де Хаан Чак/Chuck De Haan

1933–….

Chuck De Haan (1933–….)-современный американский художник.
Чак де Хаан(Chuck De Haan) – американский скульптор и художник, изображаюший в традиционном стиле жизнь настоящих ковбоев.

Родился в 1933 году к западу от Форт-Уорт, штат Техас .

В настоящее время живет в Graford, Техас.

Он интересовался искусством с детства.

Самообразовываясь в молодом возрасте, большую часть своей жизни De Haan работал с лошадьми.

С тринадцати лет он начинает участвовать в родео и позже специализируется на заездке бронков.

Chuck De Haan создавал множество иллюстраций для западных журналов и каталогов, а также в течении двенадцати лет возглавлял свое собственное рекламное агентство.

Опытный наездник родео, владелец ранчо и умелый объездчик лошадей, этот

разносторонний человек успешно сочетал искусство и скотоводство на протяжении большей части всей своей жизни.

Благодаря своему постоянному стремлению к совершенству, и удивительному художественному мастерству,

Чак добился заслуженной репутации большого мастера в области художественной анималистики среди своих современников, интересующихся

современным искусством, а также среди многочисленных коллекционеров, владеющих его живописными полотнами и гравюрами.

Как успешный и состоявшийся мастер, этот многогранный человек талантливо

переплетает нити искусства и дрессировки лошадей на протяжении большей части своей взрослой жизни.

де Хайес Карлос/Carlos de Haes(Импрессионизм,пейзаж)

1826–1898

Испанский художник-импрессионист.

Основатель пейзажной живописи в Испании, Carlos de Haes родился 27 January 1826 года в Брюсселе в семье бельгийского торговца, впоследствии эмигрировавшего в Малагу.

Именно по-этому бельгийцы считают его своим художником тоже.

Родители его были испанского происхождения и из-за финансовых проблем вынуждены были возвратиться в Испанию (Малага) в 1835 году.

Там Хаес получил первые уроки рисования у Луиса де Ла-Круса , живописца короля Ферндинанда VII.

Живописец вернулся в Бельгию в 1850 году, где в течение пяти лет учился у Жозефа Куино.
В 1857 году художник вернулся в Испанию, где одержал победу в конкурсе на лучший пейзаж, объявленном школой изящных искусств Сан Фернандо а Мадриде.

Его реалистичные пейзажи оказали сильное влияние на мспанскую живопись.

Он регулярно выставлялся в ежегодных Салонах Бельгии.Много путешествовал по Франции, Германии и Голландии, а в 1860году Хайес стал преподавать пейзажную живопись в Королевской Академии Сан-Фернандо.

В 1861 году стал членом Академии изящных искусств Сан Фернандо

Неоднократно получал награды на различных выставках: в Мадриде(1862), в Байонне(1864), в Леоне(1876), в Париже(1878), в Вене(1882).

У него было много учеников,чьи имена составляют гордость культуры Испании.

Мазки его энергичны, доминирует серо-коричнево-зеленая цветовая гамма .

Его пейзажи очень узнаваемы, они как симфония, мелодичны и неповторимы.Многие поздние работы выполнены в импрессионистской манере.

Карлос также был прекрасным рисовальщиком и гравером.

Умер художник 17 января 1898 года в Мадриде в возрасте 72-х лет.Свои этюды художник завещал ученикам, которые передали их а Музей современного национального искусства в Мадриде.

Хайес Франческо/Hayez Francesco(Романтизм)

1791–1882

Франческо Хайес  (итал. Francesco Hayez, 10 февраля 1791 года, Венеция — 21 декабря 1882 года, Милан) — итальянский живописец, один из ведущих художников романтизма середины XIX столетия, известный своими историческими картинами, политическими аллегориями и прекрасными портретами.

С детства Хайес хорошо рисовал, поэтому его дядя отдал его учеником к художественному реставратору.

Позже он стал учеником живописца Франческо Могиотто, с которым пробыл три года.

В 1809 году Хайес выиграл конкурс, устроенный Венецинской Академией, после чего в течение года учился в Академии Сан Лука в Риме/

Основы обучения мастерству живописи Хайес получил в Риме у Кановы и Энгра.

Начало творчества Хайеса пришлось на переходный период в итальянской живописи от неоклассицизма к романтизму.

Он оставался в Риме до 1814 года, а затем переехал в Неаполь, где по заданию Иоахима Мюрата создал свою главную работу — картину «Одиссей во дворце Алкиноя».

Позднее Хайес отправился в Милан.

Там он долгое время преподавал искусство живописи в Академии Брера.

В 1860 году на стал директором этой Академии.

В настоящее время Пинакотека Брера имеет наиболее полное собрание его работ.

Работал Хайес в основном с религиозными, историческими и мифологическими сюжетами.

Кроме того, был замечательным портретистом — многие знаменитые люди Италии почитали за честь позировать Хайесу при написании портрета.

Оценить весь творческий путь, пройденный Франческо Хайесом сложно, так как он часто не подписывал свои работы и не датировал их (часто обозначенная на его картинах дата является только свидетельством того, когда картина была продана).

Хайенраетс Виллем/Willem Haenraets(Бытовой жанр)

1940-….

Необыкновенная воздушная живопись голландского художника Willem Haenraets — это особый внутренний мир художника, дающий зрителю ощущение умиротворения, романтической идиллии.
Все его картины наполнены легкостью и романтикой.
Акварельные картины данного автора, способны задать глазам и сердцу отдыхающий период.
Пересматривая картины вновь и вновь, каждый раз можно замечать в них что-то новое и приятное

Художник Willem Haenraets родился в голландском городе Херлен, 9 ноября 1940-го. Художественный талант у него обнаружился уже в раннем возрасте. С шестнадцати лет Willem начал обучение в Академии искусств города Маастрих. После четырех лет обучения талантливому студенту правительство Бельгии дало стипендию, которая позволяла ему продолжить обучение в Национальном Институте изящных искусств в городе Антверпене. Там же у него вскоре появилась и своя мастерская. Willem Haenraets обучался у именитых профессоров Sarina и Vaarten. Опытные мастера были рады тому, что растет достойная смена, всячески содействовали продвижению Уильяма. В нем они видели продолжение традиций бельгийско-голландская школы.
В те же годы состоялась и первая выставка молодого художника. На вырученные деньги он купил себе мотороллер, на котором впоследствии объездил многие живописные места в округе, особенно район порта Антверпена. Здесь случилось его знакомство с одним из состоятельных судовладельцев, с помощью которого Willem начал писать много заказных портретов. Когда заказчик скончался, Уильям, на несколько месяцев поехал в Париж. На городской площади Place de Tetre писал портреты с утра до вечера, и в итоге смог купить себе дом в городе Берген (что в Голландии). Вдальнейшем поселился в нем со своей первой женой Ханной. Это было время написания большого количества картин, которые распродавались в художественных салонах и галереях.

Вскоре случилось большое несчастье – Ханна погибла в аварии, оставив мужа одного с шестинедельным ребенком.
В 70-е годы жизнь Уильяма утратила порядок. Но в итоге он решил вернуться в родной Херпен, где поселился в маленьком замке Kasteel Terworm, с головой погрузившись в работу. Работы свои он продавал в Голландии и Германии.
В конце 70-х годов художник нашел свою вторую жену, у которой уже была маленькая дочь. Позднее у них родился сын.
В 80-е годы Уильям начал издавать свои работы. Это сильно изменило его жизнь финансово и в плане участия в художественных ярмарках и выставках. Пошли регулярные приглашения на выставки в США и Англии. Его оригиналы выставлялись в галерее в Беверли-Хиллс, а литографии работ показывались на выставках. В итоге, выставочная деятельность принесла живописцу мировую известность. Выставка в Нагойе (что в Японии) имела огромный успех. Японцам очень понравился стиль художника, его мягкие тона, романтическое настроение.
В 90-у годы художник сблизился с владельцем галереи на Stokstraat в Маастрихе. Вместе они проводили прекрасные выставки в Gallery Renoir каждые два года. Однако из-за болезни владельца галереи это сотрудничество завершилось
В 2000-е годы Willem Haenraets купил дом в Испании, в муниципалитете Hondon de las Nieves. Администрация попросила его представить свои картины в городском Доме Культуры. Художника упоминает это событие как очень приятное.
В настоящее время Уильям работает с издательством, которое представляет его работы во всем мире в форме высококачественных постеров и литографий. Оригиналы художник продает сам и через галереи.
Его работы находятся во многих частных коллекциях
Изначально художник создавал свои работы в технике акварели. Позже прибавился акрил. Последние серии работ в большинстве своем акриловые. Причем изменилась не только техника, но и содержание, стиль. Ушла изначальная чистая нежная дымка холодных тонов. Акрилом художник стал писать картины теплые, и даже местами горячие. Некоторые работы как будто написаны в смешанной технике.
В 2009 году Willem Haenraets был приглашен комитетом Biennale Internazionale Della Arte contemporanea принять участие в этой известной выставке. Сам художник считает это участие своим большим успехом.

Хальс Франс/Hals Frans(Барокко, портрет)

1585-1666

Голландский живописец.Учился в 1600-1603 у Карела ван Мандера и работал в Харлеме.

Хальс родился в Антверпене, затем переехал в Гарлем, где и прожил всю жизнь.

Это был веселый, общительный человек, добрый и беспечный. Творческое лицо Хальса сложилось к началу 20-х годов 17 века.

Ранним портретам (“Банкет офицеров стрелковой роты Святого Георгия”, 1616, Музей Франса Халса, Харлем), жанровым сценам (“Супружеская пара в парке”, 1622, Государственный музей, Амстердам),

образам евангелистов (“Евангелист Лука”, “Евангелист Матфей”, около 1623-1625, — оба в Музее западного и восточного искусства, Одесса) Халса свойственны теплые тона колорита , четкая моделировка форм с помощью плотных мазков.

К конца 1620-х годов складывается зрелое мастерство художника Франса Халса.

Широкую популярность снискали ему групповые портреты офицеров стрелковой роты святого Георгия (1627, Гарлем, Музей Франса Хальса), и стрелковой роты святого Адриана (1633, там же).

Сильные, энергичные люди, принимавшие активное участие в освободительной борьбе против испанских завоевателей, представлены во время пирушки.

Веселое, с оттенком юмора настроение объединяет разных по характерам и манерам офицеров.

Здесь нет главного героя. Все присутствующие — равноправные участники праздника. Хальс преодолел чисто внешнюю связь персонажей, характерную для портретов его предшественников.

Единство асимметричной композиции достигнуто живым общением, непринужденной свободой расположения фигур, объединенных волнообразным ритмом.

С блеском и силой энергичная кисть художника лепит объемы форм.

Потоки солнечного света скользят по лицам, сверкают в кружевах и шелке, искрятся в бокалах.

Красочную гамму, в которой господствуют черные костюмы и белые воротники, оживляют звучные золотисто-желтые, лиловые, голубые и розовые офицерские перевязи.

Полными сознания собственного достоинства и в то же время свободно-непринужденными, жестикулирующими предстают голландские бюргеры с портретов Хальса, передающего мгновенно схваченное состояние.

Подбоченившись, задорно улыбается офицер в широкополой шляпе (1624, Лондон, собрание Уоллес).

Покоряют естественность и живость позы, острота характеристики, высочайшее мастерство использования контраста белого и черного в живописи.

Работая теперь исключительно в области портрета, Халс создает целую галерею типов нидерландского общества — от офицерства и богатых бюргеров (портрет Виллема ван Хейтхёйсена, около 1625-1636, Государственный музей, Вадуц) до социальных низов, предстающих в трактовке художника Халса воплощением неистощимой жизненной энергии народа (“Цыганка”, Лувр, Париж , “Мулат”, Музей изобразительных искусств, Лейпциг, “Малле Баббе”, Картинная галерея, Берлин-Далем, — все около 1630).

Живописная манера Халса обретает к этому времени необычайную легкость, свободу и темперамент: смелыми

динамичными раздельными мазками мастер воспроизводит живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, сохраняя при этом впечатление случайно выхваченного момента жизни.

В этот же период Халс напряженно работает над популярным в Голландии жанром группового портрета, придавая ему жизненную непосредственность и мотивированную убедительность (“Групповой портрет стрелковой роты Святого Адриана”, 1633, Музей Франса Халса).

С 1640-х годов психологические характеристики в портретах Халса углубляются, в колорите начинают преобладать богатые переходами оттенков серебристо-серые тона (“Регенты госпиталя Святой Елизаветы”,1641, музей Франса Халса; портрет Яспера Схаде ван Веструма, 1645, Национальная галерея, Прага). В поздних работах художника, построенных на строгих, напряженных контрастах черных и белых тонов, оттененных редкими красно-коричневыми пятнами (“Мужчина в черной одежде”, около 1650-1652, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), нередко появляются ноты безысходности и горького пессимизма (“Регентши приюта для престарелых”, 1664, Музей Франса Халса).
В старости Халс впал в глубокую нужду и умер в богадельне. Среди учеников Халса и испытавших его воздействие других мастеров голландской и фламандской живописи 17 века — Адриан Брауэр , братья Адриан и Исаак ван Остаде, Ян Стен и другие.

Хадраке и Санчес — Оканья Мигель/Miguel Jadraque y Sánchez-Ocaña

1840–1919

Мигель Хадраке и Санчес — Оканья был самым одаренным художники в истории Вальядолида, пользовался заслуженным уважением и популярностью в артистических кругах того времени, выиграв наибольшее количество медалей на Национальной выставке изящных искусств.

Будучи очень квалифицированным рисовальщиком, в своих работах он воспроизводил каждую деталь костюма в изображаемой им исторической сцене.

Он родился в Вальядолиде 5 июля 1840 года.

Мигель учился сначала в Школе изящных искусств в родном городе Вальядолид под руководством художника Агапито Лопес де Сан Роман (Agapito López de San Román), затем продолжил обучение в Королевской Академии Сан-Фернандо в Мадриде в мастерской художника Хоакина Эспальтера (Joaquín Espalter).

После успешного завершения Академии Хадраке отправился в Рим, где познакомился и подружился с «итальянскими испанцами» — художниками Мариано Фортуни и Эдуардо Росалесом.

Побывал Мигель и в Париже, где познакомился с артдилером Эрнеста Мейсонье.

Вернувшись в Испанию, Хандраке обосновался в Мадриде и начал выставлять свои работы на Национальной выставке изящных искусств.

В 1862 году художник впервые участвует в выставке с работой “Смерть Аарона”, однако никакой награды за свою работу не получает.

Два года спустя, в 1864 году, молодой художник ярко заявляет о себе в живописной среде своего родного города, представляя на конкурсе Академии изящных искусств в Вальядолид работу “Эпизод из жизни графа Ansurez.”

В 1871 году он вновь выставляется на Национальной выставке изящных искусств с одной из его наиболее интересных своих работ “Представляя Изабелла Сиснерос», за которую удостаивается медали третьей степени.

В Национальной выставке изящных искусств 1876года, художник представил работу под названием”Интересная книга”,за которую выиграл еще одну медаль третьего класса.

В течение нескольких лет Хандраке посещал музей Прадо и копировал картины Мурильо и Камиля Бернье.

В 1878 он написал самую значимую работу своей карьере«Carlos V en Yuste» (Museo Nacional Прадо, помещена в Саламанке, в Торгово-промышленной палате), за которую получил второе место и серебряную медаль на Национальной выставке изобразительных искусств.

Работа также появилася во Всеобщей выставке в Париже в этом же году.

После Национальной выставки 1878, картина была приобретена государством.

Картина единогласно считалась одним из лучших произведений выставки, за тщательное исполнение и воспроизведение мельчайших деталей.

В 1895 году Хандраке был назначен членом отборочной комиссии экзаменов для испанской Академии искусств в Риме.

Мигель Jadraque умер в Мадриде 10 января 1919 года.

Хант, Уильям Генри/William Henry Hunt

1790–1864

Уильям Генри Хант (англ. William Henry Hunt, 28 марта 1790, Лондон, — 10 февраля 1864, там же) — английский художник.

Биография:

С 1805 года У. Г. Хант учился живописи у пейзажиста и акварелиста Джона Варли, затем у художников Джона Линнелла и Уильяма Мюльреди.

В 1807 году Хант впервые выставляет свои картины. В 1808 году он вступает в лондонскую Королевскую академию художеств.

Первоначально писал масляными красками; затем, начиная с 1814 года — в основном акварели.

В 1824 году он — член-корреспондент Королевского общества художников-акварелистов, с 1827 года — полноправный член этого общества.

У. Г. Хант обладал как художник высокой продуктивностью.

Иногда им выставлялись одновременно по 20-30 новых работ — жанровых полотен, пейзажей, портретов, натюрмортов, интерьеров.

Первоначально достаточно неуверенный в своих акварельных опытах, со временем у Ханта развился необыкновенный талант как в акварели, так и в масляной живописи.

По мнению Джона Рёскина, Хант был тончайшим художником-пейзажистом из ему известных.

Обладая с детских лет слабым здоровьем, художник проводил много времени на

морском курорте в Гастингсе.

Хант Уильям Холман/William Holman Hunt(Прерафаэлиты,бытовой жанр)

1827–1910

Уильям Холман Хант (William Holman Hunt) — английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов.

Уильям Холман Хант (англ. William Holman Hunt), в старом написании — Гольмен Гунт (2 апреля 1827 — 7 сентября 1910) — английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов.

Настоящее имя — Уильям Хобман Хант, однако Хант сам изменил вторую часть имени, а под конец жизни она слилась с фамилией: Holman-Hunt.

Родился 2 апреля 1827 года в Чипсайде, Лондон, в небогатой семье кладовщика, отличавшейся пуританской строгостью: с детства настольной книгой художника была Библия, за чтением которой он проводил многие часы.

Отец художника был книгочеем и любил живопись.

В 1844 году, после двух неудачных попыток Хант был принят с испытательным сроком в Школу искусств при Королевской Академии, где познакомился с Миллесом.

Учась в Школе, Хант испытал разочарование современным состоянием британского искусства, в котором нично не порражало и не восхищало его.

Хант полагал, что возрожденное искусство должно сопровождаться возвращением к утраченным религиозным и моральным идеалам, которые стали целью и главной состовляющей его работ.

