolfini галерею, Бристоль и в Beaux Arts Gallery, Лондон в 1990 году.

Наиболее значительная выставка ее работ проходила в Королевской академии в Западной Англии в 1996 году.
Она также получила несколько заказов для росписи, в частности фестиваля Великобритании в 1951 году, Р & O Liner Канберре в 1961 году, больницы Чаринг-Кросс в 1980 году (вместе с мужем, художником Джулианом Тревельян), Colindale больницы в 1985 году, и для школ в Бристоле, Хартфордшир и Лондоне.

Ее работы можно найти в многочисленных государственных и частных коллекциях, таких как Chantrey завещано для галереи Тейт, Общества современного искусства и художественных галерей городов Карлайл, Халл, Бристоль, Эдинбург и Шеффилде.

В 2008 году Галерея Портленд провела большую ретроспективную выставку работ Марии Fedden ,включавшую 125 картин, охватывавших шесть десятилетий.
В 1995 году писатель и критик Мел Гудинг написал монографию о ее работах, прослеживая ее долгую карьеру до замужества,и после него.

В 2007 году была опубликована вторая книга о Марии Fedden, которую написал Кристофер Андреэ,

С 1984, Мэри Fedden заняла пост Президента RWA ( вплоть до 1988 г. Она являлась академик Королевской академии, получвшей почетную докторскую степень от Университета Бата .

Она также получила ордена Британской империи и почетную ученую степень от университета Дарема (2009) за свои работы .

Мэри Fedden была плодовитым плодовитым и популярным художником.

Она продолжала жить и работать в своей студии на Темзе в Лондоне до своей кончины в 2012году. Похоронена в Лондоне..
По материалам: Википедия

Федотов Павел/Fedotov Pavel(Бытовой жанр,критический реализм)

1815–1852

Павел Андреевич Федотов (22 июня [4 июля] 1815, Москва — 14 [26] ноября 1852, Санкт-Петербург) — русский живописец и график.
Выдающийся художник, родоначальник критического реализма в русской живописи Павел Андреевич Федотов родился 22 июня 1815 г. в Москве, в большой семье очень бедного чиновника, отставного воина Екатерининских времен.

Его детство прошло в бедности и постоянной нужде. С ранних лет он предавался созерцанию. Ему был хорошо знаком быт московских жителей, он наблюдал за соседними дворами и улицами, “все сцены на них происходившие, оказывались перед глазами наблюдателя, как на блюдечке”. Первые детские впечатления сыграли большую роль в творческой практике художника, помогли осуществить многие его замыслы. Федотов писал впоследствии: “Запас наблюдений, сделанных мною при самом начале моей жизни, составляет… основной фонд моего дарования”.
В 1826 году отец устроил мальчика в Первый московский кадетский корпус. Благодаря своей феноменальной памяти Павел учился хорошо, науки давались ему легко.

Уже тогда, в первые годы учебы у Федотова проявилась тяга к живописи. Первыми рисунками будущего художника были карикатуры на товарищей, самого себя, корпусное начальство. Со временем рисование переросло в страстное увлечение кадета Федотова.

В декабре 1833 года Павел оканчивает кадетский корпус. Его направляют на службу в Петербург в лейб-гвардии Финляндский полк, где он прослужил десять лет. В свободное от службы время Федотов играет на гитаре, флейте, пишет стихи, читает классическую и западную литературу, литературу Древней Греции, периодические издания, книги по физике.

Однако со временем увлечение живописью все больше захватывает его. Федотов в июне 1834 года получает билет на право посещения рисовальных классов Академии художеств, но в связи с занятостью в полку занимается в них нерегулярно. Поэтому в последний натурный класс Павел Андреевич переходит только в 1845 году.

Следует отметить особенность становления творческого метода и мировоззрения Федотова: в отличие от большинства художников, обучавшихся в Академии с детства, он пришел в живопись взрослым, состоявшимся человеком.

Он не принимал целиком на веру всего, что преподавалось в Академии, что обусловило формирование его собственного взгляда на живопись, отличного от застывших канонов академизма. Среди произведений, написанных Федотовым за время учебы в Академии, известность получили «Уличная сцена в Москве во время дождя», «Набережная Васильевского острова зимой», «Зимний день».

Первые работы Федотова были связаны с военной тематикой, большинство из которых сатирической направленности. Во многих своих рисунках художник высмеивает нелепость солдатской муштры; в ряде карикатур Федотов изображает грозу армий великого князя Михаила («Дивизионное учение с порохом в присутствии его императорского высочества», «Офицер и дама бубен»).

В 1837 году художник пишет акварель «Передняя часть частного пристава накануне большого праздника», в которой изобличает мздоимство и подхалимство чиновников. Этим же годом датирована акварель, изображающая встречу приехавшего в Финляндский полк великого князя Михаила, за которую сам князь пожаловал художнику бриллиантовый перстень.

После того, как Павел Андреевич представил императору неоконченную работу «Освещёние знамен в обновленном Зимнем дворце», тот предоставил право Федотову уйти в отставку, чтобы целиком посвятить себя искусству. После долгих раздумий молодой художник пошел на этот шаг.

В отставку Павел Андреевич вышел в 1843 году в звании капитана, поселился на Васильевском острове. Началась замкнутая одинокая жизнь. Художник полностью отдал себя искусству. За короткий период, который ему оставался, Федотов создал множество живописных произведений, рисунков, стихотворений.

Павел Андреевич заканчивает ряд полотен нравственно-критического содержания, некоторые из которых задумывает еще до выхода в отставку: «Первое утро обманутого молодого» (1842-1844), «Житие на чужой счет» (1844-1845), «Старость художника, женившегося без приданого в надежде на свой талант» (1846— 1847), «Модный магазин» (1844-1846), «Мышеловка» (1846), «Болезнь» и «Смерть Фидельки» (1844), «Крестины» (1848).

Первое произведение художника, написанное маслом — «Свежий кавалер» — относится к 1846 году. Эта жанровая картина понравилась и академическим профессорам, и демократическому зрителю. Через год Федотов еще одну картину — «Разборчивая невеста». При непосредственном участии Брюллова эти две картины были приняты на академическую выставку 1847 года.

За написанную позднее картину «Сватовство майора» совет Академии присудил Павлу Андреевичу звание Академика. Для окончания этой картины не без помощи Брюллова художнику была выделена денежная помощь в размере семисот рублей. Важное место в творчестве Федотова занимали портреты, из которых выделяется «Портрет Н. Жданович», написанный в 1849 году.

К концу 1840-х годов к художнику пришло заслуженное признание. Популярность его картин объясняется тем, что живописец изображал реальную действительность. В журналах появляются статьи, восхваляющие Федотова. Однако даже в этот, лучший период творчества художника не все было так безоблачно. Цензура, ставшая бичом искусства, запретила издание «Вечером вместо преферанса», задуманное Федотовым и его ближайшим другом Бернардским, запретила «Иллюстрированный альманах» Некрасова, для которого Павел Андреевич делал иллюстрации. Перегибы цензуры Федотов показывает в баснях «Усердная хавронья», «Тарпейская скала».

В феврале 1850 года семья Федотова в Москве оказывается в бедственном финансовом положении; художник бросает все дела и едет к родным. В Москве его ожидает теплый прием. При участии влиятельных поклонников творчества художника в Московском училище живописи ваяния и зодчества проходит выставка его картин, где наряду с уже известными полотнами была выставлена картина «Не в пору гость», написанная перед отъездом в Москву. У Федотова появляется немало влиятельных знакомых, среди которых меценат генерал Прянишников, графиня Растопчина, которая ввела его в свой литературно-художественный салон.

Вскоре художник возвращается в Петербург, однако несмотря на посулы «первых людей города», финансовое положение его семьи остается бедственным.

В 1851 году чтобы заработать денег Федотов берется писать «патриотическое» полотно «Приезд Николая I в институт», но так и не заканчивает его; художник не смог переступить через себя и стать «оплаченным льстецом».

Такая принципиальность художника наряду с сатирической направленностью его творчества вызвала повышенное внимание цензуры. От Федотова отворачиваются меценаты, богатые и влиятельные люди, ранее благоволившие ему.

Тем не менее, несмотря на отсутствие моральной и материальной поддержки Павел Андреевич продолжает творить. Из под его кисти выходят такие известные произведения, как «Анкор, еще анкор!» (1850-1851), «Вдовушка» (1851), «Игроки» (1852). Эти картины полны сожаления об утраченном счастье и мыслей о бессмысленности человеческого существования.

Дальнейшая судьба художника трагична. В июне 1852 года у художника случилось психическое расстройство. После пяти месяцев мучений художник Павел Андреевич Федотов умер 14 ноября 1852 года, забытый всеми, кроме близких друзей.

Цензурный комитет запретил публиковать известие о смерти в печати. При жизни художника не было напечатано ни одного его литературного сочинения. Изданная в 1857 году в Лейпциге поэма «Поправка обстоятельств, или Женитьба майора» была запрещена для распространения в России.
Федотов благодаря своему острому уму, редкой наблюдательности и упорному трудолюбию достиг блестящих результатов в своём творчестве.

Эти результаты могли бы быть гораздо крупнее, если бы судьба не была бы с ним так жестока, а его жизнь не прервалась бы так рано. Тем не менее, и сделанного им достаточно для того, чтобы его имя осталось навеки одним из самых славных имен в истории русского искусства.

Он открыл новую, еще никем до него не изведанную в живописи тему национальности и сатиры, первый из всех художников показал пример удачной ее разработки и оставил ее в наследство талантливым потомкам.

Не было бы Федотова — русская живопись, быть может, еще долго бы не обращалась к правдивому воспроизведению отечественного быта с его недостатками и светлыми сторонами. В. В. Стасов писал: “Федотов умер, произведя на свет едва лишь маленькую крупинку из того богатства, каким была одарена его натура.

Но эта крупинка была чистое золото и принесла потом великие плоды”.

Источники: Википедия, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия русской живописи.

Фейт Ян

1611–1661

Ян Фейт — фламандский художник и гравёр. Родился 15 марта 1611 в Антверпене. Умер 11 сентября 1661 г.
Фламандский художник.Наряду со Снейдерсом, Даниелем Сегерсом и Брейгелем Бархатным, Фейт является главным представителем фламандской живописи цветов и натюрмортов XVII в. Менее декоративный и более разнообразный, чем Снейдерс, он писал картины небольшого размера, был более лиричен и живописен. Виртуоз-
ный мастер лессировок, одновременно мягких и точных, и светотеневых констрастов; чарующий иллюзионист, мастерски создающий впечатление материальности и скульптурной пластичности предметов; волнующий драматург, представляющий предметы на фоне облачного и вибрирующего неба, — Фейт придал традиционным мотивам (охотничьим трофеям, дичи, охраняемой собаками, десерту, гирляндам цветов и фруктов) барочный динамизм и патетику, близкую Курбе (в этом искусство Фейта сильно отличается от скрытого рубенсизма Снейдерса).
Но из достаточно монотонного ряда образов он сумел создать большое искусство. Фейт примерно также соотносится со Снейдерсом, как Ван Дейк и Иордане с Рубенсом. Вместе с тем, по своей трактовке светотени, отказу от светлых тонов и иллюзионизму он близок голландским живописцам (де Хем, Бейерен, Венике) и предвосхищает таких французских мастеров XVIII в., как анималисты Депорт и Удри и, особенно, Шарден (в этом отношении, однако, не следует преувеличивать роли ученика Фейта, закончившего свою карьеру в Париже, — Питера Буля, — некоторые картины которого являются абсолютно <рредшарденовскими>). Фейт учился сначала в Антверпене у Ханса ван ден Верха (1621-1622),а затем поступил в мастерскую Снейдерса, которому он и обязан своим образованием и своей художественной ориентацией, хотя в своем развитии он и отходит от пышного стиля учителя, стремясь всегда к более четкой и графичной композиции и гармонии ярких, но светлых тонов. В 1629-1630 Фейт, при финансовой поддержке Снейдерса, становится мастером, а затем совершает путешествие в Париж (1933-1939) и Италию, в частности, в Венецию и Рим. В 1641 он вернулся в Антперпен (что подтверждено документально) и, кажется, больше не покидал этого города. Он женился достаточно поздно, в 1654. Его имя часто встречается в антверпенских архивах, поскольку он возбудил целый ряд судебных дел. Знаменитый и почитаемый при жизни, Фейт, однако, имел мало учеников, но зато множество подражателей (Жак де Керковен, Пикарт, Питер Будь, Давид де Конинк). Влияние Фейта (а не Снейдерса) испытал и немецкий живописец Рутхарт, Кроме того, подобно многим фламандским художникам, Фейт часто сотрудничал с другими художниками, которые писали в его картинах фигуры, например, с Эразмом Квеллином (1644, Лондон, собрание Уоллес; Антверпен, Королевский музей изящных искусств; Берлин-Далем, музей),К.Схютом, Иордансом, В.Боссхартсом (1644, Дессау, музей; 1650, Вена, Музей истории искусств).
В творчест Фейта, столь разнообразном (его излюбленными темами были орлы и охотничьи собаки, изображенные всегда в реалистичной манере, а также вазы с цветами и фруктами — 1660, Дессау, музей; Роттердам, собрание Бейса) и весьма обильном (более 160 картин, подписных и датированных 1641- 1661),трудно распознать четкую стилистическую эволюцию. Его произведения широко представлены в большинстве крупных музеев мира (Вена, Мадрид, Мюнхен, Лондон, Дрезден, Милан, Париж, СанФранциско, Санкт-Петербург, Москва, Будапешт). Среди его шедевров и наиболее характерных для него картин следует назвать большую композицию <Трапеза орлов> (Антверпен, Кор. музей изящных искусств) и такие картины, как <Мертвый павлин> (Роттердам, музей Бойманса-ван Бенингена), <Кот, наблюдающий за мертвыми птицами> (Милан, пинакотека Брера), <Битва петуха с индюком> (Брюссель, Кор. музей изящных искусств). Творчество Фейта изобилует также небольшими, но очень изящными натюрмортами, лучшим из которых являются <Фрукты и животные> (Вена,Музей истории искусств). «Мотивы этих натюрмортов очень просты: свернувшийся в клубок кот, кролик, битая дичь, грибы Брюссель, Королевский музей изящных искусств),цветы на треснувшем камне, на темно-коричневом фоне,- здесь сконцентрировано все поэтическое спокойствие и реалистическая магия искусства Шардена (Брюссель, Королевский музей изящных искусств; Гаага, Маурицхёйс).
Особо следует отметить прекрасный этюд <Двух лошадей в фас на фоне пейзажа> (Брауншвейг, музей герцога Антона-Ульриха). Плодовитый гравер, он был и знаменитым рисовальщиком, особенно известным по серии энер
гичных рисунков на цветной бумаге (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; этюд <Собаки> — Антверпен, Королевский музей изящных искусств). Эти рисунки исполнены в живописной технике, которая иногда напоминает Удри и которая свидетельствует о бесспорном таланте этого независимого и очень индивидуального художника, каким был Ян Фейт.

Фейтельсон Лорсен/I. Lorser Feitelson(Сюрреализм, Post-Painterly Abstraction)

1898–1978

Лорсен Фейтельсон/Lorser Feitelson (1898, Нью-Йорк, Нью-Йорк — 1978, Лос-Анджелес, Калифорния) родился и вырос в Нью-Йорке, но стал известен на западном побережье в качестве одного из отцов-основателей направления «Живопись жёстких контуров». Школа или группа: Four Abstract Classicists.

Живопись жёстких контуров (Hard-edge painting) — живопись, которая содержит фигуры (часто, но не обязательно, геометрические) с резкими, чёткими контурами.

Этот стиль связан с геометрической абстракцией, постживописной абстракцией и живописью цветового поля.

Термин был предложен писателем, куратором и арт-критиком «Лос-Анджелес Таймс» Жюлем Лангснером (англ.) в 1958 году.

Хотя это определение можно было бы применить и к таким направлениям как пуризм, чаще под живописью жёстких контуров подразумевают тип живописи, который возник как реакция на спонтанность и живописную технику абстрактного экспрессионизма.

Крупнейшими представителями данного направления также являются Эльсуорт Келли и Кеннет Ноланд.

Также к живописи жёстких контуров относят ранние работы Йозефа Альберса и Пита Мондриана.

Работы Lorser Feitelson,вместе с работами его сверстников Карла Бенджамина , Фредерика Хаммерсли и Джона Маклафлина , были представлены в эпохальном 1959 на выставке «Четыре Аннотация Классики»в Сан-Франциско,в Музее искусства, а позже демонстрировались в Лос-Анджелес Музее искусств Лос-Анджелеса.

Изменённый вариант этой выставке под названием West Coast Жесткие края был представлен ​​в Лондоне в Институте современного искусства , а затем в Белфасте , Северная Ирландия в Queens Court.

Большое участие в художественном образовании Фейтельсона принял отец художника.

Будучи ребенком, художник много времени проводил в изучении классической живописи по зарубежным журналам и репродукциям.

Кроме этого он часто посещал Музей искусств Метрополитен.

Фейтельсон коренным образом переосмыслил свой подход к разрабртке художественного рисунка после посещения и знакомства с экспонатами легендарной международной выставки современного искусства в 1913 году в Оружейной палате в Нью-Йорке.

Спорные работы Матисса , Дюшана и итальянских футуристов оказали глубокое влияние на молодого художника.

Feitelson приступил к созданию серии формально экспериментальных изобразительных рисунков и картин

. К 1916 году восемнадцать-летний создал студию в Гринвич-Виллидж и отправился утверждать себя в качестве художника.
Как и все серьезные художники-модернисты того времени, Feitelson хотел продолжить свои исследования в Европе.

Он совершил свою первую поездку в Париж в 1919 году и поступил в качестве свободного студента в Академию рисования Colorossi.

Находясь в Париже, он неоднократно посещал Корсику, Италия, привозя каждый раз множество эскизных набросков, которые затем легли в основу его более поздних работ.

Во всех этих работах основными действующими лицами были выбраны крестьяне.

Перед возвращением домой, в 1927 году, его работы были показаны на знаменитом Парижском Осеннем салоне

В ноябре 1927 года, Feitelson переехал в Лос-Анджелес и к 1930 начал работать в стиле сюрреализма.

К 1940 году Feitelson разработал использование биоаморфности или «Волшебных форм». В своих магических формах, Feitelson начал писать более абстрактно, но сохранил при этом мелкие пространства и моделирование.

В последние годы жизни Фейтельсон преподавал рисование в Арт-центре колледжа дизайна в Пасадене.

