Данный выпуск осуществлен при поддержке проекта Вячеслава Заренкова «Созидающий мир»

Выпуск 144. Агабеков Александр Суренович (Alexander Agabekov) (р.1936).

Герой очередного выпуска Альманаха — Александр Суренович Агабеков — известный советский график, акварелист, гравер и живописец, член Союза художников СССР.

Александр Агабеков родился в Ленинграде. В 1952—1954 годах учился в городской художественной школе, в 1954—1960 годах — на архитектурном факультете Ленинградского инженерно-строительного института, затем в аспирантуре. Параллельно, под руководством А. С. Ведерникова, начал заниматься изобразительным искусством, в частности, цветной литографией.

В 1967 году Александр Агабеков вступил в Союз Художников СССР. Впервые выставил свои произведения в 1960 году; участвовал в более чем двухстах выставках — в составе зональных, республиканских, всесоюзных, международных; осуществил семнадцать персональных выставок. Значительную часть произведений художника составляют коллажи на стекле, в том числе в сложной технике многослойного коллажа, созданной самим автором.

Произведения Александра Агабекова находятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Музее городской скульптуры Санкт-Петербурга, Ереванском Музее современного искусства, других музейных собраниях живописи и графики, а также в частных коллекциях России, стран СНГ, США, Германии, Италии.

Будем знакомиться?

Итак, мы начинаем…

«Жажда экспериментов, свойственная Александру Агабекову, сопровождается уважением художника к традициям. Поэтому его работам свойственно высочайшее мастерство исполнения. Это позволяет произведениям, выполненным художником отличаться изысканностью и декоративной выразительностью, вне зависимости, в каком жанре они созданы» (Л. Трауимане, искусствовед).
«Озеро. (По мотивам Шагала)», 1971 год, бумага, акварель. 59 х 42 см., Музей искусства Санкт-Петербурга ХХ-ХХI веков.

Александр Суренович Агабеков родился 2 ноября 1936 года в Ленинграде в простой рабочей семье. Довоенное детство прошло на родной Петроградской стороне. Годы блокады вместе с матерью провел в эвакуации, вернувшись в Ленинград уже после окончания войны. В городе на Неве окончил среднюю школу. Рано начал рисовать, используя для этого любой подручный материал. Родители увлечению сына не препятствовали.
«В деревне», 1979 год, бумага, автолитография цветная, 50 х 70 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

Позднее увлекся техникой коллажа (особая техника изобразительного искусства, заключающаяся в выполнении графических либо живописных произведений путем накладывания на основу материалов разного цвета и фактуры). «Коллажи начал делать лет 30 назад, а увлекся ими еще с детства, — рассказывает мастер.— Я жил на Лахтинской улице, рядом был Дерябкинский рынок,и мы, мальчишки, туда бегали. Это было после войны. Буквально у ног торговцев на земле лежали картинки под стеклом, такие красивые, что глаз не отвести. Потом я понял, как это диво дивное делалось: брали небольшой кусок стекла, расписывали его цветной тушью, а вниз подкладывали жатую фольгу — серебряную или золотую. Если на картинке небо, то фольга просвечивала незакрашенные кусочки звездочками! Сюжеты простые, из городского фольклора, те же, что и на распространенных тогда ковриках — лебеди, русалки, цветы».
«Клоун», 1980 год, бумага, автолитография цветная, 56 х 42 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

В 1952—1954 годах Александр посещал занятия в городской художественной школе. В 1954—1960 годах учился на архитектурном факультете Ленинградского инженерно-строительного института, затем в аспирантуре. Параллельно, под руководством известного советского графика, живописца и педагога, члена Ленинградского Союза художников Александра Семеновича Ведерникова (1898—1975), начал заниматься изобразительным искусством.
«Воздушный шар», 1987 год, бумага, акварель, 48 х 36 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