Хант стремился участвовать в выставках Королевской Академии, поскольку это давало возможностьпродавать свои картины, что было ему крайне необходимо,чтобы существовать.

Его дебютом стала картина «Канун дня святой Агнессы»(1848), показанная на ежегодной летней выставке Академии.

Полотно, написанное на сюжет романтической пьесы, произвело неизгладимое впечатление на молодого Данте Габлиэля Росетти, который оставил мастерскую Форда Мэддока Брауна, чтобы учиться у Ханта живописи.

В сентябре 1848 года Хант со своими друзьями Миллесом и Россетти основал Братство прерафаэлитов (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood).

Необходимо отметить, что Хант был самым последовательным членом Братства, кто остался верен принципам Братства до конца.
Поначалу картины Ханта не были особенно популярны, но затем он приобретает известность.

Проведя два года (1854-55) на Востоке, он написал одну из самых известных своих картин — «Свет мира», которая возбудила в художественной критике горячие споры.

Холман Хант был единственным, кто до конца остался верен доктрине Братства прерафаэлитов и сохранил их живописные идеалы до самой смерти, однако в конце концов ему пришлось бросить живопись из-за все ухудшающегося зрения, и последняя картина — «Леди из Шалотта» (англ. The Lady of Shalott) — была закончена помощником, Эдвардом Хьюзом.

Хант также является автором автобиографий «Прерафаэлитизм» (англ. Pre-Raphaelitism) и «Братство прерафаэлитов» (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood), цель которых — оставить точные сведения о происхождении Братства и его членах.

Хант женился дважды. После неудачного обручения со своей моделью Энни Миллер, он женился на Фанни Вог, которая затем послужила моделью для Изабеллы.

Фанни умерла при родах в Италии и была похоронена на Английском кладбище во Флоренции рядом с могилой Элизабет Браунинг.

Вторая жена Ханта, Эдит, была сестрой Фанни.В те времена в Англии было незаконно жениться на сестре погибшей жены, и Хант был вынужден поехать для этого заграницу.

Бракосочетание состоялось в Швейцарии:только в 1907 году их брак был узаконен в Англии.

Эта женитьба привела к серьёзной размолвке с остальными членами семьи, особенно с его бывшим коллегой-прерафаэлитом Томасом Вулнером, женатом на сестре Фанни и Эдит Алисе.

В 1855 году художник принял участие во Всемирной Выстаке в Париже, показав на ней ряд своих работ, включая работу «Наши берега».

В 1866-68 годах художник жил и работал во Флоренции, куда переехал со своей молодой женой Фанни Вог.

Здесь Хант создал одно из самых волнующих своих произведений-«Изабелла и горшок с базиликом»(1866-68).

До последних дней художник участвовал в выставках Галерее Гросневор, Королевском обществе аквалеристов, Новой Галерее и Новом Английском Арт-клубе.

Хант не имел столь яркого природного таланта, как Миллес и не был книжным интеллектуалом, как Россетти.

Художник всего добился тяжелым трудом.

В течение всей своей долгой жизни(Хант прожил 83 года) художник не добился громкого признания, к которому так стремился.

Он не создал своей школы, как Россетти, ноего религиозная, глубоко мистическая живопись аказала огромное влияние на на развитие искусства разных напралений, в частности, символизма и модернизма.

Художник умер 7 сентября 1910 года в Лондоне. Его кремировали 12 сентября и останки захоронили в Кафедральном соборе святого Павла с национальными почестями.

Харди Хейвуд(Жанровая живопись)

1842–1933

Хейвуд Харди был младшим сыном художника Джеймса Харди-старшего (1801-1879)-писал жанровые сцены охоты и животных.

Он начал свою карьеру как художник животных в Keynsham, но в 1864 году поступил в Школу изящных искусств Эколь в Париже.

Харди оставался на континенте еще в течение четырех лет, и жил в Антверпене, прежде чем вернуться в Англию в 1868 году.

В 1870 году Харди поселился в Лондоне и делил студию с Briton Riviere. Его карьера процветала, и он был избран членом нескольких научных обществ, в том числе Королевского общества живописцев и офортистов Ечерс, Королевского института Художников рисующих маслом и Королевского общества портретистов.

Он был членом-корреспондентом Королевского общества Акварели. Харди также работал в качестве иллюстратора, сотрудничая с THe Illustrated London News and The Graphic Magazine.

Прославленный за реалистичное отражение животных,Харди часто бывал приглашен во многие усадьбы,у него был ряд известных покровителей, в том числе полковника Wyndham Murray, маркиза Zetland and the Sitwells of Renishaw.

Харди переехал жить в Западный Сассекс в 1909 году, а в возрасте восьмидесяти трех лет приступил к уникальной фазе своей карьеры.

Это была серия библейских сцен, изображающих Христа, идущего в сельской местности Сассекс, в окружении узнаваемых современных деревень.

Эти панели были сделаны в ознаменование 700-летие церкви в Clymping, где их все еще можно увидеть сегодня.

Харламов Алексей Алексеевич(Портретная живопись)

1840–1925

Харламов Алексей Алексеевич-русский художник, живописец-портретист, мастер изображения женских головок и сцен из жизни детей.

Родился в 1840 году в деревне Дьячевка Саратовской губернии в многодетной семье крепостного крестьянина.

В 1850 году родители Алексея вместе с ним и еще двумя младшими детьми получили вольную. Вскоре семья Харламовых переехала в Санкт-Петербург.

В 1862 году Алексей Харламов стал посещать вольноприходящим учеником класс профессора Алексея Тарасовича Маркова в Императорской Академии художеств.

Во время своего долгого прохождения академического курса Харламов получил множество серебряных и золотых медалей.

За успехи в рисовании и живописи Алексей Харламов в 1857 и 1862 году получил две малые серебряные медали, а в 1863 году — две большие серебряные.

В 1866 году Харламов был удостоен малой золотой медали за картину «Крещение киевлян», а в 1868 году — большой золотой медали за полотно «Возвращение блудного сына в родительский дом» и права на пенсионерскую поездку за границу.

В 1869 году Харламов посетил Берлин, затем работал в Париже под руководством Л. Бонна, далее совершил путешествие в Бельгию и Голландию.

В Гааге, по заказу Императорской Академии художеств, написал превосходную копию с картины Рембрандта «Урок анатомии доктора Тюльпа».

В 1874 году Харламов отправил на академическую выставку в Санкт-Петербург три свои работы — «Бедный музыкант», «Голова итальянки» и «Головка девочки».

За эти работы и за сделанную в Гааге копию с картины Рембрандта Харламов получил звание академика.

С 1872 года стал участником Товарищества передвижных художественных выставок. В конце 1876 года художник навсегда покинул Россию и поселился во Франции. Причиной эмиграции Харламова было то, что Алексей Алексеевич, как писал Илья Репин, «ужасно любит Париж» и желал бы там остаться навсегда.

По возвращении в Париж Харламов превратил свою мастерскую в доме на Пляс Пигаль в модное ателье.

Специальностью Xарламова стали портреты, грациозные женские и детские головки и несложные сцены из жизни детей. Позднее Харламов купил дом в Веле.

Этот город был любим художником, позднее в дар городу он передал многие свои работы. В эти годы Алексей Алексеевич познакомился с юной Фелией Литвин, ставшей впоследствии знаменитой певицей.

Художник постоянно выставлялся в парижском Салоне, участвовал на Всемирных выставках, получал награды.

В 1888 году на международной художественной выставке в Глазго его картина «Дети с цветами» произвела сильное впечатление на королеву Великобритании Викторию. Проявляла интерес к его творчеству и часть русской аристократии.

Так, картина «Женская головка» была приобретена российской императрицей Марией Федоровной Романовой.
Однако, поставленные Харламовым на поток портреты с изображением женских головок и детей в конце концов наскучили даже нетребовательной части французской публики.

Это постоянство стиля художника обернулось для него трагедией в начале двадцатого столетия, когда художественные вкусы общества значительно изменились.

Последние годы жизни Алексей Харламов провел в бедности и одиночестве. Единственной, кто скрашивал его старость, была французкая оперная певица Фелия Литвин.Умер Алексей Алексеевич Харламов в 1925 году в Париже, похоронен на кладбище Пер-Лашез.

Харламов Николай Николаевич(Религиозная тематика)

1863–1935

Русский художник, портретист иконописец, академик живописи в области монументального религиозного искусства.
Родился в 1863 году в селе Веретево Ковровского уезда Владимирской губернии в семье священника. Учился во Владимирском духовном училище. В 1882 году окончил Владимирскую духовную семинарию.
В 1883 году Харламов был принят в Императорскую Академию художеств. За программу «Ангел выводит апостола Петра из темницы» получил малую золотую медаль и звание классного художника II степени. С 1892 года Николай Харламов жил и работал во Владимирской губернии. В течение десяти лет возглавлял в Холуе (тогда слобода Холуй входила в Вязниковский уезд) иконописную школу. Под его руководством артелью учащихся создавались иконы, расписывались храмы, иконостасы по всей России и за ее пределами.

На Всероссийской выставке в Нижнем Новгороде выделялись работы его учеников. Созданный ими образ Христа был настолько удачен, что Харламовым заинтересовалась комиссия, ведающая внутренним убранством храма Воскресения Христова на Крови в Петербурге.
В 1890-х годах Николай Николаевич Харламов принял деятельное участие в росписи Никольской церкви российского посольства в Вене.

В 1896 году художник был приглашен участвовать в конкурсе на создание картонов для мозаик Храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге. С 1897 по 1900 годы Харламов создал для мозаик интерьера храма Воскресения Христова 42 картона, по которым были набраны иконы и композиции «Христос Пантократор», восемь серафимов, четыре евангелиста, четыре изображения ангелов со страстями, «Евхаристия» на тему «Тайной вечери» в алтаре, «Спас Еммануил», «Богоматерь», «Спас Благое Молчание», «Иоанн Предтеча», «Христос во славе», «Святой Иоанн Златоуст», «Святой Василий Великий», текст молитвы перед причастием, «Святые Стефан Пермский и Исаакий Далматский»», «Святые Кирилл и Мефодий», фриз из серафимов, восемь изображений сил небесных, восемь изображений ангелов.
За заслуги в области монументального религиозного искусства в 1910 году Харламову было присвоено звание академика живописи. В начале 1900-х годов Харламов участвовал в создании мозаик для интерьера собора Святого Александра Невского в Варшаве, а потом создавал иконы для великокняжеской усыпальницы в Петропавловской крепости. До настоящего времени из всех этих уникальных работ художника в полном объеме уцелели лишь мозаики в Соборе Воскресения Христова на Крови в Санкт-Петербурге. А православный собор в Варшаве был уничтожен в 1926 году польскими националистами. Последние годы жизни художник провел в селе Тименки Вязниковского уезда в 28 километрах от Холуя, где в 1935 году умер и был похоронен.

Харнет Уильям Майкл/William Michael Harnett(Иллюзионистский натюрморт)

1848–1892

Уильям Майкл Харнетт -американский художник XIX века , мастер иллюзионистических натюрмopтов.
Уильям Майкл Харнетт (I848 — I892) родился в небольшом ирландском городке Клонакилти в 1848 году и еще в раннем детстве вместе с семьей эмигрировал в Америку.

Здесь он получил образование в пенсильванской Академии изящных искусств, а также в Национальной академии дизайна. После завершения курса обучения Харнетт в 1880 году отправляется в Европу.

Некоторое время он проводит в Лондоне, затем в Париже и Франкфурте и наконец почти на пять лет обосновывается в Мюнхене, где его деятельность приобретает наибольшую активность. Именно в это время Харнетт начинает собирать свою собственную коллекцию старинных предметов, в частности книг, а также музыкальных инструментов.

В Соединенные Штаты Харнетт вернулся в 1885 году и прожил в Нью-Йорке до конца жизни, пользуясь значительной известностью. После смерти художника его имя на долгие годы отошло в тень и только в конце тридцатых годов нашего столетия интерес к нему возродился. В 1939 году нью-йоркская Доунттоун-гэлэри устроила выставку его произведений и с тех пор появилось значительное число исследований, посвященных его творчеству.

Можно назвать целый ряд других американских художников — Джона Пето, Джорджа Платта, Хэрри Байкера и других, на которых Харнетт оказал сильное влияние. В их произведениях, также как у Харнетта, в большом количестве стали появляться разнообразные атрибуты музыки.
Харнет является автором тридцати семи натюрмортов с музыкальными инструментами и нотами. Если учесть, что всего им создано (или, скажем так, известны) около 170 картин, то станет ясно, что музыка в жизни художника занимала значительное место, привлекала его внимание и вдохновляла чаще, нежели другие темы.
Хотя в американской живописи У.М. Харнетт первым обдатился к натюрморту с музыкальными инструментами и нотами, весь стиль его картин, отношение к моделям, их трактовка — все это неизбежно заставляет вспомнить голландский натюрморт ХVII века с его особым пристрастием к широко распространенном сюжетуVanitas(«Суета»).

И у голландцев и у Харнетта суетность мира, быстротечность жизни, бренность земного — все это символизируется одними и теми же предметами: потухшей свечой, старинными фолиантами, курительной трубкой
Не только наличие одних и тех же предметов роднит Харнетта с голландцами ХVII века и их музыкальными натюрмортами. И у Харнетта и у них один и тот же строй, очень сходная манера письма, одинаковое отношение к модели — желание выписать ее со всеми подробностями, во всех мельчайших деталях.

Отсюда в их картинах ноты — книги и тетради, — музыку в которых можно ясно прочитать. А коль так, то эти живописные произведения, кроме эстетической ценности, оказывается, несут подобно старой фотографии информацию о музыкальной жизни своей эпохи. Таким образом, картины Харнетта, в отличие от огромного большинства картин художников его современников, не имеющих никакого иконологического значения (это не недостаток, а особенность), заключают в себе важное иконологическое содержание.

Правда, в этом отношении Харнетт не «дотягивает» до голландцев: на его картинах, повторяем, также как на фотографии, музыкальные произведения лишь зафиксированы, в то время как у голландцев, скажем, у того же Торренциуса, о картине которого мы рассказывали в предыдущей статье цикла, музыка не просто точно воспроизведена сама, но она имеет глубоко символический смысл, и даже в значительной степени проясняет сюжет картины. И тем не менее об инструментах и о музыке на картинах Харнетта можно кое-что поведать.
«Поскольку Харнетт, — пишет в своей статье об интересующих нас натюрмортах американский исследователь Кэрол Ойя, — был столь скрупулезен в изображении своих моделей, становится возможным описать и идентифицировать многие из предметов, воссозданных на его картинах».

В каталоге коллекции Харнетта, изданном вскоре после смерти художника филадельфийским издательством Т.В. 1893, имеются описания и фотографии многих вещей, в том числе и музыкальных инструментов, которые мы видим на его картинах. Пожалуй чаще всего на них встречается очень красивая флейта, сделанная из черного дерева, слоновой кости и серебра (она имеется по крайней мере на девяти картинах). Каталог сообщает, что она принадлежала «одному филадельфийскому коллекционеру». Этим коллекционером как раз и был первый биограф Харнетта, его друг, упоминавшийся уже Е. Тэйлор Сноу. Он играл на флейте, и вместе с художником, который тоже владел этим инструментом, они музицировали, исполняя дуэты.
Другой инструмент, который тоже часто появляется в натюрмортах Харнетта — скрипка. О подлинной скрипке из коллекции художника в каталоге: читаем: «Редкая старая кремонская скрипка».(Йозев Гварнериус. Кремона, год 1724.).

Замечательный нежно звучащий инструмент, приобретенный г-ном Харнеттом за большую сумму у одного знаменитого коллекционера в Париже. Она фигурирует в нескольких его картинах». Конечно, сейчас, спустя почти сто лет после выхода в свет этого каталога, невозможно с полной уверенностью сказать, был ли это действительно подлинный инструмент Гварнери, но можно согласиться с К. Ойя, что показателен «сам факт покупки Харнеттом инструмента, который он считал подлинной скрипкой восемнадцатого века». Этот инструмент мы видим на картине Харнетта «Старая скрипка» (1886). Глядя на картину, испытываешь ощущение полнейшей реальности предмета.

В одном газетном отчете о выставке картин художника, устроенной в рамках Промышленной выставки в городе Цинциннати в 1886 году, приводится любопытный рассказ о том впечатлении, которое производили на публику картины, стиль и техника Харнетта (речь идет именно о данном натюрморте): «Один пожилой господин долго сквозь очки рассматривал картину и, наконец, изрек: «Как бы я хотел поиграть на этой скрипке!» Он с энтузиазмом убеждал, сколько чарующих мелодий можно извлечь из нее. Он не замечал никакого подвоха, пока не подошел вплотную к картине — теперь он был совершенно обескуражен».

Выше уже говорилось о сходстве натюрмортов Харнетта с произведениями голландских художников ХVII века в этом жанре. Теперь необходимо сказать и о существенном их различии. Оно глубоко внутреннее.

Рассматривая картины американского художника нельзя не почувствовать некой самоцели в той нарочито реалистической, а в данном случае можно, вероятно, даже сказать натуралистической манере, вернее методе, которым они сделаны. Натюрморты Харнетта в гораздо большей степени nature morte, то есть в буквальном смысле слова «мертвая природа», нежели натюрморты голландцев, для которых, пожалуй, больше подходит голландский термин, характеризующий этот жанр — а именно «тихая жизнь».

У голландцев человек, кажется, присутствует где-то рядом, он только что нарезал ветчину, очистил лимон, налил в бокал вина… «Модели» Харнетта совершенно безличны и потому от его картин веет холодом. Их интересно рассматривать как своеобразный «гербарий» из предметов.
(по материалам статьи Александра МАЙКАПАРА)

Хассам Фредерик Чайлд /Frederick Childe Hassam(Импрессионизм)

1859-1835

Американский художник-импрессионист.
Фредерик Чайлд Хассам (Frederick Childe Hassam) (1859-1935) родился в Дорчестере, штат Массачусетс. Его творческий путь начался в детстве с посещения уроков рисования. В ноябре 1872 бизнесу отца Хассама был нанесен значительный урон. Чайлд бросил школу, чтобы помочь своей семье, и устроился на работу в бухгалтерию издательства «Little, Brown & Company». Он совершенно не имел склонности к работе с цифрами, и, видя это, его отец помог найти ему другую работу: он стал учеником гравера по дереву. Он быстро показал свои способности художника и в скором времени уже разрабатывал дизайн для коммерческих бланков и газет. Около 1879 г. Хассам начал создавать свои первые картины маслом, но его любимым средством оставалась акварель.