Работы Lorser Feitelson, включаются в постоянные коллекции Музея искусств Каунти в Лос-Анджелесе ; Национального музея американского искусства ; Смитсоновского института ,

Библиотеки Конгресса и Национальной галереи искусств Вашингтона;

Музея современного искусства Сан-Франциско; Уитни Музея американского искусства ,

Музея современного искусства Нью-Йорка и Бруклинского музея искусств , и многих других государственных и частных коллекций.

Его работы была совсем недавно включены в экспозицию Музея Пола Гетти.

Умер Лорсен Фейтельсон в 1978 году в Los Angeles, где и похоронен.

По материалам: Википедия

Феррандис и Баден Бернандо/Bernardo Ferrándiz y Bádenes

1835–1885

Испанский художник, считается одним из самых известных художников Валенсии, наряду с Х.Сороллой и Дегрейном.
Родился Бернардо в приморском городке на севере недалеко от Валенсии, был крещен в церкви Братства скорбящих Христа (La Hermandad del Cristo de los Afligidos).
Художественное обучение Феррандис начал в Королевской академии изящных искусств Сан-Карлоса учеником Франсиско Мартинеса.

За картину «Подача милостыни умирающему нищему» (El Viático dado a un mendigo moribundo), выигравшую конкурс в Академии, Совет Валенсии награждает юношу стипендией для продолжения образования за пределами Испании.
Вместе со своим другом – художником Мариано Фортуни, Бернардо совершает путешествие в Марокко, после чего друзья переезжают в Италию. Кстати, Феррандис написал замечательный портрет Фортуни.
В Риме художник принимает участие в нескольких выставках, завоевав награду на Национальной выставке изящных искусств в 1860 году, получив вторую медаль выставки в 1864 году за картину «Алькальд (председатель муниципального совета)» (Un alcalde de monterilla) и завоевав серебряную медаль на Национальной выставке в Мадриде в 1866 году.

Кроме того, есть сведения, что Феррандис изучал живопись в Париже в Школе изящных искусств у профессора, скульптора Франциска Жозефа Дюре (Francisque Joseph Duret, 19 октября 1804 — 1885).
В 1866 году Феррандис поступает на службу в Академию Сан-Фернандо в Мадриде, где пару лет он работал ассистентом художника Мадрасо.
В 1868 году художник Антонио Муньос Дегрейн (Antonio Muñoz Degrain), с которым Феррандис поддерживал дружеские отношения, пригласил художника в Малагу.
В том же году Бернардо переезжает в Малагу и назначается заведующим кафедрой цвета и композиции в Школе изящных искусств Сан–Тельмо. В 1878 году художник был избран директором этой Школы.

Среди его многочисленных учеников известные сегодня в Испании имена — Морено Карбонеро, Хосе Ногалес, Бланко Корис, Энрике Симоне, Хосе Денис Бельграно и Педро Сайес и Санс.
Среди самых известных картин самого художника называют его портрет Кискара и Хоан де Хоанеса во Дворце генералитета Валенсии и картину «Трибунал в Агуасе» (El Tribunal de las Aguas, 1865), которая была выполнена в двух вариантах. Первую картину приобрел Наполеон III, сейчас она находится в Музее Бордо, вторая украшает экспозицию музея в Валенсии.
Особое место среди его работ занимают полотна «Политический шарлатан» (El charlatán politico) и «Выход пикадоров из трактира» (Salida de los picadores de la posada).
Большой работой художника считается украшение театра де Сервантеса в Малаге, открытого в 1870 году.

В театре Феррандис работал в сотрудничестве со своим другом — Муньосом Дегрейном. Бернардо украсил потолок театра картиной «Аллегория истории, промышленности и торговли Малаги». Впрочем, некоторые искусствоведы считают эту работу эклектичной. Но этому есть объяснение, ведь в соответствии с условиями договора с художником, он должен был изобразить «в виде символов Малаги и морской порт, и железнодорожный вокзал, и предприятия сельского хозяйства, промышленности и торговли». Поэтому, оттолкнувшись от аллегорических изображений изящных искусств в центре композиции, Феррандис изобразил все, о чем просили – и разгрузку кораблей в порту, и сахарный вместе с металлургическим заводы, и стоги сена со стадом животных, как символ сельского хозяйства, и железнодорожный вокзал, и средневековые крепости на фоне местных пейзажей.
Феррандис прожил в Малаге 17 лет, там он и умер 3 мая 1885 года.

Гипсовый бюст художника Бернардо Феррандиса, выполненный скульптором Агапито Валльмитьяна Барбани (1833-1905) был установлен в городе Малага в 1913 году.

В 1965 году он был заменен на бронзовый бюст работы скульптора Диего Гарсия Каррераса и помещен в городском саду, а копия бюста была установлена в церкви Братства скорбящих Христа.

Картины Феррандиса находятся в музеях Испании, Франции, Италии и в частных коллекциях других стран.

В Музее изящных искусств Малаги находится 13 картин художника.Улица в родном городе Феррандиса названа его именем.Источник -Википедия

Феррари Леон/León Ferrari(Концептуализм)

1920–2013

Леон Феррари (3 сентября 1920 — 25 июля 2013)-аргентинский художник,выдающийся представитель концептуализма.

Леон Феррари родился в 1920 году в Буэнос-Айресе в семье итальянского эмигранта и был художником-самоучкой.

В возрасте 34 лет, он начал заниматься искусством керамики.

Вскоре он начал работать с другими материалами, в том числе, деревом и гипсом.

В 1961 году он сделал свои первые абстрактные рисунки ставшие частью серии, которая продолжалась до самой кончины художника.

Художник использовал в своём творчестве такие методы, как коллаж , ксерокопирование.

Он часто использовал текст, в частности газетные вырезки или стихи, как наполнение своих работ.

Субъекты его искусства можно найти в пересечении политики и религии.

Его самая известная арт-работа La civilización occidental y cristiana («Западная христианская цивилизация», 1965) является Деревянной фигурой распятого Христа, с США бомбардировщиком США в виде креста.

Работа была создана в 1965 году в связи с протестом против войны во Вьетнаме , и был показан на биеннале в Венеции, среди других в 2007, вместе с более поздними рисунками и коллажами.

Многие его работы были провокационными, в них он часто обращался к образам Адольфа Гитлера, латиноамериканских диктаторов, Римско-католической церкви.

Проходившая в 2004 году в Буэнос-Айресе выставка Леона Феррари под названием «4000 cm3» была осуждена тогдашним архиепископом Буэнос-Айреса, а ныне Папой Римским Франциском.

В 2007 году Леон Феррари стал обладателем «Золотого льва» Венецианской биеннале. Его работы хранятся в крупнейших мировых собраниях современного искусства.

Умер Леон Феррари 25 июля в Буэнос-Айресе на 93-м году жизни.
Выставки:

Персональные выставки (выборочно)
•1955: Cairola Галерея, Милан (керамика).
•1960: Esculturas . Галатея, Буэнос-Айрес.
•1978: Пинакотека делать Estado, Сан-Паулу .
•1980: Arte де Леон Феррари . Музей де Арте Модерно, Сан-Паулу.
•1982: Планос, heliografías у Fotocopias . Музей Каррильо Хиль (DF), Мексика.
•1983 Каса де лас Америкас, Гавана.
•1987: Еретик Часовня . Франклин печи, Нью-Йорк .
•2004: Retrospectiva Леон Феррари . Культурный центр Реколета, Аргентина.
•2006: Retrospectiva Леон Феррари . Пинакотека делать Estado, Сан-Паулу.
•2006: Пересмотр Тавтология . Панамериканские Art Projects, Майами .

Участие в групповых выставках (выборочно)
•1955: Триеннале, Милан .
•1963: Искусство Латинской Америки , Музей современного искусства, Париж.
•1963: письменно и посредством изображения , Городской музей , Амстердам и Кунстхалле Баден-Баден .
•1964: Буэнос-Айрес 64 . МоМА , Нью-Йорк.
•1981: Международная Почтовая художественная выставка, Палаццо Бруно, Sampieri, Италия.
•1984: 1 Биеннале Гавана. Гаване
•1996: Лас Abuela у лос Artistas . Centro Реколета, Буэнос-Айрес.
•1999: Глобальный концептуализм: пунктам отправления, 1950-1980-х годов . Queens художественный музей, Квинсе , Нью-Йорк.
•2003: Биеннале дель Меркосур , Порту-Алегри .
•2004: Экс Аргентина . Музей Людвига , Кельн.
•2007 г.: 52 Международная биеннале искусства в Венеции
•2007: Документ 12 , Кассель.
•2010: Realidad у утопия. Художественное путешествие Аргентины в настоящее время , Академия художеств , Берлин.

По материалам: Википедия, Зарубежная пресса.

Феррен Джон/John Ferren(Абстрактная живопись)

1905–1970

Школа или группа: Нью-Йоркская школа, Креативная абстракция, Американские абстракционисты.

Джон Феррен родился в Пендлтоне, штат Орегон, и вырос в Лос-Анджелесе, где он окончил политехнический класс средней школы в 1923 году.

Будучи молодым человеком, он был на короткое время устраивается в качестве инженера в Калифорнийскую телефонно-телеграфную компанию , а затем перешел на работу в качестве руководителя отдела по производству гипсовой скульптуры и игрушек в сувенирной компание.

В середине 1920-х годов, Феррен создаёт портретные бюсты, которые он выставляются на ежегодных выставках в Лос-Анджелесе и Сан-Франциско.

В Сан-Франциско, Феррен знакомится с абстракционистом Yun Джи и другими членами китайской общины,которые приобщают его к философии дзэн-буддизма, И-Цзин и даосизма.

Эти восточные философии окажут заметное влияние на дальнейшее становление Феррена, как художника абстракционист, подсказав ему идеи спонтанности, случайности и единства.
В течение года,лроведённого в Европе Феррен близко сощёлся с Хансом Хофманном, а знакомство с работами Матисса повлияло на переход Феррена в своём творчестве от скульптуры к живописи .

В конце 1931 года, после краткого посещения Америки, Феррен вновь вернулся в Европу, где оставался до конца текущего десятилетия.

Поселившись в Париже, Феррен посещает Академию Ranson, Академию Коларосси, Академиб де-ла-Гранде Chamière и Сорбонну.

Он также стал заядлым участником Парижской авангарда, впитывая в себя влияния Мондриана, Кандинского, и Делоне. Он присутствует на собраниях в салоне Гертруды Стайн, и Штейн писал о нем, что, «Феррен является человеком, который интересен, он является единственным американским художником из всех иностранных художников в Париже которого можно рассматривать как живописца, и чьи картины могут заинтересовать. Он молод еще и мог бы сделать … что то, что называется абстрактной живописью «.

В Париже Феррен поддерживает дружбу с Пикассо.

В 1932 году Феррен женился на Лор Ортис де Сарате, дочери художника, и вскоре он вошёл в круг испаноязычных художников, которые проживали в Париже.

Вслед за приближающейся войны, и после развода, Феррен вернулся в Америку.

Он стал ассоциироваться с в течение короткого времени с американскими художниками-абстракционистами , и тесно подружился с А. Е. Gallatin, Чарльз Шоу, Джордж LK Morris, и Карл Holty.

Тем не менее, в начале 1940 года Феррен отказывается от идей абстрактного искусств для работы над рядом академических фигурных работ и натюрмортов.

В конце 1940-х, после службы в Управлении военной информации, Феррен начал работать в стиле абстрактного экспрессионизма, создавая при этом смело окрашенные, яркие полотна.

Он был одним из первых членов клуба, неформальной группы, которая была ядром нью-йоркской школы в 1950 году.

В течение следующего десятилетия, Феррен вернулся в создании абстрактных геометрических композиций.

На протяжении трех десятилетий в Нью-Йорке Феррен преподавал в Училище Бруклинского музея, Купер Юнион и Квинс Колледже.

Его работы представлены в коллекциях Р. Музея Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке , среди коллекциймногих других музеев современного искусства по всему миру.

Скончался Феррен в 1970году в возрасте 65 лет.

Источники: Википедия, , Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи.

Феррер Калатаюд Педро/Pedro Ferrer Calatayud

1860–1944

Выдающийсф испанский живописец, один из самых известных маринистов Валенсии.
В двенадцать лет Педро поступил в Академию изящных искусств Сан-Карлос.
Как художник, решивший связать свое творчество с темой моря, Феррер был воспитан на творчестве лучших маринистов Испании – Хоакина Сороллы и Бастида (Joaquín Sorolla y Bastida, 27 февраля 1863 – 10 августа 1923) и Сальвадора Абриля и Бланко (Salvador Abril y Blasco, 1862-1924).

Критики считают Феррера лучшим живописцем,изображавшим открытое море.
В 1895 году художник принимал участие в Национальной выставке изобразительных искусств в Мадриде. За картину «Спасение утопающих после кораблекрушения» (Salvamento de un náufrago) Ферреру был вручен Крест Изабеллы Католической.

В 1898 году Педро получил первую премию Lo Rat Penat. На Национальных выставках в 1910 и 1912 годах художник получил золотые медали. Аналогичную награду и Диплом чести и достоинства художнику вручили на региональной выставке в Валенсии в 1909 году.

Деятельность художника была сосредоточена не только на живописи, он оформил росписями Дворец Правосудия в Валенсии и муниципальный театр в Кастелльоне.

Кроме того, многие годы Феррер был связан с Академией, которую когда-то закончил. Он сначала преподавал там, затем был назначен директором, а позже выбран академиком.
Его работы представлены в основном в музее изобразительных искусств Валенсии и других музеях этого региона.Нельзя не  отметить, что творчество художника в национальном масштабе было малоизвестно.

И этому есть объяснение: у самого художника не была развита «коммерческая жилка».  и  он много времени отдавал педагогической деятельности  постоянно живя в Валенсии. Кроме всего прочего, биографы упоминают о том, что Педро был замкнутой личностью.

Педро Феррер умер в Валенсии в 1944 году.
В 1991 году городской совет Валенсии по инициативе сына Феррера, тоже художника Феррера Амблара, устроил большую ретроспективную выставку в Музее города.

В городском парке был открыт памятник Ферреру работы скульптора Рафаэля Рубио.
Источники: Википедия,энциклопедия живописи Испании,испанские сайты живописи.

Фетти Доменико/Feti Domenico(Барокко)

1588-1623

Доменико Фетти (итал. Domenico Fetti, прозвище Mantuano — «Мантуанец», ок. 1589, Рим — 1623, Венеция) — итальянский живописец венецианской школы. Религиозные сюжеты трактовал как сцены народной жизни, использовал эмоционально созвучные сюжету пейзажные фоны, богатый светотеневыми переходами колорит («Исцеление Товита», 1620-е гг).
Начинал свою художественную карьеру в Риме, в 1613 — переехал в Мантую, где до 1621 года состоял на службе у герцога Фердинанда II Гонзага.

В дальнейшем его деятельность развивалась главным образом в Мантуе. Сформировался он в эпоху позднего Возрождения, учился в Риме у маньериста Л. Карди (прозвище Чиголи), но на манеру Фетти в наибольшей степени оказало знакомство с произведениями Караваджо и мастеров его круга, немецкого живописца А. Эльсгеймера, а также впечатления от произведений Рубенса.

Работы великого фламандца Фетти мог увидеть впервые в Риме во время обучения в иезуитском колледже, расположенном около палаццо Колонна, где работал библиотекарем брат Рубенса Филипп.

Картины Рубенса имелись и в собрании герцога Гонзага. Через известного римского патриция, маркиза А. Маттеи, представителя герцога Гонзага в Риме, Фетти познакомился с известными меценатами, коллекционерами, среди которых был и кардинал Монтальто, племянник папы Сикста V, настоятель церкви Сан Лоренцо ин Дамаско, где Фетти исполнил свою первую работу «Ангелы у изображения Мадонны с младенцем».

Светлые тона картины напоминали палитру Чиголи.

Фетти прожил недолгую жизнь, его творчество развивалось в период всего двух десятилетий 17 в.

В его живописном наследии произведения многих жанров — однофигурные композиции с аллегорическим или библейским персонажами, портреты, картины кабинетного формата на библейские, мифологические или аллегорические темы (в том числе и известный цикл из 12 или 13 картин на сюжеты из евангельских притч, хранящихся в различных европейских музеях), которые Фетти начал писать в конце своего пребывания в Мантуе.

Произведения Фетти не датированы, поэтому трудно установить последовательность их исполнения.

По всей вероятности, до 1613 года были созданы композиции с одним аллегорическим или библейским персонажем — «Меланхолия» (Лувр), «Давид» (Дрезден, Картинная галерея), «Артемизия» (Нью-Йорк, частное собрание), «Плачущий Св. Петр» (Вена, Художественно-исторический музей), «Самоубийство Клеопатры» (частное собрание). В образе Св. Петра художник, возможно, изобразил отца, обратившись к сюжету из книги «Слезы Св. Петра».

В Мантуе Фетти создал много алтарных образов в церквях, портретов членов семейства герцога.

Для монастыря Св.Урсулы, основанного супругой герцога Маргаритой Гонзага, им были исполнены росписи четырех люнетов (1619-20) с изображением эпизодов из ее жизни, а также в 1616-19 гг. — станковые композиции на темы истории Христа («Молитва в Гефсиманском саду», «Коронование тернием», «Христос среди солдат» — Рим, Галерея Кор-сини; «Приумножение хлебов и рыб» — Мантуя, Королевский дворец).
В Мантуе был создан портрет Винченцо Авогардо (Лондон, Букингемский дворец), регента одной из церквей; полотна «Поэт» (Лондон, Институт Курто); «Портрет Актера» (Эрмитаж), на котором, возможно, изображен комик Франческо Андреини с маской в руке, брат известного драматурга и актера Дж. Б. Андреини; «Портрет человека с золотым кубком и книгой» (ок. 1620, частное собрание), возможно, коллекционера Н. Авеллани, друга художника.

Фетти любил создавать камерные портреты, его привлекал разнообразный внутренний мир портретируемых, но в каждом образе присутствует и некоторая театрализация, тонко характерной деталью подчеркнут круг интересов человека, его социальное положение. Образы «поэтов», возможно, были созданы для украшения «Зала муз» во дворце герцога Гонзага. Поэты и музы изображены на стенах зала, как аллегории различных литературных жанров.
С придворной культурой Мантуи связано полотно «Геро и Леандр» (Вена, Художественно-исторический музей), написанное уже в Венеции, куда Фетти прибыл по поручению герцога Гонзага.