«Встреча с Александром Семеновичем Ведерниковым сыграла решающую роль в моей творческой жизни», — писал Агабеков в автобиографии. Именно под его руководством студент архитектурного факультета ЛИСИ начал заниматься литографией. Ведерникову художник обязан пониманием основ «живописной культуры»; он направил его интерес к наследию русского искусства 1910—1930-х годов и повлиял на решение Агабекова оставить профессию архитектора и целиком посвятить себя творчеству.
«В саду», 1969 год, бумага, автолитография цветная, 61,3 х 47 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

Так получилось, что творческий путь Александра Агабекова начался в 1960-е годы, ознаменованные переменами в культурной жизни страны, когда неповторимый русский авангард начала века еще не был открыт заново, а имена Василия Кандинского (1866—1944), Казимира Малевича (1879—1935), Владимира Татлина (1885—1953)и Павла Филонова (1883—1947) еще не были известны широкой публике. При этом именно традиции авангарда, незримая связь с которыми осуществлялась от художника к художнику, от поколения к поколению, стали главной составляющей процесса обновления в послевоенном искусстве. Процесса, в эпицентре которого суждено было оказаться Агабекову, решающую роль в становлении таланта которого сыграла его дружба и тесное общение с учителями, друзьями и единомышленниками — Александром Ведерниковым, Владимиром Волковым, Евгением Ковтуном.
«Натюрморт с бананами», 1976 год, авторская литография, 30х40 см, частное собрание.

В шестидесятых годах Александром Агабековым была создана знаменитая серия литографий с особым лиризмом сюжетов, чистотой цвета и ясными силуэтами фигур и монументальность формы, благодаря которым художник получил заслуженное признание коллег и зрителей. Из городского и крестьянского фольклора он черпал незатейливые мотивы, в которых главенствует атмосфера празднества или воспеваются тихие радости обыденной жизни. Изучение авангарда стало импульсом собственных исканий художника в направлении «минимум средств — максимум выразительности». Обычный предмет или сцена из повседневной жизни преображались в его работах в объект искусства. Как говорил сам Агабеков, его волновало все, что «зацепил» его глаз («Стрижка овцы», 1967; «К обеду», 1969; «Сбор свеклы», 1969; «В избе», 1970; «Маленький флейтист», 1975; «Пара (Вдвоем)», 1979; «Перед спектаклем», 1979). Часто повторяющиеся мотивы переходили из произведения в произведение, со временем обретая все более символическое выражение.
«Стрижка овцы», 1967 год, бумага, автолитография цветная, 64,2 х 48 см., Музей искусства Санкт-Петербурга ХХ-ХХI веков.

В числе первых, кто по-настоящему оценил талант Агабекова, был историк и пропагандист русского авангарда Евгений Ковтун (1928—1996), приведший художника в запасники Русского музея и познакомивший его с произведениями Малевича, Филонова, Кандинского, Татлина. Как говорил сам художник: «Ну а когда только начинал, меня очень поддержал мой друг Евгений Федорович Ковтун, сотрудник Русского музея, пропагандист и историк авангарда. Он водил в запасники, где я видел живопись на стекле Кандинского, Дымшиц-Толстой. Кстати, авангардисты декларировали, что народное искусство, вплоть до вывесок, достойно того, чтобы экспонироваться в Эрмитаже».
«Птичий базар», 1960-е годы, цветная литография, 78 х 61 см., частное собрание.