В 1882 г. Хассам стал внештатным иллюстратором и создал свою первую студию. Он иллюстрировал рассказы для известных журналов. Он продолжал развивать свои умения, посещая уроки живописи. В этом же году Чайлд Хассам впервые устроил персональную выставку акварелей.

В 1883 году Хассам совершает свою первую поездку в Европу со своим другом Эдмундом Гарретом. Имея относительно небольшое художественное образование, Хассам был пленен работами старых мастеров Великобритании, Нидерландов, Франции, Италии, Швейцарии, Испании. Он создает много акварелей европейской сельской местности, шестьдесят семь из которых легли в основу его второй выставки в 1884 году.

Вернувшись в Бостон, Хассам женился на Кэтлин Доан. Он вновь открыл свою студию иллюстрации, а в хорошую погоду писал пейзажи на пленэре. Он вступил в «Paint and Clay Club», что позволило ему расширить круг знакомств в художественном сообществе. Хассам особенно сблизился с Уильямом Моррисом Хантом и его кругом друзей, которые придерживались традиции французских художников писать свои пейзажи с натуры. Он также принял и для себя это правило.

Хотите немного отвлечься от изучения мирового искусства, тогда для вас лучшим времяпровождением будут игры для телефона. На MobiGama вы найдёте большое собрание качественных игр на любой вкус. Аркады, бродилки, гонки и многое другое.

В середине 1880-х годов Хассам начал писать городские пейзажи, показывая что современная американская архитектура не менее ценна и красива, чем античное искусство. Некоторые из критиков того времени считали это милым, но ни в коем случае не искусством. Хассам пришел к выводу, что необходимо серьезно заниматься живописью и оставить иллюстрацию. Прежде чем это сделать, он отправляется со своей женой в Париж, где поселяется возле площади Пигаль. Он много общался с французскими художниками и лишь изредка — с американскими.

Frederick Childe Hassam берет уроки рисунка и живописи в Академии Жюльена. Он быстро перешел к самостоятельной работе, считая обучение в Академии рутиной. Парижские улицы – стали первой темой для его работ. Продажа этих полотен в Америке позволяла ему безбедно жить в Париже. И все же французское влияние дало о себе знать: в 1890-х гг. его техника стала более склонной к импрессионизму, в качестве объектов своих работ он все так же выбирал городские улицы.
В 1889 г. Хассам вернулся в Америку и обосновывался в Нью-Йорке, там он смог приблизиться к влиятельным художникам, продавцам и коллекционерам, завести крепкие связи с различными обществами искусств. Хассам значительно сближается с американскими художниками-импрессионистами Дж.Олден Вейром и Джоном Генри Тватчтменом.

В полотнах, написанных в Нью-Йорке, он использовал нехарактерные для импрессионистов цвета черной и коричневой гаммы, что придавало его картинам некий «американский характер». Хассам затрагивал лишь «благородную атмосферу» Нью-Йорка, и настойчиво избегал серости бедных кварталов. Он изображал хорошо одетых мужчин, модных женщин и детей, и экипажи на переполненных улицах вдоль еще невысоких зданий. Хассам любил наблюдать за людьми, видя в их движении свою творческую суть и будущие работы. И он не ошибался.

Летом он часто работал на острове Эпплдор. Общественная жизнь на острове вращалась вокруг салона поэтессы Селии Такстер. На картинах этого периода можно видеть цветник самой поэтессы, скалистый пейзаж и некоторые интерьерные сцены. Начиная с середины 1890-х годов Хассам совершает поездки в Глостер, штат Массачусетс и Коннектикут. Каждое из этих мест стало отдельным художественным изысканием художника.
Его картины неплохо продавались, но на фоне общего экономического спада 1896 г. Чайлд Хассам решает вернуться в Европу. Он побывал в Неаполе, Риме, Флоренции, Франции и Англии, где провел много времени в галереях и церквях за изучением работ старых мастеров. Характерной чертой его работ этого периода было использование легкой, светлой палитры.

Вернувшись в Нью-Йорк в 1897 г. Хассам основал новое общество «The Ten». На их первой выставке в Durand-Ruel Gallery он представил семь своих новых работ, сделанных в Европе. Критикам не понравились его новые работы, хотя они по-прежнему интересны своей чистотой форм пейзажей и зданий в городских сценах.

Хассам никогда не зарабатывал на жизнь уроками рисования, а лишь продажами своих картин. Импрессионизм долгое время не был признан в США, но такие активные художники как Хассам смогли легализовать импрессионизм в американском арт-обществе, его картины начали продавать в крупнейших музеях. В 1906 году Чайлд Хассам был избран академиком National Academy of Design.
После 1904 года сорокапятилетний Хассам почувствовал духовное и художественное омоложение и написал несколько картин в неоклассическом стиле, в том числе обнаженных на открытом воздухе. Его городские пейзажи сходили на нет, он устал от городской жизни, потому что сама архитектура города изменилась. В 1904 и 1908 году он отправился в штат Орегон, где создал более 100 новых картин: сами объекты диктовали ему, как писать полотна, как правильно передать настроение момента и места, но это всегда было в пользу импрессионизма. Около 1915 года он возобновил свою работу над офортами и литографией, но эта деятельность не вызвала особо энтузиазма у критиков.

В 1919 году Хассам купил дом в Ист-Хэмптоне (Нью-Йорк). В 1920-х гг. он еще успел получить множество наград и медалей. В последние годы своей жизни он путешествовал по Америке, посетив Калифорнию, Аризону, Луизиану, Техас и Мексику.

В послевоенное время в 1920-х гг. начался подъем рынка искусства, и картины Хассама начали дорожать. Искусство во всем мире становилось модернистским, и многие критики считали его творчество повторяющимся. Сам же художник решительно осуждал современные тенденции в искусстве и тех критиков, которые поддерживали их, чтобы не остаться не у дел. Чайлд Хассам был забыт до 1960 г., когда интерес к американским импрессионистам был возрожден. До 1970 г. цены на его картины достигли своей высшей точки и до сих пор пользуются спросом.

Чайлд Хассам умер в Ист-Хэмптоне в 1935 году, в возрасте 75 лет.

Хед Мартин Джонсон/Martin Johnson Heade(Натурализм)

1819–1904

Мартин Джонсон Хед(Хэд) (англ. Martin Johnson Heade; 1819—1904) — американский художник-натуралист. Участник школы реки Гудзон.

Биография:

Родился 11 августа 1819 года в местечке Ламбервилль, расположенном на берегу реки Делавэр, штат Пенсильвания.

Был старшим сыном в большой семье Джозефа Хида (псевдоним «Хед» Мартин взял после переезда в Нью-Йорк) — фермера и владельца лесопилки.

Первые уроки живописи Хеду давал местный художник Эдвард Хикс, не наделенный большим талантом живописца.

У Хикса Мартин выучился только основам изобразительного искусства, а технику написания он постигал самостоятельно.

Успехи Хеда были настолько велики, что в 1840 году, он поехал продолжать обучение живописному мастерству сначала в Англию, затем во Францию и в Италию, конкретно в Рим, где он учился мастерству в течение двух лет.

Два года спустя он вернулся в Пенсильванию, где впервые продемонстрировал свои работы в Академии изящных искусств.

В 1843 году Хед переехал в Нью-Йорк и продолжил работать в жанре портрета, иногда выполняя наброски натюрмортов.

В 1848 году он совершил повторную поездку в Рим и посетил Париж, что сформировало у него тягу к перемене мест и к путешествиям.

Хед мигрировал по разным городам страны — Сент-Луис, Чикаго, Трентон, Провиденс и другие.

В 1859 году Мартин Хед вновь оказался в Нью-Йорке, где из всех своих знакомых-художников больше сблизился с Фредериком Черчем — пейзажистом и романтистом.

В 1863 году Хед совершил путешествие в Бразилию — рай для биологов и пленэристов.

Темами для картин Мартина Хеда стала природа этой страны — его бразильская серия насчитывает более сорока картин.

Любовь к природе способствовала путешествию художника в Никарагуа, Панаму, Ямайку и Колумбию.

В 1880-х годах Хед вернулся к живописи натюрмортов.

В 1883 году он женился и переехал на постоянное жительство во Флориду (в городок Сант Огастин), где умер 4 сентября 1904 года.

Цветы и эфемерные колибри были, пожалуй, самой любимой темой Мартина Джонсона Хеда.

Многочисленные тропические орхидеи, нежные египетские лотосы, пергаментно-сухие розы, цветущие ветки диких яблонь и, конечно же, магнолии.

Магнолии на столе, в раковине наутилуса, на синем, краплаковом, золотом бархате.Резкость передачи формы, фактуры и цвета выделяла художника Мартина Джонсона Хеда среди прочих живописцев XIX века.

Хеда Виллем Клас/Heda Willem Claesz(Барокко, натюрморт)

1593/1594-1680/1682

Хеда Виллем Клас(Willem Claesz (Claeszoon) Heda) (14 декабря 1593/1594, Харлем — 24 августа 1680/1682, там же) — голландскмй живописец,выдающийся пастер натюрморта.

Биография:

Хеда родился в Нидерландах, в Харлеме, и обучение живописи проходил под руководством своего отца, Геррита Виллемса Хеды.

В Харлеме художник жил и работал всю жизнь.

Карьеру живописца он начинал с картин на религиозные сюжеты и портретов, но затем практически полностью переключился на натюрморты.

В Голландии XVII века жанр натюрморта получил большое распространение.

Эстетические принципы натюрморта были довольно консервативными: горизонтальный формат полотна, нижний край стола с изображаемой натурой строго параллелен раме.

Складки на столовой скатерти, как правило, уходили параллельными линиями, вопреки законам перспективы, в глубину полотна; предметы рассматривались с высокой точки зрения (чтобы легче было охватить их все взглядом), располагались в линию или по кругу и практически не соприкасались.

Натюрморты таких живописцев, как Николас Гиллис и Флорис Клас ван Дейк получили название ontbijtjes — этот термин обычно переводится как «натюрморты-завтраки», хотя, строго говоря, ontbijt’ом называлась лёгкая закуска, которую можно было принимать в любое время дня.

Изображаемые предметы могли нести скрытый аллегорический смысл: погасшая свеча — символ окончившейся жизни; серебряная посуда означает земное богатство; ветчина — чувственные радости; лимон — внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь.

Хеда, а также оказавший на него влияние Питер Клас — самые значительные представители такого рода натюрмортов в Голландии.

Этих двух харлемских мастеров часто сравнивают. Оба они создавали скромные «завтраки» с простым набором незамысловатых предметов.

Хеду и Класа роднят зеленовато-серые или коричневатые тона, но произведения Хеды, как правило, более тщательно отделаны, а вкус его более аристократичен, что проявлялось в выборе изображаемых объектов: серебряной, а не оловянной утвари, устриц, а не сельди и т. п.

К сорока годам Хеда был уже живописцем с утвердившейся репутацией. В 1631 г. он получил статус мастера в харлемской гильдии Св. Луки. Неоднократно (в 1637, 1643 и 1651 гг.) избирался председателем гильдии, в 1642 и 1652 гг. — её деканом.

Один из сыновей мастера, Геррет Виллемс Хеда (1620—1702), также стал живописцем.

Как и отец, руководивший его обучением, Геррет избрал своим жанром натюрморт и писал в той же монохромной манере. Виллем Хеда имел много учеников и последователей, но главным из них был Геррет.

Мастер умер около 1680 г. в Харлеме. Влияние его на других художников было значительным. Среди последних можно назвать молодого Франса Халса.

Творчество:

Самый ранний из известных натюрмортов кисти Хеды датируется 1621 г. и представляет собой аллегорию бренности (Гаага, собрание Брёдиуса).

Перед нами — рассматриваемые с высокой точки зрения предметы, в каждом из которых заложены ассоциации с бренностью и тщетой: чаша с тлеющими угольками, курительные приспособления, перевёрнутый бокал, череп.

Колорит выдержан в коричневато-зелёных тонах и является одним из первых примеров нидерландского монохромного натюрморта.

Уже в этой ранней работе проявилось мастерство Хеды в передаче фактуры материала.

Более уравновешенную композицию находим в другом натюрморте того же года (Гаага, Королевская галерея Маурицхейс) и в «Столе с завтраком» (1631, Дрезденская картинная галерея).

В обеих картинах предметы расположены на нейтральном фоне и объединены чёткой диагональной композицией.

В начале 1630-х гг. Хеда прибегал к композиционным решениям Гиллиса и Флориса ван Дейка, но, в отличие от них, не боялся нарушить симметрию, располагая белую скатерть в правой или левой части и оставляя середину стола непокрытой.

В последовавших затем «банкетных» натюрмортах скатерть всё больше и больше сдвигалась вбок, а к концу 1630-х гг. писалась уже совершенно смятой.

Еда ранее представлялась нетронутой, предназначенной лишь для обозрения и любования, а в более поздних натюрмортах видны признаки трапезы.

Расположение предметов стало носить не празднично-торжественный, а как бы случайный, естественный характер.

Хеда любил писать серебряные чаши с мерцающими бликами, кубки из венецианского стекла, перламутровые раковины.

С исключительным мастерством он передавал отражения и блики на блестящих и гладких поверхностях, как видно на примере замечательного натюрморта, хранящегося в Государственном музее в Амстердаме.

Это произведение также отличается изысканностью красок и утончённостью проработки.

Художник почти всегда использовал в своих работах одни и те же мотивы, но, меняя расстановку, он создавал оригинальные композиции, представляющие новый взгляд на привычные предметы.

Для его натюрмортов характерны удивительная точность в передаче предметов и вместе с тем загадочная поэтичность, создающая романтическое ощущение таинственности.

В полотнах Хеды пленяет не только натуральность изображения предметов и искусность в передаче формы, цвета, фактуры каждой мелочи самой по себе, но и живое и искреннее наслаждение, с которым раскрывается красота предметного мира.После 1640 г. картины Хеды стали больше по размерам, богаче и красочнее по колориту (например, натюрморты в Эрмитаже, Санкт-Петербург).Чтобы достичь большей монументальности композиции, Хеда в зрелый период творчества применял не традиционный горизонтальный, а вертикальный формат.

Хей Жан/Jean Hey(Раннее Возрождение)

1480-1500

Жан Хей — замечательный художник эпохи Раннего Французского Возрождения.

Ему принадлежит триптих «Богоматерь во Славе» (1498- 1499) для собора Мулена — одно из самых значительных произведений французского искусства XV в. По этой работе художник был назван «Мастером из Мулена».

Сохранилась еще одна работа Жана Хея — «Рождество» для собора в Отене.

Здесь очевидна ориентация художника на манеру Гуго ван дер Гуса. Возможно, этот живописец был учителем Жана Хея.

В своем творчестве Жан Хей продолжал традиции нидерландского искусства.

Он был хорошим портретистом. Созданные им образы отличались точной, хотя и лишенной поэтичности трактовкой модели.

При всей привлекательности в артистизме Жана Хея не было исключительной оригинальности и всегда ощущалась нидерландская выучка, что, впрочем, не лишает его произведения очарования и сохраняет их в ряду значительных произведений искусства XV в.

Картина «Пьер II, герцог Бурбонский со св. патроном апостолом Петром» представляет собой изображение, идентичное портретам Пьера II, герцога Бурбонского, на створке алтаря Муленского собора, но исполненное художником для другого не известного нам алтаря.Другие известные произведения: «Дофин Карл Орлеанский». Лувр, Париж; «Портрет неизвестной со св. Мадлен». (Ранее приписывался Муленскому мастеру. Предположительно портрет Мадлен Бургундской). Лувр, Париж.

Хейердал Ганс Олаф/Heyerdahl Hans Olaf(Импрессионизм)

1857–1913

Ганс Хейердал (норв. Hans Heyerdahl, 8 июля 1857, Смедьебаккен, Швеция — 10 октября 1913, Осло) — норвежский художник.

Ганс Хейердал родился в шведской провинции Даларнав в семье норвежских эмигрантов.

В 1873 году он поступает в художественную школу в Осло.

С 1874 года Хейердал учится в мюнхенской Академии изящных искусств у Людвига фон Лёффца и Вильгельма фон Линденшмидта Младшего.

Был лауреатом многих академическийх премий.

Ганс Хейердал принимал участие в парижской Всемирной выставке 1878 года, где за картину «Изгнание Адама и Евы из рая» был удостоенн золотой медали.

В 1878—1882 годах художник живёт и работает в Париже, где был учеником Леона Бонна и занимался пленэром.

В Лувре художник много копировал классическую живопись:Рафаэля, Рубенса, Рембранта.

В 1882 году французское правительство покупает полотно Ганса Хейердала «Умирающий ребёнок».

Эта картина также была удостоена Большой Флорентийской премии, что позволило художнику провести 1882—1884 годы в Италии, где он познакомился с Арнольдом Бёклином.

Возвратившись в Норвегию, в Осло и в Осгордстранде художник поддерживает близкие отношения с Кристианом Крогом и молодым Эдвардом Мунком.

Вернувшись на родину, художник приобрёл известность: яркие и выразительные мифологические сцены, выходящие из-под его

кисти, пользуются у коллекционеров того времени чрезвычацной популярностью.

Неоднократно участвовал в выставках в галерее Жоржа Пти.

Ганс Хейердал является крупным представителем норвежского реалистического

искусства.

В начале ХХ века он также увлекается таким политическим движением, как пангерманизм

Хейл Филипп Лесли/Philip Leslie Hale(Декоративный импрессионизм)

1865 — 1931

Американский художник- импрессионист

Учился в Нью-Йорке у Джулиана Уира.

После окончания учебы в Boston Museum School в 1887 Hale отправился в Париж.

Там он продолжил углубленное изучение искусства как студент в Academie Julian and Ecole des Beaux-Arts, работал как искуствовед, регулярно посещал дом Клода Моне.

После путешествия по Европе вернулся в США.

В течение тридцати лет преподавал в Художественной школе при Бостонском музее.

Писал критические статьи на темы искусства для «Boston Herald».

В 1913 году издал книгу о Вермеере.

В отличии от многих своих земляков, Hale быстро впитал самые прогрессивные аспекты французского искусства того времени и к середине 1890 годов нарисовал картину в стиле нео импрессионизма с изображением женщин купающихся в золотом свете.

Творчество Хейла — образец декоративного импрессилнизма, нередкого среди американских художников того времени.

Хем Ян Давидс де/Heem Jan Davids(Барокко, гранд натюрморт)

1606-1684

Ян Давидс де Хем (нидерл. Jan Davidsz. de Heem; апрель 1606, Утрехт — 1683/1684, Антверпен) — нидерландский художник и сын художника Давида де Хеема.

Предположительно ученик Бальтазара ван дер Аста.

Некоторое время художник работал в Лейдене, в 1635 г. вступил в антверпенскую гильдию художников и в следующем году стал гражданином Антверпена.

Около 1667 г. он вернулся в Утрехт, откуда и был родом, а в 1672 г. бежал в Антверпен от французов, захвативших город.

Де Хем получил всеобщее признание благодаря своим великолепным изображениям цветов и фруктов.

Детальность изображения вплоть до мельчайших деталей он соединял с блистательным выбором цветовой гаммы и утончённым вкусом в построении композиции.

Он писал цветы в букетах и вазах, в которых часто порхают бабочки и насекомые, цветочные венки в нишах, окна и изображения мадонн в серых тонах, гирлянды фруктов, натюрморты с наполненными вином бокалами, виноградом и другими фруктами и продуктами.

Хем мастерски использовал возможности цвета и добивался высокой степени прозрачности, его изображения неодушевлённой природы отличаются полной реалистичностью.

Картины де Хема крупного горизонтального формата с изображением праздничных столов, архитектуры и условного пейзажа заставлены дорогой утварью и предметами щедрой трапезы.

Типичное для голландских мастеров натюрморта понимание единства светотеневой и живописной среды (Питер Клас, Виллем Хеда) соединилось в творчестве Яна Давидса де Хема с чисто фламандским тяготением к изобилию и роскоши земных благ («Натюрморт с десертом», 1640, Музей Лувр, Париж; «Натюрморт с лобстером», 1634, Городской музей, Штутгарт; «Натюрморт с ветчиной, омаром и фруктами», около 1660, Амстердам, Рейксмузеум).

Де Хема многие признают величайшим мастером натюрморта в Голландин.

Блестящие, сочные цвета на картинах художник и уверенная кисть заставляют предположить, что Ян Давидс де Хем изучал произведения Яна Вермеера.

Де Хем был самым одаренным из семьи художников и вдохновлял живописцев натюрморта 17 и 18 веков, а также Анри Матисса, который так восхищался, в частности, работой Яна Давидса де Хема «Натюрморт с десертом», что сделал две копии с этой картины.

Полотна его кисти находятся в почти всех крупных картинных галереях.

Сын Яна де Хема Корнелис, родившийся в апреле 1631 г. в Лейдене, учился живописи у своего отца, работал в Гааге и Антверпене, умер в мае 1695 г. Он писал натюрморты с цветами и фруктами в стиле своего отца.

Хеннесси Уильям Джон(Жанровая живопись)

1839–1917

Уильям Джон Хеннесси (11 июля 1839 — 27 декабря 1917), английский художник и график ирландского происхождения, много лет проработавший в США.

Родился в Томастоуне (деревня Килкенни), в Ирландии.

Его отец, Джон Хеннесси, был вынужден покинуть Ирландию в 1848 году, поскольку принимал активное участие в революционном движении «Молодая Ирландия».

Отец переехал в Канаду, а позже обосновался в Нью-Йорке. Семья в составе жены Екатерины, десятилетнего Уильяма и младшего брата переехали в США в 1849 году.

Уильям получил образование с помощью частных преподавателей. Еще подростком он сделал свои первые рисунки с натуры.

В 1854 году Уильям поступает в Национальную Академию дизайна в Нью-Йорке. Спустя три года там же проходит его первая выставка по адресу Франклин Стрит, 87. С 1860 года выставки Хеннесси проводятся в Нью-Йоркском университете.

В 1861 году художник был избран кандидатом в академики, а в 1863 году – академиком.

Хеннесси разработал собственную технику гравировки по дереву и получил заказ на иллюстрации произведений известных поэтов, как Теннисон, Лонгфелло и Уиттер.

В 1870 г. Уильям работал над серией рисунков для Эдвина Бута «Dramatic Characters», опубликованной в Бостоне в 1872 году.
Будучи американским гражданином, Хеннесси стал соучредителем Фонда Общества художников, а также почетным членом Американского Общества акварелистов.

В 1870 году, вскоре после второго брака, Хеннесси переезжает в Лондон, где в 1902 году становится членом Совета Королевского Института художников.
Между 1871 и 1882 годами художник выставлял свои работы в Галерее Grosvenor, Новой галерее и Королевской Академии Лондона. В период между 1879 и 1907 годами восемь его картин были представлены в ирландской Королевской Академии Дублина. Работы Хеннесси были представлены в галереях Ливерпуля и Манчестера, а также в институте изящных искусств Глазго.

В 1875 году Хеннесси арендовал усадьбу в западной части Гавра – на береговой линии у Pont de Tancarville.
Ирландское искусство конца 19 века имело свои корни в местных художественных школах и получило развитие, благодаря тому, что ирландцы учились в Академиях и студиях Великобритании, Франции, Бельгии и Италии.

Кроме того большое влияние оказывали колонии художников в небольших деревнях Франции и Англии, где собирались живописцы разных стран, делясь опытом.

Одни из самых известных колоний в этих местах находились в Понт-Авене в Бретани, в историческом порту Конкорне и в маленьких деревнях Онфлер и Le Pouldu.

Хеннесси побывал почти во всех этих колониях. В Онфлере он жил рядом с портом. В конце 19 века там уже существовала Школа живописи, основанная в Сан-Симеоне, где в первую группу живописцев входили Коро и Изабе. Художник Буден, родившийся в Онфлере, приглашал присоединиться к этой группе Курбе, Моне и Йонгкинда. Как утверждают искусствоведы, именно Буден предлагал Моне рисовать на открытом воздухе, и это привело позже к появлению импрессионизма.

В 1886 г. Хеннесси переехал из Онфлера в Санкт-Жермен-ан-Лэ. Отсюда он совершал короткие путешествия на ферму в Marly-les-Rois, где десятью годами ранее жил и творил Альфред Сислей.

В Санкт-Жермен-ан-Лэ семья Хеннесси прожила до 1893 года, затем переехала в Сассекс. В это же время художник совершил путешествие в Италию.
Умер Хеннесси в 1917 году.

Хилгерз Карл(Пейзажная живопись)

1818–1890

Carl Hilgers ( Дюссельдорф, 14 апреля 1818 г Дюссельдорфе, 3 декабря 1890 г.) — немецкий художник.

С 1833 по 1844г. он обучался, а затем работал в Академии Художеств в Дюссельдорфе, ученик Иоганна Вильгельма Ширмера (Johann Wilhelm Schirmer ).

Кроме четырехлетнего проживания в Берлине, он жил почти безвыездно в Дюссельдорфе, хотя и совершил несколько поездок в другие части Германии и Бельгии, Нидерландов и Франции,Италии.

Он был одним из самых известных художников дюссельдорфской школы.

Получил высокую оценку его современников за свободную манеру письма, технику. Carl Hilgers любил писать зимние пейзажи, окутанные туманами, часто это местечки в округе Дюссельдорфа.

Картины носят романтический характер, который усиливается случайными фигурами.

После его смерти популярность его картин быстро снизилась и он был забыт.

ХилковаЕкатерина Николаевна(Портрет)

1827–1896

Родилась в Тамбове. Посещала занятия в Академии художеств. За картину «Внутренний вид женского отделения в Спб. рисовальной школе для вольноприходящих» получила от Академии малую серебряную медаль. В 1864 году за «Портрет господина Булгакова» получила вторую малую серебряную медаль и звание классного художника третьей степени. На академических выставках представлялось несколько других работ Е.Н. Хилковой. Однако с 1876 года упоминания в печати о жизни и творчестве художницы исчезают.

Хименес-И-Аранда Луис/Luis Jimenez Aranda(Исторический, бытовой жанр)

1845–1928

Испанский художник-импрессионист, живописец исторического жанра и бытовых сцен.

Родился Луис в 1845 году в Севилье.

Луис был младшим братом художника Хосе Хименеса е Аранда, который увлекался жанром исторической живописи, что в значительной степени повлияло и на молодого Луиса.
Учился Хименес-младший в Академии изящных искусств Севильи у Мануэля Кабраля и Эдуардо Кано де ла Пенья.

Впервые Луиспредстал перед публикой на мадридской национальной выставке 1864 года с картиной: «Христофор Колумб предлагает Фердинанду и Изабелле Католическим отправить его в путешествие для открытия Нового Света».

После завершения учебы в Севилье, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и изучал испанских мастеров в музее Прадо.

Написав еще несколько картин, имевших успех на мадридских выставках, Хименес решает ехать продолжать учебу в Италию.

В 1867 году 22-летний художник вместе с друзьями Хосе Вильегасом и Франсиско Пералта -дель-Кампо приезжает в Рим, где в течение девяти лет работает в коммуне среди испанских живописцев.

В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В Риме Хименес познакомился и подружился с земляком, уже известным художником Мариано Фортуни е Марсалем, став самым главным из его испанских последователей. Луис попытался эксплуатировать стиль художника, известный, как «Fortunismo» или «утонченность».

Луис сконцентрировался на маленьких картинах исторического и бытового жанра, что принесло ему успех.

Влияние Фортуни заметно в таких работах Хименеса, как «Комната в магазине аптекаря» или «Библиофилы» (1879).

Эти часто иронические картины возвращают нас к 18-ому столетию и имеют атмосферу некоторых работ Гойи.

Однако, квалифицированное описание исторической атмосферы, детальное выполнение и прекрасная живописная манера картин часто близки к стилю Эрнеста Мейссонье, чем к Фортуни е Марсаля.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контакт с артдилерами на продажу своих картин. В Риме ему советовали обратиться к Райтлингеру и Гоупилю.

Удачная поездка и приятный прием побудили Луиса в 1876 году переехать в Париж, где он основал студию на улице Boissonade, которая быстро стала местом встречи испанских художников во Франции.

Уже в следующем, 1877 году Хименес начал выставляться в Парижском Салоне.
Лучшие из его картин выставлялись в ежегодных парижских Салонах, — «Музыка в таверне», «Передняя у министра», «Испанка времен Карла IV», «В надежде сделаться кардиналом», «Дорога к славе», «Мастерская модного портного», «Лавочка Фигаро» и др.

Здесь он пользовался репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

Вскоре Луиса привлекло возникшее в Париже движение «Натуралист», его захватил интерес к чувствам социальной реальности и природным визуальным эффектам.

В 1880-х, Хименес рисовал картины исключительно в натуралистической манере, экспериментируя со светом и атмосферными эффектами, используя даже крестьянскую тему.

Его работы этого периода принесли Хименесу огромный успех.

На Всемирной выставке 1889 года в Париже он был удостоен Золотой медали за картину «Визит в госпитале Уорда доктора Раунда» (1887). В этом же году были написаны, по-моему, самые известные картины Хименеса — портреты дам на фоне Эйфелевой башни.

Известной картиной Хименеса является также «В студии», на которой изображены, скорее всего, дочери художника, в его студии в Париже.

Приблизительно в 1890 он в результате знакомства через брата и общения с Хоакином Сороллой е Бастида и Гонзало Бильбао е Мартинесом заинтересовался проблемами живописи света импрессионистами, что привело его в «лагерь» этого движения.
Умер художник 6 мая 1928 года.

Хименес-И-Аранда Хосе/José Jimenez Aranda(Исторический, бытовой жанр)

1837–1903

Испанский живописец и график. Один из самых известных севильских художников 19 века, яркий представитель костумбристской живописи.

Работал в бытовом, историческом и портретном жанрах.

Старший брат художников Луиса и Мануэля Хименеса Аранда.

Профессиональное обучение Хосе в 1851 году начал в Академии художеств родной Севильи, где его первые работы носили традиционный жанровый характер.

Он учился у С. Агуадо и Е. Кано. С первых дней учебы у юноши обнаружился удивительный талант рисовальщика.

Хосе был виртуозом рисунка, изумлявшего коллег.

Хоакин Соролла, друживший с художником долгие годы, говорил о нем, как о лучшем рисовальщике среди современных испанских художников.

В ранних набросках и графических работах Хосе проявился романтизм, а также любовь к шуточным сюжетам.

В 1868 году юноша едет в Мадрид, где изучает в музее Прадо работы испанских мастеров, прежде всего, Гойи и Веласкеса.

Затем, по традиции, в 1871 году Аранда едет в Италию, где находится до 1875 года. В Риме Хосе знакомится с земляком, художником Мариано Фортуни, который значительно повлияют на его картины римского периода.

Затем в 1881 году Хименес Аранда переезжает в Париж, где продолжает обучение и остается жить в течение 9 лет.

Благодаря дружбе с Хоакином Сороллой, Аранда добивается признания среди французских коллег.

Работы художника на темы восемнадцатого века пользовались во Франции заметным успехом и у зрителей.

В 1890 году Аранда возвращается на родину, обосновывается в Мадриде и резко меняет темы своих работ, начиная писать сцены из повседневной жизни.

В испанском жанре второй половины 19 столетия обращение к темам повседневной жизни не отличалось ни особой глубиной, ни ярко выраженной социальной окрашенностью.

У Хосе Хименеса Аранды противоречия капиталистической действительности тоже только намечены в картине «Несчастье» (1890, Музей нового искусства, Мадрид), изображающей падение каменщика с высоких лесов строящегося здания, или в образе молодой потерявшей рассудок нищенки с мертвым ребенком на руках («Безумная», собрание Беруете, Мадрид).

Смерть жены и дочери художника в 1892 году заставляет Хосе вернуться в родную Севилью, где он был назначен членом Академии изящных искусств.

Кроме того Хименес Аранда с 1897 года стал работать преподавателем в художественной школе Севильи и прослужил на этом посту до самой своей смерти 6 мая 1903 года.

Аранда был образцом для подражания и учителем для многих севильских художников второй половины 19 века.

Среди его учеников известные художники Севильи – Даниэль Васкес Диас, Эухенио Эрмосо, Рикардо Лопес Кабрера и Мануэль Гонсалес Сантос и Санс.

Художник был также выдающимся иллюстратором, подготовив для юбилейного издания «Дон Кихота» 689 рисунков.

Химено Араса Франциско(Пейзаж)

1858–1927

Франсиско Химено Араса (исп. Francisco Gimeno Arasa, кат. Francesc Gimeno i Arasa; 4 февраля 1858, Тортоса — 22 ноября 1927, Барселона) — испанский художник-маринист и пейзажист родом из Каталонии. Представитель модернизма.
Первые уроки живописи получил у Мануэля Маркеса. Затем, благодаря помощи литографа Франсиска Тио, оказался в Мадриде, где обучался в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо

В академии его учителем был пейзажист Карлос де Хаес.
Начинал карьеру живописца в мастерской художника-декоратора в Таррагоне.
Между 1886 и 1904 годами принимал участие во Всемирной выставке в Баселоне и в Национальной выставке изящных искусств в Мадриде.В 1889 вернулся в Барселону.

Писал, в основном, пейзажи. Работал в жанре марины. Кроме того, портреты и жанровые картины.

Ф. Араса — автор большого числа картин, отличающихся легким рисунком и яркой красочностью.

Его работы находятся в коллекциях Национальном музее искусства Каталонии (Барселона), Национальном музее Прадо в Мадриде и музей Монтсеррат.

До 1915 года его творчество не получало достойной оценки.

Хичкок Луций Уолкотт/Lucius Wolcott Hitchcock(Бытовой жанр)

1868–1942

Американский художник-жанрист, иллюстратор и график.

Луций родился в семье врача-хирурга Элизара Хичкока (15 августа 1832 – 1899) и Лукреции Келлог.

У него был брат Хальберт, который связал свою жизнь с электротехникой. А Луций с детства обнаружил природный талант к рисованию.

Сначала он брал уроки у художника Александра Теобальда ван Лара (Alexander Theobald van Lаer, 1857-1920).

А окончив школу, поступил учиться в студенческую Лигу искусств в Нью-Йорке, а затем продолжил свое образование в Академии Коларосси в Париже.

Там его преподавателями были живописец Жюль Жозеф Лефевр (Jules Joseph Lefebvre, 14 марта 1836 — 24 февраля 1911), художник – портретист и ориенталист Бенжамен Констан (Jean-Joseph Benjamin Constant, 10 июня 1845 — 26 мая 1902) и художник, скульптор и иллюстратор Жан-Поль Лоран (Jean-Paul Laurens, 28 марта 1838 — 23 марта 1921).

Вернувшись в Соединенные Штаты, Хичкок был принят преподавателем в Школу изящных искусств в Буффало, Нью-Йорк.

Популярность художнику принесли иллюстрации для многих крупных журналов, среди которых – «Scribners», ежемесячник «Harper’s», «Спутник женщины» (Womans Home Companion) и др., что позволило Хичкоку стать одним из первых членов Общества американских иллюстраторов.

20 февраля 1895 года Луций женился на Саре Гайд МакНил, семья поселилась в нью-йоркском районе Буффало.

Хлебовский Станислав/Stanisław Chlebowski(Бытовой жанр)

1835—1884

Станислав Хлебовский — выдающийся польский живописец и путешественник.

В статье «Двадцать пять лет русского искусства», написанной в 1882—1883 годы наш, возможно, самый энергичный художественный критик В.В. Стасов среди исторических работ, которые какое-то время восхищали русскую публику, называл и картину Станислава Хлебовского «Ассамблея при Петре I» (1858).

За эту картину ученик Академии художеств С. Хлебовский получил малую золотую медаль.

Ранее у способного академиста были малая серебряная медаль и большая — за учебную работу «Молодой Боссюэ читает проповедь в доме маркизы Рамбулье» (1857).

До 1853 воспитывался в Одесской гимназии.

С 1853 по 1859 учился в Петербургской АХ. В 1857 получил первую серебряную медаль, в 1858 — вторую золотую за картину „Ассамблея при дворе Петра Великого”.

В 1859 мастер был награжден большой золотой медалью и пенсионерской поездкой за границу. Художник посетил Францию, Германию, Бельгию, Испанию и Италию.

Известнейшие работы этого периода: „В мастерской художника” (1861), „Сцена” (1863), „Въезд Жанны д’Арк в Амьен” (1864), которую Наполеон III приобрел для города Бар-ле-Дук.

В 1864 по приглашению султана Абдул-Азиза выехал в Константинополь, где на протяжении 12 лет занимал должность придворного художника. Писал батальные композиции из истории Турции и многочисленные портреты султана, один из которых (миниатюра на кости) был представлен на выставке миниатюр во Львове.

Находясь в Турции, часто выезжал в Германию, Францию, Италию и Польшу.

В 1873 поехал в Каир, где выполнил ряд орнаментальных композиций акварелью и маслом, на которые был большой спрос.

В 1876 в связи с политической ситуацией в Константинополе переезжает в Париж, где его работы пользовались успехом.

Был титулован австрийской Железной короной 3-й степени, итальянским Анунсиатом, короной Вендов.

Работы художника находятся в Народных музеях Кракова, Варшавы, Познани, в Музее живописи в Лодзи и во Львовской национальной галерее.

Хоббема Мейндерт/Hobbema Maindert(Пейзаж, жанровые сцены)

1638–1709

Нидерландский живописец-самый значительный мастер голландского пейзажа после своего наставника, Якоба ван Рёйсдала.

Хоббема учился в Амстердаме у Якоба ван Рёйсдала в 1657-1660, а возможно, и позже, и был связан с ним дружбой.

О его жизни нам известно очень мало. В 1668 он женился
на служанке, от которой имел трех детей. В следующем году он был назначен дегустатором вин и масел в Амстердаме.

Эта деятельность захватила его настолько, что его художественная активность значительно снижается. Вероятно, Хоббема постоянно жил в Амстердаме. Возможно также, что он работал в Г

елдре или Оверейсселе, или же близ Дюссельдорфа, как полагает Торе-Бюргер. Пейзажи Хоббемы, без сомнения,
изображают не какую-либо определенную местность, а некие пейзажные мотивы,
настоящие сюжеты на темы природы, навеянные предшествовавшими композициями
Рёйсдала, влияние которого будет сказываться в творчестве Хоббемы вплоть до 1664.

Самая ранняя из его известных работ датируется 1658 и изображает “Речной
Пейзаж” (Дейтройт, Институт искусств) — излюбленную тему его молодости.
“Пейзажи”, исполненные в 1659 (Гренобль, Музей изящных искусств; Эдинбург,

Нац. Галерея Шотландии), а также лесные пейзажи”Дом в лесу”, Лондон, Национальная га-.; лерея “Ферма на опушке леса”, (1662, Мюнхен, Старая пинакотека) отражают композиционные приемы Рёйсдала.

С высочайшей точностью он изображает листву(”Лесной пейзаж в Харлеме”, 1663,Брюссель, Королевский музей изящных искусств;“Лес”, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; “Деревня в лесу”,1665, Нью-Йорк, собрание Фрика).

Вид “Шлюза в Харлеме” (Лондон, Национальная галерея ) представляет собой один из редких городских пейзажей, исполненных художником в 1662.

В своих зрелых работах Хоббема отходит от манеры Рёйсдаля: его кропотливый реализм и точное следование мотиву противостоят обобщающему взгляду последнего. Хоббема дробит форму до мельчайших деталей; картина “Водяная мельница” (Париж, Лувр)являет собой шедевр аналитической точности художника .

Дальние планы его пейзажей слишком етализированы: ощущение бесконечности, возвышенного,присущее работамРёйсдаля, уходит из пейзажей Хоббемы.Наконец, ему чужд предромантический лиризм.

Натурализм и внутренняя поэтичность природы проявились с особой силой в таких картинах, как”Пейзаж, освещенный солнцем” (Роттердам, музей Бойманса-ван

Бёнингена), “Домик на берегу реки” Амстердам, Гос. музей), “Вид Девентера” (Гаага,
Маурицхёйс), “Дорога в лесу> (Лондон, Национальная галерея).

Эти пейзажи, как и рисунки (Амстердам, Гос. музей; Харлем, музей Тейлера; Париж, Пти Пале), исполнены, вероятно до 1669.

В своем творчестве Хоббема постоянно возвращался к теме “Водяной мельницы” (шесть вариантов, почти идентичных, находятся в Государственном музее в
Амстердаме, Королевском музее изящных искусств в Брюсселе, Художественноминституте в Чикаго, собрании Уоллес в Лондоне).

Один и тот же мотив появляется как в вертикальных, так и в горизонтальных композициях, а изобилие деталей делает эти пейзажи как бы застывшими. Вместе с тем,художник, стремясь добиться совершенства,
нередко поддается соблазну шаблона, что лишний раз доказывает его слабость к
вариациям на одну тему.

Иногда гармоничность его пейзажей нарушается резкими
лучами света — так, Хоббема пытается найти секрет великолепных световых эффектов
Рёйсдаля.

Он оттеняет свой зеленый, голубой и коричневый колоритно красноватыми
отблесками кирпичной крыши — характерной деталью его работ. Нередко художник сводит свою палитру к монохромным тонам (‘Мельницы”, Париж, Пти Пале; “Дубы у во-доема”, Мюнхен, Старая пинакотека) и виртуозно использует игру световых рефлексов.

Сверкающее небо с белоснежными облаками оживляет большие сумрачные массы деревьев. В этих пейзажах с холодной зеленью, темной водой и проникающей влагой
находит свое выражение несколько печальная поэзия искусства Хоббемы.

Последние работы художника, безупречные по исполнению и натуралистичные по характеру, исполнены после 1669 (“Руины замка Бредероде”,1671,

Лондон, Национальная галерея.;  “Аллея в Мидделхарнисе”, 1689, там же) считаются шедеврами голландского пейзажного жанра: им будут подражать английские живописцы сельских сцен, даже в самом выборе сюжетов.

В период развития Барбизонской школы Хобемма бьи заново открыт во Франции. Диас, Дюпре, Т. Руссо увидели в нем верного подражателя природе и восхищались уверенностью его мазков и его световыми эффектами.

ван Хове Барт(Городской пейзаж)

1790–1880

Нидерландский живописец, родился в Гааге в 1790 году в семье художника. Начал учиться живописи у отца — художника-декоратора, затем продолжил своё образование в гаагской художественной Академии.
Является одной из ключевых фигур нидерландского романтизма. В числе его учеников были Й. Босбоом, Шарль Лейкерт, С.Л. Вервеер и конечно его сын Хейб ван Хове.
Специализировался на городских пейзажах, где реальные архитектурные объекты сочетались с вымышленными.
В этом смысле очень характерна работа «Фантастический городской пейзаж» (1846). хранящаяся в настоящее время в собрании Радемакерса.

Как и бытовой жанр, городские пейзажи с архитектурными мотивами показвывали традиции голландской и фламандской живописи «золотого» 17 века.

Умер художник в 1880 году в Гааге.

Хогарт Уильям/Hogarth William(Портрет, Бытовой жанр)

1697—1764

Уильям Хогарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике.

Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Уильям Хогарт родился в Лондоне в семье сельского учителя латыни Ричарда Хогарта и Анны Гиббонс. Был первым ребенком супругов.

Бедность толкнула отца Хогарта переехать в Лондон, где он работал типографским корректором.

Уильям с раннего детства проявил незаурядные способности к рисованию, был весьма наблюдателен и имел великолепную память на детали. В начальной школе учился неохотно, в основном проводя время за рисованием. В детстве Уильям был вынужден продавать приготовленные матерью народные средства лечения, поскольку идея отца основать кафе, где посетители могли бы общаться исключительно на латыни, потерпела крах. Отец на пять лет попал в лондонскую долговую «Флитскую тюрьму». Поэтому приступить к учёбе Хогарт смог значительно позже сверстников.
В 1713 году Хогарт, не закончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1718 году умер отец Уильяма и он, будучи старшим ребенком в семье, был вынужден содержать свою мать и двух сестер, берясь за мелкие заказы.

Он изготовлял коммерческие визитки, небольшие гербы и другие мелкие изделия. Такая работа не приносила Хогарту удовольствия, он считал ее тупой и скучной, поскольку испытывал тягу к высокому искусству.

Прежде всего его интересовала графика. Поэтому вскоре он начал брать уроки живописи в одной из лондонских частных художественных академий, которую основали Льюис Черони и Джон Вандербанк. Хогарт также много занимался самообразованием.

В 1720 году он открывает собственную небольшую граверную мастерскую. Его первыми самостоятельными работами были графические сатиры о крахе акций Компании Южных морей (The South Sea Scheme, ок. 1721), сатиры на маскарады и оперные спектакли (Masquerades and Operas, 1724) и на театральную жизнь Лондона (A Just View of the British Stage, 1724).

Хогарт забросил академию, а с 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла, известного своими росписями в лондонском Соборе Святого Павла. В 1720—1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В 1726 году он иллюстрирует известную антипуританскую приключенческую поэму «Хадибрас» Сэмюэла Батлера. Первое живописное произведение Хогарта появилось в 1728 году, это было полотно на сюжет популярной тогда пьесы Джона Гея «Опера нищего».

В доме Джеймса Торнхилла Хогарт влюбился в дочь художника Джейн. Не надеясь на согласие родителей на брак, Хогарт решил похитить девушку, и 25 марта 1729 года тайно женился на ней в Педдингтонской церкви. Примириться со своим тестем Хогарту удалось лишь после того, когда он достиг материального благосостояния и признания как художник.

По воспоминаниям самого Хогарта: «Потом я женился и занялся рисовать небольшие салонные картинки от 12 до 15 дюймов высотой. Поскольку они были новинкой, то имели успех в течение нескольких лет и хорошо продавались».

В конце 1720-х годов Хогарт написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты» (англ. conversation pieces). К ним относятся «Музыкальная вечеринка» (A Musical Party, 1730, Музей Фицуильяма, Кембридж), «Собрание в доме Ванстед» (The Assembly at Wanstead House, 1729-31, Музей искусств Филадельфии), «Семья Волластон» (The Wollaston Family, 1730, частная коллекция) и «Семья Фаунтейн» (The Fountaine Family, 1730-32, Художественный музей Филадельфии).
В 1730—1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки».

Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин, вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину.

Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии.

В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.
Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 году, а в 1745 году появился знаменитый цикл «Модный брак».

Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758).

Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин.

В 1753 году вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 году Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла.

В 1764 году художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-х годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта.

Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».
Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком.

В портретной живописи художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740, Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон, Национальная портретная галерея).

В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору.

Так, в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает предпочтение английскому пиву «Пивная улица».

Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях «Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.В 1743—1745 годах Уильям Хогарт написал шесть картин из серии «Модный брак» (Лондонская Национальная галерея), остроумно критикующих высшее общество XVIII века.

Это предупреждение, показывающее катастрофические последствия опрометчивого брака по расчёту.

Ходлер Фердинанд/Hodler Ferdinand(Символизм,модерн)

1853–1918

Фердинанд Ходлер (Годлер) (нем. Ferdinand Hodler; 14 марта 1853, Берн — 19 мая 1918, Женева) — швейцарский художник. Один из крупнейших представителей «модерна».
Писал пейзажи, портреты, картины аллегорического и символического содержания, сцены из швейцарской народной жизни.

Ходлер родился в Берне в семье столяра и был старшим из шести детей. Художник родился в здании тюрьмы, где его мать работала кухаркой.

Когда мальчику исполнилось пять лет, отец умер от туберкулеза. Мать Фердинанда вышла замуж вторично, ее мужем стал вдовец с пятью детьми.

В 1867 умерла и мать.
Первые уроки живописи Ходлер получил в мастерской отчима, художника-декоратора Г. Шюпбаха, затем в 1867—1868 годах учился в Туне у Фердинанда Зоммер-Колье (1822-1901), живописца, рисовавшего пейзажи гор и озер для туристов.

В 1870 уехал из Туна в селения Шеффесбург и Лангеталь, где писал альпийские ландшафты для туристов.

Пережив трудное детство и смерть родителей и братьев в раннем возрасте, Ходлер в 19 лет приезжает в Лозанну и занимается копированием романтических пейзажей Калама.

В период шестилетнего обучения Ходлер познакомился с произведениями французского реализма. Его картина «Столяр», завершенная в 1875, была первым тематическим отражением жизни рабочего класса в Швейцарии.

В 1871 году Ходлер переезжает в Женеву, чтобы посещать лекции по естествознанию в Колледже Женевы и копировать картины Александра Каламэ и Франсуа Диду в местном музее.

Во время посещения одного из музеев он познакомился с художником Бартелеми Менном, учеником Коро, который взял его в свой класс рисования. В 1873 он стал учеником Менна в Художественном училище в Женеве и учился у него до 1876 года.

В 1876 году Ходлер покинул Женеву и переехал в Лангеталь.
С середины 1870-х начал выставляться.

Художник прожил большую часть жизни в нужде, постоянно борясь с необъективной критикой и непониманием (широкая известность на родине пришла к Ходлеру только в конце 90-х гг.).

По окончании учебы в 1877 Ходлер уехал в путешествие по Франции и Испании, где был очарован работами Андреа Мантеньи, Рафаэля и Веласкеса. В 1878 он приезжает в Мадрид, проведя там почти год, большое влияние оказали на художника испанские пейзажи и работы Велакруза, Пуссена, Гойи в Музее Прадо.

Он возвращается в Швейцарию в 1879, снимает в Старом городе помещение под мастерскую и много работает над светотенями и цветовой гаммой своих картин. В картинах этого периода чувствуется влияние французского реалистичного живописца Гюстава Курбе.

На первый взгляд ранние картины Ходлера следуют реалистической традиции. Они представляют собой, как правило, незатейливые сцены из жизни простых людей, однако манера письма художника далека от дотошного натурализма.

В колорите произведений начала 1880-х на современные бытовые сюжеты сказывается и влияние манеры старых мастеров, которых Ходлер изучал во время поездки в Испанию.

В 80-х гг. Ходлер создал так называемую теорию параллелизма, позднее ставшую одной из основных в стиле модерн.

Согласно этой теории, контуры фигур в композиции должны сводиться к ритмическим повторениям немногих почти параллельных линий, что, по мнению художника, является главным источником выразительности.

Повторения замедляют движение и тем самым помогают глубже погрузиться в созерцание.
В 1887 во время отдыха на Тунском озере художник познакомился с Бертой Штуки, на которой женился два года спустя (второй брак — с Берт Жак).

В 1889 появилась «Ночь», ставшая первым образцом, так называемого параллелизма Ходлера: за счет симметричного повтора одних и тех же цветов и форм художник хотел добиться большей содержательности и символичности картин.

На следующий год Ходлер праздновал триумф в Париже, представив на суд зрителей картину, на которой люди изображались в прежней свободной манере.

В Париже он примкнул к розенкрейцерам (группировке «Розового Креста», представители которой выступали против реализма) и принял участие в первом «Салоне Розового Креста» в 1892, выставив созданную в том же году картину «Разочарованные».
С середины 1880-х Ходлер резко меняет живописную манеру и обращается к новым для него сюжетам символического содержания.

В картинах Взгляд в бесконечность (1885, не сохранилась), Весна (1901, Хаген, Музей К. Э. Остхауза), Истина (1903, Цюрих, Кунстхалле) и др. появился поиск выразительных возможностей цвета и декоративно-плоскостного построения композиции.

Новые приемы своей декоративно-плоскостной живописи Ходлер привнес и в портрет.

Его портреты и автопортреты строятся на гармонии больших цветовых плоскостей, выразительном темном контуре.

Кроме этого в течение всей своей творческой жизни Ходлер создал целую серию своих автопортретов, пик которых пришелся на начало ХХ века.

В последние два десятилетия жизни Ходлеру наконец удалось создать образы, особенно близкие его творческому темпераменту.

Прежде всего к ним относится композиция «Женщина в экстазе» (1911 г.) — этюд к большой картине «Эмоция».
Ходлер считается одним из выдающихся швейцарских художников стиля «модерн».

Художник стремился к воплощению масштабных, «общечеловеческих» тем, позволяющих выразить идею о нерасторжимой слитности человеческого и космического бытия (или человека и истории).

Умер 65-летний художник в Женеве от отека легких 20 мая 1918.

Холмогорец Семен Спиридонов(ич)(Иконопись)

1642-1695

Художник был родом из Холмогор, что и объясняет приставшее к нему прозвище. Большую часть жизни Семен Спиридонов (1642-1693/95) провел в Ярославле, который в XVII веке был вторым по величине городом России, уступая лишь Москве.

Вероятно, не только богатство города привлекло в него Семена Холмогорца — Север России в это время находился под влиянием старообрядцев, не признававших новой иконописи, которой художник был научен.

Известно, что его брат Василий был тоже живописцем. Писал Семен Холмогорец большие иконы для городских приходских церквей.

В августе 1677 года в качестве руководителя ярославской артели мастеров он по царскому указу едет в Москву для коллективной «тонкой работы»: иллюстрировать миниатюрами количеством 200 листов Евангелие для Алексея Михайловича.

Несмотря на лестный отзыв о его таланте Симона Ушакова, в Москве он оставлен не был и возвратился в Ярославль.

К середине XVII века ярославская школа иконописи становится общепризнанной. Ценят ее и в столице, работы ярославских мастеров приобретаются двором для вклада в Афонский монастырь, подарков Сирийскому патриарху, царю Грузии.

В этом немалая заслуга Семена Холмогорца, лучшего мастера, гордости ярославской школы.

Известно, что Холмогорец писал большие образа для ярославских церквей Николая Мокрого, Богоявления, Иоанна Златоуста в Коровниках, вместе с братом Василием расписал придел Преображенского собора Соловецкого монастыря.

Мир, представленный в работах Семена Спиридонова, поражает искусной красотой, в которой его современники видели достойный восхищения Божий промысел.

Творчество его носило архаизирующую направленность, изображения на иконах Семена Холмогорца плоскостны графичны; средник и клейма линейно разделены.

В то же время его талант прирожденного миниатюриста выразился в каллиграфичной проработке деталей, тонкости штрихов золотой пробелки, а декоративное дарование — в изысканности орнаментики.

Плоскостное узорочье его икон по своему характеру напоминает произведения северного косторезного искусства, устюжское чернение по серебру.

Особенностями колористического строя произведений Семена Холмогорца являются плотный рыжевато-розовый цвет охрения, придающий ликам эффект загара, обилие золота, полное отсутствие синего цвета.

Персонажам Семена Холмогорца свойственна напряженная угловатость, на лицах их лежит печать болезненности и меланхолии. Его Богоматерь — это, как правило, девочка с полудетским грустным личиком.

Фон композиций обычно составляет архитектура, в изображении которой Семен Холмогорец был незаурядным мастером.Среди наиболее значительных произведений Семена Холмогорца можно назвать икону «Илья-пророк в житии» (1679, Ярославский нсторико-архитектурный музей-заповедник); икону «Богоматерь с младенцем на престоле» (1682, церковь Иоанна Златоуста в Коровниках, Ярославль), икону «Никола в житии» (1686, Ярославский историко-архитектурный музей-заповедник).

Хомер Уинслоу/Homer Winslow(Реализм, жанровые сцены)

1836—1910

Уинслоу Хомер (англ. Winslow Homer, 24 февраля 1836, Бостон — 29 сентября 1910, Праутс Нек) — американский художник и график, основоположник (наряду с Томасом Икинсом) американской реалистической живописи.

Наиболее знаменит своими морскими пейзажами. Известен как своими работами маслом, так и акварелями.

Большинство исследователей рассматривают Хомера как крупнейшую фигуру в американском искусстве XIX века, оказавшую влияние на всё последующее развитие американской живописи.

Хомер принадлежал к первому поколению американских художников, создавших собственную американскую художественную школу.

В то время как большинство его современников рассматривали европейское искусство в качестве идеала, Хомер, хотя и испытывал влияние самых разнообразных художественных течений, в своём творчестве прежде всего основывался на чисто американских сюжетах.

Творчество Хомера разделяется на два заметно отличающихся периода: до начала 1880-х годов, когда он живёт в основном в Нью-Йорке, и в живописи преобладают светлые солнечные пейзажи и сцены, и с середины 1880-х годов, в штате Мэн, после двухлетнего перерыва, который художник провёл в Англии.

Для последнего периода больше характерны тёмные тона и сцены насилия и трагедии.

Биография и творчество:

Уинслоу Хомер родился в Бостоне 24 февраля 1836 года в семье из среднего класса, периодически испытывавшей финансовые затруднения.

Оба родителя, Чарльз Сиведж Хомер старший и Хенриетта Бенсон Хомер, происходили из старейших семей Новой Англии.

Уинслоу Хомер был вторым из трёх сыновей. Когда ему было шесть лет, семья переехала в Кембридж, где его отец держал магазин.

Мать Хомера была художницей-любительницей (акварель), стала первым учителем сына и до своей смерти в 1884 году была человеком, оказывавшим на него наибольшее влияние.

Получил начальное образование в Кембридже в школе Вашингтона (англ. Washington Grammar School), хотя никогда не был прилежным учеником.

К этому периоду относятся его первые опыты в рисовании. Рисунки описывают городскую жизнь Бостона, позже Нью-Йорка, хотя городские сюжеты после начала 1860-х годов полностью и навсегда исчезают из творчества Хомера.

В 1849 году отец будущего художника, Чарльз Хомер, бросил свой бизнес и на два года отправился в Калифорнию участвовать в «золотой лихорадке», после чего провёл несколько лет в Лондоне и Париже, и, потратив все деньги, в 1854 году вернулся в Кембридж.

До конца своей жизни он существовал на денежную помощь семей его сыновей.

Финансовые неудачи отца также оказали серьёзное влияние на художника, который всю свою карьеру заботился о финансовой состоятельности, и до 1875 года работал иллюстратором, хотя в это время он уже был известным художником и вполне мог себя прокормить занятиями живописью.

В 1854 году, в возрасте 18 лет, Уинслоу Хомер принял решение не идти в университет.

Вместо этого он, не имея формального образования, поступил в ученики в одну из самых известных гравировальных компаний в США, Баффордс (англ. J. H. Bufford’s) в Бостоне.

Там он работал до 1859 года. Этот период совпал с наибольшим расцветом иллюстрированных журналов в США.

В 1859 году Хомер переехал в Нью-Йорк и начал выполнять работу в качестве иллюстратора журналов, по разовым договорам.

До 1875 года он выполнил около 200 иллюстраций в ведущих журналах. Тем не менее, в то время работа иллюстратора и гравёра рассматривалась как менее престижная, чем живопись.

Поэтому начиная с 1857 года, Уинслоу Хомер рассматривал возможности, позволившие бы ему стать художником.

В 1859, 1860 и 1863 годах он посещал занятия в Национальной академии дизайна, ведущем учебном художественном заведении США того времени.

Кроме того, в 1861 году он брал частные уроки у художников Фредерика Рондела и Томаса Сира Каммингса.

В 1860 году акварель Хомера «Катание на коньках в Центральном Парке» была выставлена в Национальной академии дизайна.

Хотя неизвестно, почему Хомер решил отказаться от получения формального художественного образования, известно, что в 1860 году он очень хотел отправиться в Европу, уровень живописи в которой в это время многократно превосходил американский. Эти планы были отложены из-за Гражданской войны.

Искусство Хомера достигает вершины в период его работы на Багамских островах, где среди дикой северной природы он нашел новых героев — отважных людей, живущих в постоянной борьбе за существование.

Напряженной, патетической динамикой и драматизмом полны его картины «Охотник и гончая» (1892, Вашингтон, Национальная галерея), «Гольфстрим» (1899, Нью-Йорк, Метрополитен-музей).

Герой последней, одинокий негр, ведет отчаянную борьбу со стихией — бушующим океаном — в своей потерявшей мачту парусной лодке. Вера в человека труда, романтизация и героизация его образа сближают искусство живописца Уинслоу Хомера с поэзией Уолта Уитмена.

Само обращение художника Уинслоу Хомера к изображению людей, живущих на лоне природы, не затронутых развращающим воздействием буржуазной цивилизации, свидетельствует о неприятии им современной ему буржуазной действительности.

Увлеченный героической романтикой подвига, Хомер был далек от социальных противоречий современности, с особой остротой проявляющихся в жизни города.

Уинслоу Хомер скончался 29 сентября 1910 года в городке Праутс Нек.

Хомяков, Алексей Степанович

1804–1860

Алексей Степанович Хомяков (1 мая (13 мая) 1804, Москва, Российская империя — 23 сентября (5 октября) 1860, село Ивановское, Данковский уезд, Рязанская губерния, Российская империя) — русский поэт, художник, публицист, богослов, философ, основоположник раннего славянофильства, член-корреспондент Петербургской Академии наук (1856 г.)
Биография:
Алексей Хомяков родился в Москве, на Ордынке в старинной дворянской семье Хомяковых. Получил домашнее образование. В 1821 году сдал экзамен на степень кандидата математических наук при Московском университете. Весьма активно печатается (стихи, переводы). В 1822 году Хомяков определяется на военную службу сначала в Астраханский кирасирский полк, через год переводится в Петербург в конную гвардию. В 1825 году оставляет службу, уезжает за границу, занимается живописью, пишет историческую драму «Ермак». В 1828—1829 годах Хомяков участвует в русско-турецкой войне, после окончания которой выходит в отставку и уезжает в своё имение, решив заняться хозяйством. Сотрудничает с различными журналами.

В 1836 году женится на сестре поэта Языкова, Екатерине Михайловне. В статье «О старом и новом» (1839) выдвигает основные теоретические положения славянофильства. В 1838 году приступает к работе над своим основным историко-философским сочинением «Записки по всемирной истории». В 1847 году Хомяков посещает Германию.

С 1850 года особое внимание уделял религиозным вопросам, истории русского православия. Для Хомякова социализм и капитализм были в равной степени негативными отпрысками западного декадентства. Запад не смог решить духовные проблемы человечества, он увлекся конкуренцией и пренебрёг кооперацией. По его словам: «Рим сохранил единство ценой свободы, а протестанты обрели свободу ценой единства. Считал монархию единственно приемлемой для России формой государственного устройства, выступал за созыв «Земского собора», связывая с ним надежду на разрешение противоречия между «властью» и «землёй», возникшее в России в результате реформ Петра I.

Занимаясь лечением крестьян во время холерной эпидемии, заболел. Скончался 23 сентября (5 октября) 1860 года в селе Спешнево-Ивановском Рязанской губернии (ныне в Липецкой области). Похоронен в Даниловом монастыре рядом с Языковым и Гоголем. В советское время прах всех троих был перезахоронен на новом Новодевичьем кладбище.

Сын Хомякова, Николай Хомяков — председатель III Государственной думы Российской империи.

Хондекутер Мельхиор/Hondecoeter Melchior(Барокко, анимализм)

1636–1695

Хондекутер Мельхиор (Melchior de Hondecoeter; 1636 Утрехт ,- Амстердам , 3 апреля 1695 ) — голландский живописец.

Один из ведущих представителей голландского анималистического жанра, Хондекутер, получивший у современников прозвище “Птичий Рафаэль”, прославился своими “птичьими дворами” – крупноформатными картинами, изображавшими в мирном соседстве или в соперничестве всевозможные виды домашних, диких или экзотически-декоративных пернатых.

Крупнейший мастер голландского натюрморта Мельхиор де Хондекутер создавал как небольшие, так и крупноформатные полотна, восхищающие своей декоративной красочностью.

Эти роскошные полотна, изображающие экзотических птиц с ярким оперением, пользовались большим успехом у современников художника.

Мельхиор был сыном Gijsbert Hondecoeter , внуком Гиллис Клас. Hondecoeter , и двоюродный братом Jan Weenix.

Hondecoeter обучался живописи у своего отца, а после его смерти в 1653 обучался у своего дяди Jan Baptist Weenix.

Голландский живописец Мельхиор де Хондекутер родился в Утрехте в семье художника.Hondecoeter был обучен своим отцом, а после его смерти в 1653 обучался у своего дяди Jan Baptist Weenix.

В молодые годы жил и работал в Утрехте, в 1659 году переехал в Гаагу, а в 1663 году — в Амстердам.

Главное место в творческом наследии мастера занимают картины с изображением охотничьих трофеев и птичьих дворов.

Произведениям Хондекутера свойственны такие качества, как монументальность и декоративность, они поражают красочным богатством.

Почти во всех натюрмортах художника рядом с битой дичью изображены живые звери, что делает картины необыкновенно выразительными и динамичными.

С большой убедительностью показывает Хондекутер кошку, забравшуюся на стол с битой дичью и укравшую птичку.

Вороватое животное, не желающее бросать свою добычу, с пренебрежением и в то же время с опаской смотрит на собаку, злобно лающую внизу.

Подобные приемы, вносящие в натюрморты живость, художник использовал и в других картинах с охотничьими трофеями.

К сожалению, некоторые произведения Хондекутера многое теряют из-за излишнего пристрастия мастера к декоративности.

Помимо полотен с битой дичью, художник с увлечением писал картины, называемые птичьими дворами.

Можно спорить о том, относятся ли эти произведения к жанру натюрморта (хотя выше уже упоминалось, что для голландских живописцев натюрморт — это не только изображение «мертвой натуры»), но в искусстве Голландии подобные композиции пользовались необыкновенной популярностью.

Хондекутер виртуозно передает грациозные движения павлинов в нарядном оперении, важно вышагивающих пеликанов и цесарок.

Каких только экзотических пернатых красавцев не встретишь в его композициях!

С таким же мастерством показаны и обычные домашние птицы: яркие утки, куры, горластые петухи, прогуливающиеся между гордыми «иностранцами» («Домашние птицы», «Птицы в парке», 1686 — обе — в Эрмитаже, Санкт-Петербург).

Произведения, изображавшие живые заморские диковины, заставляли зрителей замирать в восхищении перед полотнами мастера.

Такие картины вскоре практически вытеснили композиции с простыми и скромными голландскими мотивами.

Подобно многим своим современникам-живописцам, Хондекутер стремился приукрасить реальность, сотворить нечто эффектное и праздничное.

Лучшие произведения Хондекутера, часто имеющие аллегорически-морализирующий подтекст, отличаются барочной прихотливостью композиционных решений, нарядной декоративностью колорита.

Хондекутер писал также натюрморты с битой дичью (“Охотничьи трофеи”, 1682, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Хонтхорст Герард ван/Honthorst Gherard(Утрехтский караваджизм)

1590-1656

Герард ван Хонтхорст(нидерл. Gerrit van Honthorst, 4 ноября 1590, Утрехт — 27 апреля 1656, там же) — нидерландский художник утрехтской школы.

Один из лидеров караваджизма во внеитальянской живописи.

Родился в Утрехте 4 ноября 1590 в семье художника Х.ван Хонтхорста.

В 1600-е годы учился в мастерской А.Блумарта. Между 1610 и 1615 приехал в Италию, где жил в Риме,где испытал влияние Караваджо, завоевав призвание религиозными картинами, обыгрывающими эффекты ночного освещения; получил от итальянцев прозвище «Герард Ночной» (Gherardo delle Nottе).

По возвращении на родину работал в Утрехте (с 1620), а также в Лондоне (1628), затем преимущественно в Гааге, а с 1652 – снова в Утрехте. Войдя, вместе с Х.ван Тербрюггеном и Д.Бабюреном в число так называемых «утрехтских каравджистов».

Был самым преуспевающим среди них, пользуясь немалой известностью в европейских придворных кругах.

В отличие от более поэтически-созерцательного Тербрюггена, был мастером театрализованных, сильных по живописной режиссуре мизансцен, драматических либо комедийных.

В ранний и зрелый период писал преимущественно ночные сцены, освещенные свечой или факелом, в позднем творчестве тяготел к менее контрастным, светлым цветовым гаммам. Был мастером религиозной, мифологической и жанровой картины (Моление о чаше, ок. 1617, Эрмитаж, Петербург; Христос перед Каиафой, около 1617, Национальная галерея, Лондон; Освобождение святого Петра из темницы, около 1616–1620, Картинная галерея Национальных музеев, Берлин; Венчание терниями, около 1622, Государственный музей, Амстердам; Зубной врач, 1622, Картинная галерея «Старые мастера» Дрезден; парные Весельчак и Музыкантша, 1624, Эрмитаж, Петербург).

Хонтхорст писал интимные жанровые сцены и трактованные в бытовом духе библейские композиции, построенные на эффектах искусственного ночного освещения и отличающиеся изысканным колоритом, мягкостью светотеневых контрастов.

В 1620–1640-е годы написал также немало больших картин-панно для украшения дворцовых интерьеров, в том числе декоративных плафонов (живописное убранство Оранского зала дворца Хёйс-тен-босх в Гааге, 1649; и др.), а также эффектных придворных портретов (Принц Фридрих Генрих Оранский и Амалия ван Сольмс, 1637–1638, Маурицхейс, Гаага; и др.).

Умер Хонтхорст в Утрехте 27 апреля 1656.

Оказал заметное влияние на Рембрандта.

де Хоох Питер/Hooch Pieter(Барокко, бытовой жанр)

1629 — после 1684)

Питер де Хох или де Хоох (нидерл. Pieter de Hooch, Hoogh или Hooghe; 20 декабря 1629, Роттердам — 24 марта 1684, Амстердам) — голландский живописец, который, подобно своему современнику Вермееру, специализировался на изображении повседневных интерьеров и экспериментировал со светом.

О жизни этого известнейшего мастера жанровой живописи, чьи творения бесценны, известно очень мало.
Биография:
Де Хох, будучи сыном каменщика и повитухи, принадлежал к низам голландского общества.

С 1645 по 1647 годы он проходил обучение у Николаса Берхема в Харлеме. В 1650 году де Хох присоединился к купцу Юстусу де ла Гранжу, вместе с которым ездил в Лейден, Гаагу и Дельфт, где он поселился в 1652 году.

В описи имущества де ла Гранжа упоминается 11 полотен де Хоха. В молодости он, подобно другим художникам середины века, работал над грубоватыми жанровыми сценками, зачастую изображающими солдат в тавернах и на конюшнях.

В это время он находился под влиянием творчества Карела Фабрициуса и Николаса Маса.Ранние работы де Хоха долгое время оставались непризнанными, а его поздние произведения были забыты; однако благодаря своему зрелому творчеству, де Хох считается одним из лучших голландских художников XVII в.

Раннее творчество:
Действительно, ранние произведения де Хоха достаточно далеки от работ делфтского периода.

Художник, прославившийся тишиной и поэтичностью своих картин, в начале своего творчества изображал суматоху гауптвахты и постоялых дворов.

Именно эти сюжеты были особенно любимы в Харлеме, где он учился в мастерской Берхема; впрочем, произведения де Хоха почти не отмечены идиллическими и пасторальными тонами этого итальянизированного мастера («Утро молодого человека», Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина;«Пустой стакан», Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена; «Кабаре», Филадельфия, Музей искусства, собрание Джонсона).

Как и его соученик Якоб Охтервелт, де Хох обращается к сюжетам, близким «бамбоччанти», и уже начинает отводить освещению первостепенную роль. Он использует караваджистские приемы — свет, падающий из окна («Партия в карты», Париж, бывшее собрание Перейра), или искусственное освещение («Очаг», Рим, Нац. гал., гал. Корсини), — и изображает фигуры в контражуре.

Его интересует и трактовка внутреннего пространства в интерьерных сценах.

В 1654 женился на Яннетье ван дер Бюрх, родившей ему впоследствии 7 детей. В 1655 году был принят в местную гильдию художников.
Делфтский период: зрелость.
В 1655 де Хох становится членом гильдии живописцев в Делфте, куда переезжает за год до этого, по случаю своей женитьбы.