Живописно смотрятся фигура рыжеволосой наяды и желтый плащ Леандра в ночном морском пейзаже, напоминающем своей таинственностью полотна Эльсгеймера.

Еще в Мантуе художником была начата работа над циклом из 12 (или 13 полотен) для дворца в Мантуе на сюжеты из евангельских притч. Им самим с них было сделано много копий и повторений.

Назидательные сюжеты Фетти наполнил свежим человеческим содержанием, с житейской достоверностью, обилием конкретных деталей и с большой фантазией выстроив каждую сцену.

Они написаны с экспрессией и легкостью мазка, колорит каждой сцены эмоционально тонко способствует раскрытию смысла притчи. В «Притче о потерянной драхме» (Дрезден, Картинная галерея) свет поставленной на пол свечи таинственно освещает бедное крестьянское жилище, а в полотне «Притча о добром самаритянине» (там же) написанный в серой тональности пейзаж усиливает чувство сострадания к раненому иудею, чьи раны маслом и вином излечивает самаритянин.

Ценность прощения («Притча о блудном сыне»), сострадания, противопоставление добра и зла («Притча о злом рабе», Дрезден, Картинная галерея), щедрости и скупости («Притча о работниках на винограднике», частное собрание), бедности и богатстве преподносится художником в притчах без дидактики, с большим поэтическим тактом и умением превратить легендарное событие в конкретную обыденную сцену.

Замечательный рассказчик и тонкий колорист, Фетти превратил светотень в главный, воистину психологический фактор картинной фабулы, тем самым предвосхищая (к примеру, в знаменитой дрезденской Притче о потерянной драхме) характерные приемы Рембрандта.

Умер Фетти в Венеции 16 апреля 1623.
Источники: Википедия, Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона(1890-1907), Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”

Филиппов Константин Николаевич(Батальная живопись)

1830–1878

Филиппов, Константин Николаевич-академик исторической живописи, живописец-баталист, изображавший также и жанровые сюжеты.

Родился в 1830 году.

С 1850 по 1858 год обучался в Императорской Академии художеств под руководством профессора Богдана Павловича Виллевальде.

Во время обучения получил малую и большую серебряные медали за этюды с натуры, а в 1853 году малую золотую медаль за картину «Казаки, отбивающие у французов обоз в Отечественной войне 1812 года».

С началом Крымской войны Филиппов, будучи студентом Академии, был командирован в действующую против турок российскую армию для рисования эпизодов сражений и создания этюдов военных сцен.

В 1858 году за исполненную по академической программе картину «Военная дорога между Севастополем и Симферополем во время Крымской войны в 1855 году» (Третьяковская галерея, Москва) Филиппов был удостоен большой золотой медали.

После окончания Академии художеств Филиппов пробыл год в Варшаве для написания баталических картин по заказу наместника Царства Польского.

В 1859 году Филиппов отправился в пенсионерскую поездку от Академии за границу.

Художник проживал и работал сначала в Риме, где исполнил картины «Итальянская кузница», «Скачка на ослах в Тиволи» (собрание графа Уварова) и другие работы, а затем совершенствовался в Париже.

По возвращению в Россию в 1863 году, Филиппов совершил поездку на Кавказ для занятий живописью при генерал-губернаторе.

В 1865 году за картину огромного размера «Бегство болгар с Дуная по отступлении русских войск из-под Силистрии» Филиппов получил звание академика.

Константин Николаевич Филиппов был искусным рисовальщиком, вносившим в свои композиции неподдельную оживленность. Акварели художника, такие как, например, эскиз «Бегство болгар» (Русский музей, Санкт-Петербург), «Старик-итальянец с ослом», «Бараны, застигнутые бурей», «Крымская степь», равно как и карандашные рисунки (из которых многие литографированы в периодическом сборнике литографий Василия Федоровича Тимма «Русский художественный листок»), по уровню достигают качества картин, писанных масляными красками.

Последние годы своей жизни Филиппов Константин Николаевич провел на южном берегу Крыма, где и скончался в 1878 году.

По материалам: Русского биографического словаря А. А. Половцова и Энциклопедического словаря Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Филонов Павел Николаевич(Аналитический реализм)

1883-1941

Па́вел Никола́евич Фило́нов (8 января 1883, Москва — 3 декабря 1941, Ленинград) — русский, советский художник (художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), поэт, один из лидеров русского авангарда; основатель и теоретик аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.

Родился 8 января 1883 года в Москве. Родители Павла Николаевича были родом из Рязани, мать была прачкой, а отец кучером. Филонов рисовать начинал ещё в детстве, заодно с этим увлечением занимался танцами и вышиванием.

В 1897 году художник переезжает в Петербург и поступает в живописно-малярные мастерские и рисовальные классы для художников. В 1903 начинает учиться живописи в мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского.

После этого он начинает успешную карьеру художника. Первая его выставка состоялась на выставке «Союза молодёжи» со своей главной картиной – Головы.

Потом было много выставок и мероприятий, где он отличился и прославился такими своими картинами, как Пир Королей, Крестьянская семья, Мужчина и женщина и многими другими.

Параллельно с этим он занимается декорациями к различным постановкам, иллюстрацией к литературным сборникам футуристов и пишет статьи об искусстве.

Одной из нашумевших его статей стала «Канон и закон», в которой он яро выступил против кубизма и кубофутуризма.

У Филонова ярко отличимый от других свой стиль.

Одной из черт его стиля стала тема современного города, который представлялся художнику настоящим злом, которое убивает всё живое и доброе.

В 1927 году Филонов создаёт общество «Мастера аналитического искусства» (МАИ). В то время у него появилось множество учеников и приверженцев.

Он стал настоящим мастером авангарда. Вместе с этим у него было и немало противников и открытых врагов.

Например, выставка его картин, которая должна была состояться в Русском музее, была запрещена, после чего началась настоящая травля всего его коллектива, в результате чего МАИ была разогнано.

Художника обвиняли в создании непонятного, противного человеку искусства. Филонов оказался без работы, страшно бедствовал, но продолжал рисовать.

Место в интернете под названием oddoneout — настоящий сайт фотографа.

Профессиональные фотографы предложат портретную съёмку, свадебную или фото по вашему желанию.

Умер Филонов Павел Николаевич в первые дни блокады Ленинграда 3 декабря 1941 года.

Был похоронен на Серафимовском кладбище, вблизи церкви на 16 участке вместе с сестрой Е.Н.Филоновой-Глебовой.

Именно его сестра Евдокия Николаевна Глебова, хранила все его работы, а затем подарила Русскому музею, как и хотел её брат – великий русский художник.

По материалам: Википедия

Фиш Джанет/Janet Isobel Fish(Контемпорари Реализм)

1938–….

Джанет Фиш-современная американская художница.

Художница Janet Fish родилась 18 мая 1938 года в Бостоне, штат Массачусетс, является одной из наиболее известных и популярных современных американских художниц, работающих в жанре натюрморта.

Росла в творческой семье — мать скульптор, отец художник, ее дядя резчик по дереву. Выросла на Бермудских островах и рано поняла, что тоже хочет посвятить себя изобразительному искусству.

Закончила в 1960 Smith College, Northampton, Скоухеганскую школу искусств, в 1963 Йельский университет, Нью-Хейвен, штат Коннектикут.

Начинала с гиперреализма в духе Ральфа Гоинза, но постепенно оттаивала и светлела, наполнялась оптимизмом и солнечным светом.

Джанет Фиш говорит о себе как о художнике-реалисте, которому в живописи прежде всего интересен свет, насыщенный цвет, атмосфера и динамика.

Все композиции художницы полны движения и излучают положительную энергию, что и привлекает многочисленных поклонников её живописи.

Ее картины богаты яркими и насыщенными тонами, выполненные маслом и пастелью.

Основная тема — это живопись стеклянных объектов, фруктов и цветов, которые она виртуозно пишет с их отражением и светом, используя самую разнообразную палитру, но в то же время умело, передавая реалистичность объектов.

Джанет Фиш работает разными материалами от литографии и пастели до акрила, но в основном традиционно маслом на холсте.

Многое в ее работах напоминает русский натюрморт серебряного века – Петрова-Водкина и Головина. То же единство и гармония дробных составляющих деталей,то же светлое настроение.

При этом Фиш, однозначно, чисто американский художник, не отступающая от традиций фотографизма и гиперреализма.

Работая пастелью и маслом, Джанет Фиш получила широкую известность прежде всего благодаря своим роскошным натюрмортам со сверкающей стеклянной посудой, фруктами и цветами.

В 1993 году она получила американскую Премию за достижения художника (American Artist Achievement Award/Oils) .

За свою долгую жизнь Фиш сделала сотни шедевров, большинство из которых находятся в музеях и частных собраниях.

Музеи начали покупать картины Джанет еще в 70-тых.Ее картины можно встретить в Художественном институте Чикаго, Бостонский музей изящных искусств, в Нью-Йорке в Музее американского искусства Уитни.

Джанет Фиш (Janet Fish) получила диплом бакалавра гуманитарных наук в Колледже Смита (Smith College) и степень магистра в области изобразительного искусства в Йельском университете (Yale University).

Джанет Фиш работает в своих студиях в Нью-Йорке и Мидлтаун Спрингс в Вермонте (Middletown Springs, Vermont).
По материалам: Энциклопедия современной американской живописи. Сайт художницы

Фишер Пауль Густав/Paul Gustave Fischer(Городской пейзаж, Ню)

1860– 1934

Пауль Густав Фишер ( 22 июля 1860 , Копенгаген — 1 мая 1934 Гентофте ) датский художник .

Пауль Густав Фишер принадлежит к четвертому поколению семьи, которая приехала в Данию из Польши.

Семья представляла собой верхушку среднего класса.и была достаточно обеспеченной.

Отец Павла начинал как художник , но позже занялся бизнесом по производству красок и лаков .
Его формальное художественное образование длилось недолго — он провел два года в Королевской датской академии искусств в Копенгагене.

Фишер начал рисовать , еще в юности под руководством своего отцом ,но именно благодаря своим творческим контактам с молодыми датскими натуралистами, его мастерство начало стремительно расти.

Его ранние картины изображают жизнь города.

После пребывания в Париже с 1891-1895 , его цветовая палитра стала богаче и легче.

Незадолго до того, Фишер получил известность как художник городских пейзажей, изображавший не только родной Копенгаген , но и городские сцены других городов Скандинавии, а иакже Италии и Германии.

Апогей его творческого успеха приходится на период между 1890 и 1910 году. Примерно в это время он также рисует яркие и солнечные сцены купания, некоторые с обнаженными женщинами.

Вдохновленный Теофилем Стейнленом и Анри де Тулуз-Лотреком у него появляется интерес к технике плакатной живописи .

В период, когда он активно работал, а датском изобразительном искусстве доминировал Лауритс Туксен .Несмотря на отсутствие широкого прижизненного признания Фишера, его искусство всегда хорошо продавалось .

Фишль Эрик/Fischl Eric(Современный реализм)

1948–….

Эрик Фишль (англ. Eric Fischl; род. 9 марта 1948 г. Нью-Йорк) — современный американский художник, представитель реалистического направления.

Фишь родился в Нью-Йорке в 1948 году и вырос на пригородном Лонг-Айленде , его семья переехала в Феникс, штат Аризона в 1967 году.

Его художественное образование началось в колледже города Феникс , затем год в университете штата Аризона , затем Калифорнийский институт искусств в Валенсии, штат Калифорния .Затем он переехал в Чикаго , утроившись на работу в качестве охранника в Музее современного искусства .

В 1974 Эрик Фишль преподавал курс живописи в Колледже искусств и дизайна в Новой Шотландии. Там Фишл и встретил художнцу Эприл Горник, с которой вернулся в Нью-Йорк в 1978 году и на которой позже женился.

Фишль долгое время работал и проживал в Нью-Йорке. Вместе с женой, мастером пейзажа, Эприл Горник, они делили на двоих дом и студию. Кроме того, Фишль работал старшим экспертом и критиком в Нью-Йоркском отделении американской Академии искусств.
В 1974 Эрик Фишль преподавал курс живописи в Колледже искусств и дизайна в Новой Шотландии. Там Фишл и встретил художнцу Эприл Горник, с которой вернулся в Нью-Йорк в 1978 году и на которой позже женился.

Фишль долгое время работал и проживал в Нью-Йорке. Вместе с женой, мастером пейзажа, Эприл Горник, они делили на двоих дом и студию. Кроме того, Фишль работал старшим экспертом и критиком в Нью-Йоркском отделении американской Академии искусств.

Некоторые из ранних работ Фишла раскрывают тематику юной сексуальности и вуаеризма, например, картина «Лунатик» (1979), которая изображает юного мальчика, занимающегося мастурбацией в детской ванной.

Картины «Дрянной мальчишка» (1981) и «День рождения» (1983) изображают молодых мальчиков, смотрящих на взрослых женщин, расположенных в провокационных и откровенно сексуальных позах.

Когда смотришь на картины Эрика Фишла, возникает ощущение, что в детстве он только и делал, что смотрел фильмы нуар и запоем читал классика психоанализа, господина Зигмунда Фрейда. И дело здесь даже не в тематике самих работ, большинство из которых, к слову, достаточно инцестуальны.

Постоянные намеки и забавные аллюзии, вроде связки бананов на первом плане картины; мизансцены, почти детально списанные с фильмов Анджея Вайды и Брайана де Пальма, соединяют явную иронию с мрачной патетикой. На работы Фишла хочется долго смотреть, конструируя их и разгадывая смысл каждой детали. Вместе с тем, многие из работ вызывают почти физическое ощущение дурного сна, который нужно немедленно отринуть, но не удаётся.
В 2002 Фишль сотрудничает с музеем Хаус Эстерс в Крефельде в Германии. Организует размещение многих выставок.

Фишль обустраивал часть музея как жилой дом, нанимал модели для проживания и имитации семейной жизни в течение нескольких дней в этом доме-музее. Художник сделал более 2 000 фотографий, некоторые из них в дальнейшем использовал в качестве сюжета для ряда картин.

Одна из них, монументальная картина 2004 года «Крефельдский Проект, Спальня 6» (Преодоление предназначенного падения) была куплена Полом Алленом.

В 2006 эти картины Фишла совместно с пастелями Дега (в различных сочетаниях и сравнениях) были выставлены в Double Take Exhibit, проводимой в рамках Experience Music Project.

Это был уже не первый случай, когда работы Фишла сравнивали с картинами Дега.

Двадцатью годами ранее, рассматривая выставку тридцати картин Фишла в Музее Уитни в Нью-Йорке, Джон Расселл написал в Нью-Йорк Таймс, «Дега в своих картинах живописует пикантную ситуацию с несравнимой тонкостью и проницательностью, оставляя зрителя в раздумьях.Это также свойственно и манере живописи Эрика Фишла, хотя общество, в котором он живет, наполнено насилием и неструктурированным зверством, сильно отличающимся от приятно калиброванной жестокости Дега.»

Источники: Википедия, Официальный сайт художника.

Флавицский Константин Дмитриевич(Исторический жанр)

1830–1866

Константин Дмитриевич Флавицкий (13 (25) сентября 1830, Москва — 3 (15) сентября 1866, Санкт-Петербург — российский исторический живописец.

Родился в 1830 году в Санкт-Петербурге в небогатой семье.

Художественное образование получил в Императорской академии художеств и числился в ней учеником профессора Ф. А. Бруни.

Получив от Академии серебряные медали за рисунки и этюды с натуры, был в 1854 награждён малой золотой медалью за написанную по конкурсу картину «Суд Соломона».

Через год после того окончил академический курс с званием художника XIV класса и с большой золотой медалью, присужденной ему за исполнение программы «Дети Иакова продают своего брата, Иосифа», и отправился в Италию в качестве пенсионера Академии.

Художник пробыл за границей шесть лет с 1856 по 1862 год.

По возвращении своем в Россию Флавицкий был признан почетным вольным общником Академии за исполненную в Риме колоссальную картину «Христианские мученики в Колизее» (Государственный Русский музей, Санкт-Петербург).

На академическую выставку 1864 года Флавицкий представил картину «Княжна Тараканова» (Третьяковская галерея, Москва), которая была встречена благосклонной критикой и одобрением знатоков искусства и массы публики.

Но талантливому живописцу не суждено было ознаменовать свою деятельность другими замечательными произведениями.

Уже в то время, когда он трудился над полотном «Княжна Тараканова», его здоровье было сильно подорвано чахоткой, зародившейся в Италии и развившейся в петербургском климате.

Надеясь найти спасение от болезни на юге Европы, он собирался ехать туда, но прежде чем успел отправиться в путь, умер.

Похоронен на некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.

Творческое наследие Флавицкого свидетельствуют о том, что этот талантливый художник вдумчиво относился к своим сюжетам, обладал редким даром композиции и был особенно силен в колорите.

По материалам: Русского биографического словаря А. А. Половцова и Энциклопедического словаря Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Флиер Карл(Karl Flieher)

1881–1958

Карл Флиер(Karl Flieher)-выдающийся австрийский пейзажный живописец. Родился в семье служащего.
Интерес к живописи начал проявлять в раннем детстве.

Академического образования не получал.
Карл Флиер является автором изумительных пейзажей, изображавших австрийские ландшафты.

Художник жил на рубеже 19-го и 20-го веков и был не только мастером пейзажа, но и искренне любящим свою страну человеком.

Все это он с успехом отражал в своих потрясающих работах

Флондор Константин/Constantin Flondor(Абстракционизм, Оп-Арт)

1936–….)

Школа или группа: Prolog Group, Sigma Group, 111.

Константин Флондор — один из известных европейских художников румынского происхождения.Живет и вы работаете в Тимишоаре.

С 1991 до 2002 был профессором на факультете искусств Западного университета Тимишоары .

Он является одним из основателей группы Пролог ( 1985 , с Полом Герасима , Хория Bernea , Ион Григореску , Мэтью Лэзэреску , христианской Paraschiv , Хория Pastina и Майкл Sârbulescu ). Живописца в некотором смысле можно назвать настоящим буковинцем.

Флондор Константин — потомок выдающегося буковинского художника первой половины ХХ ст. Николая Ивасюка.

Родился будущий художник тоже в Черновцах в 1936 году. После прихода на Буковину Советского Союза его семья вынуждена была эмигрировать в Румынию.

Поэтому профессиональное образование Константин Флондор получил уже в Румынии, в Институте искусствоведения им. Николае Григореску.

По окончании учебы художник занимался педагогической деятельностью в Румынии и Германии.

Параллельно с преподавательской работой мастер активно занимался живописью и художественной фотографией, и на протяжении своей творческой карьеры презентовал собственные произведения во многих европейских странах.

Благодаря персональным выставкам, а также участию в коллективных экспозициях, пленэрах, биеннале и триеннале, творчество румынского художника получило многочисленные одобрительные отзывы от ведущих искусствоведов Европы и Румынии.

Отдельная и очень важная страница его творческой жизни — членство и участие в основании художественных группировок «1+1+1» (1966 — 1969 гг.), «Сигма» (1969 — 1981 гг.) и «Пролог» (с 1985 г.), в которых он, вместе с единомышленниками, воплощал в жизнь собственные творческие методы и принципы.

Источники: Википедия.

Флора-Каравиа, Талия/Καραβία-Φλωρά Θάλεια(Импрессионизм, Экспрессионизм)

1871–1971

Талия Флора-Каравиа (греч. Θάλεια Φλωρά-Καραβία Сиатиста, 1871 — Афины, 1960) — одна из самых значительных и производительных греческих художниц .

Её работы ещё полностью не охвачены каталогами.

Но её работы маслом, превышают 2.500, в то время как она является автором большого числа рисунков и акварелей .

Биография:

Родилась в 1871 году в городке Сиатиста, в тогда ещё под османским контроле регионе Западная Македония, в семье священика.

В 1874 году отец перевёз семью в Константинополь .

Здесь она закончила греческий пансион благородных девиц Заппаса, в 1888 году.

Попыталась поступить на факультет живописи в Афинскую школу Искусств (впоследствии Афинская школа изящных искусств), но школа отказалась принять её по причине того что она была женщиной .

В результате она училась живописи в Мюнхене, у Гизиса и у Яковидиса, а затем в Париже.

В 1898 году она вернулась в Константинополь, чтобы заняться живописью профессионально .

В 1907 году переехала в город Александрия, Египет, где прожила 30 лет. Здесь она вышла замуж за Никоса Каравиаса, издателя греческой газеты Эфимерис.

В Александрии создала и руководила школой живописи, имевшей значительное признание в греческой колонии города .

В период Балканских войн, она последовала за греческой армией в её походах, как корреспондентка газеты издаваемой её мужем, и отразила множество военных сцен в рисунках углем, и пастелях, .

Свои впечатления от событий той эпохи она описала впоследствии в своей книге Впечатления с войны 1912—1913 годов : Македония-Эпир (изд. Моисиаду -Марда , Афины 1936). Она последовала также за греческой армией в её походе в Малую Азию (1918—1922).

Вернулась в Грецию вместе с мужем окончательно в 1939 году .

С началом греко-итальянской войны в 1940 году вновь отправилась на фронт запечатлев сцены и этой войны Талия Флора Каравиа умерла в Афинах в 1960 году

Творчество:
Кроме своих военных зарисовок , Флора-Каравиа стала в равной степени известной своими примерно 500 портретами .

Среди портретов известных личностей поэт Κ.Кавафис, писательница Александра Пападопулу и др.

Она также иллюстрировала книги и занималась журналистикой .

Характерны слова который в своё время сказал её мужу Бюлькат, Мехмет Эсат оборонявший от греческой армии город Янина (см Битва при Бизани): «пока ты выкурил одну сигарету твоя госпожа набросала три эскиза».

В целом, работа Флора-Каравиа включается в так называемую «академическую Школу Мюнхена «, но в её картинах много света и цвета что характерно для импрессионистов. „Работаю импрессионистски (sic)“, говорила художница в своём интервью в 1955 году.

Однако в последних своих послевоенных работах она ушла и от импрессионизма, и обратилась к экспрессионизму.

За её вклад в живопись, художница была награждена Серебряной медалью Афинской академии наук в 1945 году и Крестом командора (Орден Добродетели) в 1954 году.

Её работы выставлены в Национальной галере Греции, в Национальном историческом музее, в Муниципальной галерее города Янина, в галерее Э. Авероф (Мецово), и др.

Значительная часть её военных рисунков находится в Штабе 3-го Корпуса армии в македонской столице городе Фессалоники и в Военном музее Афин.

Портрет матери (1906, Афины частная коллекция)

Дусманис, Виктор, Рисунок 1913, Афины, Коллекция Г.Ероянниса).

Портрет английского офицера (Афины, частная коллекция.)
(дриада) Амадриас (Αμαδρυάς Фессалоники, Торговая и промышленная палата)
Константинополь, Афины, Национальная галерея

Благодатный огонь («Δεύτε λάβετε φως» ,Фессалоники, Галерея общества Македонских исследований)

По материалам: Википедия.

Флорис Франс/Floris Frans(Маньеризм)

1516–1570

Франс Флорис (нидерл. Frans Floris, правильнее Frans «Floris» de Vriendt, 1520,Антверпен—1 октября 1570, Антверпен) — голландский живописец и гравер XVI века.

Сын резчика по камню Корнелиса Старшего де Вринда (умер в Антверпене в 1538).

Брат известного архитектора и скульптора Корнелиса Младшего де Вринда (1513/14—1575).
Работал преимущественно в Антверпене.

Вначале готовился в своем родном городе, Антверпене, к карьере скульптора, но потом, будучи 20 лет от роду, поступил в школу живописца Ламберта Ломбарда в Люттихе, по выходе из которой в 1540 г. был принят в члены антверпенской гильдии св. Луки.

Вскоре за тем отправился в Италию, где усердно изучал произведения Микеланджело и других мастеров цветущей эпохи Возрождения, а также антики.

По возвращении своем в 1547 г. в Антверпен стал настолько популярен, что был прозван «несравненным» и приобрёл огромное число учеников, благодаря которым его манера довольно долго господствовала в брабантской живописи.

Писал религиозные, мифологические и аллегорические картины в духе итальянцев, стараясь походить в особенности на Микеланджело благородством композиции, точной передачей анатомии фигур, сильным обозначением их мускулатуры и оживленностью их движений, но при этом нередко впадал в преувеличения и безвкусие.

После возвращения на родину в 1547 году Франс Флорис написал ряд больших картин для загородных домов и вилл испанских дворян и представителей антверпенской знати.

Творчество живописца Франса Флориса связано с поздним периодом романизма, когда образцом для нидерландских художников стали довольно усредненные нормы, почерпнутые в искусстве Микеланджело и итальянских маньеристов.

Влияние стиля Микеланджело, Джорджо Вазари, Джулио Романо достаточно явно проступают в таких произведениях художника Франса Флориса, как “Пиршество богов”,(1550,Королевский музей изящных искусств, Антверпен), “Битва с мятежными ангелами” (1554, там же) и “Страшный Суд” (1565, Музей истории искусства, Вена), отмеченных бурной, патетической динамикой, резкими, порой вычурными ракурсами, переполненных обнаженными атлетическими фигурами.

Невоздержанная любовь к крепким напиткам не мешала ему трудиться усердно, вследствие чего его картины встречаются теперь почти во всех больших музеях.

Многие картины живописца были утрачены во время революционных волнений в Нидерландах во второй половине шестнадцатого столетия.

Самый ранний существующий холст Франса Флориса — “Марс и Венера, застигнутые Вулканом во время любовных утех” хранится в берлинском музее (1547).

Картины Франса Флориса находятся также в музеях Антверпена, Копенгагена, Дрездена, Флоренции, Мадрида, Санкт-Петербурга, Вены и других городов.

В Государственном Эрмитаже он представлен двумя картинами: аллегорией «Три возраста» и «Св. Семейством».

Брат этого художника, архитектор Константейн Ф., известен как соорудитель антверпенской ратуши.

Скончался Франс Флорис в родном городе Антверпене 1 октября 1570 года.

По материалам: Википедии, Энциклопедического словаря Брокгауза Ф.А. и Ефрона И.А.

Флэк Одри/Audrey Flack( Абстрактный Экспрессионизм,Гиперреализм)

1931–….

Одри Флэк (Audrey Flack) — американская художница, фотограф и скульптор.Влияние: Франц Клайн, Ральф Гоингс.

Родилась в 1931 году в Нью-Йорке.

В 1952 году окончила Yale University и получила степень бакалавра изящных наук, а в 1953 году — Institute of Fine Arts., училась у Йозефа Альбертса.

Получила почётную докторскую степень Купер Юнион.

В своих ранних работах Флэк отдавала предпочтение абстракционизму. Её ранние работы неоднократно отмечались Францем Клайном, позднее художница стала писать в более реалистичной манере, постепенно став родоначальницей жанра фотореализм.

Работы Одри Флэк, которая считается одним из новаторов живописи в стиле гиперреализм, зрители впервые увидели в конце 1960-х годов прошлого века.

Это были невероятно реалистичные картины, изображавшие портреты популярных кинозвезд, окруженные самыми обыденными предметами.

Для того, чтобы попасть в коллекции многих музеев современного искусства, Одри Флэк достаточно было лишь продолжать развивать свой успех.

Она часто использовала в своих картинах раскрашенные черно-белые фотографии, а также изображала фрукты, пирожные, шоколад, нитки жемчуга, губную помаду, тюбики с краской, бокалы вина – то есть все, что оказывалось под рукой.

В серии работ под общим названием «Колесо Фортуны» (1977-78) Флэк изображает колоды игральных карт и другие предметы, связанные с азартными играми.

Чтобы показать зрителю всю опасность увлечения играми, Одри Флэк помещает в картину зеркало и человеческий череп – как напоминание о том, к чему может привести эта пагубная привычка.

Награждена медалью Санкт Gaudens от Cooper Union, и почетным званием профессора Университета Бриджпорта.

Она является почетным профессором университета Джорджа Вашингтона приглашённым профессором университета Пенсмльвании.Одри Флэк много преподаёт и ваступает с лекциями на национальном и международном уровнях .

Флэк живет и работает в Нью-Йорке и Лонг-Айленде..

Источники: Сайт художника

Фонтана Лавиния/Fontana Lavinia(Маньеризм и Барокко)

1552–1614

Лавиния Фонтана (итал. Lavinia Fontana; 24 августа 1552, Болонья — 11 августа 1614, Рим) — итальянская художница болонской школы.

Лавиния дочь художника Просперо Фонтана. Просперо был успешным живописцем, который работал в Риме и Флоренции.

В качестве художника-портретиста Просперо Фонтана был представлен самим Микеланджело папе Юлию III и некоторое время даже получал жалованье от папского престола.

Лавиния рисовала в основном портреты и картины на религиозные и мифологические темы, которые иногда включали женские фигуры.

В течение 20 лет, начиная с 1580-х, Лавиния достигла большой известности как автор портретов дам высшего общества Болоньи.

Ее стиль характеризует осторожное внимание к деталям одежды и драгоценностей с пониманием индивидуальности изображаемого.

Рисовала она также многих важных особ, преподававших в Университете Болоньи.
Фонтана имела большой успех, ее картины были известны во всей Италии.

Тем самым она стала первой женщиной из Болоньи, которая достигла популярности во всей стране.

Лавиния была очень плодовитой художницей, несмотря на то, что являлась матерью одиннадцати детей,только трое из которых пережили свою мать. Она нарисовала 135 картин.
Самая ранняя известная работа Лавинии, «Ребенок обезьяны» (Monkey Child), была написана в 1575 в возрасте 23 лет.

Однако эта картина была потеряна.
Первым произведением, которое датируется 1575 годом, считается небольшая картина для личных молитв — «Святое семейство» (Дрезден).

Другая ранняя работа «Христос с символами страсти» (Christ with the Symbols of the Passion), написанная в 1576 году, находится сейчас в Музее искусств Эль-Пасо.

В возрасте 25 лет Лавиния Фонтана вышла замуж за художника, выходца из благородной семьи, Жан Паоло Цаппи.

С будущим мужем Фонтана познакомилась в мастерской своего отца. После вступления в брак, Фонтана продолжает заниматься живописью, чтобы прокормить свою семью.

Когда к Лавинии пришла известность, Жан Паоло, поборов свои профессиональные амбиции, стал управлять их домашним хозяйством и помогать жене в творчестве.

В 1603 г. после смерти отца, Лавинию пригласил на аудиенцию в папском дворце Римский папа Климент VIII. Это была редкая честь, особенно для художника-женщины.
По просьбе Папы она выполняет свою наиболее известную и крупнейшую работу — 20-футовый алтарный образ «Мученичество Святого Петра» (1604).

Алтарь украсил один из семи центров паломничества в Риме — церковь Сан-Паоло Фьори ле Мура. К сожалению, в 1823 г.

В церкви случился пожар, и картина погибла в огне.

В 1604 году Лавиния вместе с огромной семьей переезжает в Рим и становится официальной художницей-портретисткой в суде Римского папы Павла V. Здесь она добилась многих почестей, покровительство Buoncompagni, членом которой был будущий Папа римский Грегорий XIII.

Лавиния стала первой женщиной, избранной в престижную римскую Академию художеств.
В 1611 году скульптор и архитектор Феличе Антонио Кассони преподнес ей бронзовую медаль с ее портретом в честь ее вклада в искусство.

На лицевой стороне медали находится портрет художницы в профиль, на оборотной она изображена в образе Аллегории Живописи с распущенными волосами.

Лавиния Фонтана умерла в Риме 11 августа 1614 года.

Фактически, Фонтана считается первой женщиной в Западной Европе, которая сделала профессиональную карьеру, как художник, работающий вне женского монастыря, наравне с коллегами-мужчинами.

Историки утверждают, что Лавиния написала 135 картин, известных сегодня.

При этом более чем 100 работ зарегистрированы в различных ранних источниках (архивы, каталоги), но только 32 работы из них подписаны художницей.

Есть еще 25 картин, которые приписываются ей.
Некоторые из ее портретов были традиционно приписаны Гвидо Рени.

Только в 1998 году профессор университета Болоньи Вера Фортунати организовала первую выставку полотен Лавинии Фонтана в Национальном музее искусств в Вашингтоне.

По материалам:Википедия, Энциклопедия мирового искусства, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”.

.

Фонтанези Антонио/Fontanezi Antonio(Маккьяйоли)

1818-1882

Фонтанези Антонио (Fontanesi, Antonio) 1818, Реджо Эмилия — 1882, Турин. Итальянский живописец, гравер Родился 23 февраля 1818 года.

Учился Антонио Фонтанези у Мингетти в Школе искусств Реджо Эмилии. В 1847 году художник переехал в Турин.

В 1848 Антонио Фонтанези принял участие в событиях Рисорджименто в Турине и Милане, эмигрировал в Швейцарию, где работал в Лугано (1848—1850) и Женеве (1850), испытав влияние А. Калама.
В картинах 1840—1860-х годов «Утро» (1858, Турин, Городская галерея), «Горная тропа» (Санкт-Петербург, Эрмитаж), «У источника» (1867, Рим, Национальная галерея современного искусства), «Вечер», «Серое небо», «Луг среди тополей» (все — Турин, Городская галерея) виды равнинного ландшафта Пьемонта переданы в манере тональной живописи «пейзажа настроения» середины 19 века.

В середине 1850-х Антонио Фонтанези посетил Францию, познакомился с Коро, Добиньи, мастерами барбизонской школы.С 1861 жил во Флоренции, сблизившись с мастерами «Школы маккьяйоли». Картины начала 1860-х годов, исполнены художником в манере пленэрной живописи «маккьяйоли»: «Мельница» (Турин, Городская галерея), «Закат на Арно» (Флоренция, галерея Питти), — более правдиво и непосредственно передают виды окрестностей Флоренции.

В 1870-е Антонио Фонтанези вновь возвращается к манере тонального пейзажа. В картинах «Апрель» (1873), «На По», «Осень в Дельфинато» (все — Турин, Городская галерея), «Облака» (Турин, частное собрание) с лиризмом воссозданы пейзажные мотивы, увиденные художником в моменты летнего вечернего освещения, пасмурного осеннего дня или полной весеннего пробуждения природы.

Свои пейзажи Фонтанези переводил в офорт и литографию.

В 1868 преподавал в Лукке, а с 1869 возглавил кафедру пейзажной живописи в туринской Академии Альбертина.

В 1875—1878 жил в Японии, преподавая живопись в Академии художеств Токио.

С 1878 продолжил преподавательскую деятельность в Академии Альбертина. Писал пейзажи, занимался офортом и литографией.

Графика художника оказала влияние на творчество многих итальянских мастеров 2-й половины 19 века, в частности на Джованни Фаттори.

Скончался Антонио Фонтанези 17 апреля 1882 года.

Источники: Википедия, Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи, Большая иллюстрированная энциклопедия “Мастера мировой живописи”, Энциклопедия Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.

Фордемберге-Гильдеварт, Фридрих/Friedrich Vordemberge-Gildewart(Неопластицизм)

1899–1962

Фридрих Фордемберге-Гильдеварт, урожд. Фридрих Фордемберге (нем. Friedrich Vordemberge-Gildewart; 17 ноября 1899 г. Оснабрюк — 19 декабря 1962, Ульм) — немецкий художник, скульптор и писатель.

Школа или группа: Креативная абстракция, Круг и Квадрат, Degenerate art. Жанр: абстрактная живопись.

Жизнь и творчество:

Ф.Фордемберге начинал профессиональную деятельность как ученик столяра, у своего отца.

В 1919 году он поступает в Высшую школу Ганновера, где изучает архитектуру, скульптуру и живопись.

В это время художник сотрудничает с авангардистским журналом «Der Sturm».

В 1919—1922 годах Ф.Фордемберге-Гильдеварт создаёт абстрактные коллажи и барельефы, а с 1923 — и абстрактные картины.

В Ганновере художник знакомится с такими мастерами живописи, как Курт Швиттерс, Оскар Шлеммер, Василий Кандинский, Ганс Арп. В 1924 году он в Ганновере же встречает Тео ван Дусбурга, под влиянием которого Фордемберге-Гильдеварт вступает в художественную группу «Стиль».

В 1927 году Ф.Фордемберге-Гильдеварт, совместно с Швиттерсом, Гансом Ницшке, Карлом Буххейстером и Рудольфом Янсом основывают художественную группу «абстрактный ганновер», которая позиционирует себя как международное объединение экспрессионистов, футуристов, кубистов и конструктивистов.

В 1932 году он становится членом группы «Абстрактное творчество» (Abstraction-Creation).

Группа была создана в Париже художниками и скульпторами Наумом Габо, Антуаном Певзнером, Огюстом Эрбеном, Тео ван Дусбургом и Жоржем Вантонгерло.

В 1936 году художник приезжает в Берлин, в 1937 году эмигрирует в Швейцарию, а затем в Амстердам, где живёт до 1954 года.

В нацистской Германии его работы были объявлены относящимися к «дегенеративному искусству».

С 1954 по 1962 год мастер работает в Высшей художественной школе Ульма.

К творческому наследию Ф.Фордемберге-Гильдеварта относятся не только его картины, но и барельефы, коллажи и фотомонтаж.

Работал он также как театральный художник, дизайнер помещений и мебели.

Вплоть до начала Второй мировой войны в 1939 году мастер участвовал в многочисленных международных художественных выставках в Париже, Лондоне и Нью-Йорке.

Участник также выставок современного искусства документа І (1955) и документа ІІ (1959) в Касселе. Умер художник 19 декабря 1962 года в германии в возрасте 63 лет.

Источники:Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика

Форен,Жан Луи(Forain, Jean Louis)

1852–1931

ФОРЕН, ЖАН ЛУИ (Forain, Jean Louis) (1852–1931), французский живописец, литограф, гравер и карикатурист, воспринявший традицию О.Домье. Родился 23 октября 1852 в Реймсе, Из семьи ткачей. В 1860 приехал c родителями в Париж. Учился в Высшей школе изящных искусств у Карпо и Жерома. Участвовал во Франко-прусской войне. Дружил с Верленом и Рембо, Моне, Мане и Дега.
В первых картинах Форена, таких как Буфет (1884), чувствуется сильное влияние Мане и Дега. Постепенно художник начал заниматься рисунком и литографией для юмористических журналов. Известность ему принесла публикация около 250 литографий под названием Парижская комедия. Элегантная и порочная городская жизнь и лицемерие судей, как и в работах Домье и Гаварни, были главными темами Форена. Несколько раз выставлялся с импрессионистами. Отвергнутый жюри Салона в 1874 году, Форен представил там свои картины в 1884 и 1885 годах
Первая персональная экспозиция состоялась в 1893 в галерее Воллара. . Он участвовал в выставках “Группы двадцати” и “Свободой эстетики”.
В 1921 подарил Реймсу большое собрание своих рисунков.
В последние годы жизни он обратился к библейским сюжетам и создавал офорты и живописные полотна в манере подражания Рембрандту. Умер Форен в Париже 11 июля 1931. Похоронен в городке Шене под Версалем
Творчество:
Острый карикатурист, наблюдательный критик общественных нравов. По манере наиболее близок к Домье, Дега, Тулуз-Лотреку, у них немало общих мотивов (балет, скачки, суд, цирк, бордель и др.).
Признание:
Член Академии изящных искусств Франции (1923), Британской Королевской академии (1931).
Наследие:
Работы Форена представлены во многих крупных музеях мира, три из них — в Эрмитаже.

Фортуни Мариано

1838–1874

Мариа́но Фортуни (кат. Marià Fortuny i Marsal, Мариа́ Фортунь-и-Марсаль, полное имя — Мариа Жозеп Мария Бернат Фортунь-и-Марсаль; 11 июня 1838, Реус — 21 ноября 1874, Рим) — испанский художник, один из лидеров романтического ориентализма.

Отец дизайнера Мариано Фортуни-и-Мадрасо.

Биография:

Родился 11 июня 1838 года в Реусе (Каталония) в бедной семье. Учился в начальной школе в родном городе, где и начал заниматься искусством. В 1850 году после смерти родителей остался на попечении дедушки-столяра, создавшего коллекцию фигур из воска и путешествовавшего с ней из города в город. Юный Мариано помогал деду, моделируя и раскрашивая большую часть фигур.

В 1852 году попал с дедушкой в Барселону, где его ручные работы произвели большое впечатление на некоторых влиятельный людей города: они обратились в муниципалитет с просьбой выделить Мариано пособие для дальнейшего обучения (в размере сорока двух франков ежемесячно).

В 1853 поступил в Высшую школу изящных искусств в Барселоне, где на протяжении четырёх лет учился у Клаудио Лоренсале. В марте 1857 года получил учёную степень и продолжил образование в Риме. Работал в Барселоне, Гранаде, Севилье, Париже (в 1860 и 1866—1867).

Сначала работал под влиянием мастеров барочной живописи, из современников — Мейсонье.

Первые поездки в Марокко были связаны с начавшейся войной между Испанией и императором Марокко и с заказом властей Барселоны на картину «Битва при Тетуане» (1862, Музей современного искусства, Барселона).

Фортуни посетил Париж также в 1868 году. Вернувшись, женился на дочери Федерико Мадрасо, директора королевского музея в Мадриде. После очередного посещения Парижа в 1870 году и двухлетнего пребывания в Гранаде, возвратившись в Рим, Фортуни умер от малярийной лихорадки 21 ноября 1874 года.

Творчество:

Особенностью многих работ Фортуни являются искусно исполненные старинные вещи — это следствие увлечения художника антиквариатом («Ваза Фортуни», Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Тематически творчество Мариано Фортуни можно разделить на две части — «марокканскую» и «испанскую». К «марокканской», обеспечившей ему лидерство среди художников-ориенталистов, можно отнести такие работы, как «Арабская фантазия» (1867, Галерея искусств Уолтерс, Балтимор) и «Заклинатели змей» (1870, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва); к «испанской», изображающей сцены национального быта, — «Викарий» (1870, Музей современного искусства, Барселона).

Фра Беато Анджелико/Fra Giovanni da Fiesole (Guido di Pietro)(Раннее Возрождение)

1400–1455

Фра Беато Андже́лико (Анжелико, итал. Fra Beato Angelico, букв. «брат Блаженный Ангельский», собственное имя Гвидо ди Пьетро, итал. Guido di Pietro, имя в постриге Джованни да Фьезоле), (1400—18 февраля 1455) — итальянский художник эпохи Раннего Возрождения, доминиканский монах.Школа или группа: Флорентийская школа. Жанр: религиозная живопись.

Вазари назвал художника «Ангельским» (итал. Angelico); благодаря ему художник стал известен под именем Фра (брат, монах) Анджелико.

Очень рано его стали называть Беато Анджелико, то есть Блаженный Анджелико, но Ватикан официально причислил его к лику блаженных только в 1984 году, и он стал считаться небесным покровителем всех художников.
Биография и творчество:

Родился в 1400 году в Виккьо нель Муджелло (Vicchio nell Mugello, близ Флоренции). Вступил в доминиканский монастырь в Фьезоле в 1418 году.

Учитель неизвестен. Начинал деятельность с иллюстраций религиозных книг. Работа с крупными формами началась с росписи алтарей в 1428? — 1433 году монастыре Сан Марко (Флоренция), когда несколько монахов из Фьезоле переехали во Флоренцию, чтобы расписывать отстроенный Миккелоццо монастырь.

С 1438 по 1445 художник расписал фресками флорентийский монастырь Сан Марко. Этот монастырь, переданный доминиканскому ордену папой Евгением IV, был перестроен архитектором Микелоццо по заказу герцога Козимо Медичи.

Тематика росписей связана с доминиканским орденом, его историей, уставом, особо почитаемыми святыми. Примером могут служить фрески клуатра (Мертвый Христос; Христос в образе странника, которого принимают два доминиканских монаха; Св. Петр Мученик (главный святой доминиканцев); Св. Доминик, стоящий на коленях у Распятия).

В зале капитула Фра Анджелико написал большую композицию Распятие с двумя разбойниками по сторонам от Христа и толпой святых всех эпох христианства, собравшихся у подножия креста. Их скорбные лики обращены к земле, ни один не смотрит вверх на Христа; художник изобразил Распятие не как историческое событие, а как мистический образ, живущий в человеческом сознании.

Фрески монастыря Сан Марко наполняет дух Подражания Христу — мистического религиозного трактата, написанного каноником-августинцем Фомой Кемпийским. Каждая келья тоже была украшена фресками, которые предназначались для назидания братии, например композиция Осмеяние Христа. Настроению этих фресок соответствуют простота и спокойная сдержанность живописи.
В 1445 году Анджелико вызвал в Рим папа Евгений IV расписывать фрески ныне несуществующей церкви Крещения в Ватикане.

Последние десять лет жизни Фра Анджелико провел в Риме, где он украсил фресками капеллу папы Николая V (1445-1448).В 1447 году со своим учеником Беноццо Гоццоли расписывал фрески церкви в Орвието, а в 1447—1450 годах — стены капеллы Никколина во дворце пап в Ватикане.

Сюжетами росписей стали фрагменты житий св. Лаврентия и св. Стефана. По замыслу это были скорее повествовательные сцены, чем молитвенные образы. В них использованы сложные архитектурные фоны, в построении которых чувствуется знание мастером античного искусства, а в точно выверенных перспективных построениях видно влияние Мазаччо и Брунеллески.

Фигуры здесь более массивны, чем во фресках монастыря Сан Марко; благодаря этому появляется особый оттенок торжественности.
Другим его учеником был Антониаццо Романо — важная фигура итальянской живописи XV века.

Фра Анджелико вернулся во Флоренцию в 1449 году. В 1450 году он стал настоятелем монастыря Сан-Доменико во Фьезоле.

Умер в 1455 году, в Риме. Похоронен в церкви Санта-Мария-сопра-Минерва, где его могила существует до нынешнего времени.

На его саркофаге можно прочесть: «Здесь покоиться достопочтенный художник Фра Джованни из Ордена проповедников. Пусть хвалою мне будет не то, что казался я вторым Апеллесом, но что все, чем владею, отдал Тебе, о Христос. Иные творения живы на земле, другие на небе. Город Флоренция, Этрурии цвет, дал мне, Джованни, рожденье».

Память блаженного Фра Анджелико празднуется 18 февраля.

Для творчества Фра Анджелико характерна простота цветовых решений, граничащая с наивностью, мягкий лиризм, свойственный многим мастерам кватроченто, широкое использование золота.
По материалам: Википедия, Энциклопедия мирового искусства.

Фрайст Грета/Greta Freist(Магический Реализм)

1909–1993

Школа или группа: Парижская школ (Эколь де Пари).
Грета Frайст является одной из величайших австрийских художниц 20-го века.

Ее работы варьируются от магического реализма до сюрреализма и абстрактной живописи.

В 1950 году вместе с Готфридом Гебель, она основала французскую секцию «Art Club» в Париже.

Freist училась в Академии изящных искусств под руководством Рудольфа Bacher и Рудольфа Jettmar.

Она поделилась своей студией с Готфридом Гебель и Heimito фон Doderer, которая стал местом литературных встреч.

Элиас Канетти и Отто Василий были частыми гостями студии.

Она переехала в Париж в 1936 году.

Еще в 1937 году, ее работы были выставлены в Осеннем салоне.

Ее картины стали исполняться в абстрактном стиле примерно с 1949 года.

В 1954 и 1955 годах, ее работы были представлены на Салоне Realités Nouvelles и в 1959 году, они входили в состав групповой выставке в Мангейме.

В 1991 году Niederösterreichisches Landesmuseum [Нижняя Австрия областной краеведческий музей] представил персональную выставку художницы.

Умерла Грета Фрайст в 1993году в возрасте 84 лет.

По материалам: Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фрагонар Александр-Эварист/Alexandre-Evariste Fragonard

1780–1850

Французский живописец и скульптор, работавший в разных стилях – от пасторального стиля «troubadour» до неоклассицизма, сын известных художников эпохи рококо Жана-Оноре Фрагонара (5 апреля 1732 – 22 августа 1806) и Марии Анны Жерар-Фрагонар (1745-1823).

Первые уроки Александр брал, естественно, у своего отца, к тому времени маститому 55-летнему художнику, заимствуя у него как исторические, так и пасторальные темы.

При поддержке отца, Александр успешно сдает экзамены и поступает в Школу Elèves Protégés, где становится учеником Жака-Луи Давида (Jacques-Louis David, 30 августа 1748 — 29 декабря 1825).

Давид окончательно и «пристрастил» юношу к исторической живописи. Фрагонар – младший дебютировал на Салоне в 1793 году в возрасте 13 лет (!).

В следующем году он побеждает в конкурсе, организованном правительством, и публикует серию гравюр на республиканские темы.

Получивший образование в республиканской среде мастерской Давида, Александр посвящает свое творчество темам, прославляющим Республику, а также античным и мифологическим сюжетам.

В начале 1800-х Александр женится на ученице своего отца – художнице Маргарите Жерар (Marguerite Gérard, 1761-1837), которая была, к тому же, младшей сестрой матери Александра, и старше его на 19 лет.

В 1806 году у них родился сын Теофиль (1761-1837), который также стал художником и работал декоративным живописцем на знаменитой Севрской фабрике фарфора.

Александр Фрагонар успешно делал карьеру под эгидой власти, активно творя при консулате.

В 1801 году он победил в конкурсе картин на тему Амьенского мира.

Позже получил заказ на фронтон Палаты депутатов дворца Бурбонов в Париже (эта работа была уничтожена в дни революции 1830 года).

В 1810 году Фрагонар получил заказ на украшение Гвардейского зала и салона во дворце Бурбонов.

А в 1812 году сам Наполеон Бонапарт поручает художнику исполнение большого памятного обелиска Победы на Новом мосту в Париже, но этот заказ не был выполнен.

Между 1812 и 1835 годами Фрагонар в качестве декоративного живописца создает более сотни форм, с узорами античных керамик и многочисленными пейзажами, для фабрики севрского фарфора.

Художник работал и для театра, создавая костюмы, высоко оцененные Делакруа.

В 1815 году Александр становится Кавалером Почетного легиона.

Успешно выставляется художник в Салоне, несколько его работ правительство приобретает для Лувра.

Остаток своей карьеры и жизни, художник, как и его родители, провел в служебной квартире при Лувре.

В конце жизни, всеми забытый и никому не нужный, но еще полный сил, художник узнал, что такое забвение.

Умер Александр-Эварист Фрагонар в 1850 году в Париже в возрасте 70 лет.

Франкенталер Элен/Helen Frankenthaler(Абстрактный Экспрессионизм)

1928–2011

Школа или группа: Нью-Йоркская школа.Жанр: абстрактная живопись. Влияние: Морис Луис.

Элен (Хелен) Франкенталер (англ. Helen Frankenthaler; 12 декабря 1928, Нью-Йорк — 27 декабря 2011, Дэриен) — американская художница-абстракционистка еврейского происхождения.

Жизнь и творчество:

Родилась в семье судьи Верховного суда штата Нью-Йорк Альфреда Франкенталера. В 1945—1950 годы изучала живопись в различных художественных школах Вермонта и Нью-Йорка. Среди её учителей выделяется мексиканский художник Руфино Тамайо.

В художественном плане находилась под сильным влиянием работ Джексона Поллока, вместе с которым участвовала в «Движении за абстрактное искусство» (Abstract Art Movement).

После посещения выставки последнего в галерее Бетти Парсон в 1951 году переняла его технику, раскладывая листы холста на полу ателье и рисуя каплями краски. При этом вырабатывался и индивидуальный стиль художницы.

Холст должен был быть без грунтовки, а краски — разведёнными до такой степени, что впитывались в полотно практически моментально. Дополнительно к этому Э. Франкенталер втирала краску в холсты губкой.

В результате создавался эффект «текущих» по полотну красок, роднивший её работы с сюрреалистическим автоматизмом. В 1959 художница принимает участие в выставке современного искусства документа-2 в Касселе.

В более поздних работах, в 60-е годы, создаёт монументальные до 3-х метров высотой полотна на раскрашенном холсте без грунтовки, в которых сочетаются различные цветовые тона.

Этими работами Э.Франкенталер оказала большое воздействие на молодое поколение американских художников, работавших в стиле живописи цветового поля (Colorfield Paint) — Кеннета Ноланда, Жюля Олицки, Мориса Луиса.

Э. Франкенталер была замужем за американским художником-абстракционистом Робертом Мотеруэллом.

Художница скончалась в Нью-Йорке 27 декабря 2011 года в возрасте 83 лет.

По материалам: Википедия. Энциклопедия современного американского искусства.

Франча Франческо/Francia Francesco(Ренессанс)

1448-1517

Франческо ди Марко ди Джакомо Райболини, прозванный Франча (родился в 1450 году в Болонье в семье ремесленников, умер там же в 5 января 1517 году) — болонский ювелир, медальер, гравёр, скульптор и живописец.

Сын резчика по дереву.

Всю жизнь выполнял заказы на золотые и серебряные вещи для церквей и дворцов Болоньи, Феррары и других городов Италии.

Был придворным художником при дворе Мантуи.
Болонский ювелир, медальер, гравер, скульптор и живописец.

Полное настоящее имя и фамилия Франческо ди Марко ди Джакомо Райболини. В художественных кругах получил прозвище Франча, сын резчика по дереву.

Всю жизнь Франческо Франча выполнял заказы на золотые и серебряные вещи для церквей и дворцов Болоньи, Феррары и других городов Италии (сохранились только две иконки в Болонской академии).

Приписываются медали с изображениями ученых Муэотти и Руджери, кардинала Алидози и других и монета с Джованни Бентивольо и папой Юлием II.

Гравюры и скульптуры не сохранились. Франческо Франча был чрезвычайно плодовит как живописец (начал заниматься живописью с 1487, боттега — с 1490).

Расписывал по поручению владельцев Болоньи Бентивольо (вместе с Лоренцо Костой и другими живописцами) дворцы и церкви Болоньи (фрески сохранились в палаццо Коммунале, оратории собора святой Цецилии, где художник близок к Перуджино).

Сохранилось большое число Мадонн (в Болонье, Риме, Вероне, Бреше, Милане, Бостоне, Нью-Иорке, Вене, Берлинеи других городах) и алтарных образов (в Болонье, Ферраре, Флоренции, Лукке, Парме, Лондоне и др.).

Меньше портретов: в лондонской Национальной галерее (сенатора Бьянкини), в Уффици (теолога Скаппи), в нью-йоркском Метрополитен-музее (Ф. Гонзага) и рисунков (в Уффици, венской Альбертине, Британском музее).

После изгнания Джованни Бентивольи,он расписал три доски, отправленные в Модену, на одной из которых было изображено Крещение Христа св. Иоанном, на другой – прекраснейшее Благовещение, а на последней, помещенной в церкви братьев-обсервантов, – Богоматерь в небесах со многими фигурами.

Благодаря всем этим произведениям о столь превосходном мастере распространилась слава, и города требовали работ его наперебой.

И вот в Парме для черных монахов св. Иоанна он написал на дереве Усопшего Христа на коленях у Богоматери в окружении многочисленных фигур, – вещь, повсеместно почитавшуюся превосходной, и потому та же самая братия, получив удовлетворение, добилась того, чтобы он в Реджо в Ломбардии расписал другую доску для одной из их обителей, где он и написал Богоматерь со многими фигурами.