В дальнейших своих поисках мастер усиливал декоративность и яркость цветовой палитры, а привычные сюжеты обогащал эмоциональными оттенками. Каждый из мотивов, появлявшихся в новых работах художника, привлекал простотой его образного решения, емкостью и целостностью работы, свойственной работам народных мастеров. Совершенствовалось цветовое видение художника, а поиски новых интонаций в колористической гамме произведений постепенно начали осуществляться не только в печатной графике, но и в акварели и темпере.
«Среди скал», 1966 год, бумага, темпера, 42 х 60 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

Каждый мотив, разрабатываемый мастером, будь то простой городской праздник, цирковое представление или спортивное состязание чаепитие или сбор урожая, привлекает в первую очередь своей простотой, емкостью и целостностью образного решения, присущей работам народных мастеров. Эти качества в полной мере раскрылись в акварелях, цветных автолитографиях, живописных полотнах и в уникальной технике многослойного и двустороннего коллажа на стекле. Именно в коллажах в последующем сполна раскрылся добрый, по-детски открытый и, вместе с тем, мудрый и проницательный взгляд художника на окружающий мир.
«Ростральная колонна», 1974 год, автолитография, 16 х 11 см., выставка «Ленинград в эстампе».

«Адмиралтейство», 1974 год, автолитография, 16 х 11 см., выставка «Ленинград в эстампе».

При этом нельзя не отметить, что именно в литографии Александр Агабеков сделал первое самостоятельное открытие — изобрел вибрирующую серебристую поверхность. Оттенки серого цвета в дуэте с создающим зернистость поверхности литографским карандашом, сквозь штрихи которого просвечивала бумага, заставляли поверхность листа вибрировать, наполняли ее воздухом. Изображение становилось похожим на живую материю, в каждом миллиметре которой оживала эмоция. Сюжет отодвигался на второй план, заставляя восхищаться мелодичными ритмами сочетания форм, линий и красок.
«Михайловский сад». 1976 год, бумага, цветная автолитография, 11 х 16 см., Государственный музей городской скульптуры, Санкт-Петербург.

Обостренное чувство пространства, которое Агабекову как архитектору было присуще в полной мере, потребовало новых решений, и они были реализованы в коллажах на стекле. Агабеков использовал жатую фольгу, бумагу и ткань, куски зеркал, соединяя эти материалы с традиционными приемами масляной живописи и стараясь избегать видимых противоречий между ними. Еще больший эффект создавало одновременное использование нескольких стекол — можно сказать, что это явилось собственной находкой художника.
«В деревне», 1978 год, бумага, автолитография цветная, 42 х 56 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

В конце 70-х годов Агабекова пригласили сделать персональную выставку в Москве на Кузнецком мосту. Вот как он сам рассказывал от этом: «Показал там около 30 коллажей, успех обрушился, как лавина; по выражению одного искусствоведа, Москва «околлажилась». На следующий год позвали в Центральный дом литераторов. Когда готовили там экспозицию, пьяный рабочий взял в руки два самых лучших коллажа и так резко поставил на мраморный пол, что они треснули. Я в ту минуту чуть не умер, а он сказал: «Не горюй, дружок», измерил коллажи, побежал в подвал и принес такие же по размерам стекла. Скрепил с треснувшими, получился двухслойный стеклянный «наполеон», и главное — трещин было не видно! И я подумал: а почему бы не расписать второе стекло? Так появился многослойный коллаж, на который и был получен патент».
«Подсвечник», 1979 год, картон, масло, 70 х 50 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

В 1967 году Александр Суренович вступил в Союз Художников СССР. С начала 1970-х годов Агабеков начал уделять особое внимание работе в смешанной технике. Основой большинства его композиций стала акварель, в которую постепенно внедрялись новые материалы — ткань, фольга, бумага, создающие подобие рельефа. Смешанная техника позволяла большую раскованность, а контрасты усиливали остроту зрительского восприятия. В 1970-е годы Агабеков создавал коллажи, в которых в равной степени соединились достижения авангарда (результат знакомства с работами Кандинского и Дымшиц-Толстой на стекле) и его воспоминания о картинках на стекле, выполненных мастерами-кустарями и продававшихся на рынке родной Петроградской стороны.
«Раздумье», 1980 год, бумага, акварель, 52 х 37,5 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