Крупнейший делфтский художник, Карел Фабрициус, умер в 1654, а Вермер, который был на три года младше де Хоха, еще только начинал свою деятельность.

Де Хох жил в Делфте в 1654-1662; в это время он создал значительную часть своих произведений, сохранив мастерство делфтского периода приблизительно до 1670.

Художник отказывается от первых сюжетов, обращаясь к темам домашней жизни и сценам в интерьере («Чулан», Амстердам, Гос. музей, «Пряха», Лондон, Бэкингемский дворец; «Материнские заботы», Амстердам, Гос. музей) или галантным беседам («Любительница выпить», 1658, Париж, Лувр).

После гаммы приглушенных тонов, в картинах делфтского периода де Хох переходит к тонким цветовым нюансам («Мать», Берлин-Далем, музей; «Стакан вина», Лондон, Нац. гал.).

Свет и воздушная среда подчеркивают анекдотичность сюжетов. Мастерство художника проявилось, в частности, в характере отношений человека с окружающими его предметами; объемы, формы и цвета создают пластичный ритм, заданный фигурой человека («Кружевница», Париж, Нидерландский институт; «Партия в карты», Лондон, Бэкингемский дворец).

Столь же интересна и пространственная концепция де Хоха; в таких работах, как «Дворик дома в Делфте» (1658, Лондон, Нац. гал.; Гаага, Маурицхёйс), «Мальчик с гранатами» (Лондон, собрание Уоллес) художник противопоставляет внешнее пространство замкнутой перспективе комнат, а в картинах «Хозяйка и служанка» (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж) или «Мать» (Берлин-Далем, музей) — быстрые линии сменяющих друг друга планов стремительно уходят в глубину.

Около 1658 года стиль де Хоха изменился, и открылся наиболее значительный период его творчества.

По тонкости письма и геометрической точности композиционного расчета его произведения имеют много общего с работами Вермеера, однако искусствоведы до сих пор не могут прийти к согласию, какой из художников подражал другому.

Де Хох «изображал сцены бюргерского быта (преимущественно хлопоты хозяйки дома), добиваясь особой поэтической одухотворённости в изображении домашней среды, наполненных солнечным светом интерьеров и двориков («Дворик»; «Пряха», около 1658, Букингемский дворец, Лондон; «Хозяйка и служанка», Эрмитаж; «Мать у колыбели», Картинная галерея, Берлин-Далем, оба около 1660, и др.).

В колорите зрелых произведений де Хох преобладают тёплые золотистые тона, обогащенные пятнами чистого цвета.»

В 1660 году художник переезжает в Амстердам.
Амстердамский период:
Неизвестно, почему Питер де Хох покинул Делфт; с 1662 и до самой смерти он жил в Амстердаме. Его последняя работа датируется 1684.

До 1670 он работает еще в делфгской манере, передавая тишину предметов и существ голландских буржуазных интерьеров («Игроки в карты», Париж, Лувр; «У камина», Нью-Йорк, собрание Фрик; «Письмо», Будапешт, Музей изобразительных искусств) или хозяйственные хлопоты, церемонные по своему характеру («Женщина, чистящая яблоки», 1663, Лондон, собрание Уоллес; «Женщина, взвешивающая золото», Берлян-Далем, музей — последняя картина напоминает Вермера, однако речь может идти лишь об эпизодическом влиянии).

Реализм и острота наблюдений де Хоха подтверждаются и тщательностью исполнения его работ. С 1670 и приблизительно до 1684 интимные сцены де Хоха, некогда полные чувственности и сдержанности, становятся более раскованными, напоминая картины Яна Стена («Любовное письмо», Стокгольм, Нац. музей; «Менуэт», 1675, Филадельфия, Музей искусства; «Концерт», Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; «Завтрак», Лондон, Нац. гал.).

Его произведения сохраняют свою значительность, однако в них появляются маньеристические черты, например, свет передается маленькими мазками, формы усложняются («Парк», Виндзорский замок; «Разговор», Лиссабон, Нац. музей старинного искусства).

Возможно, поэтому многие поздние картины де Хоха долгое время приписывались некоторым его современникам (Охтервелту, Хогстратену, Брекеленкаму, Янссенсу), тогда как гармоничные произведения зрелого периода напоминали работы Вермера.

В 1667 году умирает жена де Хоха, что серьёзно повлияло на душевное состояние и творчество художника, он переезжает на окраину Амстердама.

Поздние работы амстердамского периода темнее дельфтских по колориту и менее тщательно выписаны.

В позднем творчестве де Хоха нарастает стремление к внешней эффектности образов.

В 1684 г. де Хох умер в сумасшедшем доме.

Хоукинс, Луис Велден/Louis Welden Hawkins(Символизм)

1849-1910

Луис Велден Хоукинс (фр. Louis Welden Hawkins, 1 июля 1849 Штутгарт или Эслинген — 1 мая 1910 Париж) — французский художник-символист англо-австрийского происхождения.

Жизнь и творчество:

Л.В.Хоукинс родился и вырос в аристократической семье.

Его отец был британским морским офицером, мать — Луиза Споранси, австрийская баронесса фон Велден и дочь фельдмаршала.

Юношу с детстства готовили к военной карьере, однако в 1873 году Хоукинс разрывает отношения с семьёй и уезжает в Париж.

Здесь он изучает живопись в академии Жюлиана, в 1875 году принимает французское гражданство.

В 1881 году его работы впервые выставляются в салоне Общества французских художников.

Первоначально Хоукинс пишет свои полотна в духе символизма и искусства модерн, позднее он известен более как пейзажист, работавший в Бретани и живший на скудные средства.

Созданные им на своих полотнах женские образы близки к подобным у прерафаэлитов.

Картины Л.В.Хоукинса регулярно выставлялись в салонах Национального общества изящных искусств в 1894-1911 годах, а также в Салоне Роза+Крест и в брюссельском La Libre Esthetique.

Л.В.Хоукинс имел самые разнообразные связи и знакомства в различных слоях французского общества.

Среди его друзей были поэты и писатели-символисты Стефан Малларме, Поль Адан, Жан Лоррен, Робер де Монтескью, Лоран Тайад.

С другой стороны, он был близок к ряду политиков-социалистов и руководителям профсоюзного движения.

Хохряков Николай Николаевич(Русский пейзаж)

1857–1928

Хохряков Николай Николаевич — русский живописец, художник-пейзажист, автор интерьеров.

Родился в 1857 году в Вятке в малообеспеченной мещанской семье.

В юности познакомился с приезжавшими летом в родной город художниками Васнецовыми; братья Аполлинарий и Виктор изменили судьбу Николая Хохрякова.

В 1880–1882 годах по протекции Аполлинария Васнецова молодой художник стал бесплатно учиться рисунку и офорту у Ивана Шишкина в Петербурге.

Под влиянием Шишкина, заставлявшего своих учеников зимой, в отсутствии возможности выходить на этюды, копировать фотографии, Хохряков начинает широко использовать фотографию в своих произведениях.

Творчески перерабатывая фотоизображение, заимствуя композицию и сюжет, Хохряков в каждой работе создавал настроение, созвучное своему внутреннему миру.

В 1882 году в связи с материальными затруднениями художник вынужден был возвратиться в Вятку.

Однако приобретенные в столице знания и навыки, а, главное, глубокое убеждение в своем предназначении заставили Хохрякова всерьез взяться за кисти. Работа художника «Выселки» была принята в 1884 году на экспозицию объединения Товарищества передвижных художественных выставок.

В 1886 году художник представил на выставку передвижников тонкий по колориту и лиризму пейзаж «Пасмурный день», тепло встреченный публикой и вскоре приобретенный Павлом Михайловичем Третьяковым.

Решение материальных проблем позволило художнику совершить ряд путешествий, в том числе в 1893 году за границу.

Николай Николаевич Хохряков был участником художественного объединения Товарищества передвижных выставок с 1884 по 1918 год.

Являлся одним из основателей Вятского художественно-исторического музея, первым хранителем картинной галереи этого музея с 1918 по 1928 год.
В начале 1910-х годов художник стал писать интерьерные виды.

В последний период творчества в 1910–1920 годы Николай Николаевич Хохряков создал свои лучшие интерьерные полотна, раскрывшие особенности художественной натуры живописца, подчеркнувшие его творческую индивидуальность.

Работы Хохрякова хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее изобразительного искусства имени А. С. Пушкина.

В экспозиции Вятского музея искусства и старины значатся два интерьера Хохрякова «Комната в доме художника» и «Интерьер в мастерской», подаренные музею автором в 1919-1920 годах.

По мастерству исполнения последняя картина превосходна и, вероятно, написана еще в те годы, когда Хохряков был тесно связан с Московским обществом любителей художеств, живописное направление которого определялось пленэром и задачами светотонального письма, ярко выраженного в «Интерьере в мастерской».

В советское время работа в местном музее и частые болезни не позволили Хохрякову полностью посвятить себя живописи.

Николай Николаевич Хохряков скончался в 1928 году, до последних дней жизни сохраняя работоспособность и желание творить.Музей-усадьба Н. Н. Хохрякова является филиалом ОГУК «Вятского художественного музея имени В. М. и А. М. Васнецовых» в городе Киров.

Христинек Карл Людвиг/Christineck Carl Ludwig(Классический портрет)

1732–1794

Христинек Карл Людвиг (Christineck Carl Ludwig) — российский художник немецкого происхождения.

Родился в 1732 году в семье переселившегося в Россию мелкого предпринимателя. Христинек получил художественное образование в Петербурге, благодаря помощи и поддержке немецкого землячества.

Одним из его наставников был Лука-Конрад Пфандцельт, немецкий живописец, реставратор и смотритель картин Эрмитажа.

В 1761 году Христинек руководил работой по созданию подготовительного картона для мозаичной картины «Полтавская битва», исполненной в мастерской Михаила Васильевича Ломоносова, с этого времени художник и приобрел известность у петербургской публики.

Христинек на протяжении всей жизни работал в Санкт-Петербурге, в основном как портретист. Помимо портретов сановных аристократов и государственных деятелей, Христинек охотно портретировал среднее дворянство, военных, представителей петербургской интеллигенции и немецкой колонии.

По мнению выдающегося деятеля Петербургской Академии наук и директора Академии изящных искусств профессора Якоба Штелина, Карл Людвиг Христинек был «хороший городской живописец и удачливый портретист».

Картины Карла Христинека обычно скромны, без показного блеска, написаны в соответствии с принятыми канонами, исполнены строгой и точной кистью. Цвет в работах Христинека порой жесткий, всегда строго в своих границах, без тонкой нюансировки, особой глубины и богатства колорита, но эта особенность художника компенсировалась уравновешенностью исполнения и благообразием живописи.

Таков, например, портрет графа Алексея Григорьевича Бобринского (1769, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Иногда Христинек писал портреты, используя работы других художников.

Так был исполнен, например, портрет Екатерины II (1780, Государственный Исторический музей, Москва) с оригинала французского живописца Александра Рослина.

Как известно, императрица была недовольна работой парижского художника. Христинек в написании портрета скопировал Рослина, но благодаря иной живописной манере, лик государыни приобрел миловидность и мягкое «сентименталистское» выражение.

В творчестве художника следует отметить наиболее значимые портреты: князя Михаила Михайловича Голицына (1763, Русский музей); обер-прокурора сената, графа Федора Григорьевича Орлова (1768, Приморская картинная галерея); генерал-прокурора, князя Александра Алексеевича Вяземского (1768, Третьяковская галерея); писателя Адама Васильевича Олсуфьева (1773); адмирала Самуила Карловича Грейга (1775, обе картины в Русском музее); статс-секретаря императрицы Ивана Ивановича Козлова (1788, Музей Тропинина и московских художников его времени).

Одним из лучших произведений художника считается портрет графа Алексея Григорьевича Орлова-Чесменского (1779, Государственная Третьяковская галерея, Москва), который изображен уже после выхода в отставку.

Однако он, как положено по канону парадного портрета, одет в адмиральский мундир с орденами святых Андрея Первозванного, Александра Невского и Георгия первой степени. Портрет прекрасно передает непростой характер екатерининского сановника.
За представленный в 1785 году в Академию художеств «Портрет матери» Христинек был признан «назначенным» в академики.

В последующий год исполнил конкурсную программу на звание академика, представив «Портрет адъюнкт-ректора Академии художеств, архитектора Юрия Матвеевича Фельтена» (Государственный Русский музей), однако баллотирование не состоялось, и звание академика художник не получил.

Карл Людвиг Христинек скончался в 1794 году в Санкт-Петербурге.

После смерти мастера наступили долгие годы почти полного забвения.

Между тем до наших дней в картинных галереях и частных собраниях сохранилось около сотни его картин, написанных во второй половине XVIII века, что свидетельствует о большой популярности художника у современников и признании его таланта критиками.

Помимо Эрмитажа, Русского музея и Третьяковской галереи, произведения художника хранятся в Историческом музее и Государственном музее А. С. Пушкина в Москве, в музейных собраниях Владивостока, Кирова, Костромы, Минска, Ростова-на-Дону, Рыбинска, Смоленска, Твери, Томска.

Хруцкий Иван Фомич(Портрет, натюрморт, пейзаж)

1810–1885

Хруцкий Иван Фомич — российский живописец белорусско-польского происхождения, художник-портретист, мастер натюрморта и пейзажа.

Родился в 1810 году в семье греко-католического священника из старинного рода белорусской мелкопоместной шляхты герба «Лелива». Иван Хруцкий получил превосходное образование в Полоцком лицее католического ордена пиаров.

В 1827 году он приезжает в Санкт-Петербург. Здесь до 1829 года он брал уроки у английского живописца Дж. Доу и одновременно занимался в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего ученика.

Копировал в Эрмитаже.В 1833 году Хруцкий поступил в Императорскую Академию Художеств в качестве «постороннего» ученика.

Он обучался в пейзажной мастерской Михаила Воробьева, кроме этого посещал портретный класс Александра Варнека.
В 1836 году за картину «Цветы и плоды» Хруцкий был награжден академическим Советом большой серебряной медалью.

В том же году ему было присвоено звание свободного художника. Картина Хруцкого «Старуха, вяжущая чулок» (1838) близка по стилю к работам художников, не имевших академического образования, к картинам Алексея Венецианова и Василия Тропинина.

В 1838 году за эту работу, а также за натюрморт «Цветы и плоды» Иван Хруцкий был награжден малой золотой медалью. В 1839 году Хруцкий «за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей» был удостоен звания академика.

Пейзажной живописью Иван Хруцкий занимался на протяжении всего последующего творчества («Вид на Елагином острове в Петербурге», 1839; «Вид в имении», 1847; «К святому месту», 1849).
В 1839 году, после смерти отца, Иван Фомич уезжает из Санкт-Петербурга. В 1844 году он приобрёл имение Захарничи в Полоцком уезде (в 20 км от Полоцка), где по собственному проекту построил дом и заложил сад.

С 1845 года И. Хруцкий постоянно жил там.

Умер Иван Фомич 13 января 1885 года; был похоронен в фамильном склепе в имении Захарничи.
Творческая деятельность:
Иван Фомич Хруцкий известен как художник работавший в русле русской академической школы. В историю искусства он вошёл своими натюрмортами.

Первые датированные этюды художника — «Натюрморт с вазой» и «Натюрморт с птичкой» — относятся к 1832 году. Главное направление творчества Хруцкого в этот период — работа над натюрмортом, именуемым в официальных документах как «живопись цветов и фруктов».

В это время он создаёт группу похожих по стилю работ — «Плоды и птичка» (1833); «Фрукты» (1834); «Виноград и фрукты», «Натюрморт с яблоками, виноградом и лимоном», которые отличались простотой композиции.

Вскоре И. Ф. Хруцкий перешёл от ранних постановок, состоящих лишь из нескольких предметов, к значительным по размерам натюрмортам-картинам со сложной композицией, объединяющей множество разнообразных овощей, плодов и цветов: «Цветы и плоды» (1836, 1839); «Натюрморт со свечой», «Цветы и фрукты», «Плоды, фрукты, битая дичь», (все 1830-х годов).

В 1836 году за картину «Цветы и плоды» И. Хруцкий был награждён Академическим Советом большой серебряной медалью.

В том же году ему было присвоено звание свободного художника «во внимание к хорошим сведениям в ландшафтной живописи». Пейзажной живописью Иван Хруцкий занимался на протяжении всего последующего творчества («Вид на Елагином острове в Петербурге», 1839; «Вид в имении», 1847).

Часто пейзаж служил фоном в портретах и жанровых полуфигурах художника. Так, в наиболее значительной его работе 1830-х годов — «Портрет жены с цветами и фруктами» (1838) — молодая женщина изображена у стола, заставленного корзинами с плодами, графином с водой и букетом в керамической вазе.

Фоном для всей сцены служит осенний пейзаж, решённый в багряных тонах. Подобная композиция, представляющая собой некий синтез жанрового портрета, натюрморта и пейзажа, появилась у Хруцкого как дань романтизму.

Если работа И. Хруцкого «Портрет жены» стоит ближе к академическому направлению, представленному такими художниками, как К. П. Брюллов и Ф. А. Бруни, то другая картина «Старуха, вяжущая чулок» (1838) сближает его с художниками, не имевшими академического образования, например, с А. Г. Венециановым и особенно В. А. Тропипиным.

В 1838 году за эту работу, а также за натюрморт «Цветы и плоды» Иван Хруцкий был награждён малой золотой медалью.
24 сентября 1839 года И. Ф. Хруцкий «за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей» был удостоен звания академика живописи.

С этого времени Хруцкий перестает писать эффектные натюрморты.

После переезда в Полоцкую губернию Хруцкий не оставляет занятий живописью, однако теперь в его работах преобладает иная ориентация и иные направления. С 1845 по 1855 годы художник выполнил большое количество работ по заказам своего покровителя — литовского митрополита Иосифа Семашко.

Он пишет иконы для Александро-Невского собора в Ковно (1847), для церкви Святого Иосифа Обручника в Тринополе (1849), пещерной церкви Трёх Мучеников в Вильно (1850—1851); для архиерейского дома в Вильно — 32 портрета лиц духовного звания (в том числе копии с литографий и живописных оригиналов).

Для городской и загородной резиденций митрополита Иван Фомич исполнял виды Вильно и его окрестностей, натюрморты и интерьеры, копии с картин европейских мастеров. В этот период Хруцкий принимает участие в издании так называемого «Виленского альбома» Я. К. Вильчинского — серии литографированных городских видов, выпущенных в Париже.

Ещё одна линия творчества художника в это время представлена изображением интерьеров — своеобразным жанром «в комнатах»: «Мастерская художника» (без года), «Митрополит Иосиф Семашко слушает в своем кабинете доклад секретаря» (1854), «В комнате» (1854), «В комнатах усадьбы художника И. Ф. Хруцкого Захарничи» (1855).

Также в этот период художник часто пишет портреты, которые, как правило, введены в его «интерьеры». В собственно портретном творчестве Хруцкий проявляет себя мастером несколько суховатым и натуралистичным, учеником скорее западной, чем русской школы.

Таковы портреты Иосифа Семашко, Потираловской, неизвестного молодого человека (все 1842).

Портрет Миколая Малиновского (1855) — возможно, лучший из созданного им в портретном жанре. Здесь так же, как и в «Автопортрете» (1884), написанном за год до смерти, Хруцкий усиливает выразительность удачным использованием контрастного освещения — приём, к которому художник прибегал довольно часто.

Кроме единичных, персональных изображений Хруцкий пишет также групповые портреты.

Образцом произведений такого рода может служить «Семейный портрет» (1854) с его суховатой тщательностью в прорисовке деталей и строгой объективностью в передаче сходства изображённых.

Семейная группа (мать и трое детей) представлена на фоне паркового пейзажа. В колористическом отношении это хорошо сгармонированная работа, решённая в сдержанных, приглушённых тонах.

Худояров Высилий Павлович(Исторический и бытовой женр)

1829–1892

Худояров Василий Павлович — русский художник, живописец-портретист, мастер бытового жанра. Родился в 1829 (по другим источникам в 1831) году в Нижнем Тагиле в семье крепостных ремесленников и художников, занимавшихся лаковой росписью и работавших по заказам Никиты Акинфиевича Демидова для его московских и петербургских имений.

Получив вольную, поступил в Академию художеств в 1858 году. Обучался в классе исторической живописи у профессора Алексея Тарасовича Маркова. За академические курсовые работы Худояров был награжден двумя малыми (обе в 1862 году) и двумя большими (обе в 1863) серебряными медалями.

В 1865 году Худояров окончил Академию с присвоением звания классного художника третьей степени. По окончании обучения писал портреты, пейзажи, жанровые картины, обращался к историческим и библейским сюжетам. Работал по заказам императорской семьи.

В конце 1880-х — начале 1890-х годов Худояров исполнил образа для церкви святого Александра Невского при Доме трудолюбия Петровского общества вспоможения бедным, церкви Георгия Победоносца при Генеральном штабе Российской империи, церкви святого Иоанна Предтечи при Мариинско-Сергиевском приюте в Петербурге.
Худояров активно участвовал в академических выставках.

Главным предпочтением в творчестве художника были бытовой жанр и портрет, в поздние годы — пейзажи. Наиболее интересные из картин художника: «Рыболов», 1876; «Портрет княгини О. Н. Амилахвари», 1879; «На берегу залива», 1880-е; «Мальчик, рассматривающий стереоскопические картинки», 1882; «Деревенская девушка», 1884; «Ручей в глуши», 1887.

Картины Василия Павловича Худоярова хранятся в Государственном Эрмитаже («Великий князь цесаревич Александр Александрович», «Графиня Н. А. Зубова», конец 1870-х — начало 1880-х годов), музеях Нижнего Тагила («Исцеление слепорожденного», 1860-е годы), Иркутска («Портрет В. П. Сукачева», 1882), Костромы («Император Петр I за работой») и в картинных галереях других городов.

Возможно, про творчество В.П. Худоярова можно сказать весьма прозаическими словами известной пословицы: «Он пил из маленького стакана, зато своего».

Худяков Василий Григорьевич(Портретный и бытовой жанр)

1825–1871

В 1856 году известный московский купец и промышленник Павел Михайлович Третьяков приобрел первые две картины, положившие начало будущей национальной гордости россиян — Третьяковской галерее.

Одной из этих картин была «Стычка с финляндскими контрабандистами» Василия Григорьевича Худякова.
Худяков Василий Григорьевич — русский живописец, художник исторического, портретного и бытового жанра.

Родился в 1825 году в селе Акшуат Корсунского уезда Симбирской губернии в семье крепостного крестьянина сенатора Ивана Петровича Поливанова.

В 1842-1843 годах учился в Строгановском училище технического рисования в Москве, откуда перевелся в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.

Непосредственным наставником Худякова стал профессор Федор Семенович Завьялов, пригласивший его к себе в помощники при расписывании зала Святых Сеней в Кремлевском дворце. За время пребывания в Московском училище Худяков создал ряд эскизов на библейские и бытовые темы, а также портреты «Старик с палкой» и «Девочка в русском костюме».

В 1847 за представленные работы в Императорскую Академию художеств Худяков был удостоен звания художника XIV класса и награжден большой серебряной медалью.

В 1848 году художник переселился в Санкт-Петербург и поступил вольноприходящим учеником в Академию художеств.

Худяков стал обучаться в классе исторической живописи у профессора Алексея Тарасовича Маркова.

Но в 1850 году Василий Худяков поспешил взять аттестат на звание свободного художника, право на который предоставляла ранее полученная серебряная медаль, и в связи с этим лишился возможности участвовать в академических конкурсах на получение золотой медали.

В Петербурге Худяков писал преимущественно портреты и образа по частным заказам. В 1851 году за портрет ректора архитектуры Абрама Ивановича Мельникова (в музее Академии художеств) был признан академиком.

В начале 1850-х годов Худяков участвовал в росписях Исаакиевского собора в Петербурге, храма имения Топорнина в Симбирской губернии в 1852 году, сельской церкви в имении князя Михаила Викторовича Кочубея в Саратовской губернии (1852–1853), храма в Тульском кадетском корпусе (1854–1855).

Кроме того в эти годы художником были исполнены, помимо портретов разных лиц, картины: «Стычка с финляндскими контрабандистами» (Третьяковская галерея, Москва), «Гонение христиан на Востоке» (приобретена императором Николаем I для подарка греческому королю Оттону) и «Куликовская битва» (куплена московским собирателем древнерусских рукописей, книг и картин Алексеем Ивановичем Хлудовым).

В 1856–1860 годах на собственные средства Худяков совершил поездку по Германии, Франции, Италии. Жил преимущественно в Риме и Неаполе до тех пор, пока Московское общество любителей искусства в 1860 году не вызвало его для занятий в должности преподавателя Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

В том же году за написанную в Италии по заказу графа Григория Александровича Кушелева-Безбородко картину из римского народного быта «Игра в шары» Академия художеств возвела Худякова в звание профессора.

Из произведений художника 1860-х годов достойны внимания картины: «Иродиада с дочерью, ожидающая главы святого Иоанна Предтечи» (1861), «Тайное посещение» (1862), «Кандиоты в ожидании прибытия парохода Аркадион» (1867) и «Правительница Казанского ханства, царица Сююмбике, покидающая Казань» (1870).

Худяков не обладал особенно богатой фантазией, но был прекрасным рисовальщиком и колористом, умевшим прекрасно воспроизводить освещение и достигать большой рельефности изображаемых сцен и образов.

Из работ художника, находящихся в общественных коллекциях, можно упомянуть этюды, писанные масляными красками, и две акварели: «Русские художники на карнавале в Риме» и «Проповедь в итальянской церкви» (в Русском музее в Санкт-Петербурге), а также картины «Стычка с финляндскими контрабандистами», «У гробницы» и «Этюд в Олевано, близ Рима» (в Третьяковской галерее в Москве).

Василий Григорьевич Худяков скончался от холеры в 1871 году в Санкт-Петербурге.

Произведения художника хранятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Киевском музее русского искусства, Ульяновском областном художественном музее, Симферопольском художественном музее и в других картинных галереях.

Хьюз Артур(Иллюстрации,прерафаэлитизм)

1831–1915

Артур Хьюз (англ. Arthur Hughes, 27 января 1831 — 23 декабря 1915) — английский иллюстратор и живописец, писавший в стиле прерафаэлитов.

Наиболее известные картины Артура Хьюза — «Апрельская любовь» (англ. April Love, 1855—56, галерея Тейт, Лондон) и «Долгая помолвка» (англ. The Long Engagement).

Он учился в Королевской Академии художеств и открыл для себя прерафаэлитов, читая журнал «Росток».

В начале творческого пути Хьюз находился под сильным влиянием Миллеса, и так же, как и он, изображал Офелию (например, «Ophelia», 1851—53,

Художественная галерея Манчестера, Манчестер) и писал картины, посвященные произведениям Джона Китса.

Позднее Артур Хьюз иллюстрировал некоторые книги Джорджа МакДональда.

Всего он оставил после себя около 700 картин и набросков, а также более 750 иллюстраций.

Хэнкс Стив(Современная жанровая живопись)

1949–….

Стив Хэнкс (Steve Hanks)один из известнейших американских художников, работающих в технике акварель.
Родился в семье военных в Сан-Диего в 1949.
Всё свое детство провел на побережье Калифорнии.
После того, как его семья переехала в Нью-Мексико, вдали от океана и друзей, он нашел себя в живописи.
Позже окончил Калифорнийский колледж искусств и ремесел в Окленде.
Стив завоевал многочисленные награды и премии. Например, в США в период с 1994 по 1996 год он считался лучшим художником.
Более 170 картин включены в его книгу, которая получила признание даже среди критиков.
В настоящее время художник проживает в Альбукерке, штат Нью-Мексико, вместе

с женой и тремя детьми.

Все его работы невероятно реалистичны. Настолько реалистичны, что многие могут подумать, тут без фотошопа не обошлось.
И все-таки, все работы мастер создает кистью и красками.
Сам Стив Хэнкс — работающий в технике акварели, называл свой стиль “эмоциональным реализмом”…
“Искусство исходит из глубокого внутреннего чувства направления.
Оно начинается с переосмысления своей собственной жизни, с поиска источника ее импульсов и попытки разгадать ее тайны.
Я считаю себя эмоциональным реалистом. Эмоции — это то, что я хочу изобразить.
Реализм — просто мой способ это делать”. Его любимые темы — женщины. Он говорит, “ Женщины занимают отдельную нишу в моей чувствительности.
Они выражают большее количество чувств. Имеется много волшебства в них. ” Их портреты отражают насыщенность и невинность.
Пристально глядят ли они из окна, или опираясь на диван”.

Хэфферен Роб(Современная жанровая живопись)

1968–…..

Роб Хэфферан (Rob Hefferan) – исключительно талантливый художник. Его работы поражают зрителя своей реалистичностью, они раскрывают перед ним уникальный характер образа, передают тепло каждого предмета, а все вместе это открывает зрителю чувства и эмоции, заключенные в картине. Живопись Роба Хэфферана идеально сбалансирована, она одновременно и понятна, и узнаваема. Роб пишет преимущественно маслом и акриловыми красками. Цвет, освещение, фактура – все это разумно гармонирует в его работах, являя свету откровенные картины, которые потрясающе резонируют с реальностью, с жизнью.
Роб Хэфферан родился в Уоррингтоне, Великобритания. С самого детства он больше всего любил рисовать: «С тех самых пор, как я себя помню, я всегда мечтал стать художником. Я помню, как перерисовывал динозавров и космические корабли с книжных иллюстраций, и чувствовал разочарование от того, что мои рисунки не получались такими же красивыми, как в книге». Стремление Роба стать художником не находило поддержки у его родных. И лишь учитель рисования увидел в детских рисунках Роба нечто особенное.

Со временем, Роб перешел от рисунков динозавров к более сложному: он стал копировать работы великих импрессионистов. Во время учебы в школе и колледже, он постоянно участвовал в разных художественных соревнованиях, в которых имел большие успехи. Уверенный, что хочет быть только художником, он проигнорировал советы своих родителей, и поступил в университет в Манчестере, где начал изучать иллюстрацию. Именно в университете он отточил свои навыки в иллюстрации и дизайне, а также определился со своим стилем в живописи — и это был реализм.
Однако через некоторое время Роб Хэфферан оставил учебу, поскольку почувствовал некое разочарование в ограниченной программе обучения. Роб всегда был свободолюбивым и сильным духом, поэтому он решил пойти своим собственным, нехоженным путем. Весь последующий год он тяжело работал, чтобы составить свое портфолио. Он также работал в студии дизайна и иллюстрации, где также мог применить свой талант: его работы использовались в крупных рекламных компаниях и появлялись в качестве иллюстраций к книгам. Но значительный успех в этой сфере не ослепил художника и не отвернул от первоначальной цели стать художником. Все свое свободное время Хэфферан продолжал рисовать, а вскоре стал зарабатывать достаточно денег, чтобы наконец заняться тем, что он любил всем сердцем – живописью.
Работы Роба Хэфферана были представлены общественности в 2001 году и были встречены на ура. С тех пор его популярность продолжает стремительно расти, выйдя за пределы Великобритании и распространившись по всему миру. Rob HefferanRob Hefferan заслуженно считается одним из самых ярких и выдающихся современных художников в Великобритании. Его картины, появляющиеся на выставках-ярмарках, раскупают за считанные часы, что также подтверждает: Роб Хэфферан – восходящая звезда на современной арт-сцене!

Хюбнер Карл Вильгельм(Классическая жанровая живопись)

1814-1879

Хюбнер Карл Вильгельм (Hübner, Carl Wilhelm) 1814, Кенигсберг — 1879, Дюссельдорф. Немецкий художник. Дюссельдорфская школа. Карл Вильгельм Хюбнер родился в 1814 году в столице Восточной Пруссии Кенигсберге. Сын строителя, он должен был идти по стопам своего отца. Но уже признали многие, что он родился для рисования. Он получил свое начальное обучение у художника Джона Эдварда Вольфа. Хабнер, видимо, был настолько талантлив, что позже профессор университета Август Хаген даже нашел спонсора, купца по имени Kaufmann Kahle , кто поддерживал его материально. Кенигсберг в то время был не местом для начинающего художника. Учеба в Берлине стоила слишком дорого.Благодаря своим спонсорам Карл Вильгельм Хюбнер поехал на учёбу в Дюссельдорф в 1837 г., поступив в престижную Академию Художеств.Это не помешало ему в 1838 году заключить брак с прекрасной девушкой Кларой Кэролайн, у них по документам родилось 10 детей. С 1839 по 1841 он был принят в мастер-классе. Его учителями были Карл Фердинанд Sohn, а затем директор Вильгельм фон Шадов.В 1841 г. его основное обучение закончилось. Хюбнер хотел быть жанристом, это было ясно, как и многие другие в Дюссельдорфе. Поэтому, чтобы установить свое собственное имя с 1838 г.он стал участвовать в большых выставках Берлинской академии, но его реальный успех по-прежнему не приходил. С течением времени стали медленно поступать положительные отзывы, которые имели большое значение для последующих продаж. В дополнение к школам живописи в качестве центров в официальныом мире искусства с середины 20-х годов 19-го века появились ассоциации искусства в Германии: в 1823 году в Мюнхене; в Дюссельдорфе не заставили себя долго ждать, и в 1829 году основали своё художественное объединение Рейнская область и Вестфалия. Эти ассоциации, как правило, находились в оппозиции к академиям. Не так было в Дюссельдорфе, где общество искусства было тесно связано с сотрудниками Академии. Например, директор Шадов был одним из основателей Ассоциации искусств. Их главной задачей было найти художника Академии не с высокой репутацией и известностью пейзажиста и жанриста, а художника, который, не имея популярности, мог бы на равных участвовать в конкурсах. Структура художественных объединений в целом была такова, что любители не только самих художников, но и искусства были приняты в ее члены. Каждый член выплачивает ежегодный взнос. Это было использовано в основном для покупки картин художника . В 1845г. Хюбнер выставил свою картину «Право охоты» по самой высокой цене и она была куплена клубом. Эта картина была тогда разыграна среди членов клуба.В клубе среди любителей живописи было много богатых представителей буржуазии. Художник стал богатым через эти продажи. Все это произошло в начальный момент времени, когда создавать частные галереи по-прежнему не имело смысла. Хюбнер был членом арт-клуба, как и почти все другие художники. В связи с сильными личными связями с Академией художники из низших слоёв, такие как жанрист Хюбнер всё-таки были недостаточно представлены. Так Хюбнер сам сам пришел в 1844г. к основанию Ассоциации художников в Дюссельдорфе для взаимной поддержки и помощи. Хюбнер был активным членом его, впоследствии и менеджером, и оставался с клубом всю жизнь. С 1856 был председателем объединения дюссельдорфских художников. Являлся также основателем объединения «Malkasten» («Этюдник»), созданного в Дюссельдорфе во время революционных событий 1848. Молодые художники, входившие в него, не хотели подчиняться академическому уставу; они выдвигали новые цели, стремились к отображению событий современной истории. Хюбнер, как и другие художники объединения (В. И. Хайне, И. П. Хазенклевер), писал сцены из народной жизни, ставя в них актуальную для Германии 1840-х проблему социального неравенства. Стремясь придать жанровой живописи социальное звучание, обращался к злободневным остродраматическим темам . После 1848 в его творчестве преобладали картины на бытовые сюжеты, лишенные социально-критического аспекта.
В «Силезских ткачах» (1844) Хюбнер показал жестокую эксплуатацию рабочих. По мнению Ф. Энгельса, эта картина «одного из лучших немецких художников,… сделала гораздо больше для социалистической агитации, чем это могла бы сделать сотня памфлетов» .Художник изобразил сцену отказа фабрикантом принять вытканное полотно. С острой характерностью передана реакция возмущенных рабочих, безразличие хозяина. В некоторой перегруженности композиции как бы отдельными жанровыми мизансценами, утрированной мимике персонажей ощущается элемент пародии на манеру изображения бытовых сцен в дюссельдорфской Академии. Во время восстания силезских ткачей полотно Хюбнера приобрело широкую известность.