В Чезене он написал на дереве же другой алтарный образ для церкви тех же монахов, изобразив на нем прекрасными красками Обрезание Христа.

Не захотелось и феррарцам отставать от своих соседей, и, решив украсить трудами Франчи свой собор, они заказали ему алтарный образ на дереве, в который он включил большое число фигур, и назвали его образом Всех святых.

Написал он алтарный образ и в Болонье для церкви Сан Лоренцо с Богоматерью, двумя фигурами по сторонам и двумя мальчиками внизу, получивший большое одобрение.

Едва он его закончил, как пришлось ему выполнить другой, в церкви в Сан Джоббе, с Распятием и коленопреклоненным св. Иовом у подножия креста, а также двумя фигурами по сторонам.
Слава и работы этого художника распространились по Ломбардии настолько, что за некоторыми его вещами присылали и из Тосканы, как, например, из Лукки, куда ушла доска со св. Анной, Богоматерью и многочисленными другими фигурами и с усопшим Христом на коленях у матери в верхней части картины; работа эта была помещена в церкви Сан Фредиано и почиталась в Лукке произведением весьма достойным.

В Болонье он расписал для церкви Аннунциаты две других доски, исполненных весьма тщательно; и также за воротами в Стра-Кастионе, в церкви Мизерикордии, по заказу одной благородной госпожи из рода Манцуоли – еще одну, на которой он изобразил Богоматерь с младенцем на руках, со св. Георгием, св. Иоанном Крестителем, св. Стефаном и св. Августином и ангелом у ее ног, сложившим руки с таким благолепием, будто поистине он райское существо. Он расписал еще одну, для сообщества св. Франциска в том же городе, и еще одну для сообщества св. Иеронима.

С ним водил дружбу мессер Поло Дзамбеккаро и, будучи его приятелем, заказал ему на память о нем очень большую картину с Рождеством Христовым, весьма прославленную в числе его произведений.
Когда же до Франчи дошла великая молва о божественных картинах Рафаэля, он пожелал взглянуть на его произведения, но, будучи уже старым и живя в достатке, предпочел спокойную жизнь в своей Болонье.

Вскоре случилось так, что Рафаэль написал в Риме для кардинала деи Пуччи Санти Кватро на доске алтарный образ св. Цецилии, который надлежало отослать в Болонью, дабы поместить его в капеллу при церкви Сан Джованни ин Монте, где находится гробница блаженной Елены даль Олио; и вот, забив картину в ящик, он направил ее Франче, который как друг должен был поместить ее на алтарь этой капеллы в раме, им самим для нее заготовленной.

И Франча это весьма оценил, так как получил возможность увидеть работу Рафаэля, к чему он так стремился.

Он распечатал письмо, написанное ему Рафаэлем, в котором тот просил его, если на картине окажется какая-нибудь царапина, устранить ее и подобным же образом, если найдет какую-либо ошибку, дружески ее исправить; и вне себя от радости он при хорошем освещении приказал вынуть из ящика названную картину.

Но таково было охватившее его изумление и так велико было его восхищение, что, признав свое заблуждение и глупые притязания безумной самоуверенности, он с горя заболел и очень скоро умер.

Однако другие говорят, что смерть его была столь внезапной, что по многим признакам можно предположить скорее отравление или удар, чем что-либо другое. Франча был человеком благоразумным, в полной силе и вел жизнь весьма правильную.

После смерти он с почестями был погребен детьми своими в Болонье в 1518 году.

Лучшие работы: «Распятие» (в Болонском городском музее) и «Святой Стефан» (в римской галерее Боргеэе). Алтарные образы в Болонье («Пала Феличини» — в пинакотеке и «Пала Бентивольо» — в Сан Джакомо Маджоре).

В Санкт-Петербурге в Эрмитаже: две «Мадонны со святыми» (обе подписные) и «Положение во гроб».

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”,Жизнеописание Франческо Франча.

Фрейд Люсьен/Freud Lucian(Современный бытовой жанр)

1922–2011

Люсьен Майкл Фрейд (англ. Lucian Michael Freud; 8 декабря 1922, Берлин — 20 июля 2011, Лондон) — известный британский художник немецко-еврейского происхождения, специализировавшийся на портретной живописи и обнаженной натуре; мастер психологического портрета.

Был одним из самых высокооплачиваемых современных художников.
Люсьен Фрейд родился в Берлине в состоятельной семье австрийско-еврейского происхождения.

Его отец — архитектор Эрнст Людвиг Фрейд (1892—1970), был младшим сыном основателя психоанализа Зигмунда Фрейда; мать — Люси Фрейд (в девичестве Браш, 1896—1989) — происходила из семьи крупных лесо- и зерноторговцев.

Фрейд и его семья переехали в Великобританию в 1933 году в связи с подъёмом нацизма. В этом же году он получил британское гражданство.

В 1939 году в Лондон перебрались Зигмунд Фрейд с младшей дочерью — основоположницей детского психоанализа Анной Фрейд.

Учился в Центральной школе искусств (Central School of Art, Лондон), Школе живописи и рисунка Восточной Англии (East Anglian School of Painting and Drawing, Дедэм в графстве Эссекс), колледже Голдсмитс (Goldsmiths College, Лондон).

Первая персональная выставка художника состоялась в лондонской галерее Лефевр (Lefevre Gallery) в 1944 году.

Летом 1946 года он приезжает в Париж, а затем в Италию
Творчество:
Работы Люсьена Фрейда относят к натурализму. С 1950 года начинает писать портреты и обнаженную натуру накладывая краску густыми слоями.

Цвета как правило приглушенные. Писал обычно людей из своего окружения — друзей, знакомых, родственников.

В 1951 году состоялась его выставка Interior at Paddington в Walker Art Gallery, Liverpool, позже он выигрывает приз на Festival of Britain, где зарабатывает репутацию одного из лучших современных мастеров в области фигуративной живописи.

На картине Girl with a white dog (1951-52) изображена первая жена художника Кэтлин Эпштейн. Фрейд сказал, что «рисует людей не как они есть, а какими они могли бы быть».

Его работа After Cezanne (1999—2000) необычной формы была куплена National Gallery of Australia за семь миллионов.

В период с мая 2000 по декабрь 2001 года, Фрейд писал королеву Елизавету II (работа была раскритикована ведущими британскими изданиями).

Произведения Люсьена Фрейда выставлены в знаменитом семейном музее Wallace Collection (Лондон), — до него в этих залах ни один из современных художников ещё не выставлялся.

Это факт вместе с предыдущими деталями выставочной биографии внука Зигмунда Фрейда прочно вписывает его в «современные классики».

Подобного прижизненного почёта удостаиваются далеко не многие художники. В 2002 году Лувр вместе с Объединением национальных музеев представил на одной из главных выставочных площадок Парижа, в Гранд Пале (Grand Palais), «выставку Констебла — выбора Люсьена Фрейда».

Что означало: один великий английский художник имеет честь быть представленным французской публике другим великим английским живописцем.

В том же 2002 году состоялась ретроспектива Люсьена Фрейда в Лондонской Tate Britain, получившая большой резонанс.

Люсьена Фрейда слава преследует не только в музейных залах: в мае 2008 года картина Фрейда «Социальный смотритель спит» была продана по рекордной цене в 33.6 миллиона долларов, а на февральском аукционе Christie’s в 2009 году его работа числилась первой в списке наиболее значимых работ — а уже потом работы Жана-Мишеля Баскьи, Дэмиена Хёрста и Энди Уорхола.

В последние дни своей жизни художник работал над картиной «Портрет собаки», которая осталась незаконченной.

Умер 20 июля 2011 года. По словам арт-дилера, Фрейд скончался от болезни в своем доме в Лондоне. Подробностей не сообщается.

В настоящее время, Люсьен Фрейд является самым дорогим в мире художником из наших современников.

Произведения Люсьена Фрейда выставлены в знаменитом лондонском музее Собрание Уоллеса, — до него в этих залах ни один из современных художников еще не выставлялся.

Подобного прижизненного почета удостаиваются редкие художники.

Покорителя вершин арт-рынка — Люсьена Фрейда — отличает какая-то архаичная серьезность отношения к миссии художника, призванного запечатлеть крики души и страдания увядающей плоти, заставляющего зрителя рыдать и ужасаться.

Все это идет вразрез с основной тенденцией современного искусства, где художник давно согласился быть одним из рабочих мировой индустрии развлечений и изготовителем предметов роскоши.

По материалам: Википедия, Энциклопедия»Современные классики мирового искусства».

Фрейндлих Отто/Otto Freundlich(Абстракционизм)

1878–1943

Национальность: Еврей, Немец.Художественное направление: Абстракционизм. Школа или группа: Креативная абстракция, Degenerate art.Жанр: абстрактная живопись.

Отто Фрейндлих (нем. Otto Freundlich; 10 июня 1878, Штольп, провинция Померания, Германская империя (ныне — Слупск, Поморское воеводство, Польша) — 9 марта 1943, Майданек) — немецкий живописец и скульптор еврейского происхождения, один из первых художников-абстракционистов.

Биография:

Отто Фрейндлих,один из первых немецких художников-абстракционистов, родился 10 июля 1878 года в городе Слупске в Пруссии, в еврейской семье.

В 1908 году он уехал в Париж, где жил на Монмартре недалеко от Пабло Пикассо и Жоржа Брака. В 1914 году художник вернулся в Германию.

В это время в искусстве возникает дадаизм – как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования.

Рационализм и логика объявлялись дадаистами главными виновниками опустошающих войн и конфликтов.

Исходя из этого, они считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства.

Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики.

В 1919 году Отто Фрейндлих, Макс Эрнст и Йоханнес Теодор Бааргельд организовывали в Кельне первую выставку дадаистов.

С 1925 года Фрейндлих жил и работал главным образом во Франции. В 1931 году художник присоединился к группе «Абстракция-Творчество» (Abstraction-Création).

В Германии его произведения были названы «дегенеративными» и запрещены.

Интересы Фрейндлиха не ограничивались живописью – он был и значительным скульптором.

Фрейндлих начал заниматься скульптурой в 1909 г.

В следующем году он устраивает первую персональную выставку в парижской галерее Саге. В это время он живет на Монмартре.

В 1919 г. выставляется в Берлине вместе с группой «Ноябрь», в том же году журнал «Гений» под руководством Курта Пинтуса публикует несколько репродукций его работ.

В 1937 году несколько работ художника были конфискованы нацистами и продемонстрированы на выставке «Дегенеративное искусство», включая монументальную скульптуру «Новый человек» (Der Neue Mensch), фотография которой была опубликована на обложке каталога выставки. Как предполагается, эта скульптура была позже уничтожена.

Когда началась Вторая мировая война, Отто Фрейндлих был задержан французскими властями, но вскорее отпущен благодаря вмешательству Пабло Пикассо.

В 1943 году Фрейндлих был арестован немецкими оккупационными властями и отправлен в концентрационный лагерь Майданек, где он был убит в день прибытия.

Фрейндлиха чаще причисляют к кубистам, чем к экспрессионистам.

В действительности он не был ни кубистом, ни экспрессионистом в полном смысле слова.

Однако он близок к экспрессионистам, в частности в силу солидарности с их социальными устремлениями, о чем свидетельствует его участие в группе «Ноябрь».

Кроме того, рисунки Фрёйндлиха публикуются в экспрессионистских журналах, прежде всего в журнале «Штурм».

То, что его творчество было почти забыто, представляется несправедливым, и каталонский художник Антони Тапьес в своих статьях отдает ему должное.

По материалам: Википедия, Сборник статей «Современное западно-европейское искусство.»

Френе, Роже де ла/Roger de La Fresnaye(Кубизм)

1885–1925

Национальность: Француз.Художественное направление: Кубизм.Школа или группа: Золотое сечение (Группа Пюто).

Роже де ла Френе (фр. Roger de la Fresnaye; 11 июля 1885, Ле-Ман — 27 ноября 1925, Грас) — французский художник, представитель кубизма в живописи.

Жизнь и творчество:
Роже де ла Френе родился 11 июля 1885 в Ле-Мане в семье офицера, происходившего из аристократических кругов.

По окончании школы юноша приехал в Париж, где изучал искусство.

В 1903 поступил в Академию Жюлиана, где подружился с А.Дюнуайе де Сегонзаком, Л.А.Моро и Ж.Л.Буссиньолем.

В период между 1904 и 1906 годами он учился в Академии Жюлиана, в Школе изящных искусств и в Академии Рансона под руководством таких мастеров живописи, как Морис Дени и Поль Серюзье.

Особое влияние на творчество молодого художника в этот период оказали работы П. Гогена, П. Сезанна, группы Наби.

В начале 1910-х годов Роже де ла Френе изучал скульптуру в Академии Гран-Шомьер под руководством А. Майоля.

В 1911 году он открыл для себя кубизм и создал крупноформатные, многоцветные полотна, наполненные геометрическими элементами, изображающими людей, пейзажи и натюрморты.

Первая персональная выставка художника состоялась в Париже в 1914 году.

В качестве примера своеобразной интерпретации принципов кубизма у Ла Френе можно привести такие работы, как Артиллерия (1911) и Завоевание воздуха (1913).

С началом Первой мировой войны Роже де ла Френе записался добровольцем в пехоту и ушёл на фронт.

В годы своей службы он создал серию фигуративных рисунков, изображающих солдатскую жизнь в военных условиях.

В 1918 году художник попал под немецкую газовую атаку и заболел туберкулёзом.

В связи с этим, комиссованный из действующей армии, де ла Френе уехал на юг Франции, где был более подходящий климат для его излечения.

Скончался в Грасе от туберкулёза. По материалам: Википедия.

Фридрих Каспар Давид/Friedrich Kaspar David(Романтический пейзаж)

1774-1840

Каспар Давид Фридрих (нем. Caspar David Friedrich; 5 сентября 1774, Грайфсвальд — 7 мая 1840, Дрезден) — немецкий художник, один из крупнейших представителей романтического направления в живописи Германии (наряду с Филиппом Отто Рунге).

Каспар Давид Фридрих родился в семье мыловара. В молодости лишился большинства родственников — в 1781 г. умерла мать художника, затем скончались его две сестры и брат.

В 1790 г. получил первые уроки рисования. С 1794 по 1798 г. Фридрих учился изобразительному искусству в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене.

После возвращения из Дании путешествовал по различным городам Германии, пока не обосновался в Дрездене.

Сблизился с кружком романтиков, включавшим Л.Тика, Новалиса, Г.фон Клейста, а также Ф. О. Рунге; в 1810 познакомился с И. В. Гёте, а в 1821 — с В. А. Жуковским; был дружен и с натурфилософом и художником К. Г. Карусом.

Находился в близких отношения с норвежским художником Юханом Далем, оказал большое влияние на его творчество. В поисках мотивов с 1801 неоднократно приезжал на о. Рюген в Балтийском море; любил путешествовать по Саксонской Швейцарии и Гарцу; часто бывал в родном Грайфсвальде.

До 1807 работал исключительно в технике рисунка (преимущественно штифтом или сепией), затем обратился и к масляной живописи. В 1810 г. к живописцу пришёл публичный успех.
Уже в ранних картинах («Могила великана в снегу» (1807); «Теченский алтарь», или «Крест в горах», 1808; обе работы — Картинная галерея «Новые мастера», Дрезден; «Монах у моря», 1808—1810, Национальная галерея; «Аббатство в дубовом лесу», 1809—1810, Шарлоттенбург; «Утро в Исполиновых горах (Ризенгебирге)», 1810—1811, Национальная галерея; все три картины — Берлин) определилась задумчивая, по-своему мистическая атмосфера его искусства. Зрителю, «заместителем» которого часто выступают фигуры, отрешенно созерцающие пейзажные дали, предстоит в живописи Фридриха загадочно-молчаливая природа и символы сверхреального бытия, явленные в виде достаточно натурных, но в то же время подчеркнуто-знаковых деталей (морской горизонт, горная вершина, корабль, дальний город, путевое распятие или просто крест, кладбище).

История — и древнеязыческая, и средневековая — проступает в виде меланхолических мотивов (гробницы сказочных исполинов, руины храмов и монастырей), подчеркивающих скорее трагические разрывы, нежели связь времен.

Сила красок, достаточно звучных, умеряется туманами и закатной либо рассветной дымкой.

Каспар Давид Фридрих представлял собой художника-пейзажиста романтического направления. По его словам, его пейзажи« … не были точными изображениями воздуха, воды, скал и деревьев….но отражением души и эмоционального наполнения этих объектов».

Для Фридриха природа была носителем глубоких религиозных переживаний и часто приобретала символическое значение.

Он использовал пейзаж как средство отобразить свои глубокие эмоциональные переживания, которые напоминали манеру письма его предшественника и земляка Альтдорфера, жившего тремя веками ранее.

В своём программном произведении «Четыре возраста жизни» (Die Lebensstufen) Каспар Давид Фридрих изобразил человеческие фигуры четырёх возрастов на пустынном арктическом берегу и такое же количество судов, подходящих к берегу, но находящихся на разном расстоянии.

Тем самым мастер сумел убедительно представить на полотне неумолимый ход времени. А сама сцена на фоне заката вызывает острое чувство меланхолической ностальгии

Другая из наиболее популярных его картин, известная как «Крушение надежды» создаёт острое ощущение отчаяния и безнадёжности.

Среди других известных картин мастера — «Могила Гуттена» (1815, Государственное художественное собрание, Веймар), «На паруснике» (1818, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Странник над облаками» (1818, Кунстхалле, Гамбург), «Двое созерцающих луну» (1819—1820, Картинная галерея «Новые мастера», Дрезден), «Восход луны над морем», «Женщина у окна» (обе работы — 1822, Национальная галерея, Берлин), «Замерзшее море» (1823, Кунстхалле, Гамбург).

Ряд произведений содержит поэтические аллегории борьбы против наполеоновского нашествия (таков «Французский стрелок в еловом лесу», 1812, частное собрание, Германия; — с заблудившейся в зимнем лесу одинокой фигуркой).

С годами мастер все чаще повторял полюбившиеся мотивы, натурные же созерцания порой сменялись у него образами-видениями с ангелами и храмами, парящими в небе.

Иные же из картин, напротив, сближались с идиллически-бытописательской поэтикой бидермейера («Отдых в день нового урожая», 1823, не сохранилась).

С 1824 был профессором дрезденской Академии художеств.

Оставил афоризмы и наблюдения об искусстве, подчеркивающие необходимость сочетания верности натуре («душе природы») с внутренней духовной интуицией, которую считал «божественным глаголом» в сердце.

В 1835 г. художника разбил паралич, и с тех пор он больше не работал масляными красками, ограничиваясь небольшими рисунками сепией.

Художник скончался в бедности 7 мая 1840 г. в Дрездене.

На определенный период забытое, искусство Фридриха вновь привлекло внимание в 20 в., начиная с эпохи сюрреализма.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фриез Эмиль-Оттон

1879–1949

Анри-Ашиль-Эмиль-Отон Фриез (Henri-Achille-Emile-Othon Friesz) — французский художник
Эмиль Оттон Фриез родился 6 февраля 1879 года в Гавре. Друзья Фриеза говорили, что он был похож на викинга. Семья происходила из Эльзаса, дед был капитаном дальнего плавания, его профессию унаследовал и отец и должен был унаследовать Отон. С 12 лет он начал учиться в Муниципальной школе изящных искусств. Учителем Фриеза стал тот самый Шарль Луйе, у которого брали первые уроки живописи и рисунка Рауль Дюфи и Жорж Брак. Уже в Гавре у Фриеза появились товарищи по искусству, вместе с которыми он вошел позже в круг «диких».
Жизнь и творчество:
В 1898 году, после окончания гаврской художественной школы, Фриез, как позже и Дюфи, получил у муниципалитета Гавра стипендию для обучения в школе искусств в Париже и поступил в мастерскую профессора Леона Бонна. К моменту появления в Париже Дюфи, Фриез уже подружился со всей компанией Матисса. Он поселился на Монмартре, естественно вступил в круг монмартровских поэтов и художников, и позже уступил свою мастерскую Дюфи.

Жизнь и творчество Фриеза развивалась примерно так же, как и у его друзей. Он не избежал раздумий над наследием Поля Сезанна и кубизмом Пикассо. Хотя для него линия поисков фактуры была ограничена, он нашёл то равновесие пластики и цвета, которое не позволило ему изменить выбранному с самого началу пути.
В начале своего творчества главной темой его работ являются изображения морских гаваней и портов, а также портретная живопись. В Париже у него проявляется интерес к творчеству импрессионистов, что нашло отражение в написанных в начале ХХ века работах — например, в серии картин «Пон-Нёф» (Pont-Neuf, 1903—1904). В результате знакомства с Матиссом и Жоржем Руо Фриез становится приверженцем фовизма. Так, систематическое применение техники чистых цветовых контрастов, применяемых по всей поверхности полотна, можно наблюдать уже с 1905 года. Крупноформатные работы этого периода, часто изображающие как бы увиденные с высоты пейзажи или изображения обнажённого человеческого тела, принадлежат к лучшим работам Фриеза. В 1908—1909 годах художник резко меняет манеру письма, перейдя к упрощённой, схематичной форме изображения.

В начале Первой мировой войны он был мобилизован. 1915 годом датируется портрет Андрэ Рей, будущей жены Фриеза.

После войны Фриез занимает мастерскую на улице Нотр-Дам-де-Жан в Париже, в которой он работает до конца жизни. В 20-е и 30-е годы ХХ столетия он — профессор ряда художественных академий Франции, в этот период жизни Фриез много пишет в Провансе и в родной Нормандии, в Юре, подолгу живет в Пулоне, ездит в Италию, Бельгию, США.

С 1925 года картины Фриеза начинает покупать музей Франции, а в 1933 году он получает орден Почётного Легиона.

Не избежал Фриез и прикладного искусства — его ковер «Мир» был выставлен в 1935 году, а в 1937 он выполнил одну из росписей для Всемирной выставки во дворце Шайо.

После Второй мировой войны Фриезу предложили кафедру в Школе изящных искусств, но он отказался.

Отон Фриез умер 10 января 1949 года в своей Парижской мастерской.
Выставки:
С начала XX века Фриез начинает выставляться в Гавре, а в 1901 году вместе с Дюфи и Руо — на Международной выставке в Венеции. С 1903 г. Фриез вместе с друзьями участвует в Салоне Независимых, а с 1904 г. в Осеннем салоне, где он в 1905 году оказывается одним из несомненно «диких». Уже в 1904 году состоялась первая персональная выставка работ Фриеза.

Галерея коллекционеров представила публике 46 его работ. С 1905 года Фриеза начинает выставлять Берта Вейль, а с 1907 на персональных и групповых выставках у Дрюэ и было приобретено большинство картин, хранящихся в российских коллекциях.

Фриез был представлен вместе с другими «дикими» в салоне «Золотого руна» в Москве и на выставке в Праге в 1910 году.В 1911—1912 годах Фриез много путешествует — по Бельгии, Германии, Португалии, участвует в выставках «Берлинский Сецессион» и, в 1913 году, в американской Эрмори Шоу.

Посмертно работы Фриеза были представлены на выставке современного искусства документа II в Касселе, Германия в 1959 году.

Фроман Никола/Froment Nicolas(Кватроченто)

1435—1484/1485

Никола Фроман (фр. Nicolas Froment, упоминается в документах с 1460 г. — до 23 декабря 1484 г.) — французский художник авиньонской школы.Никола Фроман принадлежал к числу крупнейших живописцев Франции второй половины XV века. О Фромане, французском мастере, работавшем в Экс-ан-Провансе и его окрестностях, известно очень мало.

Точная дата рождения художника неизвестна, историки предположительно считают годом рождения 1435. Никола Фроман, упоминается в документах с 1460 года — до 23 декабря 1484. Одни специалисты считают местом рождения Фромана город Узе (Лангедок), поскольку он впервые упоминается в документах этого города.
Другие считают его выходцем из Артуа или Пикардии, поскольку ранняя манера живописи художника свидетельствует о южнонидерландской выучке. Художник уделял особое внимание деталям и был очень чувствителен к тонким эффектам света и цвета — эти элементы он заимствовал, возможно, у Яна ван Эйка. Большинство ученых согласно с тем, что в 1460-1461 годах Никола Фроман жил в Нидерландах, и это подтверждает исполненный им в те годы триптих «Воскрешение Лазаря». Приблизительно в 1465 году художник перебирается в Авиньон, где имеет большой успех, получая множество заказов от частных лиц и Городского Совета, который позволил ему приобрести три смежных дома на углу площади Пюит-де-Бёф, являвшейся главной торговой площадью города и находившейся недалеко от папского дворца.

Около 1475 года Никола становится придворным художником короля Рене Анжуйского, который с 1471 года постоянным местом своего жительства вновь сделал Прованс. В этом качестве Фроман пребывает вплоть до кончины короля Рене в 1480 г. В середине 1475 г. Рене заказывает ему триптих «Неопалимая Купина». 1476 годом датируется документ, сообщающий о последней известной оплате работ художника: в 1476 г. Рене Анжуйский приобрёл в Авиньоне новое здание для своей резиденции и привлёк Никола Фромана вместе с другими художниками для его обновления и украшения.

Кроме этих бригадных работ, Фроман создал множество отдельных произведений для резиденции короля в Авиньоне и Эксе. После смерти Рене Анжуйского Фроман продолжал работать для городского совета Авиньона до самой своей смерти. Дату его кончины относят к 1483-84 гг. У Никола Фромана был сын, Никола-младший, который тоже стал художником (ок. 1467—1522).

До наших дней дошло всего две достоверные работы Никола Фромана. Это триптих «Воскрешение Лазаря» и триптих «Неопалимая купина». Остальные немногие произведения приписываются ему по аналогии.
Творчество:
Триптих «Воскрешение Лазаря» считают свидетельством того, что Фроман в 1460-61 гг. жил в Нидерландах и принадлежал кругу художников Рогира Ван дер Вейдена. Произведение имеет подпись художника и дату — 18 мая 1461 г. Поскольку эта работа издавна находилась во Флоренции (ныне она хранится в галерее Уффици), учёные предполагали, что Никола Фроман в 1460-61 гг. находился в Италии, где её и написал. Однако более тщательные исследования прояснили ситуацию следующим образом. Триптих заказал художнику Франческо Коппини, который был папским легатом в северных странах с 1459 по 1462 гг. Коппини вернулся в Италию с этим триптихом, а впоследствии, исходя из каких-то политических расчётов, подарил его правителю Флоренции Козимо Медичи, который до своей смерти в 1464 г. успел пожертвовать триптих францисканскому Конвенто дель Боско в Мугелло, где он хранился до XVIII в.

Стиль этого произведения близок манере Рогира Ван дер Вейдена. Рисунок угловат, готичен, а в самих сценах ощущается переизбыток людей и предметов, характерный для молодых художников, желающих продемонстрировать, что они могут изобразить всё. Лица персонажей типизированы и выглядят почти одинаково. В левом верхнем углу изображен молодой человек, чьё лицо некоторые учёные считают автопортретом Никола Фромана. На створках алтаря изображены сцены «Марта извещает Христа о смерти Лазаря» и «Мария Магдалина омывает ноги Христу».
Триптих»Неопалимая купина» является вершиной творчества Никола Фромана. Он создан пятнадцать лет спустя после «Воскрешения Лазаря», и перемены в творческом подходе Фромана поразительны. Здесь он отходит от угловатой манеры письма и под явным влиянием произведений авиньонской школы, синтезировавшей итальянские и нидерландские элементы, создаёт удивительное произведение с фантастическим сюжетом, реалистичными позами персонажей и мягкими, текучими тканями одежд. Триптих был заказан Рене Анжуйским, поэтому на створках изображен как сам донатор король Рене, так и его вторая жена Жанна де Лаваль. Канонический контекст предания о том, как Моисею в горящем кусте явился сам Яхве, изменён здесь в соответствии с традициями позднего средневековья (распространенностью культа Девы Марии) — Моисею является не Яхве, а Богоматерь с младенцем. Младенец держит в руке зеркало, в коем отражаются он сам и Мария. В правом нижнем углу изображен потрясённый Моисей, а в левом углу ангел, жестом успокаивающий пожилого пророка. В центре композиции равнодушно пасутся овцы и козы, не видящие ни горящего куста, ни ангела. Картина полна символов, как это было принято в готической живописи периода её расцвета.

Кроме этих двух замечательных работ Никола Фроману приписываются ещё несколько произведений: «Диптих Матерона» с изображением Рене Анжуйского и Жанны де Лаваль, заказанный для короля Рене его другом Жаном Матероном (Париж, Лувр), «Мадонна в печали», фрагмент от большой картины (США, частное собрание), рисунок «Преображение» (Берлин, Гравюрный кабинет), «Мужской портрет» (Филадельфия, Музей искусства), однако не все эти произведения можно с твёрдой уверенностью считать работами Фромана.

После смерти Рене Анжуйского Фроман продолжал работать для Городского овета Авиньона до самой своей смерти. Дату кончины живописца относят к 1483-1484 годам. У Никола Фромана был сын, Никола-младший, который тоже стал художником (ок. 1467—1522).

Никола Фроман принадлежал к числу крупнейших французских мастеров второй половины XV в.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фроманже Жерар/Gérard Fromanger(Поп-Арт)

1939–….

Жерар Фроманже (фр. Gérard Fromanger; ) — французский современный художник.

Жерар Фроманжн родился 6 сентября 1939 г.в г. Поншатрен, Сена и Уаза, Франция.

Кроме живописи, художник занимается также скульптурой, коллажами, фотографией, кино, литографией.

Ж.Фроманже — участник различных французских художественных течений и групп 60-х — 70-х годов ХХ столетия, был близок к поп-арту.

Между 1964 и 1970 годами формируется его манера творчества как монохромная.

С 1968 создаёт серию своих наполненных красной краской пластиковых «пузырей».

Изоляция и одиночество человека в большом городе — ведущая тема в творчестве Ж.Фроманже,

которую он подчёркивает выделением красным цветом вырванных из фоторепортажей фигур (напр. «Бульвар Италии» 1971).

В 2005 году была организована большая ретроспективная выставка Ж.Фроманже: Gérard Fromanger: rétrospective 1962—2005, прошедшая в различных художественных галереях Франции, Швейцарии, Бельгии и Люксембурга.

В настоящее время художник живёт и работает попеременно в Париже и в Сиене (Италия). По материалам:Википедия, Сайт Gerard Fromanger.

Фромантен Эжен Самюэль Огюст/Fromentin Auguste(Романтизм,исторический жанр)

1820–1876

Фромантен, Эжен (фр. Eugène Fromentin, полное имя — фр. Eugene Samuel Auguste Fromentin-Dupeux, 1820—1876) — французский живописец, писатель и историк искусства.

Представитель романтизма.
Биография:

Родился в Ла-Рошели 24 октября 1820 года. В 1839 году отправился в Париж, где планировал изучать право, но, увлекшись изобразительным искусством, стал заниматься в мастерской художника-пейзажиста Николя-Луи Каба.

Первоначально и Фромантен писал в основном пейзажи, но с 1845 года начал выступать также и как критик, публикуя обзоры текущих салонов.

Неоднократно путешествовал в Алжир (в 1846, 1847—1848, 1852—1853 годах), посетил районы, где до него не был ни один художник-европеец. В 1852 году сопровождал археологическую миссию.

Под влиянием этих поездок его живопись приняла ярко выраженный романтико-ориенталисткий характер.

В этих поездках родились и первые художественные литературные произведения Фромантена — его путевые записки «Лето в Сахаре», «Год в Сахеле» пользовались большой популярностью.

В 1847 году участвовал в Парижском салоне.

В 1863 году Фромантен опубликовал свой единственный роман («Доминик»).

В 1869 году Фромантен побывал в Венеции, а также в Египте (в связи с открытием Суэцкого канала).

С этого времени в его живописи стали проявляться не только алжирские, но венецианские и египетские мотивы.
В 1875 году совершил поездку в Нидерланды, где знакомился с творчеством голландских мастеров живописи.

По возвращении опубликовал свое наиболее известное произведение по истории искусства — книгу «Старые мастера» (1876).

Умер Фромантен в Ла-Рошели 27 августа 1876 года.

Наиболее известные работы Эжена Фромантена:
«Мавританские похороны» (1853)
«Охота на газелей» (1859)
«Аудиенция у халифа» (1859)
«Черный фигляр у номадов» (1859)
«Дорога Баб-эль-Гарби в Эль-Агуате» (1859)
«Сцена в пустыне» (1868). Санкт-Петербург, Эрмитаж
«Земля жажды» (1869). Париж, Музей д’Орсе
«Арабы» (1871). Будапешт, Венгерский музей изобразительных искусств
«Воспоминания об Эсне» (1876). Париж, Музей д’Орсе

В 1876 году после поездки в Нидерланды Фромантен опубликовал свое наиболее известное произведение по истории искусства — книгу «Старые мастера» (фр. Les maitres d’autrefois).

та работа содержит профессиональный анализ развития классического и современного на тот момент искусства, характеристики отдельных художников и особенностей их живописной манеры.

Интересно, что творчество фламандских мастеров, прежде всего Рубенса и Рембрандта, рассматривается автором на фоне окружавших их исторических ландшафтов.Книга впервые переведена на русский язык и издана в России в 1913 году.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фрост Терри/Sir Terry Frost RA (Terence Ernest Manitou Frost)(Абстрактный Экспрессионизм)

1915–2003

Национальность: Британец.Художественное направление: Абстрактный Экспрессионизм, Post-Painterly Abstraction.Жанр: абстрактная живопись.Влияние: Виктор Пасмор , Бен Николсон.Годы творчества: 1941 — 2002.Сфера деятельности: живопись, эстамп.

Английский художник Сэр Терри Фрост, член Королевской Академии Искусств Великобритании, стал известен своими абстракциями.

Терри Фрост родился в Лимингтон Спа (Уорвикшир, Великобритания) в 1915 году, но искусством занялся лишь к 30-летнему возрасту, после того как, будучи на службе в армии во время второй мировой войны, попал в плен и встретил художника Адриана Хита, ставшего его учителем.

После этого Фрост учился в школе искусств Камбервел и в школе Сент-Ив в Лондоне.

В 1941 он работал помощником скульптора Барбары Хепворт.

В дальнейшем он преподавал в Бате, в Колледже Искусств на Кипре, а также был штатным художником и профессором Кафедры изящных искусств в Редингском Университете.

В 1992 году Терри Фрост был избран Королевским Академиком и возведен в рыцарское достоинство в 2000 году.

Он женился на Кэтлин Кларк в 1945 году.

У них было пятеро сыновей и одна дочь. Один из его сыновей, Энтони тоже стал художником.

По материалам:Википедия

Фужерон, Андре/André Fougeron(Неореализм)

1913–1998

Андре Фужерон (фр. André Fougeron, 1913—1998) — французский живописец, один из крупнейших представителей нового реализма во французском искусстве.

Родился в 1913 году, в Париже. Происходил из рабоче-крестьянской семьи.

В молодости работал на заводе Рено, посещая вечерние курсы рисунка и живописи. Специального художественного образования не получил.

Дебютировал в «Салоне сверхнезависимых» в 1937.

В 1939 вступил в коммунистическую партию, во время оккупации Франции был участником Сопротивления.

В 1947 совершил путешествие по Италии, где завязалась его дружба с Ренато Гуттузо. Несколько месяцев обучался живописи в Риме.

Фужерон избрал путь социально ориентированного, так называемого «ангажированного» искусства, отразив в своем творчестве тяготы жизни трудового народа, важные события политической истории Европы (гражданская война в Испании, движение Сопротивления, война во Вьетнаме, создание НАТО, борьба пролетариата за свои права).

Многие его произведения имеют характер полемических выступлений на актуальные темы.

Он был признан лидирующей фигурой в направлении социалистического реализма во Франции, однако в его искусстве отчетливо проявились и экспрессионистические черты: сжатое, насыщенное фигурами пространство, форсированный цвет, деформированные контуры (Изнасилованная Испания, 1937, Лондон, галерея Тейт; Судьи, 1950, Париж, Нац. музей современного искусства; Атлантическая цивилизация, 1953 год, Лондон, галерея Тейт). В 1950—1951 пребывал в Лансе, шахтерском районе, где создал большую, драматичную по содержанию серию Страна шахт.

Интерес художника к выразительным качествам формы проявился в серии Женщины Италии (1947), а также в картинах на темы регби (1965—1973), построенных на ярких цветовых контрастах и эффектах переплетения фигур спортсменов, вовлеченных в динамичную игру.

Фужероном выполнено несколько монументальных работ в муниципальных зданиях, в церкви Роменвиля.

В 1980 году он был избран членом-корреспондентом Академии художеств Флоренции.Полотна художника хранятся в экспозициях музеев:Москвы, Нью-Йорка, Парижа и др. городов

По материалам: Википедия, Энциклопедия современной французской живописи.

Фуке Жан/Fouquet Jean(Раннее Возрождение)

около 1420 — между 1477 и 1481

Жан Фуке (фр. Jean Fouquet) (Тур, ок. 1420—1481) — французский живописец, первый мастер французского Возрождения, выдающийся портретист и миниатюрист, глава Турской школы.

Фуке родился в г. Тур в долине Луары, который во второй половине XV в. стал резиденцией французских королей Карла VII и Людовика XI и одним из главных художественных центров Франции.

В начале 1440-х гг. учился в Париже, а затем первым из французских художников между 1445 и 1447 годами посетил Рим, где изучал технику эмали у Антонио Филарете, труды Леона Баттиста Альберти, испытал влияние Мазаччо и Фра Анджелико, познакомившись с искусством итальянского Возрождения (1445—1447).

После этого вернулся в Тур, женился и открыл свою мастерскую. Работал при дворах Карла VII (до 1461 г.) и Людовика XI.

В 1474 г. получил титул «королевского живописца». Выполнял заказы самых знатных особ Франции.

Меценатами и заказчиками Фуке были семьи королев, казначея Этьена Шевалье и канцлера Гийома Жювенеля Дезюрсена.
В книжных миниатюрах на религиозные, исторические, светские темы («Часослов Этьена Шевалье», 1450-1455, Музей Конде, Шантийи, и другие собрания; «Большие хроники короля Франции», 1458, Национальная библиотека, Париж; французский перевод «Жизни знаменитых мужчин и женщин» Джованни Боккаччо, 1458, Государственная библиотека, Мюнхен; «Иудейские древности» Иосифа Флавия, 1470-1476, Национальная библиотека, Париж) Фуке, один из основоположников искусства Раннего Возрождения во Франции, применял элементы воздушной и линейной перспективы, переносил место действия в поэтичные, напоенные светом и воздухом сельские пейзажи и улицы французских городов, отказывался от средневекового принципа размещения планов по вертикали.

Любовью к предметному миру, торжественным композиционным ритмом, звучным, насыщенным колоритом отличаются религиозные композиции Фуке (правая часть диптиха «Мадонна с младенцем», около 1451, Королевский музей изящных искусств, Антверпен).

Исключительно правдивы и очень характерны выполненные Фуке портреты (короля Франции Карла VII, канцлера Гуллиаме Жювенеля дез Юрсен, обе картины в Лувре, Париж).

К значительным произведениям художника можно отнести «Меленский диптих» (ок.1451-1456), заказанный Фуке Этьеном Шевалье для церкви в его родном городе Мелене.
Книжная графика:

Шедевром Фуке являются миниатюры «Часослова Этьена Шевалье» (1450—1460), не имевшие себе равных по художественным достоинствам. Особенно хороши миниатюры «Благовещение», «Встреча Марии и Елизаветы», и другие, созданные на сюжеты Священного писания.

В конце 1450-х гг. мастер создал иллюстрации к сборнику новелл Джованни Боккаччо.
Великолепны его миниатюры к рукописи «Больших французских хроник», заказанных Карлом VII (другая рукопись «Больших французских хроник» проиллюстрирована Симоном Мармионом по заказу герцога Бургундии Филиппа III Доброго). Миниатюры «Хроник» Фуке прославляют французский королевский дом, жизнь которого протекала в пирах и торжественных церемониях («Карл Великий находит тело Роланда», «Пир в честь Карла IV», «Коронование Карла Великого», «Жизнь Людовика II Заики» и др.).

Драгоценным наследием Фуке являются миниатюры к «Иудейским древностям» древнееврейского историка Иосифа Флавия («Строительство Иерусалимского храма», «Взятие Иерихона», «Взятие Иерусалима», «Въезд Птолемея в Иерусалим» и др.), созданные в 70-е гг. XV в.

В этих миниатюрах художник выступил как мастер батальных сцен.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”

Фукс, Эрнст/Ernst Fuchs(Сюрреализм)

1930–….

Сфера деятельности: живопись, эстамп, скульптура, дизайн, рисунок.Национальность: Австриец.
Художественное направление: Сюрреализм.Школа или группа: Vienna School of Fantastic Realism.

Эрнст Фукс (нем. Ernst Fuchs; род. 13 февраля 1930, Вена) — австрийский художник.

Эрнст Фукс (Ernst Fuchs) – один из известнейших представителей (пост)сюрреализма и фантастического реализма, родился он в Вене, 13 февраля 1930 года.

В 12 лет Фукс берет первые уроки рисунка, живописи и скульптуры у художника и реставратора Алоиса Шимана, а в 15 лет поступает в Венскую академию изобразительных искусств, где становится самым молодым студентом.

Уже в те годы Эрнст Фукс испытывает сильнейшее влияние сюрреализма, что не может не сказаться на его собственной творческой манере.

Впервые «вживую» картины сюрреалистов Фукс увидел на выставке 1947 года, где был ошеломлён знаменитой «Унылой игрой» Сальвадора Дали.

В 1948 году, вместе с Рудольфом Хауснером, чье творчество до войны было причислено нацистами к «дегенеративному искусству», Антоном Лемденом, Вольфгангом Хуттером и Ариком Брауэром – сыном еврейского сапожника-эмигранта, Эрнст Фукс создает Венскую школу фантастического реализма, своеобразную разновидность сюрреализма и вместе с тем особый культурный феномен, продолжающий развиваться и поныне.

Рисунки Фукса начинают насыщаться множеством деталей, напоминая чем-то мистерии Иеронима Босха, загадочного голландца, чей триптих «Страшный суд» уже тогда находился в собрании Венской академии изобразительных искусств.

Позже Фукс переезжает в Париж, где после долгого периода случайных заработков, а порой и настоящей нищеты, обретает признание.

Здесь он знакомится с основоположником сюрреализма Анри Бретоном, поэтом, драматургом, режиссером и романистом Жаном Кокто, писателем-экзистенциалистом Жаном-Полем Сартром, а в 1951 году на одной из выставок впервые встречается со своим кумиром Сальвадором Дали.

Высоко оценив «жуткие», по словам Дали, работы молодого австрийца, тот, вполне в своём духе, определяет ему место в современном искусстве: «Вы, Фукс, – германский Дали! Ну, а я в таком случае – испанский Дюрер».

Однако именно в то время Фукс начинает потихоньку освобождаться от магии творчества своего кумира.

В его живописи и графике появляются алхимические и религиозные символы, а персонажи начинают тяготеть к образам со средневековых гравюр.

Постепенно его творчество превращается в тугой сплав самого «безбашенного» сюрреализма, алхимической символики и средневековой стилизации.

Наиболее характерен в этом смысле графический цикл «Единорог» (Unicorn), над которым Фукс работает в 1950-1952 годы.

В 1957 году Фукс отправляется в Израиль, где живет на горе Сион в бенедектинском монастыре, изучая иконопись и язык символов разных религий. В творчестве этого периода очевидны попытки художника создать единый синтетичный язык искусства, «алхимически» объединяющий символику всех мировых религий.

Там же Фукс получает заказ написать «Три мистерии Св. Розенкранца» для нового католического храма в Вене. Однако его работы поначалу вызывают на родине бурные протесты. Многие верующие требуют вынести странные – а на взгляд некоторых, и богохульные иконы из храма.

Но волна негодования спадет – и церковные работы Фукса становятся одной из главных достопримечательностей Вены.

В 1960 году Эрнст Фукс с триумфом возвращается в Вену, где уже пользуется всеобщим признанием. Открывает галерею, ставшую местом встреч приверженцев фантастического реализма.

Пишет книгу «Небесная архитектура», в которой излагает свои взгляды на искусство, иллюстрируя их архитектурными проектами и моделями, а также образцами монументальной скульптуры, к которой пристрастился в 1970-е годы. В 1972 открывает свой частный музей, выкупив виллу архитектора О. Вагнера

С конца 1970-х Фукс стремительно расширяет зону искусства, в которой проявляет свои дарования.

Оформляет оперные спектакли – музыкальную драму «Парсифаль» Вагнера и моцартовскую «Волшебную флейту» в Гамбургской государственной опере, вагнеровского «Лоэнгрина» в Баварской опере (Мюнхен), оперу «Сказки Гофмана» Оффенбаха и балет «Легенда об Иосифе» Штрауса в Вене.

Создает акварельный цикл «Лоэнгрин». Пишет стихи и философские эссе. Записывает музыкальные диски «Von Jahve» и «Via Dolorosa» собственного сочинения.

С 1993 года Эрнст Фукс живет на юге Франции, но с открытием «Фантастического музея» перебирается в Вену: на верхнем этаже музея – его личные аппартаменты, а в кафе по соседству с музеем для маэстро «навечно» зарезервирован столик. И даже в переполненном кафе никто не имеет права за него садиться.

В 2011 году Эрнсту Фуксу исполнился 81 год. Сегодня это культовая персона австрийского искусства – человек, дарований которого с лихвой хватило бы на то, чтобы заполнить это искусство целиком.

Фукс прожил жизнь, достойную истинного сюрреалиста, – полную эксцентричных выходок, мистификаций, провокаций и истинных художественных открытий.

 У Эрнста 28 детей, еще больше бывших жен. Его прошлое полно интересных историй.

Художник продолжает творить, а его картины передают новому поколению эстафету сюрреализма и виженари арта

По материалам:Википедия, Официальный сайт художника,Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи.

Фьорентино Россо/Giovanni Battista di Jacopo(Маньеризм (Позднее Возрождение)

1797–1540

Годы творчества: 1518 — 1540.Сфера деятельности: живопись.Национальность: Итальянец.Художественное направление: Маньеризм (Позднее Возрождение).Школа или группа: Флорентийская школа.

Россо Фьорентино (Rosso Fiorentino, il) (наст. имена и фамилия Джованни Баттиста ди Якопо ди Гуаспарре) (1494-1540), итальянский художник.

Один из основоположников маньеристического направления в культуре итальянского Возрождения Россо Фьорентино родился во Флоренции 8 марта 1494.

За свои рыжие волосы получил прозвище «Рыжий из Флоренции» или просто «Рыжий». В юности учился в мастерской Андреа дель Сарто вместе с Понтормо, с которым сотрудничал в ранний период.

26 февраля 1516 он вступил во флорентийскую корпорацию живописцев. После нескольких декоративных работ он работает вместе с Сарто и Франчабиджо в клуатре ц. Сантиссима-Аннунциата во Флоренции, где пишет замечательную по колориту и освещению фреску «Успение Марии» (1517). Под влиянием Бандинелли он придает своему рисунку большую остроту.

В 1518 он исполнил «Мадонну с четырьмя святыми» (Флоренция, Уффици); это произведение, заказанное для больницы Санта-Мария Нуова, по свидетельству Вазари, было отвергнуто, поскольку «начальнику больницы… все святые показались там дьволами… и он убежал от него [от Россо], крича, что его обманули».

«Снятие с креста» из пинакотеки в Вольтерре (1521) отмечает новый этап в творчестве художника, полный лиричной и красочной экспрессии, которая проявилась в таких картинах, как «Мадонна с Иоанном Крестителем и Иоанном Евангелистом» (1521, Вилламанья, близ Вольтерры, церковь).

Во время второго флорентийского периода Россо, к тому времени уже хорошо известный, пишет алтарную картину семьи Деи («Мадонна с десятью святыми», 1522, Флоренция, Палаццо Питти).

Это произведение, хотя и классическое по духу, «сначала люди не так уж хвалили, но постепенно признали его достоинства и начали превозносить всячески» (Вазари). Подобное случилось и с несколько странной композицией «Мадонна с младенцем» (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Однако великолепное равновесие линий и цвета в «Обручении Марии» (1523, Флоренция, ц. Сан-Лоренцо) «неизменно вызывало похвалу и удивление величайшее». В это же время были написаны «Портрет мужчины в шлеме» (Ливерпуль, Художественная гал. Уокера) и «Портрет молодого человека» (Неаполь, Каподимонте), а также самая абстрактная из его картин — «Моисей защищает дочерей Иофора» (Флоренция, Уффици).

В 1523-1524 Россо находился в Риме; во время этого пребывания он мог наслаждаться шедеврами Микеланджело и Рафаэля и познакомиться с молодыми художниками-новаторами — Перино дель Вага и Пармиджанино, с которым он работал в палаццо на виа Джулиа.

В капелле Чези ц. Санта-Мария делла Паче он написал фреску в люнете («Сотворение Евы» и «Грехопадение»; рисунки — Флоренция, Уффици, и Эдинбург, Национальная галерея Шотландии).

Кроме того, он делал рисунки для гравюр (Безансон, Музей изящных искусств; Лион, Музей изящных искусств), в частности, «Подвиги Геракла» (гравированы Каральо), в которых проявилось влияние Бандинелли, римской школы («Похищение сабинянок»), а также Дюрера («Ярость»). К этому же периоду относится и приписываемая Россо картина «Соревнование пиерид с музами» (Париж, Лувр), но его шедевром, недавно открытым, является «Мертвый Христос» (Бостон, Музей изящных искусств).

В 1524-1527 работал в Риме, затем, после разгрома, учиненного там французскими войсками, в ряде других итальянских городов.

В римский период Россо испытал сильное влияние Микеланджело.В 1530 уехал во Францию, где ему удалось снискать расположение короля Франциска I.

Занимался (вместе с Приматиччо и другими мастерами; 1532-1539) декоративным убранством Галереи Франциска I во дворце Фонтенбло, сыгравшей ключевую роль в обновлении старого замка; с 1536 был руководителем всех работ по украшению последнего.

Эти фрески и рельефы из стукко, в значительной мере исполненные по эскизам Россо, — причудливые по орнаментике и формальному строю, полные сложных символов и эмблем, — оказали воздействие на развитие маньеризма в разных европейских странах, в том числе на становление французской школы Фонтенбло.

14 ноября 1540 Россо умер, очевидно, своей смертью, хотя Вазари сообщает, что он покончил с собой.

Один из главных представителей флорентийского маньеризма, он был и создателем Школы Фонтенбло; его мощная и оригинальная личность проявилась во Франции в необыкновеных декоративных работах, привнесших в оформление Фонтенбло новые темы и стиль.

Его творчество, широко известное благодаря гравюрам, оказало огромное влияние на всю европейскую живопись.

По материалам: Википедия, Энциклопедия мирового искусства.

Фюссли Генрих Иоганн/Fussli Heinrich Johann(Романтизм)

1741-1825

Иога́нн Ге́нрих Фю́ссли, или Ге́нри Фю́зели (нем. Johann Heinrich Füssli, англ. Henry Fuseli, 7 февраля 1741, Цюрих — 16 апреля 1825, Лондон) — швейцарский и английский живописец, график, историк и теоретик искусства, автор знаменитой серии картин на тему кошмара.

Родился 7 февраля 1741 в Цюрихе. Жил в Германии, Италии.Генрих Фюсли учился на теологическом факультете университета в Цюрихе; в 1765-1770 и с 1779 жил в Великобритании, в 1770-1778 годах работал в Италии, где сблизился с кружком философа и историка искусства Винкельмана, изучал произведения античного искусства, испытал влияние Микеланджело.

Фюсли не завершил своего богословского образования, так как, ему пришлось бежать из Цюриха, в связи с публикацией сочинения, написанного им против одного бесчестного должностного лица.

Фюсли скитался несколько лет по Германии, пока, благодаря своему переводу Шекспировского “Макбета” и “Писем леди Монтэгю”, не познакомился с английским посланником в Берлине и, по его приглашению, не отправился в 1765 году в Лондон.

В Англии Фюсли сперва жил переводами английских и немецких книг, затем, наслушавшись академических речей художника Рейнолдса, заинтересовался искусством.

Знаменитый корифей английской живописи Джошуа Рейнолдс, с которым Фюсли вошел в личное знакомство, посоветовал ему бросить перо и приняться за карандаш и кисти. Послушав Рейнолдса, Фюсли в 1770 году отправился в Италию, сблизился в Риме с Иоганном Винкельманом и Антоном Менгсом, в течение многих лет усердно изучал античное искусство и творчество Микеланджело Буонарроти.

Возвратившись в 1779 году в Лондон уже вполне готовым художником, Фюсли достаточно быстро завоевал признание английских художественных кругов и, как художник, стал известен с переиначенной фамилией «Фузели».

В 1788 году лондонская Королевская академия художеств приняла Фюсли в свои ряды.

Громадные картины Фюсли, навеянные произведениями Шекспира, Данте, Гомера, литературой немецкого романтизма и воспевавшие титанические порывы человека и трагические коллизии его страстей, сочетают идеализацию образов в духе классицизма с безудержной мрачной фантастикой, изощренным гротеском, а иногда — и с острыми жизненными наблюдениями (девять картин для “Шекспировской галереи” Бойделла, 1786-1790, и 47 иллюстраций к “Потерянному Раю” Мильтона, 1790-1800).

Фюсли писал также картины, где воплощал тёмные, иррациональные видения (“Ночной кошмар”, Штеделевский институт, 1782, Франкфурт-на-Майне), исполнял виртуозные по графической технике рисунки (иллюстрации к “Божественной комедии” Данте, 1777, “Илиаде” Гомера, 1795-1800, и другие произведения).

В 1799 году Фюсли был назначен профессором, а в 1804 году директором Академии художеств. С этого времени Фюсли посвятил себя почти исключительно литературным трудам, связанным с искусством, (переработка “Словаря живописцев” Пилькингтона, 1805—1810; издание труда “Пятьсот лекций о художниках”, 1820; перевод на английский язык книги Лафатера “Физиономика”).

Как живописец, Фюсли в свое время нравился английской публике почти также, как и его современники, Рейнолдс и Уэст, хотя был слабее этих живописцев во многих отношениях.

Рисунок и вообще техническое исполнение картин Фюсли небрежны; желание поражать необычайным нередко приводило художника к странностям в композиции, к вычурной театральности поз и движений изображенных фигур, а в колорите к резкости и неестественности.Наиболее известные картины Фюсли: “Титания и Основа” (из произведения Шекспира “Сон в летнюю ночь”), “Ночной кошмар”, “Тесей, прощающийся с Ариадной при входе в Лабиринт”, “Смерть кардинала Бофора”, “Шествие теней в Элизиуме”, “Битва Тора со змеем Ермунгандом”, “Уголино в башне голода”.Умер Фюсли в Лондоне 16 апреля 1825.

По материалам: Википедия, Энциклопедия “Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика.”