Художник никогда не прекращал свои творческие поиски. В 1990-е годы в своих пространственных композициях, наряду с привычными материалами, Александр Агабеков все чаще стал использовать зеркало. Светоотражающая поверхность обогащала композиции бликами, создавая эффект вибрации. Воспоминания детства, мистерия театра, природа и окружающий мир — в последние два десятилетия сюжетная линия произведений Агабекова мало изменилась.Несколько отдаляясь от внешнего мира, реальность в произведениях художника все более стала воплощать в себе его собственные мысли и переживания. Сюжеты произведений А. Агабекова, как правило, незамысловаты, однако художественное исполнение привлекает внимание и заставляет рассматривать мельчайшие детали его произведений.
«В саду. Из серии «Человек и труд», 1979 год, бумага, цветная автолитография, 58 х 47 см., частное собрание.

Впервые художник выставил свои произведения на суд зрителей в 1960 году. С тех пор он принял участие в более чем двухстах выставках — в составе зональных, республиканских, всесоюзных, международных; осуществил семнадцать персональных выставок. Его первая персональная выставка в Государственном Русском музее с успехом прошла в августе 2001года. В пяти залах Строгановского дворца, являющимся филиалом Русского музея, тогда было представлено около ста работ художника середины 1970-х — 2001 годов. Среди них — произведения печатной графики, акварели, смешанной техники. Однако, наибольшую часть составляли коллажи на стекле, в том числе в сложной технике многослойного коллажа, созданной самим автором. Не менее значительная выставка произведений Александра Агабекова состоялась в Строгановском дворце и в мае-июне 2015 года.
«С бочками», 1979 год, бумага, цветная автолитография, 46 х 65 см., частное собрание.

В 1982 году Александр Суренович получил приоритетную справку на изобретение во ВНИИ патентной экспертизы Д «Коллаж Агабекова. Способ его изготовления и применения». Изобретение, которое называется «витражный триплекс», настолько захватило автора, что несколько лет спустя он приобрел лицензию на руководство персональной творческой архитектурной мастерской.
«Воздушный шар», 1987 год, бумага, акварель, 48 х 36 см., Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков.

Александр Агабеков и сегодня убежден, что его новшество будет пользоваться спросом, потому что позволит возводить дешевые, нетрудоемкие стеклянные сооружения и вполне возможно появление не только стеклянных коттеджей, но и стеклянных городов. Всю свою творческую жизнь Александр Агабеков неустанно пропагандирует свои достижения на многочисленных персональных выставках. Сегодня его работы украшают экспозиции Русского музея, Третьяковской галереи и Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, а достижения Александра Агабекова— это убедительное доказательство жизненности эстетики русского авангарда XX века.
«К празднику» из серии «Человек и труд», 1980 год, бумага, цветная литография. 47,5х58,5 см., частное собрание.

Данный выпуск подготовлен по материалам:

1. Александр Агабеков. Каталог выставки петербургского художника Александра СуреновичаАгабекова. Palace Editions, 2015. ISBN 978-5-905704-15-4.
2. Лев Мочалов «Александр Агабеков. Выставка произведений. Каталог». Изобразительное искусство, 1984.
3. Справочник членов Союза художников СССР. Том 2. — М: Советский художник, 1979.
4. Центральный Государственный Архив литературы и искусства. СПб. Ф.78. Оп.8.ч.2. Д.382.
«Натюрморт с огурцами», 1970-е годы, цветная авторская литография, 37 х 49 см, частное собрание.

Внимание! Авторские права защищены. При перепечатке, ссылка на автора — обязательна! © Copyright: Студия-И, 2021.

Выражаем искреннюю благодарность президенту фонда «Созидающий мир» (www.sozmir.ru), заслуженному строителю России Вячеславу Адамовичу Заренкову за поддержку в создании и публикации данного выпуска.

Эти произведения могут быть защищены авторским правом. Они размещены на сайте в соответствии с принципом «добросовестного использования» (fair use).

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра с информационно-образовательной целью. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.

Данные материалы сайта предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается.